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Danto

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  • 1. 1DANTO A., “Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia”.1. Introducción: moderno, posmoderno y contemporáneo.2. Tres décadas después del fi n del arte.Tiempos Romanos – 1400 d.C. 1400 – 1960 1980 – Momento poshistóricoImagen antes de la era del arte Imagen en la era del arte Imagen contemporánea – pos históricaNARRATIVA TRADICIONAL No significa que esas imágenes nofueran arte en un sentido amplio,sino que su ser arte no figuraba ensu producción, dado que el conceptode arte no había emergido todavía enla conciencia general, por lo queesas imágenes -de hecho iconos-jugaron un papel diferente en la vidade las personas del que las obrasde arte vinieron a jugar cuando elconcepto de arte emergió yconsideraciones estéticascomenzaron a gobernar nuestrarelación con ellas. Ni siquiera eranconsideradas en el sentido elementalde haber sido producidas por artistas(seres humanos que marcansuperficies) sino que eranobservadas como si su origen fueramilagroso. Los pintores se dedicaban a larepresentación del mundo, pintandopersonas, paisajes y eventoshistóricos tal como se les presentabanNARRATIVA MODERNA En el Renacimiento el concepto deartista se vuelve central. Emerge el concepto de arte y algoasí como consideraciones estéticascomenzaron a gobernar nuestrarelación con las obras de arte. Discontinuidad en las prácticasartísticas entre el antes y eldespués del comienzo de la era delarte. Se desvía el arte de la pinturadesde su agenda representacionalhacia una nueva agenda en la que losmedios de la representación sevuelven el objeto de larepresentación. El cambio desde el arte“premoderno” al arte de lamodernidad, siguiendo a Greenberg,fue el cambio desde rasgos de pinturamimética a no mimética. Eso nosignifica que la pintura tuviera quevolverse no objetiva o abstracta, sinoque sus rasgos representacionalesfueran secundarios.FIN DE LAS NARRATIVAS MAESTRAS Fin de las narrativas maestras delarte (que definieron la narrativatradicional y la narrativa moderna). Elarte contemporáneo no se permitemás a sí mismo ser representado pornarrativas maestras. La estructuraobjetiva del mundo del arte sedefine históricamente por unpluralismo radical. No hay más «lindede la historia. El nuestro es unmomento de profundo pluralismo ytotal tolerancia, al menos en arte.No hay reglas. La práctica artística contemporánease trata de una práctica en la quelos pintores ya no dudan endisponer sus pinturas mediante elempleo de recursos que pertenecena medios del todo diferentes -escultura, vídeo , película,instalación, y otros-. Los artistas seapartan de la ortodoxia estética de lamodernidad que insistió sobre lapureza del medio que lo definía. ElRenacimiento 1970
  • 2. 2o hubieran presentado al ojo. Los rasgos representacionales(miméticos) son fundamentales,centrales.FILOSOFÍA Los antiguos describen el mundo sinque el concepto de yo, central en lafilosofía moderna luego de Descartes,definiera la actividad filosófica. Anteriormente los períodos estilísticosse suceden unos a otros, elrenacentista, el manierismo, elbarroco, el rococó, el neoclasicismo,el romanticismo, constituyen cambiosen el modo en que el arte representael mundo, que se desarrollaron apartir de una reacción contra susantecesores como en respuesta atodo tipo de fuerzas extra-artísticasen la historia y en la vida. El modernismo como períodoestilístico, que surge y se desarrollaentre f. XIX (1850/80) y 1960/80aprox., no sigue al romanticismo eneste sentido, sino que está marcadopor el ascenso a un nuevo nivel deconciencia, reflejada en la pinturacomo un tipo de discontinuidad, comosi enfatizar la representaciónmimética se hubiera vuelto menosimportante que otro tipo de reflexiónsobre los sentidos y los métodos derepresentación. El modernismo seinstala a una distancia respecto de lahistoria previa del arte. Moderno, nosignifica sólo lo más reciente, tantocomo en filosofía como en arte,significa una noción de estrategia,estilo y acción. (1) Para Greenberg, Manet seconvirtió en el Kant de la pinturamodernista: “Las pinturas de Manetse volvieron las primeras imágenesmodernistas, en virtud de laarte contemporáneo puede serpensado como impuro o no puro ,pero sólo contra la memoria del idealartístico del modernismo. El arte contemporáneo ni tiene unalegato en contra del arte del pasado,ni tiene sentido que el pasado seaalgo de lo cual haya que librarse, auncuando sea diferente como arte delarte moderno en general. Parte de loque define al arte contemporáneo esque el arte del pasado está disponiblepara el uso que los artistas le quierandar. Lo que no está disponible es elespíritu en el cual fue creado ese arte.El paradigma de lo contemporáneo esel collage. Ernst dijo que el collage esel encuentro de dos realidadesdistantes en un plano ajeno a ambas.La diferencia es que ya no hay unplano diferente para distinguirrealidades artísticas, ni esasrealidades son tan ajenas entre sí. Esose debe a que la percepción básica delespíritu contemporáneo se formósobre el principio de un museo endonde todo arte tienen su propiolugar, donde no hay criterio a prioriacerca de cómo el arte deba verse ydonde no hay una narrativa a la quelos contenidos del museo debanajustarse. Consideran los museoscomo llenos de opciones artísticasvivas, como un depósito de materialespara un collage de objetos ordenados
  • 3. 3franqueza con la cual manifestabanlas superficies planas donde eranpintadas”. La historia de lamodernidad se desplazó desde allí através de los impresionistas, “quienesabjuraron de la pintura base y lasveladuras para dejar al ojo sin dudasde que los colores que usaban eranpintura que provenía de tubos opotes”, hasta Cézanne, “que sacrificóla verosimilitud o la corrección paralograr ajustar sus dibujos y dibujarmás explícitamente la formarectangular del lienzo”. Greenbergconstruyó paso a paso una narrativade la modernidad para reemplazar lanarrativa de la pintura representativatradicional definida por Vasari. Todoaquello que Meyer Schapiro tratacomo “rasgos no miméticos” de losque todavía podrían serresidualmente pinturas miméticas: elplano, la conciencia de la pintura y lapincelada, la forma rectangular, laperspectiva desplazada, el escorzo, elclaroscuro, son los puntos progresivosde una secuencia de desarrollo. En mipropia cronología (la de Danto) VanGogh y Gauguin son los primerospintores modernistas. Las narrativas maestras excluyenciertas tradiciones y prácticasartísticas como «fuera del linde de lahistoria. La narrativa moderna deGreenberg no da lugar a laspara sugerir o defender su tesis.Organiza exposiciones de objetos queno tienen una conexión histórica oformal entre sí, más allá de lasconexiones que proporciona el propioartista. Contemporáneo, en el sentido másevidente, significa lo que estásucediendo ahora. El artecontemporáneo ha pasado a significararte producido con una determinadaestructura de producción nunca vistaantes (en la historia del arte). Hallegado a designar algo más que elarte del momento presente. Más queun período se refiere a lo que sucedeposteriormente al fin de los períodosde una narrativa maestra del arte.Más que a un estilo se refiere a unestilo de utilizar estilos. En unprincipio, varias propuestas de artecontemporáneo se entendieron comoarte moderno que se está haciendoahora, sin formar un canon cerrado.La distinción entre lo moderno y locontemporáneo no se esclarecióhasta los años setenta y ochenta.Resultando evidente al considerar lanecesidad de crear el términoposmoderno. Lo que caracteriza a locontemporáneo es definido por unasuerte de unidad estilística que puedeser elevada a criterio y usada comobase para desarrollar una capacidadde reconocimiento, no habiendo en
  • 4. 4tendencias no modernistas como lapintura académica francesa (d. deCezanne) y el surrealismo. El arte másallá de su límite, o no es parte delalcance de la historia, o es unaregresión a alguna forma anterior dearte. Para Greenberg, madurezsignifica pureza en el sentido en queel término se conecta con lo que Kantquiere decir en el título de su “Críticade la razón pura”: la razón aplicada así misma, sin ocuparse de otra cosa.En correspondencia, el arte puro erael arte aplicado al arte mismo.Mientras que el surrealismo eraprácticamente la encarnación de laimpureza, interesado en los sueños, elinconsciente, el erotismo y lomisteriosos. Así, según el criterio deGreenberg el arte contemporáneo esimpuro. El modernismo fue local ymaterialista, interesado por la forma,la superficie, la pigmentación, y elgusto que definían la pintura en supureza. La pintura modernista, comoGreenberg la definió, podía solamenteresponder a la pregunta: ¿Qué es estoque tengo y que ninguna otra clase dearte tiene? La escultura se hacía esemismo tipo de preguntas. Cuando se reveló el perfil de artemoderno, lo hizo porque el artecontemporáneo había mostrado unperfil diferente del moderno.consecuencia la posibilidad de unadirección narrativa. Por eso (más queposmoderno) yo prefiero llamar alcontemporáneo, posthistórico. Así, locontemporáneo es, un período deinformación desordenada, unacondición perfecta de entropíaestética, equiparable a un período deuna casi perfecta libertad. No existemás el linde de la historia. Todo estápermitido. Lo posmoderno (en opinión de Danto)identifica sólo a un sector del artecontemporáneo, designa un ciertoestilo. En el libro de R. Venturi (1966)hay una fórmula: “Elementos que sonhíbridos más que puros,comprometidos más que claros,ambiguos más que articulados,perversos así como interesantes”.(Por ej. Obras de Rauschenberg,Schnabel, Salle). En los 60, luego de 1962 comomarcando el final del expresionismoabstracto, tendríamos una cantidadde estilos sucediéndose a unavelocidad vertiginosa: el campo decolor en pintura, abstraccióngeométrica, neorrealismo francés,pop, op, minimalismo, arte povera, yluego lo que se llamó Nueva Escultura,y luego el arte conceptual. En los 60hubo un paroxismo de estilos, en elcurso de cuya contienda me pareció,primero a través de los nouveaux
  • 5. 5FILOSOFÍA El comienzo de la filosofía moderna sepiensa a partir de Descartes, “yopienso”, donde el problema no estanto cómo son realmente las cosas,sino de cómo alguien, cuya menteestá estructurada de cierta manera,está obligado a pensar que son lascosas. Descartes y la filosofía modernadibujaron un mapa filosófico deluniverso cuya matriz era la estructuradel pensamiento humano. Trayendolas estructuras del pensamiento a laconciencia, donde podemosanalizarlas críticamente. Desde que elmundo es definido por elpensamiento, el mundo y nosotrosestamos hechos a imagen uno delotro. Aunque el “giro lingüístico”reemplazó las preguntas acerca dequé somos por cómo hablamos hayuna continuidad entre las dos etapas. Con la modernidad, las condicionesde la representación se vuelvencentrales, de aquí que el arte, sevuelve su propio tema. Greenberg ensu ensayo de 1960 “La pinturamodernista” escribió: “La esencia dela modernidad descansa en el uso delos métodos característicos de unadisciplina para autocriticarse, no parasubvertirla sino para establecerla másfirmemente en su área decompetencia”. Greenberg toma comorealistes y pop, que no había unamanera especial de mirar las obrasde arte en contraste con lo que hedesignado “meras cosas reales”, (porej. Falta de diferencia visible entre lacajas de Brillo Box de Andy Warhol ylas de los supermecados). Además, elarte conceptual demostró que nonecesariamente debe haber unobjeto visual palpable para que algosea una obra de arte, lo que implicaque en la medida en que lasapariencias fueran importantes,cualquier cosa podría ser una obra dearte, y que si se fuera a realizar unainvestigación sobre qué es el arte,sería necesario realizar un giro desdela experiencia sensible hacia elpensamiento. En resumen, un girohacia la filosofía. (2) En los 70 el paroxismo disminuyó. Los70 fue una época en la que debehaber parecido que la historia habíaperdido su rumbo, hubo momentos,como Patern and Decoration (med.70, i. 80), pero no parecía haberemergido una dirección discernible. La conciencia de lo contemporáneocomienza a emerger a mediados delos 70. La tesis de Belting hablatambién de la “relativa y recientepérdida de fe en una gran narrativaque determine el modo en que lascosas deben ser vistas”. Ahora que al menos la visión de una
  • 6. 6modelo de pensamiento modernistaal filósofo Immanuel Kant,concibiéndolo “como el primermodernista verdadero porque fue elprimero en criticar el significadomismo de la crítica”. Kant no concibióuna filosofía que tan sólo agregaraalgo a nuestro conocimiento, sino unaque respondiera a la pregunta cómoes posible el conocimiento. Supongoque la correspondiente concepción dela pintura debería ser no tanto elrepresentar la apariencia de las cosas,sino responder a la pregunta de cómola pintura fue posible. La preguntaentonces podría ser: ¿Quién fue elprimer pintor modernista? (1)MUSEO La primera generación de los grandesmuseos americanos dio por supuestoque sus contenidos deberían sertesoros de una gran belleza visual queera metáfora de la verdad espiritual.La segunda generación (Museo deArte Moderno), asumió que la obra dearte tiene que ser definida entérminos formalistas y apreciada bajola perspectiva de una narrativa (enanalogía a la que adelantóGreenberg): una historia líneaprogresiva con la que el visitante debetrabajar, aprendiendo a apreciar laobra de arte junto al aprendizaje desecuencias históricas. Las pinturas,auto-conciencia ha sido alcanzada, laintención de la historia del arte dellegar a una concepción filosófica de símisma ha finalizado. Entonces losartistas se libraron de la cargahistórica y fueron libre para hacerarte en cualquier sentido quedesearan, por cualquier propósitoque desearan, o sin ningúnpropósito. Ésta es la marca del artecontemporáneo en contraste con elmodernismo. De todos modos, el arte de los 70estaba lleno de artistas que no teníannada que ver con empujar los límiteso extender la historia del arte, y sí conponer al arte al servicio de metaspersonales o políticas. Los artistastenían toda la herencia de la historiadel arte para trabajar, incluyendo lahistoria de la vanguardia, que puso adisposición todas aquellasposibilidades que había elaborado yque el modernismo hizo lo posible porreprimir. La principal contribuciónartística de la década fue laemergencia de la imagen apropiada,o sea el “apropiarse” de imágenes consentido e identidad establecidos yotorgarles significación e identidadfrescas. Estas posibilidades artísticas son larealización y la aplicación de lacontribución filosófica desde los 60hasta la autocomprensión del arte:
  • 7. 7ahora sin marcos, tal vez consideradoscomo distracciones o propios de unaagenda ilusionista, no fueron másventanas hacia las escenasimaginadas, sino objetos con derechopropio, aun cuando hubieran sidoconcebidos como ventanas. Con la llegada de la filosofía al arte lovisual desapareció. Tres ataques amuseos establecidos son dignos demencionarse al respecto. – CuandoKirk Varnedoe y Adam Copnickadmitieron al pop en la sgalerías delMuseo de Arte Moderno en 1990. –Cuando Thomas Krens le quitó suadhesión a Kandisky y Chagall paraadquirir parte de la colección dePanza (en gran parte conceptual einexistente como objeto). – Cuandoen 1993 Whitney compiló una Bienalconsistente en obras que tipificaban elcamino real que había seguido elmundo del arte luego del fin del arte.las obras de arte pueden ahora serimaginadas o producidas como meracosas reales que no exigen el estatusde arte por aquellas suposiciones enlas que no podemos definir las obrasde arte en términos de ciertaspropiedades visuales que deberíantener. No hay imperativos a priorisobre el aspecto de las obras de arte.Factor que terminó con la agendamodernista. En los 80 ciertos teóricosconsideraron el tema de la muerte dela pintura y basaron sus juicios en laafirmación de que la pintura avanzadaparecía mostrar todos los signos de unagotamiento interno o un límite. Uncomplejo de prácticas dieron lugar aotras aun cuando la forma del nuevocomplejo permanece oscura. Cerca de los 80, surge elneoexpresionismo dando la sensaciónde que se había encontrado unanueva dirección. Y luego vuelve lasensación de que no había nada. Mástarde nace la sensación de que lacaracterística de este nuevo períodoera esa ausencia de dirección. Recientemente, se ha comenzado asentir que los últimos 25 años, unperíodo de tremenda productividadexperimental en las artes visuales sinninguna dirección narrativa especial,se ha estabilizado como norma.
  • 8. 8FILOSOFÍA (2) En 1969 Joseph Kosuth afirmó quela única tarea para un artista denuestro tiempo “era investigar lanaturaleza del mismo arte”. Siguiendoa Hegel, el arte nos invita a lacontemplación reflexiva pero no conel fin de producir nuevamente arte,sino para conocer científicamente loque es el arte. La pregunta filosóficasobre la naturaleza del arte surgiódentro del arte cuando los artistasinsistieron contra los límites despuésde los límites, y encontraron que loslímites cedían. Fue solamente en losaños 60, cuando se volvió claro quecualquier cosa podía ser una obra dearte, que se pudo pensarfilosóficamente sobre el arte.(Entonces) ¿Qué pasa con el artedespués del fin del arte, donde “artedespués del fin del arte” significa“luego del ascenso a la propiareflexión filosófica”? Donde una obrade arte puede consistir en cualquierobjeto legitimado como arte surge lapregunta: ¿Por qué soy yo una obrade arte? Con esta pregunta terminó lahistoria del modernismo.MUSEO ¿Qué es lo que un museoposthistórico debe ser o hacer? Haypor lo menos tres modelos,
  • 9. 9dependiendo del tipo de arte queconsideremos, y dependiendo de si setrata de belleza, forma o aquello quedebo llamar el compromiso quedefine nuestra relación con él. El artecontemporáneo es pluralista enintenciones y realizaciones como parapermitir ser capturado en una únicadimensión y, en efecto, un argumentopuede ser que en gran parte seaincompatible con los imperativos deun museo, que requeriría una clasediferente de administración y cuyointerés fuese el de comprometer alarte directamente con la vida – deaquellas personas que no han vistorazón para utilizar el museo ni comoun tesoro de belleza, ni como unsantuario de formas espirituales. El museo es una parte de lainfraestructura del arte que va a tenerque vincularse con el fin del arte, ycon el arte de después del fin delarte. El artista, la galería, las prácticasde la historia del arte, y la disciplinade estética filosófica, deben, en suconjunto, dar un camino y tornarsediferentes de lo que han sido desdehace mucho tiempo.

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