Pintura gótica.

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Presentación 2º Bachillerato.

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Pintura gótica.

  1. 1. PINTURA GÓTICA
  2. 2. PINTURA GÓTICA. 1. DEFINICIÓN 2. CRONOLOGÍA Y ETAPAS. 3. CONTEXTO HISTÓRICO. 4. OBRAS DE REFERENCIA. 5. SIGNIFICADO DE LAS ARTES FIGURATIVAS EN LA EDAD MEDIA. • Temas religiosos. • Temas profanos. 6. TIPOS Y TÉCNICAS. • Pintura mural al fresco. • Pintura al temple sobre tabla: los retablos. • Pintura al óleo sobre tabla. • Pintura a la aguada sobre pergamino y papel: las miniaturas. • Las vidrieras. 7. EL TRECENTO ITALIANO (SIGLO XIV). • Contexto histórico. • Técnicas. • Escuelas. • Giotto. 8. LA PINTURA FLAMENCA. • Contexto histórico. • Técnicas. • Van Eyck, características.
  3. 3. ARTE GÓTICO se opone a se relaciona con ARTE Y TRADICIONES GERMÁNICOS, GODOS, BÁRBAROS, DESTRUCTORES DEL LEGADO CLÁSICO. 1. DEFINICIÓN DEL TÉRMINO GÓTICO A comienzos del Renacimiento, el término gótico se utilizó de manera despectiva para referirse a las obras medievales, obras que, desde el punto de vista clásico e italiano, se relacionaban con las tradiciones germánicas, bárbaras, “godas”. ARTE CLÁSICO se relaciona con ARTE Y TRADICIONES GRECORROMANOS, CULTOS, HUMANISTAS.
  4. 4. 2. CRONOLOGÍA
  5. 5. GÓTICO LINEAL (Siglos XII-XIII) TRECENTO ITALIANO (siglo XIV) GÓTICO INTERNACIONAL (Siglo XIV-XV) PINTURA FLAMENCA (Siglo XV) Vidrieras y miniaturas. Miniatura y pintura al temple sobre tabla. Pintura al óleo sobre tabla.Pintura al fresco. Pintura al temple sobre tabla
  6. 6. 3. CONTEXTO HISTÓRICO. El estilo gótico surge en Francia a mediados del siglo XII. Es un estilo que se relaciona con el crecimiento de las ciudades entre los siglos XII y XIII y con el nacimiento de la burguesía.
  7. 7. En las ciudades aparecieron los gremios, asociaciones de artesanos preocupadas por el cumplimiento de una serie de normas relacionadas con su oficio y por el control de la calidad de los artículos. El trabajo del pintor se especializó y la calidad de la obra mejoró notablemente respecto al Románico.
  8. 8. Un importante fenómeno religioso fue la aparición de las órdenes mendicantes: franciscanos y dominicos. Al contrario que las órdenes tradicionales, no preconizaban el aislamiento, sino la actuación en la ciudad. Las ideas de dominicos y franciscanos de amor a la humanidad y a la naturaleza como reflejo de la grandeza de Dios dieron lugar a una religión más sentimental y humana, con un claro reflejo en las artes figurativas. SAN FRANCISCO BENDICIENDO A LOS PÁJAROS.VIRGEN GÓTICA.
  9. 9. MATRIMONIO ARNOLFINI. Jan Van Eyck, 1434. EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ. Rogier Van Der Weyden, s. XV. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. El Bosco, 1480-1490. 4.OBRASDEREFERENCIA LA HUIDA A EGIPTO. Giotto, s. XIV.
  10. 10. 5. SIGNIFICADO DE LAS ARTES FIGURATIVAS. Las manifestaciones artísticas de esa época fueran esencialmente religiosas. La arquitectura (iglesias, catedrales y monasterios) ocupó un lugar fundamental. Las demás artes, como la escultura y la pintura, se utilizaron para decorar o completar los edificios religiosos. Debido a su función didáctica, el programa iconográfico era establecido por un teólogo y el pintor se limitaba a ejecutarlo, lo que no impidió crear grandes obras maestras. POLÍPTICO DE GANTE (abierto) Jan Van Eyck, s. XV. (350 X 223 cm.)
  11. 11. FINALIDAD DE LAS ARTES FIGURATIVAS EN LA EDAD MEDIA ADOCTRINAR a gran parte de la población analfabeta. Las esculturas y pinturas muestran lo despreciable de este mundo y lo sublime del más allá. La lucha entre el Bien y el Mal, el castigo que espera a los pecadores y el premio para los bienaventurados. SIMBOLIZAR una realidad superior en la que hay que meditar. El Neoplatonismo defendido por San Agustín generó durante gran parte de la Edad Media la certeza de que el mundo natural es sólo una apariencia intermedia tras la que se oculta la verdadera realidad transcendente de Dios. TRANSPORTAR al espectador desde la contemplación de las cosas de este mundo hasta la contemplación de las cosas divinas. De la misma manera que Platón proponía remontarse desde las sombras de la caverna hasta la contemplación de las ideas puras, así las artes plásticas debían facilitar el transporte místico del creyente.
  12. 12. Los temas fueron, por ello, mayoritariamente religiosos: imágenes de devoción: Crucifixión, Virgen con el Niño, escenas de la vida de Jesús y de la Virgen María, vidas de santos (sacadas de la «Leyenda Dorada», de Santiago de la Vorágine). VIRGEN CON EL NIÑO. Duccio di Buoninsegna, s.XIV.SAN LUCAS. Simone Martini, s.XIV.
  13. 13. La pintura de tema religioso sobre tabla, destinada a los numerosos retablos de las iglesias, estuvo muy influida por la pintura bizantina de iconos, especialmente en los fondos dorados. MARTIRIO DE SAN BARTOLOMÉ, EL CALVARIO Y MUERTE DE SANTA MARÍA MAGDALENA. Jaume Huguet. S. XV.
  14. 14. LOS ICONOS BIZANTINOS: LOS FONDOS DORADOS. Es un tipo de pintura lineal, en la que las figuras se muestran rígidas, inexpresivas , con los miembros pegados al cuerpo y los ojos mirando directamente al espectador. Aunque lo más llamativo es la utilización de fondos dorados, que simbolizan el espacio divino, entendido como luz, y niegan toda posibilidad a la representación del espacio natural mediante la perspectiva.
  15. 15. De todas formas, en el siglo XIV la pintura se abrió a temas no religiosos. Con la aparición de los temas profanos (escenas cortesanas, retratos, representación de ciudades), destinados a decorar las casas y palacios de la burguesía y la nobleza, la pintura comenzó a indagar en la representación de la naturaleza y de la perspectiva, iniciando un nuevo camino que la conduciría al Renacimiento. En dos lugares los avances fueron significativos: en Italia y en Flandes. EFECTOS DEL BUEN GOBIERNO EN LA CIUDAD. Ambrogio Lorenzetti, Siena, s. XIV. Trecento italiano.
  16. 16. LIBRO DE HORAS DEL DUQUE DE BERRY. Hermanos Limburg, s. XV. Gótico internacional. RETRATO DEL CAPITÁN GIUDORICCIO DA FOGLIANO. Simone Martini, s. XIV. Trecento italiano.
  17. 17. RETRATO DE MUJER. Robert Campin, s. XV.RETRATO DE ROBERTO MASMINES. Robert Campin, s. XV.
  18. 18. 6. TIPOS Y TÉCNICAS.
  19. 19. 6.1. PINTURA MURAL AL FRESCO La arquitectura gótica había sustituido los muros de las catedrales por grandes ventanales con vidrieras. En consecuencia, la pintura mural, la de mayor difusión durante el Románico, desapareció de las catedrales y se destinó a la decoración de estancias palaciales, de capillas funerarias o de edificios eclesiásticos de órdenes poco ostentosas, como los franciscanos.BASÍLICA DE SAN FRANCISCO. Asís, ss. XIII-XIV.
  20. 20. 6.2. PINTURA AL TEMPLE SOBRE TABLA: LOS RETABLOS. De las tablas únicas, típicas de los frontales románicos, se pasó a los dípticos, los trípticos, polípticos, hasta llegar a los grandes retablos del siglo XV, con numerosas tablas organizadas en calles verticales apoyadas sobre el banco y rematadas por el ático. RETABLO DE LA VIRGEN Y SAN FRANCISCO MUSEO DEL PRADO, S. XV.
  21. 21. Los retablos son característicos de los siglos XIV y XV. Su organización se mantiene en lo esencial casi sin variaciones hasta el barroco. BANCAL O PREDELA, DIVIDIDO EN CASAS. ÁTICO GUARDAPOLVOS PRIMER PISO SEGUNDO PISO TERCER PISO CALLE CENTRALCALLES LATERALES CALLES LATERALES
  22. 22. RETRATO DE UNA DAMA, Roger van der Weyden, s. XV 6.3. PINTURA AL ÓLEO SOBRE TABLA. Una de las aportaciones decisivas de la escuela flamenca a la pintura será la utilización generalizada del óleo, técnica consistente en disolver los colores en un aglutinante oleoso que se obtenía a partir del aceite de linaza, de nuez o incluso de aceites de origen animal. El soporte es la tabla, ya que habrá que esperar al renacimiento veneciano (siglo XVI) para ver el lienzo.
  23. 23. 6.4. LAS MINIATURAS: AGUADA SOBRE PERGAMINO. Durante los siglos XIII, XIV y XV buena parte de los ejemplos pictóricos más destacados se encuentran en las páginas de los libros. Un libro de horas es un tipo de manuscrito iluminado muy común en la Edad Media. Cada libro de horas es único, debido a que se realizaba exclusivamente para una determinada persona (generalmente de la nobleza). Solía contener textos de rezos apropiadas para cada hora del día, salmos, así como abundantes iluminaciones alusivas a la devoción cristiana. En el primer gótico los temas iluminados eran de carácter sagrado y su composición seguía pautas similares a la de las vidrieras. En el siglo XIV se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se trasladó desde los scriptoria monacales a los talleres artesanos urbanos de París, Borgoña y Flandes. LIBRO DE HORAS DEL DUQUE DE BERRY. Hermanos Limburg, s. XV
  24. 24. MINIATURA ROMÁNICA MINIATURA GÓTICA
  25. 25. 6.5. PINTURA MONUMENTAL: LAS VIDRIERAS. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. La composición se elaboraba con vidrios de colores, pintados o recubiertos con esmaltes, que se ensamblaban mediante varillas de plomo.
  26. 26. 7. EL TRECENTO ITALIANO. GIOTTO. S. XIV. Trecento ("trescientos" en italiano) es una forma de denominar al siglo XIV (años mil trescientos) en la historia de Italia. En esta época, Italia no era una unidad política ya que estaba fragmentada en múltiples estados. En el norte existían ciudades estado enriquecidas por el comercio con el Imperio Bizantino, como la República de Venecia, la República de Florencia, el Ducado de Milán o la República de Génova. En torno a la ciudad de Roma estaban los Estados Pontificios, y al sur estaba el Reino de Nápoles, posteriormente integrante de la Corona de Aragón. ITALIA ENTRE LOS SIGLOS XIII Y XV.
  27. 27. Dos fueron las técnicas principales desarrolladas por los pintores italianos del Trecento: la pintura mural al fresco en algunas iglesias, y la pintura al temple sobre tabla
  28. 28. Dos fueron, también, las escuelas principales de pintura: la escuela de Siena, con Simone Martini y Duccio di Bouninsegna como principales artistas, y la escuela de Florencia, con Giotto como principal representante. SIMONE MARTINI DUCCIO DI BUONINSEGNA GIOTTO
  29. 29. LA ANUNCIACIÓN. Simone Martini, s. XIV. A la escuela de Siena pertenece Simone Martini. Es una escuela menos naturalista y más influida por la pintura bizantina: fondos dorados, líneas sinuosas, figuras solemnes, algo hieráticas e inexpresivas .
  30. 30. A la Escuela de Florencia pertenece Giotto di Bondone (1267 - 1337). Fue el más notable artista italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Se dedicó fundamentalmente a pintar temas religiosos, siendo capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de fuerza vital.
  31. 31. A finales del siglo XIII realizó los frescos de la basílica superior de San Francisco, en Asis, donde se narra la vida del santo. BASÍLICA DE SAN FRANCISCO. Asís, ss. XIII-XIV.
  32. 32. EL EXORCISMO DE LOS DIABLOS DE AREZZO EL MILAGRO DE LA FUENTE En estas primeras obras, lo que resulta asombroso es que Giotto tomara como maestra de la pintura a la Naturaleza, en un momento en el que el arte estaba dominado por la llamada "maniera greca«: las líneas ondulantes y estilizadas de las figuras, los fondos de oro y la irrealidad y frialdad lejana de los personajes.
  33. 33. Dedicada a Santa María de la Caridad, la Capilla de los Scrovegni fue erigida, probablemente entre los años 1303 y 1305 por orden de Enrico Scrovegni, que pretendía así expiar los pecados de su padre, conocido usurero. La capilla tenía finalidad funeraria, y el propio Enrico (muerto en 1336) está enterrado allí. Su sarcófago se encuentra detrás del altar. CAPILLA DEGLI SCROVEGNI, Padua, 1305.
  34. 34. CAPILLA DEGLI SCROVEGNI, Padua, 1306.
  35. 35. Giotto se preocupa por la representación de la profundidad, lo que conduce al estudio de la perspectiva clásica. Su propósito es la inserción de las figuras en un espacio real, que intenta ser tridimensional. Habrá que esperar al siglo XV para que los pintores italianos construyan una perspectiva científica, pero los primeros pasos ya están dados. NATIVIDAD DE LA VIRGEN. Capilla Scrovegni.
  36. 36. Giotto representa a personajes reales, más humanos, de rostros individualizados, que se relacionan entre sí y expresan sus sentimientos mediante la gesticulación. Esto no ocurría desde la Antigüedad Clásica. MUERTE DE JESÚS. Capilla Scrovegni. Giotto no utiliza la perspectiva jerárquica, por lo que Jesús es del mismo tamaño que el resto de las figuras. Pero, en cambio, todavía conserva la costumbre gótica de usar pan de oro en los nimbos para distinguir visualmente a los personajes importantes.
  37. 37. Giotto se interesa por las decoraciones arquitectónicas o paisajísticas, todavía muy simples, pero que buscan dar profundidad y naturalidad a la composición. El azul ultramar del cielo sustituye al típico dorado gótico. LA HUIDA A EGIPTO. Capilla Scrovegni.
  38. 38. Las figuras de Giotto tienen mayor corporeidad, fruto del estudio anatómico. La representación del volumen implica la necesidad de sombras y gradaciones. Por ello, se abandona el color plano para introducir la gradación tonal de los colores. Además, las figuras se colocan de espaldas, de medio lado, sobrepuestas, todo para sugerir profundidad y un espacio real. EL BESO DE JUDAS.
  39. 39. 7. PINTURA FLAMENCA. Siglo XV. Se denomina así a la pintura realizada en la Flandes medieval, zona de los actuales Bélgica, Países Bajos y Luxemburgo. Esta región formaba parte, en esta época, del ducado de Borgoña, cuyos gobernantes, los duques, habían sido mecenas del arte gótico. Poseía una alta densidad de población, de las más altas de Europa, con una concentración urbana también superior a la media europea, donde eran varias las ciudades destacadas, ricas, con comerciantes importantes y numerosos artesanos.
  40. 40. Los talleres flamencos formaron a los pintores más destacados del Norte de Europa, atrayendo a muchas jóvenes promesas de la pintura de países vecinos, especialmente de las ciudades del Rin. Los maestros flamencos y sus obras eran altamente valorados, comprándose y demandándose su presencia como pintores de corte en toda Europa, lo que extendió su influencia. Tres artistas destacaron especialmente en la pintura flamenca del XV: Jan van Eyck, Rogier van der Weiden y El Bosco. Pntaron escenas religiosas para los retablos de las iglesias y retratos, muchos retratos. LA ANUNCIACIÓN Van Eyck, 1434.
  41. 41. La gran novedad de la pintura flamenca fue la técnica del óleo. A fines del siglo XIV y durante el siglo XV, se comenzó a generalizar el uso del óleo en detrimento de otras técnicas, ya que permitía un secado más lento de la pintura, correcciones en la ejecución de la misma y una excelente estabilidad y conservación del color. Fueron los pintores de Flandes los primeros en usar el óleo de forma habitual, y se atribuye, erróneamente, su invención al pintor Jan van Eyck. RETRATO DE UNA DAMA. Roger van der Weyden, s. XV.
  42. 42. Jan van Eyck (1390 –1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado uno de los mejores pintores del Norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos. El estilo flamenco que se dio en los Países Bajos en el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la última fase de la pintura gótica. Otra corriente lo enmarca en lo que se ha dado en llamar Prerrenacimiento. En el estilo de Jan van Eyck podemos reconocer las características de la pintura flamenca: • Maestría en la técnica al óleo sobre tabla. • Obras de pequeño formato. • Minuciosidad y detalle. • Representación del espacio tridimensional. • Utilización del claroscuro para dar corporeidad a las figuras. • Naturalismo en la representación de figuras y de paisajes. • Predominio de los temas religiosos, pero gran importancia del retrato. RETRATO DE HOMBRE CON TURBANTE (posiblemente un autorretrato) . Van Eyck, 1433.
  43. 43. PEQUEÑO FORMATO Las tablas flamencas suelen ser pequeñas, más apropiadas para decorar estancias hogareñas que palacios o templos. Los cuadros más grandes son los trípticos y polípticos, cuadros de asunto religiosos que se colocaban en el altar de las iglesias a modo de retablos y que constaban de tres o varias tablas montadas sobre bisagras. TRIPTICO DE JAN FLOREIN. Hans Memling, s. XV.
  44. 44. POLÍPTICO DE GANTE (abierto) Jan Van Eyck, s. XV. (350 X 223 cm.)
  45. 45. En las caras exteriores de trípticos y polípticos se representaban figuras en grisalla, a modo de esculturas, que son visibles cuando las puertas están cerradas. POLÍPTICO DE GANTE (cerrado) Jan Van Eyck, s. XV. (350 X 223 cm.)
  46. 46. POLÍPTICO DE GANTE. Jan Van Eyck, s. XV “El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre…” ARTEHISTORIA
  47. 47. MINUCIOSIDAD La pinturas flamencas están concebidas para ser vistos de cerca. Los pintores se recrean en la representación de mínimos detalles (cabellos, flores, briznas de hierba, hojas de libro, etc.). Para lograrlo, incluso se usaban pinceles de un solo pelo, lo que obligaba a trabajar con lupas.
  48. 48. PREOCUPACIÓN POR LA PERSPECTIVA. Las figuras se enmarcan en un espacio natural, tridimensional. La perspectiva se utiliza de una manera intuitiva, no científica: la líneas del cuadro no confluyen en un único punto de fuga. Pero el resultado es convincente y naturalista. MATRIMONIO ARNOLFINI. Jan Van Eyck, 1434.
  49. 49. CLAROSCURO Se busca dar corporeidad a las figuras mediante el juego de luces y sombras, el claroscuro. Para ello, se estudian los problemas de la luz y la iluminación natural de las escenas. NATURALISMO Los artistas se interesa por el movimiento y la expresión de las figuras, si bien éstas se muestran todavía algo estáticas e inexpresivas. INTERÉS POR EL PAISAJE La representación del paisaje es natural. Se utiliza la perspectiva, incluso la perspectiva aérea, algo que desarrollará posteriormente Leonardo da Vinci. TRÍPTICO DE LA CRUCIFIXIÓN. Roger van der Weyden, 1445.
  50. 50. EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ. Roger Van Der Weyden, s. XV.
  51. 51. RETRATO DE MUJER. Robert Campin, s. XV. IMPORTANCIA DEL RETRATO Una de las grandes novedades artísticas que nos encontramos en la pintura flamenca del siglo XV es la recuperación del retrato, un género olvidado durante la Edad Media. El auge del retrato hay que relacionarlo con la búsqueda del naturalismo y con la creciente preocupación por el ser humano en el siglo XV, es decir, con el nacimiento del Humanismo.
  52. 52. A diferencia de lo que venía siendo usual, los pintores flamencos tomarán como modelos no sólo a reyes y príncipes, sino a nobles de rango inferior o burgueses, como Jan de Leeuw, uno de los miembros más destacados de la guilda (gremio) de orfebrería de Brujas. Mientras los pintores italianos del siglo XV recuperaban el idealismo clásico en sus retratos (dando lugar al Renacimiento), los pintores flamencos incidieron en el realismo crudo de la representación y en la individualización de los rasgos físicos. El retrato típico flamenco, que será adoptado con éxito en España durante siglos, es el que capta al personaje de menos de medio cuerpo, no frontalmente, sino ligeramente girado sobre sí mismo, sobre fondo neutro de color oscuro, , e incluyendo el rostro y las manos con algún símbolo. RETRATO DE JAN DE LEEUW. Jan van Eyck, 1436.
  53. 53. RETRATO DE UN HOMBRE CON UNA MONEDA ROMANA. Hans Memling, 1475. Desde mediados del siglo XV, la relación entre la pintura flamenca y la pintura italiana del primer Renacimiento es evidente. Al fin y al cabo, los talleres flamencos producían obras que llegaban a todas partes de Europa, y el comercio entre Flandes e Italia era especialmente activo. En este caso, la apertura del retrato al paisaje y la presencia de una moneda romana indican una posible influencia italiana.
  54. 54. Posiblemente, el retrato más famoso de la pintura flamenca sea el que pinto Jan van Eyck para el matrimonio Arnolfini. Algunos investigadores creen que se trata de Michele, miembro de una familia poderosa de comerciantes italianos establecidos en Flandes. Michele habría desposado a una tal Elizabeth de familia desconocida, por lo que su gesto sería el de protegerla e introducirla en un nivel social superior al de su cuna. MATRIMONIO ARNOLFINI. Jan Van Eyck, 1434. (82 x 60 cm.)
  55. 55. En la pintura flamenca, el realismo del retrato o de la escena costumbrista suele encubrir alegorías religiosas que, a veces, son el verdadero objetivo de la pintura.
  56. 56. MATRIMONIO ARNOLFINI. Jan Van Eyck, 1434. (82 x 60 cm.) “Otro enigma nos lo proporciona la inscripción de Van Eyck en el muro del fondo, en bellísimos caracteres góticos entrelazados. La inscripción no dice que Van Eyck pintara el cuadro, sino que "Jan van Eyck estuvo aquí". Es una extraña declaración, que se explica si pensamos que Van Eyck era amigo de los Arnolfini y que probablemente actuara de padrino o testigo de la boda. A esta solución apunta también el espejo del muro, que refleja a dos asistentes al enlace, uno de los cuales parece un pintor (el que está vestido de azul). La minuciosidad de Van Eyck permite identificar no sólo las figuras reflejadas, sino también los adornos del espejo: son diez escenas con la Pasión y muerte de Jesucristo. Otros elementos simbólicos que han llenado de conjeturas el cuadro aparecen en la estancia como simples objetos dispersos por la habitación: el perrillo a los pies de los esposos indica fidelidad conyugal, la lámpara con una sola vela encendida simboliza el matrimonio, como también la esculturita de Santa Margarita en el pomo de la cama, el manojo colgado de la misma cama simboliza la fertilidad, y así un largo etcétera.” ARTEHISTORIA
  57. 57. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. El Bosco, 1480-1490. Entre los pintores flamencos más interesantes está Hieronimus Bosch (El Bosco, 1450-1516), natural de los Países Bajos y dedicado casi exclusivamente a pintar obras religiosas. Su piedad era extrema, rigurosa, y presentaba un mundo enfangado, que se revolcaba en el pecado, casi sin esperanza de salvación. El Bosco ve a sus congéneres pudriéndose en el Infierno por todo tipo de vicios. Hoy en día, no somos capaces de comprender todos los símbolos que utiliza en su pintura, absolutamente sorprendente y fantástica.
  58. 58. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. El Bosco, 1480-1490. Dentro del estilo flamenco, este autor procedente de Holanda se desmarca completamente de su época e incluso de posteriores. El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la vida; por el contrario, abierto enseña la Creación completa en la puerta izquierda, el Infierno en la derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman la vida terrenal.
  59. 59. Es uno de los primeros genios de la historia del arte que introduce en sus imágenes el componente onírico que supera la realidad consciente. La fantasía, el humor, la crítica vitriólica saturan esta imagen cruda del ser humano, que se precipita en el infierno con cada uno de sus actos. El Bosco puebla sus paisajes con monstruos, plantas antropomorfas, objetos imposibles. El ser humano, desnudo ante sus actos, es poco más que un gusano diminuto pululando entre ambientes misteriosos. Las encarnaciones de la sensualidad son deslumbrantes por su variedad: la música, el amor, el juego, la bebida, incluso el aprendizaje y el conocimiento.
  60. 60. En el infierno, el sueño- pesadilla se disloca: orejas de las que emergen cuchillos, demonios con bocas dentadas en el vientre, escaleras que no llevan a ningún sitio y, entre todo ello, los cuerpos de los pecadores que están siendo despedazados por los demonios y sus máquinas infernales. ARTEHISTORIA

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