Arte Escultura

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historia del arte y mas especificamente de la escultura...muy completo.

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Arte Escultura

  1. 1. Arte - Escultura
  2. 2. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Arte </li></ul><ul><li>Actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. </li></ul><ul><li>El término arte deriva del latín ars , que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. </li></ul><ul><li>Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. </li></ul><ul><li>El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades . </li></ul>
  3. 3. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>El Arte y los Artistas </li></ul><ul><li>Fuente: Gombrich, Ernst Hans. La historia del arte. Madrid: Editorial Debate, 1997. </li></ul><ul><li>“ No existe, realmente, el Arte . Tan sólo hay artistas . Estos eran en otros tiempos hombres que cogían tierra coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una cueva; hoy, compran sus colores y trazan carteles para las estaciones del metro. Entre unos y otros han hecho muchas cosas los artistas. </li></ul><ul><li>No hay ningún mal en llamar arte a todas estas actividades, mientras tengamos en cuenta que tal palabra puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos, y mientras advirtamos que el Arte , escrita la palabra con A mayúscula, no existe, pues el Arte con A mayúscula tiene por esencia ser un fantasma y un ídolo. </li></ul><ul><li>Podéis abrumar a un artista diciéndole que lo que acaba de realizar acaso sea muy bueno a su manera, sólo que no es Arte. Y podéis llenar de confusión a alguien que atesore cuadros, asegurándole que lo que le gustó en ellos no fue precisamente Arte, sino algo distinto. </li></ul><ul><li>En verdad, no creo que haya ningún motivo ilícito entre los que puedan hacer que guste una escultura o un cuadro. </li></ul>
  4. 4. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>A alguien le puede complacer un paisaje porque lo asocia a la imagen de su casa, o un retrato porque le recuerda a un amigo. </li></ul><ul><li>No hay perjuicio en ello. Todos nosotros, cuando vemos un cuadro, nos ponemos a recordar mil cosas que influyen sobre nuestros gustos y aversiones. </li></ul><ul><li>En tanto que esos recuerdos nos ayuden a gozar de lo que vemos, no tenemos por qué preocuparnos. </li></ul><ul><li>Únicamente cuando un molesto recuerdo nos obsesiona, cuando instintivamente nos apartamos de una espléndida representación de un paisaje alpino porque aborrecemos el deporte de escalar, es cuando debemos sondearnos para hallar el motivo de nuestra repugnancia, que nos priva de un placer que, de otro modo, habríamos experimentado. </li></ul><ul><li>Hay causas equivocadas de que no nos guste una obra de arte. </li></ul><ul><li>A mucha gente le gusta ver en los cuadros lo que también le gustaría ver en la realidad. Se trata de una preferencia perfectamente comprensible. </li></ul>
  5. 5. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>A todos nos atrae lo bello en la naturaleza y agradecemos a los artistas que lo recojan en sus obras. Esos mismos artistas no nos censurarían por nuestros gustos. Cuando el gran artista flamenco Rubens dibujó a su hijo, estaba orgulloso de sus agradables facciones y deseaba que también nosotros admiráramos al pequeño. </li></ul><ul><li>Pero esta inclinación a los temas bonitos y atractivos puede convertirse en nociva si nos conduce a rechazar obras que representan asuntos menos agradables. </li></ul><ul><li>El gran pintor alemán Alberto Durero seguramente dibujó a su madre con tanta devoción y cariño como Rubens a su hijo. </li></ul><ul><li>Su verista estudio de la vejez y la decrepitud puede producirnos tan viva impresión que nos haga apartar los ojos de él, y sin embargo, si reaccionamos contra esta primera aversión, quedaremos recompensados con creces, pues el dibujo de Durero, en su tremenda sinceridad, es una gran obra. </li></ul><ul><li>En efecto, de pronto descubrimos que la hermosura de un cuadro no reside realmente en la belleza de su tema. </li></ul>
  6. 6. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>El pintor ittaliano del medievo que pintó la crucifixión, seguramente sintió la pasión con tanta sinceridad como Guido Reni, pero para comprender su modo de sentir, tenemos que conocer primeramente su procedimiento. </li></ul><ul><li>Y lo mismo que decimos de la belleza hay que decir de la expresión. En efecto, a menudo es la expresión de un personaje en el cuadro lo que hace que éste nos guste o nos disguste. </li></ul><ul><li>Algunas personas se sienten atraídas por una expresión cuando pueden comprenderla con facilidad y, por ello, les emociona profundamente. </li></ul><ul><li>Cuando el pintor italiano del siglo XVII Guido Reni pintó al cabeza del Cristo en la cruz, se propuso, sin duda, que el contemplador encontrase en este rostro la agonía y toda la exaltación de la pasión. </li></ul><ul><li>En los siglos posteriores, muchos seres humanos han sacado fuerzas y consuelo de una representación semejante del Cristo. </li></ul>
  7. 7. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>El sentimiento que expresa es tan intenso y evidente que pueden hallarse reproducciones de esta obra en sencillas iglesias y apartados lugares donde la gente no tiene idea alguna acerca del Arte. </li></ul><ul><li>Pero aunque esta intensa expresión sentimental nos impresione, no por ello deberemos desdeñar obras cuya expresión acaso no resulte tan fácil de comprender. </li></ul><ul><li>Cuando llegamos a comprender estos diferentes lenguajes, podemos hasta preferir obras de arte cuya expresión es menos notoria que la de la obra de Guido Reni. </li></ul><ul><li>Del mismo modo que hay quien prefiere a las personas que emplean ademanes y palabras breves, en los que queda algo siempre por adivinar, también hay quien se apasiona por cuadros o esculturas en los que queda algo por descubrir. </li></ul><ul><li>En los períodos más primitivos, cuando los artistas no eran tan hábiles en representar rostros y actitudes humanas como lo son ahora, lo que con frecuencia resulta más impresionante es ver cómo, a pesar de todo, se esfuerzan en plasmar los sentimientos que quieren transmitir.” </li></ul>
  8. 8. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS </li></ul><ul><li>Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. </li></ul><ul><li>Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centraban su interés en la estética . </li></ul><ul><li>Las consideradas artes decorativas , o artes aplicadas , como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios . </li></ul><ul><li>Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura . </li></ul><ul><li>Sin embargo, desde mediados del siglo XX , el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras. </li></ul>
  9. 9. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>ARTE Y CIENCIA </li></ul><ul><li>Tanto el arte como la ciencia requieren habilidad técnica . </li></ul><ul><li>Los artistas y los científicos intentan crear un orden partiendo de las experiencias diversas y, en apariencia, aleatorias del mundo. </li></ul><ul><li>También pretenden comprenderlo, hacer una valoración de él y transmitir su experiencia a otras personas. </li></ul><ul><li>Sin embargo, existe una diferencia esencial entre ambas intenciones: los científicos estudian las percepciones de los sentidos de modo cuantitativo para descubrir leyes o conceptos que reflejen una verdad universal. </li></ul><ul><li>Los artistas seleccionan las percepciones cualitativamente y las ordenan de forma que manifiesten su propia comprensión personal y cultural. </li></ul><ul><li>Mientras que las investigaciones posteriores pueden llegar a invalidar leyes científicas, una obra de arte —aunque cambie el punto de vista del artista o el gusto del público— tiene un valor permanente como expresión estética realizada en un tiempo y en un lugar determinados. </li></ul>
  10. 10. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>EL ARTISTA EN EL MUNDO </li></ul><ul><li>Aun cuando los artistas puedan ser considerados genios únicos movidos por unas energías creativas propias, también son en gran parte un producto de la sociedad en la que viven. </li></ul><ul><li>Ésta debe procurar un grado de bienestar económico y suficiente tiempo libre como para permitir que el público o las instituciones puedan pagar a los artistas profesionales, como hacían los sacerdotes sumerios o los príncipes renacentistas. </li></ul><ul><li>Un artista aficionado ha de poder disponer de tiempo libre, tanto el granjero que talla o la granjera que borda durante el invierno como el empleado de una oficina que se dedica a pintar los domingos. </li></ul><ul><li>Incluso la decisión de ser artista puede fomentarse culturalmente. </li></ul><ul><li>En muchas sociedades tradicionales era costumbre que los artistas , como otra mucha gente, siguieran la profesión de sus padres, como las familias de actores o pintores en Japón y las dinastías familiares de músicos en la Europa del siglo XVIII. </li></ul>
  11. 11. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>EL ARTISTA EN EL MUNDO </li></ul><ul><li>Los recursos físicos de la sociedad en que vive el artista condicionan el medio con el que trabaja. </li></ul><ul><li>En una zona como Mesopotamia , carente de piedra, los arquitectos sumerios habían de construir con ladrillos y producir cerámicas que llegaron a ser exelentes ; los pastores nómadas asiáticos tejían la lana de sus rebaños para hacer alfombras </li></ul><ul><li>Los pintores medievales europeos trabajaban sobre paneles de madera , paredes revestidas de yeso, vidrieras de ventanas y pergaminos en una época en la que el papel no era conocido en Occidente. </li></ul><ul><li>Pero en el siglo XX la producción en masa y el comercio mundial han proporcionado a los artistas un enorme abanico de materiales. </li></ul><ul><li>El medio que utiliza un artista condiciona el estilo de su trabajo. </li></ul><ul><li>Así un escultor ha de tratar la piedra de modo diferente a la madera; un músico logra con los tambores unos efectos que difieren de los que logra con los violines; un escritor, si escribe poesía, ha de cumplir ciertos requisitos que en una novela serían irrelevantes. </li></ul>
  12. 12. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>EL ARTISTA EN EL MUNDO </li></ul><ul><li>También la tradición local afecta a los estilos artísticos; los diseños en la cerámica de un área geográfica y un periodo determinados, pueden ser geométricos y en otros, naturalistas. </li></ul><ul><li>La tradición en la India prescribía que se representara a Buda con el pelo muy rizado, al igual que la tradición occidental estipulaba que Cristo fuera representado con el pelo largo. </li></ul><ul><li>Los artistas de Oriente hacían caso omiso de la perspectiva científica , que ha sido una de las preocupaciones fundamentales de los pintores occidentales desde el periodo renacentista en Europa. </li></ul><ul><li>Además, el tema artístico está muchas veces dictado por la sociedad que lo financia . </li></ul><ul><li>El arte y la arquitectura de Egipto , dominado por el Estado y las concepciones religiosas, utilizaban como motivos la glorificación del faraón y la vida después de la muerte. </li></ul>
  13. 13. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>EL ARTISTA EN EL MUNDO </li></ul><ul><li>En la piadosa Europa medieval , la mayor parte de las artes visuales y el teatro trataban temas cristianos. </li></ul><ul><li>En el siglo XX en los países totalitarios el arte oficialmente reconocido había de estar al servicio del Estado. </li></ul><ul><li>Desde el siglo XIX , en la mayoría de los países occidentales, los artistas han disfrutado de mayor libertad en la elección de los temas y, en algunas ocasiones, la forma de la obra se ha convertido en el tema, como sucede en el arte conceptual y en la música pura. </li></ul><ul><li>El rango social de los artistas ha ido cambiando en Occidente a lo largo de los siglos. </li></ul>
  14. 14. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>EL ARTISTA EN EL MUNDO </li></ul><ul><li>En la época clásica y en la edad media los poetas y escritores, al utilizar para sus obras sólo la capacidad intelectual, estaban considerados creadores de rango superior a los actores, bailarines, músicos, pintores y escultores, que utilizaban la habilidad manual o física. </li></ul><ul><li>Pero desde el renacimiento, cuando empezaron a valorarse todos los aspectos de la personalidad humana, la capacidad creativa en el campo de las artes visuales y de representación ha ido ganando mayor reconocimiento y prestigio social. </li></ul><ul><li>Hoy en día el arte se considera, en todas sus categorías, como parte fundamental de los logros de la humanidad y muchos creadores de los más diversos campos artísticos se encuentran entre los ciudadanos más famosos del mundo. </li></ul>
  15. 15. Arte abstracto Desde 1910
  16. 16. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Arte abstracto </li></ul><ul><li>Estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. </li></ul><ul><li>El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. </li></ul><ul><li>Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. </li></ul>
  17. 17. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Improvisación 28 (segunda versión) Improvisación 28 (segunda versión) es un cuadro de 110 x 159,37 cm, pintado por el artista ruso Wassily Kandinsky en 1912. </li></ul><ul><li>En él destacan el empleo de colores vivos y las sugerencias formales, que expresan un cierto contenido espiritual y anímico. </li></ul>
  18. 18. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Suprematismo </li></ul><ul><li>En su intento de reducir el arte a su más pura esencia, el artista ruso Kazimir Maliévich eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras totalmente subjetivas. </li></ul><ul><li>Su abstracción radical, conocida como suprematismo, influyó considerablemente en el arte del siglo XX. </li></ul><ul><li>Este cuadro, denominado Suprematismo, fue realizado hacia 1919 y forma parte de la colección del Stedelijk Museum, Amsterdam. </li></ul>
  19. 19. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Composición en rojo, azul y amarillo (1930) de Piet Mondrian </li></ul><ul><li>se basa en la idea de este artista de que la pintura debía construirse con espacios planos y líneas rectas, limitándose a los colores primarios, más negro, blanco y gris. </li></ul><ul><li>Sobre esta base creó el neoplasticismo, estilo abstracto geométrico. </li></ul>
  20. 20. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Fuente: Kandinsky, Wassily. De lo espiritual en el arte. Barcelona: Barral Editores, 1983. </li></ul><ul><li>Publicado en 1912 por Wassily Kandisky, es una de las obras clave para entender el arte del siglo XX. A lo largo de sus páginas proclama la total independencia del modelo respecto a la realidad natural que, en la práctica, desembocaría en la abstracción. </li></ul><ul><li>Paulatinamente, las diferentes artes se disponen a decir lo que mejor saben decir y por los medios que cada una de ellas posee exclusivamente. </li></ul><ul><li>A pesar de, o gracias a esta diversificación, las artes nunca estuvieron tan cerca las unas de las otras en los últimos tiempos, como en esta hora última del cambio de rumbo espiritual. </li></ul><ul><li>En todo lo aquí citado se hallan los brotes de las tendencias hacia lo no-natural, lo abstracto, la naturaleza interior. </li></ul>
  21. 21. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Consciente o inconscientemente obedecen a la frase de Sócrates: «¡Conócete a ti mismo!». </li></ul><ul><li>Los artistas retornan principalmente a su material, lo estudian, colocan sobre la balanza espiritual el valor interior de los elementos con los que su arte puede crear. </li></ul><ul><li>Este empeño produce espontáneamente su consecuencia natural: </li></ul><ul><li>la comparación de los propios elementos con los de otro arte. </li></ul><ul><li>La enseñanza más rica nos la da la música. </li></ul><ul><li>Con pocas excepciones y desviaciones, la música es, desde hace siglos, el arte que utiliza sus medios no para representar fenómenos de la naturaleza, sino para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia de tonos musicales. </li></ul><ul><li>El artista, cuya meta no es la imitación de la naturaleza, aunque sea artística, y que quiere y tiene que expresar su mundo interior, ve con envidia como hoy se alcanzan naturalmente y con facilidad estos objetivos en la música, la más inmaterial de las artes. </li></ul><ul><li>Se comprende que se vuelva hacia ella e intente encontrar los mismos medios en su arte. </li></ul>
  22. 22. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>De ahí proceden en la pintura, actualmente, la búsqueda de ritmo y la construcción matemática y abstracta, el valor que se da a la repetición del color y a la dinamización de éste. </li></ul><ul><li>La comparación entre los medios de las diferentes artes y la inspiración de un arte en otro, sólo tiene éxito si la inspiración no es externa sino de principio. </li></ul><ul><li>Es decir, un arte debe aprender del otro como éste utiliza sus propios medios para, después, a su vez, utilizar sus propios medios de la misma manera; es decir, según el principio que le sea propio exclusivamente. </li></ul><ul><li>En este aprendizaje, el artista no debe olvidar que cada medio tiene una utilización idónea y que se trata de encontrar esta utilización. </li></ul><ul><li>En lo que se refiere al empleo de la forma, la música puede obtener resultados inasequibles a la pintura. La música, por otro lado, no tiene algunas de las cualidades de la pintura. </li></ul><ul><li>Por ejemplo, la música dispone del tiempo, de la dimensión del tiempo. La pintura, que no posee esta característica, puede sin embargo presentar al espectador todo el contenido de la obra en un instante. </li></ul>
  23. 23. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>La música es incapaz de esto. La música, externamente emancipada de la naturaleza, no necesita tomar de prestado formas externas para su lenguaje. </li></ul><ul><li>La pintura, por el contrario, depende hoy casi por completo de las formas naturales, de las formas que le presta la naturaleza. </li></ul><ul><li>Su deber consiste en analizar sus fuerzas y sus medios, conocerlos, como hace tiempo que los conoce la música, y utilizar en el proceso creativo estos medios y fuerzas de modo puramente pictórico. </li></ul><ul><li>Al profundizar en sus propios medios, cada arte marca sus límites hacia las demás artes; la comparación las une de nuevo en un empeño interior común. Así se descubre que cada arte posee sus fuerzas, que no pueden ser sustituidas por las de otro arte. </li></ul><ul><li>Y así se unen las fuerzas de las diversas artes. De esta unión nacerá con el tiempo el arte que ya hoy se presiente: el verdadero arte monumental. </li></ul><ul><li>Todo el que ahonde en los tesoros escondidos de su arte, es un envidiable colaborador en la construcción de la pirámide espiritual que un día llegará hasta el cielo. </li></ul>
  24. 24. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Abstracción Lírica </li></ul><ul><li>La obra de Wassily Kandinsky ilustra la llamada abstracción lírica. </li></ul><ul><li>Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. </li></ul><ul><li>En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. </li></ul><ul><li>En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo. </li></ul>
  25. 25. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Abstracción Geométrica </li></ul><ul><li>La abstracción de Piet Mondrian se elaboró a partir de la retícula cubista, a la que progresivamente redujo a trazos horizontales y verticales que encierran planos de color puro. </li></ul><ul><li>Por su simplificación, el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio a su doctrina artística, satisfacía las exigencias de universalidad del artista (véase De Stijl). </li></ul><ul><li>En Francia, la abstracción de Fernand Léger (Contrastes de forme, 1913-1914) y la de Picabia (Udnie, 1913) utilizaron formas cubistas sin renunciar a la intensidad cromática. </li></ul><ul><li>En Rusia, tras haber sido el principal representante del cubo-futurismo, Kazimir Maliévich rompió radicalmente con todas las viejas concepciones del arte al pintar en 1915 Carré noir dando lugar al suprematismo. </li></ul><ul><li>Paralelamente, Vladímir Tatlin creó con sus relieves abstractos una de las primeras formulaciones de lo que se llamaría el constructivismo. </li></ul><ul><li>Alexandr Rodchenko, tras haber pintado sus tres monocromos (Amarillo puro, Azul puro, Rojo puro, 1918), y El Lissitzky, aprovecharon su conocimiento de la forma para ir avanzando hacia una concepción utilitaria del arte que triunfó también en la Bauhaus en Alemania bajo el impulso de artistas como László Moholy-Nagy o Josef Albers. </li></ul>
  26. 26. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Otras Formas De Abstracción </li></ul><ul><li>En paralelo a la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada biomórfica, que nació de las formas creadas por Jean Arp a finales de la década de 1910, retomadas por artistas como Joan Miró y Alexander Calder. </li></ul><ul><li>En el periodo de entreguerras, Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad. </li></ul><ul><li>El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra. </li></ul><ul><li>Estas tendencias entraron entonces en competencia con las diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la denominación de arte informal. </li></ul>
  27. 27. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con el Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline) y con el Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still). </li></ul><ul><li>Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria (Yaacov Agam, Jesús Rafael Soto, Victor Vasarely, Nicolas Schöfer y Bridget Riley, entre otros). </li></ul><ul><li>El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes, con los grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. </li></ul><ul><li>Las tendencias a la vez neoexpresionistas y neogeométricas que se pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones. </li></ul>
  28. 28. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Arte cinético </li></ul><ul><li>Tendencia de la pintura y escultura contemporáneas que hace referencia a aquellas obras creadas para producir la impresión o ilusión de movimiento. </li></ul><ul><li>El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos. </li></ul><ul><li>Aunque el concepto apareció por primera vez en el Manifiesto realista firmado en 1920 por Antón Pevsner y Naum Gabo, su uso no se generalizó hasta la década de 1950. </li></ul><ul><li>En la actualidad se conoce como arte cinético todas aquellas obras que producen en el espectador sensación de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la posición desde donde se contemplen y las que crean una aparente sensación de movimiento por la iluminación sucesiva de alguna de sus partes (los anuncios de neón). </li></ul><ul><li>También se incluyen dentro del arte cinético las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico y los móviles sin motor, como los de Alexander Calder. </li></ul><ul><li>Entre los artistas más destacados que han cultivado este estilo artístico se encuentran Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez, Marcel Duchamp, Julio LeParc, Alejandro Otero y Yaacov Agam. Véase Arte y arquitectura contemporáneas. </li></ul>
  29. 29. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Julio Le Parc (1928- ) </li></ul><ul><li>Artista cinético, dibujante y grabador argentino formado en Francia, que en 1960 fundó el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV). </li></ul><ul><li>Nació en Mendoza (Argentina) en 1928 y en 1942 se trasladó con su familia a Buenos Aires. </li></ul><ul><li>A los 15 años comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes para abandonarlos un año después y continuarlos en 1955. Artista en permanente actividad creadora, formó parte del movimiento que propuso actualizar las disciplinas artísticas argentinas. </li></ul><ul><li>Presidió el Centro de Estudiantes de Artes Plásticas y fue miembro del Consejo Directivo de la Escuela de Bellas Artes. </li></ul><ul><li>En 1957 participó en la Bienal de São Paulo y se inició como pintor semi-abstracto. </li></ul><ul><li>En 1958, tras obtener una beca para ir a Francia, se instaló definitivamente en París, abandonó los medios tradicionales de la pintura y, en compañía de otros artistas europeos y americanos, fundó dos años más tarde el Groupe de Recherche d’Art Visuel. </li></ul>
  30. 30. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Realizó investigaciones en el terreno de lo visual, la luz y el movimiento, y tomó parte activa en el grupo Nueva Tendencia. </li></ul><ul><li>Desarrolló un arte muy experimental, y con una gran inventiva creó estructuras y mecanismos luminosos en los que el placer visual, los efectos sutiles y los elementos de sorpresa sumergen al espectador en un clima de encantamiento (Luz continua, 1960-67). </li></ul><ul><li>La obra se convierte así, no en un hecho exterior al espectador, sino en un ambiente en el que este último participa (Formas en contorsión, 1966). </li></ul><ul><li>En 1966 ganó el Premio de Pintura de la Bienal de Venecia y al año siguiente participó en la exposición que, con el nombre de Luz y Movimiento, se realizó en el Museo de Arte Moderno de París. </li></ul><ul><li>Allí presentó algunas de sus máquinas, como un gran tambor metálico que refleja y descompone un rayo de luz blanca. En 1987 ganó también el Primer Premio de la Bienal de Cuenca (Ecuador). </li></ul><ul><li>LeParc fue en su época un vanguardista óptico y cinético. Entre sus obras, cabe citar: La inestabilidad (1964), El movimiento (1965), Ocho artistas cinéticos (1969), Arte eléctrico (1973) e Imágenes-mensajes de América Latina (1978). </li></ul>
  31. 31. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Artículos relacionados </li></ul><ul><li>Alejandro Otero </li></ul><ul><li>Alexander Calder </li></ul><ul><li>Arte y arquitectura contemporáneas </li></ul><ul><li>Carlos Cruz-Díez </li></ul><ul><li>Jesús Rafael Soto </li></ul><ul><li>Julio Le Parc </li></ul>
  32. 32. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Bibliografía </li></ul><ul><li>Argan, Giulio Carlo. El Arte Moderno 1770-1970. 2 vols. Valencia: Fernando Torres Editor, 3ª ed., 1984. Obra que constituye un clásico indispensable para el conocimiento global de los orígenes y evolución del arte moderno. En el tomo II destaca el tratamiento de la abstracción, apoyado en ilustraciones. </li></ul><ul><li>Blok, Cor. Historia del Arte Abstracto 1900-1960. Madrid: Ediciones Cátedra, 2ª ed., 1987. Estudio riguroso sobre el concepto y evolución del arte abstracto, apoyado en una amplia labor documental y abundante material gráfico. </li></ul><ul><li>Gullón, Ricardo. De Goya al arte abstracto. Madrid: Seminarios y Ediciones, 1972. Reflexión y aportación teórica y crítica fundamental para la comprensión del fenómeno de la abstracción. </li></ul><ul><li>Kofler, Leo. El arte abstracto y la literatura del absurdo. Barcelona: Barral Editores, 1972. Aportación teórica al análisis de la estética abstracta desde una metodología marxista. </li></ul>
  33. 33. Introducción a la Historia del Arte <ul><li>Lahuerta, Juan José. 1927. La abstracción necesaria en el arte y la arquitectura europeos de entreguerras. Barcelona: Anthropos, Editorial del Hombre, 1989. Obra de gran rigor metodológico. Incluye una bibliografía exhaustiva. </li></ul><ul><li>Lambert, Jean y Clarence. Pintura Abstracta. En &quot;Historia General de la Pintura&quot;. Volumen 23. Madrid: Aguilar, 1969. Síntesis evolutiva de los diferentes movimientos adscritos a la abstracción, con abundantes ilustraciones. Contiene un importante apéndice. </li></ul><ul><li>Lozano Bartolozzi, María del Mar. Las Claves del Arte Abstracto. Barcelona: Editorial Planeta, 1990. Breve introducción al estudio del arte abstracto. </li></ul><ul><li>Moszynska, Anna. El Arte Abstracto. Barcelona: Ediciones Destino, 1996. Estudio de síntesis rigurosa sobre la evolución de las corrientes abstractas del siglo XX hasta nuestros días. Incluye bibliografía. </li></ul><ul><li>Ragon, Michel. Diario del Arte Abstracto. Barcelona: Destino, 1992. Obra esencial para comprender el desarrollo de las corrientes abstractas del siglo XX. Introduce abundantes ilustraciones. </li></ul>

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