El Renacimiento

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Características principales y selección de obras y autores del Renacimiento.

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El Renacimiento

  1. 1. El Renacimiento
  2. 2. Marco histórico y cultural del Renacimiento. • Auge de la burguesía urbana en Flandes y en el norte de Italia, donde alcanzan el poder en algún caso. • Crece el interés por la antigüedad grecorromana en toda Europa, especialmente en Italia, dónde llegan muchos sabios bizantinos tras la caída de Constantinopla en 1453. • Surge el Humanismo (Dante, Pico della Mirandola, Erasmo de Rotterdam, Luis Vives, etc.), un movimiento intelectual centrado en el hombre que desplaza al Teocentrismo medieval como objeto de interés y de estudio. • La religión pierde importancia como patrocinadora y como principal fuente y referente de inspiración artística. • El descubrimiento de la imprenta permitirá el intercambio de ideas y tendrá consecuencias de gran alcance en el mundo de la cultura, generando un gran interés por el conocimiento. • El Heliocentrismo de Copérnico y los descubrimientos geográficos españoles, abren nuevos horizontes a la mentalidad y al comercio europeos. • Dante, Petrarca, Bocaccio y Ariosto son los grandes literatos que incorporan las nuevas inquietudes y modelos del Renacimiento. Monumento a Dante en Florencia.
  3. 3. El marco geográfico del Renacimiento. Flandes: ciudades y provincias. Italia hacia el año 1500.
  4. 4. El Quattrocento • El arte italiano del siglo XV es el resultado de la actividad creadora de una serie de artistas que buscan sus modelos en la antigüedad clásica. • La Florencia de los Medici será la gran capital artística de esta época. Junto a edificios religiosos, comenzarán a levantarse también grandes edificios civiles, símbolo del triunfo del hombre individual, que albergarán numerosas y espléndidas obras de arte. • Los creadores del nuevo estilo son Brunelleschi en arquitectura, Donatello en escultura y Masaccio en pintura. • Por otro lado, en Flandes, se descubre y perfecciona la técnica de pintura al óleo, que será decisiva en la evolución de las formas artísticas. • La exaltación de la figura humana y de la naturaleza hace que se recuperen géneros como el desnudo y el retrato y nazcan otros como el paisaje.
  5. 5. Filippo Brunelleschi Cúpula de Sª Mª dei Fiori (Florencia) Interior de la iglesia de San Lorenzo Palazzo Pitti El recurso a soluciones técnicas y estéticas de la antigua Roma en su obra es patente. No queda rastro de medievalismo gótico, como se puede observar en los ejemplos siguientes. En cada uno de ellos, Brunelleschi crea modelos que serán seguidos por la arquitectura moderna: la cúpula, la organización interna del espacio en los templos, y el palacio.
  6. 6. Donatello Retorna la escultura a las proporciones clásicas, reintroduce el “contrapposto” y dota a sus figuras de una gran profundidad psicológica. Derecha: San Jorge. Debajo: Retrato ecuestre del Condottiero Gattamelatta.
  7. 7. Masaccio La ausencia de restos de pintura grecorromana que pudieran servir de referentes, hizo más singular, si cabe, el Renacimiento pictórico, por lo que fueron cruciales grandes creadores como Masaccio. Éste introdujo la perspectiva matemática y la individualización física y psicológica de los personajes, aunque mantiene la tradición iconográfica y el predominio de la lìnea sobre el color. Ello puede observarse en este fresco de la capilla Brancacci (Iglesia de Sº Mª del Carmine, en Florencia) que representa el pasaje del tributo de la moneda.
  8. 8. Flandes: los hermanos Van Eyck y la técnica del óleo. Virgen del Canciller Rolin, de Jan Van Eyck, y detalle de la arquería. Desde Flandes se expandió por toda Europa la técnica al óleo que permitió representaciones muy realistas en las que se multiplicaban los detalles y cobraba relevancia y fuerza el color. No obstante, desde un punto de vista estilístico, la pintura sigue siendo Gótica.
  9. 9. Arquitectura del Quattrocento. • Como elementos constructivos se utilizan el arco de medio punto sobre columnas de órdenes clásicos, cubiertas planas o abovedadas con casetones y cúpulas. • Como materiales predomina la piedra, el mármol y también, revestido, el ladrillo. • Como elementos decorativos aparecen frecuentemente “grutescos”, guirnaldas, “candelieri”, “Putti”, medallones, etc. muchos de ellos tomados de la antigüedad. • En cuanto a tipología edificatoria, surgen, junto a los templos de planta basilical o central, el palacio (en torno a un patio central o “cortile”) y la villa (generalmente campestre).
  10. 10. Brunelleschi: la capilla Pazzi (Santa Croce, Florencia).
  11. 11. Brunelleschi: el Hospital de los Inocentes de Florencia. Se trata de una de sus obras más tempranas en la que ya se muestra el típico pórtico sostenido por finas columnas y arcos de medio punto sobre zócalo escalonado y patio interior con el mismo tramo rítmico.
  12. 12. Leon Battista Alberti. A la izquierda, bajo estas líneas, Iglesia de Santa María Novella, en Florencia, en la que Alberti incorpora todo un repertorio de formas constructivas y decorativas clásicas que definirán su estilo. Alberti es un teórico y tratadista de la arquitectura. En su obra “De re aedificatoria” muestra cómo debe ser el edificio ideal y el trabajo del arquitecto. Impone un clasicismo más puro que el de Brunelleschi. En las imágenes, fachada (análisis formal e imagen real) e interior de la iglesia de San Andrés en Mantua
  13. 13. Arquitectura del Quattrocento: El Palacio renacentista florentino. Palazzo Rucellai (Leon Battista Alberti) Palazzo Strozzi (Benedetto da Maiano) Palazzo Medici Ricardi (Michelozzo Michelozzi) A partir del modelo del Palazzo Pitti de Brunelleschi, adopta planta cuadrangular, fachadas con paramento almohadillado que suele dividirse en tres cuerpos, más robusto e incluso rústico, el inferior, y más refinado a medida que ascendemos, culminando en una cornisa que reproduce el entablamento clásico. Este modelo pasará a Roma a finales de siglo y seguirá vigente en el Cinquecento.
  14. 14. Escultura del Quattrocento. • Se trata de una evolución artística que parte de la estética del último gótico en un país en el que la pervivencia de lo clásico es patente en todo el arte medieval. • Se independiza de la arquitectura, desarrollándose ampliamente la escultura de bulto redondo. El relieve alcanza gran interés, utilizándose la técnica del “schiacciato”. • El ser humano, idealizado a través del canon, se convierte en el referente central de la escultura. • Se utilizan como materiales principales, el mármol y el bronce, además de la cerámica vidriada y, fuera de Italia, la madera. San Juan Evangelista. Donatello.
  15. 15. Ghiberti y Donatello. Bajo estas líneas, las piezas de Brunelleschi y Ghiberti para el concurso de la Puerta del Paraíso del Baptisterio de la catedral de Florencia y algunos de los paneles de la misma, obra del ganador, Lorenzo Ghiberti. A la derecha, “Il Zuccone”, de Donatello.
  16. 16. Jacopo della Quercia y Luca della Robbia. A la izquierda, relieve de la Cantoría de la Catedral de Florencia (arriba) y cúpula en cerámica vidriada del Pórtico de la capilla Pazzi (debajo), de Luca della Robbia. En el centro, arriba, Madonna de la Fonte Gaia (en Siena); debajo, Sepulcro de Ilaria Carreto (en Lucca). A la izquierda, relieve del Pecado Original, en la portada de la iglesia de San Petronio (Bolonia), obras todas ellas de Jacoppo della Quercia.
  17. 17. Il Verrochio. Escultura en bronce del David, retrato de Giuliano de Medici (arriba) y retrato ecuestre del condottiero Colleoni.
  18. 18. La Pintura del Quattrocento • Es fruto de una evolución estética que arranca con la obra del Giotto. • Utiliza como técnicas principales el fresco y el óleo, difundiéndose esta última gracias al lienzo (Venecia). • Los temas incluirán, junto a los religiosos, otros profanos como los mitológicos, alegóricos e históricos. • Emplean la perspectiva lineal y, al final de esta época, leonardo introducirá la perspectiva aérea (“sfumatto”). • El dibujo es nítido y predomina sobre el color. • La luz es conceptual (no hay un foco difusor) y sirve para marcar la idea de profundidad. • El ser humano es el máximo centro de interés, analizándose desde todos los puntos de vista y utilizando el “escorzo” en su representación. Se generalizará el retrato.
  19. 19. Los orígenes: Giotto Nuevo lenguaje expresivo que destaca por su realismo y su fuerza. Sitúa las figuras (aún con rasgos bizantinizantes) en un espacio real, con volúmenes y profundidad, en el que han desaparecido los fondos dorados. El beso de Judas (Cappella degli Scrovegni) Las bodas de Caná (Cappella degli Scrovegni)
  20. 20. Pintura de la primera mitad del Quattrocento: Fra Angelico, Masaccio, Ucello... Bajo estas líneas, la Anunciación de Fra Angélico. A la derecha, arriba, la curación de los enfermos, de Masaccio y Masolino; debajo, la batalla de San Romano, de Paolo Ucello.
  21. 21. …y Piero della Francesca. A la izquierda, arriba, batalla entre Heraclio y Cosroes; debajo, la adoración del árbol sagrado por la reina de Saba y encuentro con Salomón. A la derecha, arriba, retrato de los duques de Urbino; debajo, virgen con el niño y el duque de Montefeltro.
  22. 22. Segunda mitad del Quattrocento. Escuela florentina: Domenico Ghirlandaio … A la derecha, arriba, Última Cena de Ognissanti (Florencia); debajo, el Nacimiento de la Virgen (Santa María Novella, Florencia). A la derecha, retrato de Giovanna Tornabuoni.
  23. 23. … y Sandro Botticelli. Arriba, a la izquierda, “La Historia de Nastaglio degli Onesti”; a la derecha, el Juicio de Paris. Debajo, el Nacmiento de Venus y un detalle del rostro de la diosa.
  24. 24. Segunda mitad del Quattrocento. Escuela de Umbria: Il Perugino. La entrega de las llaves a San Pedro. Fresco de la Capilla Sixtina (Roma)
  25. 25. Segunda mitad del Quattrocento. Escuela de Padua: Andrea Mantegna. Bajo estas líneas, fresco de la Cámara de los Esposos del Palacio ducal de Mantua y detalle del mismo a su derecha, abajo. Arriba, El Tránsito de la Virgen.
  26. 26. Un gran avance técnico y formal: la perspectiva matemática. Izquierda:. Arriba, Flagelación de Cristo; debajo, Vista de una Ciudad Ideal, de Piero della Francesca. Derecha: Cristo yacente y bóveda de la Cámara de los Esposos (palacio ducal de Mantua), de Mantegna.
  27. 27. El dibujo en la pintura del Quattrocento. En el siglo XV, el dibujo es un elemento definidor absoluto de las imágenes que componen los cuadros, es preciso y firme, y da lugar a una apariencia plana de las formas. Refleja también el temperamento de cada autor, como se puede observar en estas obras de Mantegna (San Sebastián) y Botticelli (la calumnia de Apeles).
  28. 28. El paisaje en la pintura del Quattrocento italiano. La cabalgata de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli.
  29. 29. El paisaje en la pintura del Renacimiento: Países Bajos. Paisaje con San Jerónimo de J. Patinir .
  30. 30. La Luz y el paisaje: La Tempestad de Giorgione.
  31. 31. El Cinquecento (siglo XVI) • Desde un punto de vista artístico, el siglo XVI es el fruto de la evolución formal del Quattrocento en Italia, aunque con evidentes rasgos propios que, muchas veces llegan de la mano de grandes genios del arte como Miguel Ángel o Leonardo da Vinci. • La capitalidad artística pasa de Florencia a Roma y surgen otros focos artísticos como Venecia, Milán o Nápoles. Fuera de Italia, el Renacimiento se expande por todos los países, desplazando definitivamente al Gótico. • El siglo XVI verá surgir también, a partir de la obra de Miguel Ángel, una derivación artística del Renacimiento clasicista que se denomina “Manierismo” y que triunfará plenamente en la segunda mitad de siglo.
  32. 32. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) • Juega con el lenguaje clásico desde la mayor libertad que le da su genio creativo, dando lugar a una tendencia artística conocida como “Manierismo” • Su plástica es de una gran fuerza, especialmente la escultura, campo en el que más destacó y cuyo carácter imprimió en el resto de realizaciones artísticas. • En su pintura destaca la nitidez y la gran precisión de su dibujo, así como la intensidad y viveza de los colores.
  33. 33. El primer Miguel Ángel. Virgen de la Escalera – Florencia 1490 Ángel porta candelabro de San Doménico (Bolonia 1495) Baco del Bargello, en Florencia (Roma 1496)
  34. 34. Miguel Ángel en Roma: la “Pietá” y el “Moisés”.
  35. 35. La tumba de Julio II. Izquierda: esclavo moribundo Derecha: esclavo rebelde
  36. 36. Tumba de Giuliano y Lorenzo de Medici Tumba de Giuliano de Medici, con las alegorías de la noche y el día. Tumba de Lorenzo de Medici, con las alegorías del crepúsculo y la aurora.
  37. 37. Los esclavos inacabados de la tumba de Julio II y las piedades de su vejez. Pietà Bandini (Catedral de Florencia) y Pietà Rondanini
  38. 38. Arquitectura, interiores y urbanismo. Arriba, escalera de la Biblioteca Laurenciana (Roma). Abajo, a la izquierda, fachada del Palacio Farnese (Roma) Abajo, a la derecha: Proyecto para la Plaza del Capitolio de Roma.
  39. 39. La arquitectura de Miguel Ángel. Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano (Roma) y planta del proyecto original de Miguel Ángel.
  40. 40. Miguel Ángel, escultor y pintor: el Tondo Taddei y el Tondo Doni (Sagrada Familia)
  41. 41. Los frescos de la Capilla Sixtina.
  42. 42. Leonardo da Vinci (1452-1519) • Considerado como arquetipo de hombre del Renacimiento por la gran variedad de campos (desde la ingeniería hasta la filosofía) en los que destacó, es uno de los más grandes pintores de todos los tiempos. • Explora las cualidades de la luz y su representación pictórica, siendo uno de los primeros en utilizar la llamada “perspectiva aérea” y, producto de la misma, el “sfumato”. • Aunque no fue un pintor prolífico, si fue un dibujante muy productivo
  43. 43. Leonardo: La Gioconda y La Virgen con el niño y Santa Ana.
  44. 44. La Última Cena (1495-98) En esta obra, Leonardo realza el momento álgido del pasaje bíblico con un intenso dramatismo al que contribuyen los gestos y las tensas conversaciones de los personajes en los que las manos tienen un papel crucial.
  45. 45. Rafael Sanzio (1483-1520) Crea un estilo personal, clásico por la armonía de sus composiciones y por la serenidad que transmite. Sintetiza diversas influencias, desde Perugino, con el que colaboró en varias obras de juventud (Los desposorios de la Virgen, abajo a la izquierda), a Leonardo (Madonna del jilguero, abajo a la derecha) y Miguel Ángel (Madonna de la silla, en el centro), a quienes conoció durante su época florentina.
  46. 46. Rafael : La academia de Atenas (Estancias Vaticanas – Stanza della Segnatura.)
  47. 47. Rafael: Incendio en el Borgo (Estancias Vaticanas. Stanza della Segnatura.)
  48. 48. Rafael: Retratos del Papa León X y de un cardenal.
  49. 49. Rafael: retratos de Baltasar de Castiglione y de Agnolo Doni
  50. 50. La Arquitectura del Cinquecento. • Roma se convertirá en el gran centro de la arquitectura renacentista, sobre todo gracias a la gran obra de San Pedro del Vaticano. • Aunque Bramante mantiene el clasicismo, a partir del 2º tercio del siglo, Miguel Ángel iniciará el denominado Manierismo arquitectónico, cuyas características son: a)Libertad en el empleo de los elementos clásicos. b)Dicotomía entre forma y función. c)Búsqueda de la sorpresa y la originalidad. • A esta corriente pertenecen ya Andrea Palladio y Vignola, dos grandes arquitectos y teóricos de la segunda mitad de siglo. • Se generalizan algunos elementos decorativos como los grutescos, que desafían el equilibrio de líneas clásico. Iglesia de la Consolación de Todi (Bramante).
  51. 51. Donato Bramante (1444-1514). “Tempietto” de San Pietro in Montorio (Roma) “Nichale” del “Cortile” del Belvedere en el Vaticano (Roma) Es el arquitecto que sirve de transición al Cinquecento, el que pone las bases del clasicismo que Miguel Ángel llevará a su culminación y que se superará en el Manierismo. Su obra fundamental será el proyecto de la basílica de San Pedro del Vaticano, aunque finalmente será encargada a Miguel Ángel.
  52. 52. Andrea Palladio (1508-1580) Es un tratadista y arquitecto manierista, creador de modelos que han llegado hasta nuestros días, como el llamado Tramo rítmico palladiano (Basílica de Vicenza, arriba a la derecha) o la villa (La “Rotonda”, abajo a la derecha). El manierismo es visible en su “Teatro Olímpico” de Vicenza (abajo)
  53. 53. Vignola (1507-1573) Izquierda: Fachada de la Iglesia de la Compañía de Jesús en Roma (Il Gesú). Derecha: Fachada principal y vista aérea de la Villa Farnese en Caprarola.
  54. 54. La Arquitectura renacentista española: El estilo Plateresco. Durante el primer tercio del siglo XVI se desarrolla este estilo, que es transición entre el Gótico y el Renacimiento y que se caracteriza por una gran profusíón decorativa, especialmente en las fachadas. Destacarán Diego de Siloé (Escalera Dorada de la Catedral de Burgos, debajo a la izquierda) y Rodrigo Gil de Hotañón (fachada de la Universidad de Alcalá). Una de las obras cumbre es la fachada de la Universidad de Salamanca (debajo a la derecha)
  55. 55. La Arquitectura renacentista española: El estilo Purista o clasicista. Hacia el 2º tercio de siglo, la monarquía de los habsburgo impulsará una nueva arquitectura más clásica y sobria, que primero sigue los modelos italianos (Pedro Machuca en el Palacio de Carlos V de Granada, abajo a la izquierda) y hacia la segunda mitad de siglo se centrará en la sobriedad maciza y desprovista de decoración (Palacio de El Escorial, de Juan de Herrera, abajo izq.).
  56. 56. La Escultura del Cinquecento. • Continúa la línea clásica (con mayor predominio de la curva), pero progresivamente va introduciéndose un mayor dinamismo (movimiento helicoidal o línea “serpentinata”) • Muy influida por Miguel Ángel, la escultura será pronto manierista: romperá el equilibrio y en ella se mostrará el gran dominio técnico de sus autores. • Los más destacados serán, en Italia, Giambologna y Benvenuto Cellini, el cual, además de escultor, fue un gran orfebre. Fuera de Italia, cabe destacar a Alonso Berruguete en España. Giambolgna: El rapto de las sabinas (Florencia)
  57. 57. Giovanni da Bologna (1529-1608) A la izquierda, “Venus”; en el centro, “Hércules derrotando al Centauro Nesso”; y a la derecha, “Mercurio” en bronce.
  58. 58. Benvenuto Cellini (1500-1571) “Perseo con la cabeza de Medusa” y salero del rey Francisco I de Francia
  59. 59. Escultura española del Renacimiento. En España, la temática predominante será religiosa y utilizará la talla en madera como técnica y material más común. Los estilos varían entre los más puristas, como Diego de Siloé o Felipe Bigarny (Trasaltar de la capilla mayor de la Catedral de Burgos, abajo a la izquierda) hasta el manierismo de Alonso Berruguete (Sacrificio de Isaac, en el centro, y Martirio de San Sebastián, a la derecha).
  60. 60. Escultura funeraria y retablos en España durante el siglo XVI. El concepto de la muerte cambia respecto a la Edad Media y, siempre dentro del ámbito religioso, la idea de permanencia en el recuerdo llevará a una gran demanda de sepulcros monumentales a la que responderán grandes escultores como Bartolomé Ordóñez (Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en la Capilla Real de Granada) o Vasco de la Zarza (Sepulcro de El Tostado, abajo a la izquierda). Por otro lado, la tradición del retablo en España, se enriquecerá, durante esta época, con un nuevo tipo completamente esculpido, generalmente en madera, por autores como Diego de Siloé (San Jerónimo, imagen del centro), Gaspar Becerra o Damian Forment (Retablo del Pilar de Zaragoza)
  61. 61. La Pintura Veneciana. • Desde el Quattrocento, el color y la preocupación por captar la luz, serán los elementos más característicos de la pintura veneciana, cuya escuela es iniciada por los Bellini. • El exotismo, derivado del comercio veneciano con el norte de Europa y el Oriente, es otro rasgo destacado. • Otra característica es la sensualidad que rezuma todo su arte y, especielmente, la pintura. A la derecha, “Apoteosis de Venecia” de Paolo Veronés en el Palacio Ducal. Debajo: Alegoría Sacra, de Giovanni Bellini (1490).
  62. 62. Pintura veneciana: Giorgione (1477-1510) y Tiziano (1487-1576) Tiziano: Venus del Cagnolino.Giorgione: Venus dormida. Giorgione es discípulo de los Bellini y Tiziano lo es, a su vez, de Giorgione. En ambos, el color comienza a desempeñar un papel más importante y a ir imponiéndose sobre la línea. Tiziano gusta de representar temas mitológicos y el desnudo femenino de formas redondeadas y elegantes.
  63. 63. Pinturas mitológicas de Tiziano: La “Bacanal” y “Baco y Ariadna”. En estas obras, Tiziano rinde un homenaje a la sensualidad, la luz y el color, a la alegría de vivir típica de Venecia. Se sirve para ello de temas y personajes de la mitología clásica.
  64. 64. Retratos de los reyes Carlos V y Felipe II. Tiziano inaugura el retrato de “aparato”, es decir, aquel en que el personaje retratado aparece rodeado de boato y con la máxima dignidad. Es el primer gran pintor de corte europeo. Viajará a España para ponerse al servicio de Carlos I y Felipe II.
  65. 65. Pintura veneciana: Paolo Veronés (1528-1588) Las bodas de Caná (Museo del Louvre)
  66. 66. Pintura veneciana: Tintoretto (1518-1594) Izquierda: El Hallazgo del Cuerpo de San Marcos (Venecia). Derecha: Susana y los Viejos. Debajo: El lavatorio de los pies.
  67. 67. Pintura Manierista. • Los manieristas continúan la evolución estética marcada por los grandes genios de la pintura renacentista del Cinquecento, especialmente la “maniera” de Miguel Ángel. • Se abandonan las proporciones clásicas en el cuerpo humano. • El espacio se interpreta de forma más libre, sin las rigideces de la perspectiva matemática. • El movimiento se intensifica y se recurre a la línea “serpentinata”, que sugiere también inestabilidad. • Pintores manieristas son Correggio (1494-1534), seguidor de Rafael, Il Parmigianino (1503-1540), Pontormo (1494-1556) y su discípulo Bronzino (1503-1572) Correggio: “El rapto de Ganímedes”
  68. 68. Pintura manierista: Corregio y Parmigianino. Il Parmigianino: “Madonna del collo lungo”Correggio: “Noli me tangere”
  69. 69. Pintura manierista: Pontormo y Bronzino. Izquierda: Pontormo: “Cristo muerto” Derecha: Bronzino: “Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo”
  70. 70. Pintura renacentista de Los Países Bajos: Joachim Patinir (1480-1524) Es el primer gran paisajista. En sus cuadros, las figuras empequeñecen para pasar a convertirse en un elemento más del paisaje. Recibe influencias de Leonardo, de quien toma los tonos apagados de los fondos y algunos detalles como las rocas puntiagudas. A la derecha, arriba, “Descanso en la huída a Egipto”; debajo, “El Bautismo de Cristo” . Bajo estas líneas, “El Paso de la Laguna Estigia”
  71. 71. Países Bajos: Peter Brueghel el Viejo (1525-1569) Continúa con la tradición paisajista holandesa y recrea escenas que representan la relación entre la naturaleza y el ser humano. En la imagen de arriba, “El Censo de Belén”. Debajo: “Patinando sobre el lago helado”
  72. 72. Pintura renacentista en Alemania: Alberto Durero (1471-1528) Es la gran figura del Renacimiento alemán, autor muy prolífico, gran retratista y grabador. Debajo de estas líneas, a la izquierda, Autorretrato, en el centro figura de Adán, parte de un díptico con la figura de Eva, y grabado titulado “Melancolía”
  73. 73. Otros pintores renacentistas alemanes. Hans Holbein, el joven (1497-1543). Retrato de Enrique VIII. Lucas Cranach, el joven (1472-1553) . Retrato de Lutero y “Venus”.
  74. 74. Pintura española del siglo XVI. • Se mantiene una temática principalmente religiosa. • Recibe influencias de los pintores flamencos (especialmente en la zona castellana) y de los pintores del norte de Italia, sobre todo Rafael, Leonardo y Miguel Ángel. • Los autores más importantes son, en Valencia, Fernando Yáñez de la Almedina y Juan de Juanes y, en Castilla, Alonso Berruguete, Pedro Machuca y Luis de Morales. En la Corte recalarán los retratistas Alonso Sánchez Coello y Juan Pantoja de la Cruz. Yáñez de la Almedina: Santa Catalina de Siena.
  75. 75. Juan de Juanes. La Santa Cena
  76. 76. Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz. Retratos de la infanta Isabel Clara Eugenia.
  77. 77. El Greco (1541-1614). • De origen cretense, Doménikos theotocópoulos es un pintor formado en Italia (Venecia y Roma), que recala en España (Toledo), donde llevará a cabo la mayor parte de su obra. • Es un pintor manierista, apasionado por el color, la luz y el movimiento. • En su etapa final, su pintura derivará hacia un marcado expresionismo. El Expolio (1577), cuadro en el que destaca el rojo intenso de la capa de Jesús y el sereno rostro de Jesús frente a los sombríos rostros que lo rodean.
  78. 78. El Greco: “El Entierro del Conde de Orgaz” Este cuadro se divide en dos partes claramente diferenciadas, el Cielo y la Tierra, unidas por el ángel que lleva el alma del difunto, que es seguida por algunas miradas. La “isocefalia” (superposición de cabezas a partir de una línea) consigue dar un efecto de profundidad, acentuado por los tonos oscuros de los ropajes y del fondo que contrastan con los tonos dorados y claros de los clérigos del primer plano. Por lo que se refiere a los personajes, se trata de un conjunto de retratos de gran realismo.
  79. 79. El Greco: Paisaje de Toledo y retrato del caballero de la mano en el pecho.
  80. 80. Obras de su etapa final: “El Nacimiento” y “La visión del apocalipsis”
  81. 81. Fin de la presentación. Fernando Ruiz. IES Ignacio Ellacuría. Alcalá de Henares.

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