Proyecto de música

Proyecto de Música
Nombre:
Cristopher Alexis Flores Huancayo
Curso:
V07 Educación Empresarial
Año
2013-2014

Título o Tema
MÚSICA

Justificación
El motivo de esta investigación es para dar
a conocer más información referente a la
música, los aportes que habrá en este
documento serán sobre la historia de la
música, instrumentos, etc.
Quien ame la música se verá beneficiado
con esta información.

Problematización
¿Qué es Música?
La música, como toda manifestación artística, es un producto
cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética
en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias,
pensamientos o ideas.
La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del
individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas
funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

Objetivos
Objetivos generales
- Apreciar el papel de la música como elemento clave en la
identificación cultural de los pueblos y culturas.
- Conocer y respetar las manifestaciones artístico-musicales de
otras culturas.
- Familiarizarse y tomar contacto con instrumentos y músicas de
otras culturas.
- Fomentar la participación colectiva como medio de potenciación
de valores que ayudan a la convivencia: compañerismo,
solidaridad, trabajo en grupo…
Objetivos específicos:
- Familiarizarse con los ritmos propuestos y relacionar ritmos
con lugares geográficos a través de los instrumentos aportados.
- Explorar los diferentes instrumentos aportados para conocer
sus propiedades sonoras y posibilidades de uso musical y
expresivo.
- Conocer el país y la cultura originaria de algunos de los
instrumentos que se muestran.
- Disfrutar con la realización de música en grupo, siguiendo
patrones rítmicos sencillos.

Marco Teórico
Efecto Mozart, escrito por resina Uriarte quien es una
licenciada en filosofía letras y diplomada infantil.
Este articulo nos habla de los niños entre 3 y 12 años representa
la capacidad de concentrase al estudiar para un examen, para el
desarrollo de habilidades matemáticas y de recordar y
memorizar. La música de Mozart puede ser capaz de activar área
del cerebro que otros tipos de música no pueden activar. Este
articulo se relaciona con nuestra pregunta de investigación
¿PUEDE LA MUSICA CLASICA (O INSTRUMENTA)
DISMINUIR LOS NIVELES DE RUIDO DE LA INSTITUCION?
Ya que habla que al escuchar música clásica durante unos minutos
provoca un aumento del rendimiento intelectual.
Para la Concentración, escrito por el profesor de la
universidad de toreado Stephen christmas en el 2008 sicólogo
del estudio.
Este artículo nos habla de la reproducción de música mientras se
estudia, permite que el hemisferio derecho a “disfrutar de sí
mismo” y no aburrirse mientras se hace algo que normalmente
seria muy aburrido.
Y que existen diferentes tipos de música que nos pueden llevar a
la concentración dependiendo del gusto de cada persona, pero
aun así es mucha más efectiva la música clásica o instrumental
para estudiar. Este artículo se relaciona con nuestra pregunta de
investigación, ya que habla que toda la música se hace igual a la

hora de tratar de concentrarse. Cualquier cosa con letras puede
resultar más perjudicial que útil.
Conocer el cerebro a través de la música, escrito por
Robert zatorre quien es un científico que estudia la percepción
musical en el cerebro.
Nos habla que la música despierta emociones y trae recuerdos, si
la música no fuera placentera no existiría porque sabemos que la
música funciona dentro el sistema nervioso y toca casi todas la
funciones neuronales (motoras, emotivas, media).
Este articulo se relaciona con nuestra pregunta de investigación,
ya que habla que hay música que se comparan de diferentes
maneras como ponerse a cantar o a llorar y así se desconcentran.
La música es una característica que se debe potenciar y
desarrollar desde edades más tempranas.
La primera etapa de la vida, que es la infancia, pues sería mejor
el desarrollo intelectual, físico, emocional. La creatividad e
imaginación, pues esta contribuirá a adquirir técnicas que le van a
permitir como el lenguaje que medios expresivo y tendrán gran
importancia para moldear la personalidad del ser humano en
todas las dimensiones cultivando el espíritu, mente y cuerpo

Formulación de Hipótesis
Charles R. Darwin el gran naturalista; cree que en los gritos de
los seres humanos tiene que haber gritos de amor, quizás un
canto primitivo era el instrumento masculino de declarar el amor.
Si esto fuera real, en las canciones de los nativos dominarían las
canciones de amor, pero no es así.
Tampoco encontramos en los pueblos primitivos canciones de
trabajo, a las que Karl Buecher considera como punto de partida,
según él los seres humanos tenían antes los gritos rítmicos para
facilitar más un trabajo en común.
Pero nuestros conocimientos actuales nos enseñan que entre los
primitivos casi nunca existía el trabajo en común y que mucho
menos se desarrolla con cierto ritmo musical.
Mas real parece ser la idea de Carl Stumpis, Psicólogo; fundador
de la música alemana; dice que la música pudo haber salido de
gritos de comunicación , decía que la lengua no era suficiente
como medio de comunicación cuando pastores, cazadores, y otros
querían comprenderse a distancias grandes, entonces se levanto
la voz hasta lo más alto de su volumen y así llegaba más lejos,
quizás en sonidos agudos y uniformes , y a consecuencia de esto
en conexión con la lengua, podrían haberse creado poco a poco los
motivos musicales. Finalmente hay otra hipótesis , la significación
de la música como una lengua de sonido gutural agudo , según
Rousseau Herder, y también Hevert Spencer, estaban
convencidos de que los acentos de la modulación de lo que
llamamos “melos” de la lengua , se han creado las primeras piezas
musicales.

Curt Sachs (1889-1959)se acerca mucho a ello cuando cree de
las primeras entonaciones ,enormemente afectuosas ,han salido
tanto la lengua que sirve íntegramente como medio de
comunicación como el canto espontáneo sin origen ninguno.
Aunque nos basamos en simples suposiciones, cuando hablamos de
los principios de la música ,podemos hacer un retrato bastante
correcto partiendo de la música de los grupos de seres humanos
que existen todavía en la actualidad y así acercarnos mas a la
cuestión: ¿qué es música?.
Encontramos culturas semejantes en la Tierra de Fuego
(Sudamérica),en la Wedda (melodía estrecha),utiliza solamente
dos, tres o cuatro sonidos en motivos cortos y muchas veces
repetidos en escala descendente de simples y rítmicas
proporciones ;casi como dos valores de tiempo comparados que
,en su ritmo binario ,nos recuerda el movimiento natural del
humano al andar.
Poco mas tarde aparecen construcciones musicales que también
constan de muy pocos sonidos, pero que incluyen intervalos más
grandes, que parecen gritos, tales como quintas y cuartas.
A los comprensibles elementos constituidos por sonido y ritmo se
unen además en la música primitiva otras propiedades de
expresión, de voz, de dinámica y agógica, en fin que son difíciles
de definir.

Metodología (Identificación de variables, Indicadores)
“La música es el arte más directo, entra por el oído y va al
corazón”
A principios del siglo XX surge la necesidad de racionalizar y
sistematizar la enseñanza musical que hasta entonces se reducía
a adquirir cierta habilidad instrumental o compositiva.
El movimiento de revolución y renovación pedagógica conocido
como “Escuela Nueva” da a la música el impulso definitivo. Con
ella se termina el tradicionalismo y se instauran los principios de
Libertad, Actividad y Creatividad en la Educación.
A partir de los años 20 y 30 comienzan a notarse sus efectos en
la pedagogía musical, donde surgen pedagogos como Jacques
Dalcroze, cuyo pensamiento es el punto de partida de la larga
serie de transformaciones llevadas a cabo más tarde por Willens,
Kodaly, Orff y otros.
Las corrientes pedagógicas-musicales del XX parten de la idea
de que la música forma parte de la realidad del niño. Así la
Educación Musical puede ser atendida en una doble vertiente:
Educación para la música y Educación a través de la música. A
partir de ésta última surge la integración de la Música en la
escuela, para que esté al alcance de todos y no de unos pocos.
Aquí la música pierde el carácter elitista que tenía en el siglo
XIX.
En la actualidad siguen apareciendo métodos que aportan nuevos
enfoques a partir del trabajo directo con los niños, sin cambiar
los principios básicos generales.

MAURICE MARTENOT
Se basa en la invención y la improvisación colectiva, vincula los
elementos musicales a los del lenguaje. Su principal aportación es
hacer constancia de la necesidad de intercalar momentos de
relajación y juegos de silencio en el desarrollo de la actividad
musical. Así propone diferentes ejercicios de relajación y
respiración para favorecer la concentración: sentarse o echarse,
ojos cerrados, escuchando los sonidos del ambiente, balancearse,
moverse como un muñeco de trapo, contrastes entre movimientos
de tensión y relajación.
MÉTODO SUZUKI
Es la más importante aportación oriental a la educación musical
de occidente. La enseñanza individual será el punto de partida de
la educación musical que llegará a su plenitud con la práctica
musical en grupo.
Se basa en el aprendizaje instrumental (inicialmente el violín
aunque ya se ha extendido a otros instrumentos) y el proceso
educativo involucra a niños, padres y educadores.
En la actualidad siguen apareciendo nuevos métodos que son
adaptaciones o renovaciones de los anteriores que surgen de la
experiencia directa del trabajo en el aula.
En conclusión, la experiencia directa en el aula y las adaptaciones
de dichos métodos a la diversidad socio-cultural han permitido
sucesivas actualizaciones, es por ello que todos son importantes y
su conocimiento permite al maestro elegir lo más idóneo para
trabajar en cada momento, elaborando su “método personal” de
acuerdo con el contexto educativo y su propia experiencia.

Técnicas de Investigación
Qué investigar.
1. Concepto de investigación. Pasado, presente y futuro de la
Música en el sistema educativo e investigador. Concepto de
Historia de la Música. Concepto de Ciencias de la Música /
Musicología. Modernidad y Musicología; Posmodernidad y
Musicología. Influencia de ambas concepciones en la investigación
musical.
2. Pluridisciplinar edad de la investigación musical. Las
Ciencias de la Música y las Ciencias Históricas. Las Ciencias de la
Música y las Ciencias Literarias. Las Ciencias de la Música y las
Ciencias Humanas: Etica y Moral; Estética y Psicología;
Sociología; Teología y Creencias. Las Ciencias de la Música y las
Ciencias Exactas y/o Experimentales: Matemáticas; Acústica y
Organología; Fisiología y Anatomía. Las Ciencias de la Música y
las Ciencias Auxiliares.
3. Las diversas Metodologías en la investigación histórica. En
la Investigación Musical. El Método Formalista. El análisis
musical. El Método Sociológico. El Método Iconológico e
Iconográfico. Concepto de Iconología e Iconografía musicales. El
método estructuralista. Postmodernidad versus Modernidad:
Musicología posmoderna versus musicología moderna. Concepto
de Cultura.
4. Las Fuentes. Concepto de Fuentes de las Ciencias de la
Música. Fuentes Primarias y Fuentes Secundarias. Fuentes
Monumentales: Repertorios más importantes. Fuentes Teóricas y
Didácticas. Fuentes Históricas y Administrativas. Fuentes
Filosóficas y Estéticas. Fuentes Iconográficas: Escultura;
Pintura; Artes Gráficas; Tapices; Decoraciones en instrumentos
musicales; etc. Fuentes sonoras. Las Fuentes de transmisión oral.
Cómo investigar.
5. La investigación histórica. Organización de una investigación
musicológica. Cualidades del investigador. La elección del tema y
su justificación. Establecimiento de las hipótesis de trabajo.
Elección de las metodologías y de las técnicas.
6. Planificación del trabajo: el “Proyecto” de investigación.
Partes que debe tener el “Proyecto”. El “Estado de la cuestión”:
su elaboración.
7. La investigación histórica musical por periodos: La
Antigüedad. La Edad Media. El Renacimiento. El Barroco. El siglo
18. El siglo 19. El siglo 20. Los problemas contemporáneos. Música
y medios audiovisuales.
8. La Etnomusicología: Objeto, técnicas y métodos. La Danza.
Estudios de carácter general. Etnocoreología. La evolución de la

Danza en Occidente.
9. La Acústica Musical y la psicofisiología de la percepción. La
Organología: Definición; clasificación. Temas de investigación.
10. Pedagogía y Educación Musical. La música en el sistema
educativo español. Otras áreas relacionadas con la investigación
musical
Búsqueda de la información.
11. Los datos o fuentes: concepto de Fuentes musicales. Tipos
de Fuentes. Las Fuentes primarias y secundarias en las diversas
disciplinas de las Ciencias de la Música.
12. Ubicación de las Fuentes. Principios de bibliografía:
Clasificación Decimal Universal. Los códigos de la UNESCO.
Otras clasificaciones temáticas. Obras de carácter general.
Enciclopedias; Diccionarios; Catálogos; Revistas Musicales
especializadas. Anuarios. Boletines, etc. Obras generales.
Historias generales; Historias locales; Monografías. Revistas
Musicales de divulgación.
13. La fase de documentación. Las fichas bibliográficas y/o
documentales de identificación. Las fichas analíticas o de
contenido. Recensiones. Abstracts. Palabras clave.
14. Lugares de investigación. Funcionamiento de las Bibliotecas.
Archivos y Centros de Documentación Musical. La Biblioteca
Nacional. La Biblioteca de Catalunya. Otros lugares de
investigación: en Granada; en el resto de España; en el resto de
Europa. Otras ubicaciones de las Fuentes.
15. Instituciones y Sociedades Científicas Musicológicas:
R.I.S.M.; R.I.L.M.; S.I.M; S.E.deM.; A.P.M.U.; A.E.D.O.M.; etc.
16. La Red y sus posibilidades en la fase de documentación.
Técnicas de búsquedas en Internet.

Instrumentos de Recolección de datos
 Páginas web
 Wikipedía
 Mundo musical
 Libros
 Cultura Musical
 Música y Arte

Población y muestra, Unidades de
Investigación
Violinista en la catedral de Dublín.
Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones
musicales. Algunas especies animales también son capaces de
producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música
de los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación
"correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como
el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo
social determinado.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales
de diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no
perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos
utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir
la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y -
sobre todo- en cuanto a la función que desempeña la música en
las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se
escucha en una celebración religiosa, que la música que se
escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una
discoteca. Tomando en consideración las funciones que una
música determinada desempeña en un contexto social
determinado podemos ser más precisos a la hora de definir las
características comunes de la música, y más respetuosos a la

hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra
sociedad.
La Música - alegoriado representación de música (Varsovia,
diseñado por Józef Gosławski)
La mayoría de las definiciones de música sólo toman en cuenta
algunas músicas producidas durante determinado lapso en
Occidente, creyendo que sus características son "universales",
es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las
culturas y de todos los tiempos. Muchos piensan que la música es
un lenguaje "universal", puesto que varios de sus elementos, como
la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre
las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles
de explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en
mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para
percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la
complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por
ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical
universal cuando en realidad es exclusivo de la música de
Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la
armonía es privativa de la cultura occidental porque representa
un estadio más "avanzado" o "superior" de la "evolución" de la
música.
Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades
occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del
trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo,
muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la

ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que
quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta,
así como la idea de que quien escucha la música no está presente
en el mismo espacio físico en donde se produce es solamente
posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más
común (es decir, lo más "universal") es que creador e intérprete
sean la misma persona
La notación musical occidental
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental)
existen formas de notación musical. Sin embargo, es a partir de
la música de la edad media (principalmente canto gregoriano) que
se comienza a emplear el sistema de notación musical que
evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los
rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque
-como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades
expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa
gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que
representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen
en relación a un pentagrama (un conjunto de cinco líneas
horizontales) que al comienzo tiene una "clave" que tiene la
función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una
determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la
clave de Sol en segunda línea nosotros leeremos como sol el
sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo),
como la el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y
la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para
los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas
adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera línea
(clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do
central del piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que

está una quinta por encima del Do central), y la de Fa en cuarta
(referida al Fa que está una quinta por debajo del Do central).
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la
redonda (representada como un círculo blanco), la blanca (un
círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual
que la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la
negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta de la
plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos
horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora: la
blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra,
etc..
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la
unidad de tiempo en determinada partitura, debemos fijarnos en
el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada
redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca
corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será
representado por una negra, etc.. Así, una partitura encabezada
por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren tres
negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un
compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos
representados por una corchea, etc..
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas
apelando a palabras escritas más o menos convencionales,
generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se
indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano,
suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se
indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden
de velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro,
presto.

Cronograma de Trabajo
Cronograma
Tiempo de Investigación
42 HORAS
Día 1 Día 2
Buscar información de
distintas fuentes,
como libros, páginas
web, etc.
Específicamente
Historia, definiciones,
objetivos, métodos,
entre otros,
Sobre la Música.
Dar los últimos retoques
a la investigación, como
el tamaño de letra, tipo
de letra, color, entre
otros

Presupuesto
El presupuesto final que se utilizo en esta
investigación es de, $ 120, por compra de libros y
pagos de derecho de autor.
Bibliografía
http://www.es.wikipedia.org/wiki/Música
http://www.musicasdumundo.blogspot.com
http://www.tareasya.com.mx/index.php/tareas-
ya/portafolio-del-saber/consultas/artes/5319-icual-es-el-
origen-de-la-musica.html

Anexos
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la
separación entre vida y muerte. El movimiento y el sonido. Los
ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave.
Danza y canto se funden como símbolos de la vida. Quietud y
silencio como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en
su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios
objetos (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir
nuevos sonidos.
Hay constancia de que hace unos 50 siglos en sumeria ya
contaban con instrumentos de percusión y cuerda (liras y
arpas). Los cantos cultos eran más bien lamentaciones sobre
textos poéticos.
En Egipto (siglo XX a.C.) la voz humana era considerada como
el instrumento más poderoso para llegar hasta las fuerzas del
mundo invisible. Lo mismo sucedía en la India. Mientras que en
la India incluso hoy se mantiene esta idea, en Egipto, por
influencia mesopotámica, la música adquiere en los siguientes
siglos un carácter profundo, concebida como expresión de
emociones humanas.
Hacia el siglo X a.C., en Asiria, la música profana adquiere
mayor relieve gracias a las grandes fiestas colectivas.
Es muy probable que hacia el siglo VI a.C., en Mesopotamia, ya
conocieran las relaciones numéricas entre longitudes de
cuerdas. Estas proporciones, 1:1 (unísono), 1:2 (octava), 2:3
(quinta), y 3:4 (cuarta), y sus implicaciones armónicas fueron

estudiadas por Pitágoras (siglo IV a.C.) y llevadas a Grecia,
desde donde se extendería la teoría musical por Europa.
El término "música" proviene del griego "musiké" (de las
musas). Por eso la paternidad de la música, tal como se la
conoce actualmente, es atribuida a los griegos. En la mitología
griega, las musas eran nueve y tenían la misión de proteger las
artes y las ciencias en los juegos griegos.
En la antigua Grecia la música abarcaba también la poesía y la
danza. Tanto la danza como el atletismo se sabe que tenían su
acompañamiento musical en tiempos de Homero.
Hacia principios del siglo V a.C., Atenas se convirtió en el
centro principal de poetas-músicos que crearon un estilo
clásico, que tuvo su expresión más importante en el ditirambo.
El ditirambo se originó en el culto a Dionisos (Baco). Las obras
-tragedias y comedias- eran esencialmente piezas músico-
dramáticas. La poesía, la música y la danza se combinaban y las
piezas eran representadas en los anfiteatros por cantores-
actores-danzadores.
La poesía era modulada y acentuada por sílabas, e
interpretada indistintamente en prosa común, recitado y
canto. La melodía estaba condicionada, en parte, por los
acentos de la letra, es decir, por la melodía inherente a la
letra, y el ritmo musical se basaba en el número de sílabas. Es
dudoso que hubiese diferencia real entre los ritmos musicales
y los metros poéticos.
Desde el siglo IV a.C., el músico comenzó a considerarse a sí
mismo más como ejecutante que como autor. El resultado fue
el nacimiento del virtuosismo y el culto al aplauso.
La música, en general, se había convertido en mero
entretenimiento, por lo que el músico perdió mucho de su nivel

social. La enseñanza musical acusó un gran descenso en las
escuelas, y los griegos y romanos de las clases elevadas
consideraban degradante tocar un instrumento.
La división entre el ciudadano y el profesional ocasionó el
divorcio social y artístico que en nuestro tiempo todavía
afecta a la música europea.

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