12 Utopias Visuales Almude Garcia Y Beatriz Guerra

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12 Utopias Visuales Almude Garcia Y Beatriz Guerra

  1. 1. Capítulo 12 : Utopías visuales y educativas.     La Educación Artística como aprendizaje de le libertad individual y colectiva en una sociedad mejor para todas las personas
  2. 2. 1-¿ De que dos fuentes brota todo proyecto de Educación Artística, educativo y todo proyecto artístico? Todo proyecto de Educación Artística, al igual que todo proyecto educativo y todo proyecto artístico, brota de dos fuentes: una del conocimiento, es decir, lo que sabemos sobre educación y lo que conocemos sobre arte; y otra del deseo, lo que nos gustaría o lo que desearíamos que fuese el arte y de lo que nos gustaría o desearíamos que fuese la educación
  3. 3. 2.-¿Qué cinco conceptos del pensamiento utópico hay que poner en relación y que cinco cualidades son imprescindibles? El pensamiento utópico tiene que poner en relación cinco conceptos fundamentales: Arte, Educación, Persona, Sociedad y Vida, con cinco cualidades imprescindibles: Libertad, totalidad, Universalidad, Perfección y Deseo
  4. 4.   3.-¿ que diferencia existe entre el pensamiento de Tolstoy y Morris? Tolstoy y Morris descubrieron que pensar la Educación Artística es imaginar un nuevo arte en una nueva sociedad mejor. Sus ideas y proyectos son prácticamente coetáneos. Cada uno enfocó aspectos diferentes porque respondían a dos contextos distintos: Tolstoy a la confrontación entre arte “culto” y arte “popular” en el ámbito rural y Morris a las consecuencias de los productos y procesos industriales en una sociedad urbana tolstoy Morris
  5. 5.   4.-¿ Y como debe ser el arte del futuro? <ul><li>Tolstoy consideró que el arte del futuro debería ser más universal en todos los sentidos, para que en su producción y en su disfrute pudieran participar todos los seres humanos. Según el no debería ser un arte basado en la habilidad técnica sino en la claridad, la sencillez y el buen gusto. Así participarán todas las personas y el patrimonio artístico universal quedaría enormemente enriquecido por las obras de todos lo que ahora quedan excluidos </li></ul>
  6. 6. 5.-¿Cómo considera William Morris el arte? Para W. Morris el arte no debe ser considerado la actividad especializada de unos pocos artistas que queda concentrado en unas pocas obras maestras, sino que el concepto de arte debe abarcar el conjunto de la cultura material y a la naturaleza misma
  7. 7. 6.-Según Morris ¿ Cuál son las necesidades básicas para la conservación de la naturaleza? <ul><li>La necesidades básicas para la conservación de la naturaleza, en primer lugar deben ser, un trabajo decoroso y digno, lo cual implicaría dar la oportunidad de capacitarse para el trabajo mediante la educación debida...; la segunda necesidad es que exista un ambiente decente, lo que implica </li></ul><ul><li>buenas viviendas, </li></ul><ul><li>amplio espacio, </li></ul><ul><li>c) orden y belleza general. </li></ul><ul><li>Lo que quiere decir que nuestras casas deben estar bien construidas, deben ser limpias y saludables, debe existir abundante espacio verde en nuestras ciudad y deben estar bien decoradas </li></ul>
  8. 8. 7.-¿ Cuál es la fuente principal del arte? La fuente principal del arte es el trabajo humanizado en equilibrio con la naturaleza y con el propio ser humano “ La fente principal del arte es el placer del hombre en su trabajo cotidiano y diario, que se expresa y toma cuerpo en el trabajo mismo. Ninguna otra cosa puede hacer bellos los ambientes normales de la vida, y siempre que éstos son bellos indican que su trabajo proporciona placer al hombre, aunque puedan sufrir por otras cosas”
  9. 9. 8.-¿Qué problemas existen entre el arte y la Educación Artística según Morris Los problemas del arte y de la Educación Artística no son unos problemas desconectados de los contextos sociales. Los problemas del arte y de la Educación Artística son problemas sociales, y sus soluciones son soluciones sociales: ...una reforma artística basada en el individualismo está llamada a perecer con los individuos que la han iniciado. Tanto mis estudios teóricos como mis continuos conflictos con el fariseísmo de la sociedad moderna, me han impuesto la convicción de que el arte no puede tener una vida y un desarrollo auténticos bajo el actual sistema de comercialización y búsqueda de beneficio
  10. 10.   9.-Según Morris como debe ser el arte del futuro? El arte del futuro para William Morris no será el resultado del talento de unos pocos artistas sino la manifestación del bienestar colectivo: “ No creo en la posibilidad de mantener el arte vigorosamente vivo gracias a la actividad, por enérgica que sea, de unos pocos grupos del hombres especialmente dotados y de su reducido círculo de admiradores, en medio de un público incapaz de entender y de gozar de su trabajo. Mantengo firmemente la opción de que todas las escuelas de arte valiosas deberán ser en el futuro, como lo fueron en el pasado, resultado de las aspiraciones del pueblo hacia la belleza y del gozo auténtico de la vida...estas aspiraciones del pueblo hacia la belleza pueden nacer tan solo de una situación de igualdad práctica de condiciones económicas entre todos los hombres  
  11. 11.   10 – Conceptos que nos permiten explicar y comprender un contexto artístico según Kandinsky, Read y Lowenfeld   Kandinsky demostró la viabilidad de las imágenes abstractas, descubriendo cómo la calidad plástica de una imagen no radica en su realismo sino en la armonía orgánica de las relaciones entre los elementos básicos del lenguaje plástico: punto, línea, plano, textura, color. Las normas sintácticas y compositivas que rigen las reilaciones entre estos elementos permitirán una infinidad de expresiones, de modo semejante a como sucede en la música. La intensidad de casa obra dependerá de la necesidad o resonancia interior de cada forma que brota del espíritu humano al confrontar las capacidades racionales con las intuitivas   Read recuperó el más abstracto de los conceptos estéticos, el de proporción, para explicar las cualidades de cualquier forma en cualquier dominio artístico, música, poesía, danza, pintura, etc,y acudió a las clasificaciones de tipologías para justificar la notable diversidad de los distintos modos de expresión humana.   Lowenfeld obtuvo pruebas empíricas de la creatividad espontánea y natural que anida en todas y cada una de las personas, incluso en aquellos dominios o actividades para los que aparentemente parecen menos capacitados ( ejemplo, el dibujo o la escultura en las niñas y niños ciegos); y de la dualidad de estrategias perceptivas y cognitivas que encierran la naturaleza humana.
  12. 12. 11.-¿Qué es la bauhaus?¿ Que propone? La Bauhaus ha sido una de las instituciones educativas, más efímeras e itinerantes, pero también una de las de mayor impacto en la Educación Artística del siglo XX. La Bauhaus fue un fabuloso y complejo universo de ideas artísticas, proyectos educativos y actividades políticas y sociales, dirigidos a demostrar que en una sociedad industrializada la actividad artística no puede permanecer al margen de la dinámica general de la sociedad, como un reducto aislado e individualista y que las obras artísticas no deben ser objeto singulares y desconectados del conjunto de la cultura material. Además superó la dicotomía entre bellas artes y artesanía, entre arquitectura e ingeniería, entre belleza y funcionalidad   Propone reunir en una unidad todas las formas de creación artística, reunificar en una nueva arquitectura, como partes indivisibles, todas las disciplinas de la práctica artística; escultura, pintura, artes aplicadas y artesanado. El fin último, aunque remoto, de la Bauhaus es la obra de arte unitaria- la gran arquitectura-, en la que no existe una línea de marcación entre el arte monumental y el arte decorativo..y fundará una comunidad de trabajo de hábiles artistas artesanos que trabajarán con una perfecta unidad de intenciones y con una mancomunidad de concepciones artísticas en la realización de obras arquitectónicas en toda su complejidad de aspectos
  13. 13. 12.-Según Kandinsky ¿ Que pasos debe seguir la constitución de la nueva ciencia de la pintura? La constitución de la nueva ciencia de la pintura debe seguir, según Kandinsky, un proceso tan claro y minucioso como en cualquier otra ciencia: en primer lugar, es necesario determinar cuántos y cuáles son los elementos básicos del sistema; en segundo lugar, hay que organizar y clasificar esos elementos básicos o primarios; tercero, hay que analizar las cualidad o características de cada elemento básico; y en cuarto lugar, es necesario descubrir las leyes y principios que regulen las relaciones, combinaciones e interacciones mutuas entre los elementos primarios
  14. 14. 13.-¿ Como se esquematizan las conclusiones llegadas por Kandinsky? Las conclusiones a las que llegó Kandinsky en 1911, pueden esquematizarse, muy sintéticamente, del siguiente modo   a)      elementos; la pintura consta de formas y colores b)      clasificación: las formas pueden ser figurativas o abstractas, los colores pueden ser fríos o calientes, claros u oscuros c)      la ley que regula la relación entre los elementos es: hay concordancias entre agudo-amarillo-claro y entre redondo-azul-oscuros
  15. 15. 14.- ¿ En que consiste la Teoría de la Educación Artística de Herbert Read?. Herbert Read elaboró una teoría de la Educación Artística acorde con el panorama del arte moderno, cuyo rasgo más característico para él es la pluralidad de estilos artísticos conviviendo todos juntos. Así como en el pasado había un único tipo de estilo artístico predominante en cada momento histórico, el arte del siglo XX se caracteriza por la diversidad de tendencias. Read para explicar la radical pluralidad del nuevo panorama en las artes, recurre a dos principios. Uno los conceptos de forma y de proporción, que reúnen y unifican las diferentes manifestaciones y especialidades artísticas.   El proceso educativo consiste en reconocer la variedad de tipos de personalidad y dirigir a cada niño o niña hacia su forma natural de expresión, aceptando la diversidad de estilos como algo enriquecedor y positivo para el conjunto de la comunidad
  16. 16. 15.-¿ cuales fueron los dos descubrimientos decisivos de Lowenfeld? Lowenfeld hizo dos descubrimientos decisivos. Uno, si las personas ciegas son capaces de desarrollar actividades creativas en el dominio para el que están menos capacitadas ya no puede haber ninguna duda sobre la intensidad y universalidad de la capacidad creativa. La creatividad es un instinto que poseen toda las personas, un instinto con el que hemos nacido. Es el instinto que usamos primariamente para resolver y expresar los problemas vitales En segundo lugar, Lowenfeld pudo demostrar que la capacidad creativa no solo era universal sino que se manifestaba de dos modos diferentes, igualmente naturales. Demostrando la existencia de dos tipos creativos diferentes, basados en dos reacciones distintas hacia el mundo de la experiencia. A lo largo de este estudio se halló que la actividad imaginativa, incluyendo la habilidad para dotar de referencias objetivas a las creaciones de la imaginación, de ninguna manera depende de la capacidad de observación perceptiva. Además, se ha mostrado que la incapacidad perceptiva para apreciar objetos” visuales “ no es siempre inhibitoria de actividades creativas
  17. 17. 16.- De su primer descubrimiento deriva sus dos principales recomendaciones para la la escuela ¿ Cuales son? Las dos recomendaciones para la escuela son las siguientes:   a)  a)    Por lo tanto es fácil comprender que cualquier corrección hecha por el profesor que se refiera a la realidad y no a la experiencia del niño interfiere muchísimo con la propia expresión del niño b)    b) ¡Nunca imponga sus propias imágenes a un niño! Cualquier forma de expresión excepto las propias del niño le es ajena. Nosotros no deberíamos ni influenciar ni estimular la imaginación del niño en ninguna dirección que no sea propia de su pensamiento y percepción. EL niño tiene su propio mundo de experiencias y expresión.. Por consiguiente, ¿nunca hay que preferir el trabajo creativo de un niño más que el de otro! ¿ Nunca hay que mostrar el trabajo de un niño como ejemplo para otro! ¡ Nunca hay que dejar a un niño copiar nada!
  18. 18. 17.-¿ Cual fue la consecuencia educativa de la demostración experimental de la idea de Lowenfeld? La consecuencia educativa de la demostración experimental de esta idea fue que consiguió acabar con la homogeneidad de los métodos tradicionales de enseñanza del dibujo basados en la copia de láminas, ya fueran de modelos artísticos o de ejemplos geométricos, en la escuela primaria y secundaria. La libertad, la espontaneidad y la creatividad personal comenzaron a ser reconocidos como los principales valores educativos en Educación Artística  
  19. 19. 18.-¿ que diferencias existen entre Lowenfeld y Read? Lowenfeld escribió y dictó sus conferencias, siempre a partir de su experiencia docente directa con niños y niñas de diferentes edades y en diferentes contextos escolares y terapéuticos. A diferencia de H. Read que no pretendió tanto completar una teoría perfecta y exactamente coherente sobre la Educación Artística, como propiciar una concepción de los procesos de enseñanza y aprendizaje de las artes visuales que pudieran resultar plenamente útiles y convincentes para la mayoría del profesorado. Posiblemente su necesidad de enunciar un modelo teórico completo era menor que en otros autores, quizás porque como buen maestro, conocía demasiado bien lo difícil que es organizar perfectamente el conjunto de la compleja realidad del aprendizaje, de la imaginación y los deseos en arte
  20. 20. 19.-¿ En que consisten las propuestas realizadas por Reinhardt , Kaprow y kosuth?   a)      Las propuestas educativas de estos artistas señalan tres vértices o puntos limité, de la figura que han dibujado los movimientos y tendencias en artes visuales y en Educación Artística en la segunda mitad del siglo XX, aunque todavía no podamos establecer con seguridad de qué figura se trata, ni cuantos lados tiene.     b     Sus ideas representan adecuadamente a algunos de los más importantes movimientos artístico: el minimalismo, las “perfomances· o arte de acción y el arte conceptual, con mayor repercusión en el panorama contemporáneo.     c)      No están en la línea de la realización de deseos que puedan cumplir o satisfacer los desarrollos tecnológicos  
  21. 21. 20.-¿ Cómo considera el arte Reinhardt? La posición artística y educativa que Reinhardt fue depurando y elaborando a lo largo de su vida hay que entenderla como un arduo, difícil, riguroso y radical método de ascesis místico-artística, que nos permitirá librarnos de lols errores y desviaciones habituales en el mundo artístico y conseguir, finalmente, que nos centremos solo en el arte: en el “ arte-como-arte “ y nada más que en el arte   Reinhardt acuñó un nuevo término para su concepto de arte: “ arte- como- arte”, y lo elaboró a través de una amplia secuencia de textos.
  22. 22. 21.-¿ según Reinhardt con que son las cosas que hay que evitar En primer lugar, hay que acabar con todas las preocupaciones por las cualidades plásticas de un cuadro dirigidas a convertirlo en una obra personal de autor: no a la firma, nada de pinceladas ni de caligrafías, nada de texturas ni de grandes tamaños, no a la marca registrada. Hasta ahí podría considerarse una simple diatriba contra el expresionismo abstracto, el movimiento de vanguardia de mayor éxito en aquel momento y en el que él también había participado , y del que se separó, entre otras razones por considerarle excesivamente subjetivo personalista.   En segundo lugar hay que deshacerse de todas las preocupaciones por las cualidades formales en las que desde antiguo se ha sostenido la pintura: no a la línea, no al color, no al espacio, no al volumen , no a la luz, no al movimiento, no al diseño, no al tiempo. El color es solo apariencia y embellecimiento, el espacio no deber ser ni plano ni profundo, el movimiento es cambio y todo cambia en este mundo menos el arte, que deber ser inmutable   Por último hay que ser capaz de deshacerse y superar todo lo demás. Todo lo que habitualmente forma parte de las preocupaciones del artista en un cuadro y que lo alejan o desvían del arte: no a la forma, no al tema, no a los símbolos, no a los signos, no a las imágenes
  23. 23. 22.- Conceptos básicos para comprender las artes visuales. Según Kaprow. Kaprow propone tres conceptos básicos para comprender la situación actual de las artes visuales y sus consecuencias educativas. El primero es “ arte- arte”, que corresponde al arte tradicional, a los objetos y actividades habitualmente reconocidas como arte por la mayoría de las personas. El arte- arte se toma el arte seriamente. Presume, a menudo disimuladamente, de una cierta excepcionalidad espiritual, de una posición superior...Es innovador, pero en su mayor parte según las condiciones de una tradición de referencias y movimientos profesionalizados, el arte engendra arte.   EL segundo concepto es “ Anti- arte”, para definirlo Kaprow prefiere poner ejemplos concretos. Este tipo de obras fueron únicamente posibles en el pasado, en las décadas iniciales del siglo XX, porque las que entonces se produjeron fueron capaces de alcanzar sus propósitos y objetivos: ampliar y corroer los antiguos límites del arte. Ya no es posible continuar trabajando o seguir insistiendo en esta línea, que fue enormemente interesente en su momento   Únicamente queda una sola posibilidad para el futuro. El “ No – arte”, cualquier cosa que no hay sido todavía aceptada como arte y que acapare en un momento dado la atención del artista con esta posibilidad “ in mente” El no- arte existe solo efímeramente, como algunas partículas subatómicas, o quizás solo como un postulado, porque justo en el momento en el que se da publicidad a cada nuevo ejemplo y este es reconocido como arte, exactamente en ese momento deja de ser un nuevo concepto de arte vivo y candente.  
  24. 24. REALIZADO POR : <ul><li>ALMUDENA GARCÍA RUANOVA </li></ul><ul><li>BEATRIZ GUERRA RECIO </li></ul>

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