3. En sus inicios el estilo de
Velazquez era naturalismo
tenebrista concentrándose en la
luz intensa y dirigida
su pincelada densamente
empastada modelaba las formas
con precisión, y sus colores
dominantes eran tonos tostados
y carnaciones cobrizas.
Cuando se estableció en Madrid
ha estudiar a los pintores
modificó su paleta y pasó a
pintar con grises y negros en
lugar de los colores terrosos
En el primer viaje que realizo a
Italia fue cuando cambio de
estilo radicalmente.
En este viaje el pintor ensayó
nuevas técnicas, buscando la
luminosidad. Velázquez, que había
ido desarrollando su técnica en
4. Se componía básicamente de
blanco de plomo aplicado con
espátula, que formaba un fondo
de gran luminosidad,
complementado con pinceladas
cada vez más transparentes.
Velazquez tenia la
composición definida del cuadro
si no lo iba cambiando mientras
iba pintando, raramente hacia
dibujos preparatorios.
la paleta de colores de
Velazquez era muy reducida y
siempre fueron los mismos lo
que si cambio fue la manera de
mezclarlos y aplicarlos.
Otra parte fundamental de su
arte son la figuras como las
cabezas las manos entre otros.
6. La familia de Felipe
IV o las mininas es
la obra maestra de
Velazquez.
Esta pintura se cree
que se acabo en 1656
Es una pintura
realizada al óleo
sobre un lienzo de
grandes dimensiones
formado por tres
bandas de tela
cosidas
8. La fábula de Aracne,
popularmente
conocido como Las
hilanderas, es un
lienzo de Diego
Velázquez,
conservado en el
Museo del Prado.
Esta obra es de los
máximos exponentes
de la pintura
barroca española y
está considerada
como unos de los
grandes ejemplos de
9. Velázquez divide la
obra en planos, a la
manera de aquellos
cuadros medievales
cuyos grupos han de
leerse en un orden
determinado, como si
fuesen páginas de un
libro.
Este cuadro es tipo
barroco
11. La mulata, La
cocinera o Escena de
cocina es una de las
dos versiones de
este tema pintadas
por Velázquez en su
primera etapa
Sevillana, con un
abanico de fechas
amplio, aunque la
mayor parte de los
especialistas llevan
13. Pintor barroco perteneciente
a la Escuela valenciana de
la primera mitad del s.XVII,
José de Ribera ha sido
considerado como el punto de
arranque del movimiento
naturalista en España,
aunque la mayor parte de su
vida la pasó en Italia.
José de Ribera y Cucó (Játiva
, España, 12 de enero de 1591
– Nápoles, Italia, 2 de
septiembre de 1652); pintor y
grabador español del siglo
XVII, que desarrolló toda su
carrera en Italia y
principalmente en Nápoles
Ribera es un pintor destacado
de la escuela española, si
bien su obra se hizo
íntegramente en Italia y de
hecho, no se conocen
ejemplos seguros de sus
inicios en España. Etiquetado
14. Cultivó un
estilo naturalista que
evolucionó
del tenebrismo de Caravaggio
hacia una estética más
colorista y luminosa.
las primeras obras juveniles
de Ribera que fueron
aceptadas como autógrafas,
son cuatro óleos de una
serie de Los cinco sentidos.
En 1620 a 1626 apenas se
fechan obras pictóricas, pero
a este período corresponden
la mayoría de sus grabados,
técnica que cultivó con
maestría.
En esta época ya muestra su
15. Entre los
años 1626 y 1632 realizó sus
obras más rotundas que
muestran su fase más
tenebrista son aquellas
composiciones severas de
grandes diagonales luminosas
que llenan la superficie,
subrayando siempre la
solemne monumentalidad del
conjunto con elementos de
poderosa horizontalidad,
como gruesas lápidas de
piedra o enormes troncos.
En 1629 el duque de Alcalá
es el nuevo virrey, y va a
ser el nuevo mecenas del
pintor; a éste le encarga
obras como La mujer
barbuda (1631) o una serie de
Filósofos, en los que deja
testimonio de su naturalismo
más radical: modelos de una
vulgaridad casi hiriente,
traducidos con una
alucinante verdad intensísima.
16. Sus temas pictóricos son
mayormente religiosos Sin
embargo, realizó también
obras de carácter profano
figuras de filósofos
Arquímedes, 1630, Museo del
Prado)y temas mitológicos
como el Sileno del Museo de
Capodimonte de Nápoles de
1626
. La década de los 40, con
las interrupciones debidas a
su enfermedad, acaso
una trombosis (a pesar de la
cual no rompió la actividad
del taller), supuso una serie
de obras de un cierto
clasicismo en la composición,
sin renunciar a las energía de
ciertos rostros individuales
SE puede decir que es un
creador extraordinario ya
que posee la capacidad de
crear imágenes palpitantes
de pasión verdadera al
18. 'La Inmaculada
Concepción'(1635). El
cuadro se encuentra
en la Iglesia del
Convento de las
Angustinas Ricoletas
en Salamanca.
Es una
representación
tradicional, viste a
la Virgen con manto
azul y túnica blanca
e incorpora a los
ángeles a su
alrededor. La
20. En el cuadro vemos el
retrato del científico,
aunque no de la forma a
la que estamos
acostumbrados: la
imagen seria y casi
deificada de los
retratos y esculturas
de los hombres de
ciencia son producto de
los ideales clásicos del
siglo XIX. En cambio, en
Retrato de Arquímedes,
vemos una persona
común, más parecida a un
mendigo que a un
matemático. Su sonrisa
nos permite ver su
rostro arrugado y sus
dientes sucios, mientras
que si observamos sus
manos, una con un
22. (1626). El lienzo se
encuentra en el Museo y
Galería Nacional de
Capodimonte en Nápoles.
Este cuadro refleja a
sátiro tendido sobre un
paño rodeado de
diversas figuras : un
asno y un joven sátiro
con una taza en la mano,
otro sátiro que vierte
vino en la copa de
Sileno, y un tercero. En
el suelo se encuentra
un bastón, una tortuga
y una concha. Algunos
autores creen que este
cuadro es una
interpretación de una
bacanal en el curso de
un festejo para coronar
24. Francisco Goya, 1746-1828
quien se considera ser “El
Padre del Arte Moderno”,
En la primera etapa, Goya se
ocupa más de las
francachelas nocturnas en
las tascas madrileñas y de
las majas resabidas y
descaradas que de cuidar de
su reputación profesional y
apenas pinta algunos
encargos que le vienen de
sus amigos los Bayeu,
entre 1775 y 1792
constituyen lo más sugestivo
de su producción de aquellos
años. Tal vez el primero que
llevó a cabo sea el conocido
como Merienda a orillas del
Manzanares, con un tema
25. Este último, de formato muy
estrecho y alto, condición
impuesta por razones
decorativas, representa a
dos albañiles que trasladan
a un compañero lastimado,
probablemente tras la caída
de un andamio. El asunto
coincide con una reivindicación
del trabajador manual, a la
sazón peor visto casi que los
mendigos por parte de los
pensadores ilustrados.
Contra este prejuicio se
había manifestado en 1774 el
conde de Romanones,
afirmando que "es necesario
borrar de los oficios todo
deshonor, sólo la
holgazanería debe contraer
vileza". Asimismo, un edicto de
1784 exige daños y perjuicios
al maestro de obras en caso
de accidente, establece
normas para la prudente
elevación de andamios,
amenaza con cárcel y
26. Pintor de la corte
Al año siguiente solicita sin éxito el
puesto de primer pintor de cámara, cargo
que finalmente es concedido a un artista
diez años mayor que él, Mariano Salvador
Maella. En 1780, cuando Josefa concibe un
nuevo hijo de Goya, Francisco de Paula
Antonio Benito, ingresa en la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando
con el cuadro Cristo en la cruz, que en
la actualidad guarda el Museo del Prado
de Madrid, y conoce al mayor valedor de
la España ilustrada de entonces, Gaspar
Melchor de Jovellanos, con quien lo unirá
una estrecha amistad hasta la muerte de
este último en 1811. El 2 de diciembre de
1784 nace el único de sus hijos que
sobrevivirá, Francisco Javier, y el 18 de
marzo del año siguiente es nombrado
subdirector de Pintura de la Academia de
San Fernando. Por fin, el 25 de junio de
1786, Goya y Ramón Bayeu obtienen el
título de pintores del rey con un
interesante sueldo de 15.000 reales al
mes.
A sus cuarenta años, el que ahora es
conocido en todo Madrid como Don Paco se
ha convertido en un consumado retratista,
y se han abierto para él todas las
puertas de los palacios y algunas, más
secretas, de las alcobas de sus ricas
moradoras, como la duquesa Cayetana, la
de Alba, por la que experimenta una
fogosa devoción. Impenitente aficionado a
los toros, se siente halagado cuando los
más descollantes matadores, Pedro
Romero, Pepe-Hillo y otros, le brindan sus
faenas, y aún más feliz cuando el 25 de
abril de 1789 se ve favorecido con el
28. De estos hechos arranca
la leyenda que quiere
que las famosísimas
majas de Goya, La maja
vestida y La maja
desnuda, condenadas por
la Inquisición como
obscenas tras reclamar
amenazadoramente la
comparecencia del
pintor ante el Tribunal,
fueran retratos de la
descocada y maliciosa
doña Cayetana, aunque
lo que es casi seguro es
que los lienzos fueron
pintados por aquellos
años. También se ha
supuesto, con grandes
probabilidades de que
sea cierto, que ambos
29. Las obras se hallaron,
sea como fuere, en 1808
en la colección del
favorito Godoy; eran
conocidas por el nombre
de "gitanas", pero el
misterio de las mismas
no estriba sólo en la
comprometedora
posibilidad de que la
duquesa se prestase a
aparecer ante el pintor
enamorado con sus
relucientes carnes sin
cubrir y la sonrisa
picarona, sino en las
sutiles coincidencias y
divergencias entre
ambas. De hecho, la maja
vestida da pábulo a una
mayor morbosidad por
parte del espectador,
31. El 3 de mayo de 1808, al día
siguiente de la insurrección
popular madrileña contra el
invasor francés, el pintor se
echa a la calle, no para
combatir con la espada o la
bayoneta, pues tiene más de
sesenta años y en su
derredor bullen las
algarabías sin que él pueda
oír nada, sino para mirar
insaciablemente lo que
ocurre. Con lo visto pintará
algunos de los más patéticos
cuadros de historia que se
hayan realizado jamás:
el Dos de mayo, conocido
también como La carga de los
mamelucos en la Puerta del
Sol de Madrid y el lienzo
titulado Los fusilamientos
del 3 de mayo en la montaña
del Príncipe Pío de Madrid.
En Los fusilamientos del 3 de
mayo, la solución plástica a
esta escena es impresionante:
los soldados encargados de
33. Durante la llamada guerra de
la Independencia, Goya irá
reuniendo un conjunto inigualado
de estampas que reflejan en
todo su absurdo horror la
sañuda criminalidad de la
contienda. Son los
llamados Desastres de la
guerra, cuyo valor no radica
exclusivamente en ser reflejo
de unos acontecimientos atroces
sino que alcanza un grado de
universalidad asombroso y
trasciende lo anecdótico de una
época para convertirse en
ejemplo y símbolo, en auténtico
revulsivo, de la más cruel de
las prácticas humanas.
El pesimismo goyesco irá
acrecentándose a partir de
entonces. En 1812, muere su
esposa, Josefa Bayeu; entre
1816 y 1818 publica sus famosas
series de grabados,
laTauromaquia y los Disparates;
en 1819 decora con profusión de
monstruos y sórdidas tintas una
villa que ha adquirido por 60.000
reales a orillas del
Manzanares, conocida después
