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40 Princis Escultores 2003
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  • 1. María teresa Sánchez Pena Educación Artística
  • 2. Auguste Rodín <ul><li>Nombre: François-Auguste-René Rodin (Auguste Rodin) </li></ul><ul><li>Nace: 12 de Noviembre de 1840 Paris </li></ul><ul><li>Muere: 17 de Noviembre de 1917 en Meudon, Francia </li></ul><ul><li>Estudio: Escuela de artes decorativas de Paris </li></ul>
  • 3. Auguste Rodín <ul><li>Escultor francés, que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Nació en París el 12 de noviembre de 1840, era hijo de un oficial de policía. Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts. Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse. Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura, el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota. Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en las Puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de las Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador, Adán y Eva. En 1886 terminó Los burgueses de Calais, esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica. Rodin también produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, así como del pintor Jules Bastien-Lepage, también hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes. Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917. Una parte de su obra puede verse en el Musée Rodin, de París. </li></ul>
  • 4. Auguste Rodín <ul><li>Pensador </li></ul>
  • 5. Auguste Rodín <ul><li>El beso </li></ul>
  • 6. Auguste Rodín <ul><li>Puertas del infierno </li></ul>
  • 7. Miguel Ángel <ul><li>-Nombre: Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni -Nace: 6 de marzo de 1475 en Caprese Italia. -Muere: El 18 de febrero de 1564 a la edad de 88 años. -Estudio: Gramática en Florencia. -Estilo: Renacentista </li></ul>
  • 8. Miguel Ángel <ul><li>-Biografía: La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año 1557, tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del Concilio de Trento. Desde la mitad del siglo XVIII, fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte. El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevó a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca. Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía Nueva, que representa el mundo espiritual. </li></ul>
  • 9. Miguel Ángel <ul><li>Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. Por lo que se refiere a la escultura, su David representó no ya una vuelta a modelos de la Antigüedad grecolatina sino que, por primera vez, se realizaba una obra que los superaba. Muchas de sus obras están inacabadas (non finito, en italiano), pero debe diferenciarse entre aquellas en las que el autor, intencionadamente, dejaba partes sin hacer, como los tondi Taddei y Pitti, de aquellas otras que no llegó a acabar a causa de factores externos. -Opinión personal: Miguel Ángel es uno de esos hombres completos, que se dedicaron en su vida a hacer de todo, no sólo fue pintor, sino escultor y arquitecto, y además conocido por todo el mundo. Hoy en día se le conoce por obras de todos los tipos, ha destacado desde la escultura hasta la pintura. No hay quien conozca la creación de Adán, o el David. Desde luego fue una persona que llegó a lo más alto. </li></ul>
  • 10. Miguel Ángel <ul><li>David </li></ul>
  • 11. Miguel Ángel <ul><li>La piedad </li></ul>
  • 12. Miguel Ángel <ul><li>Madonna y niño </li></ul>
  • 13. Henri Moore <ul><li>-Nombre: Henry Moore -Nace: Castleford, 30 de julio de 1898 -Muere: Much Hadham, 31 de agosto de 1986 -Estudios: -Estilo: romántico, época victoriana. Después renacentista y gótico </li></ul>
  • 14. Henri Moore <ul><li>-Biografía: Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana, posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena. Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen. Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado &quot;la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de la Modernidad”. La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener la Henry Moore Foundation, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes. </li></ul>
  • 15. Henri Moore <ul><li>Family Group </li></ul>
  • 16. Henri Moore <ul><li>The archer </li></ul>
  • 17. Henri Moore <ul><li>Nuclear energy </li></ul>
  • 18. Brancusi <ul><li>-Nombre: Constantin Brâncuşi -Nace: Hobita en 1876 -Muere: París en 1957 -Estudios: Bellas artes -Estilo: abstracto </li></ul>
  • 19. Brancusi <ul><li>-Biografía: Constantin Brâncuşi (Constantin Brancusi en la grafía francesa) fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobiţa (distrito 9 Gorj, cerca de la ciudad de Târgu Jiu) en 1876 y fallecido en París en 1957. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumanía y Australia. Brancusi estudió en Craiova (ciudad del distrito 9 Dolj, Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta 1981. Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Entabló amistad con Amedeo Modigliani, Erik Satie y Marcel Duchamp. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. </li></ul>
  • 20. Brancusi <ul><li>Mesa del silencio </li></ul>
  • 21. Brancusi <ul><li>Puerta del beso </li></ul>
  • 22. Brancusi <ul><li>Columna sin fin </li></ul>
  • 23. Marcel Duchamp <ul><li>-Nombre: Marcel Duchamp -Nace: 1887, Francia -Muere: Neuilly 1968 -Estudios: Artista y ajedrecista </li></ul>
  • 24. Marcel Duchamp <ul><li>-Biografía: (Blainville, Francia, 1887-Neuilly, id., 1968) Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria. En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2, obra personalísima en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa. Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX. </li></ul>
  • 25. Marcel Duchamp <ul><li>A bruit secret </li></ul>
  • 26. Marcel Duchamp <ul><li>Portabotellas </li></ul>
  • 27. Marcel Duchamp <ul><li>Rueda sobre un taburete </li></ul>
  • 28. Daumier <ul><li>-Nombre: Honoré Daumier -Nace: Marsella 26 de febrero de 1808 -Muere: Valmondois 10 de febrero de 1879 </li></ul>
  • 29. Daumier <ul><li>-Biografía: Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo niño debió trasladarse a París junto con su familia. Dio inicio a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet. En 1828 comenzó sus primeras litografías para el diario La Silhouette (La Silueta). En 1830 inició su labor en la revista humorística La Caricature en donde adquirió merecido renombre por sus grabados y dibujos llenos de sátira y crítica social (incluyendo escenas domésticas). En 1832 comenzó a trabajar en Le Charivari, periódico humorístico-político, allí tuvo como compañeros a otros señalados caricaturistas:Raffet, Devéria y Grandville. Daumier precisamente por haber realizado una caricatura en la cual ese monarca aparecía retratado como Gargantúa (el glotón personaje de Rabelais), sufrió una prisión de seis meses. En 1835 debido a la instalación de la censura en Francia, Daumier evitó la caricatura política directa y en su lugar se dedicó a ridiculizar las convenciones y costumbres entonces imperantes. Retornó a la sátira política con la Revolución de 1848. A partir de ese mismo año 1848 se apasionó por la pintura, teniendo entonces un estilo muy influido por Delacroix, Corot, Millet, Rousseau y -en sus últimas obras- por Fragonard (Estudio del pintor) y los impresionistas (por ejemplo: La lavandera). A medida que fue perdiendo vista, tuvo que dejar la litografía y centrarse en la pintura, que abordaba con una técnica directa y apenas retocada. También son muy valoradas sus esculturas y bustos de yeso (escayola) y bronce que realizaba principalmente para que le sirvieran de modelos al realizar sus ilustraciones. Sus grabados se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados. Sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas. </li></ul>
  • 30. Daumier <ul><li>Ratapoil </li></ul>
  • 31. Daumier <ul><li>Caricaturas de famosos </li></ul>
  • 32. Daumier <ul><li>Personajes de la ciudad </li></ul>
  • 33. Giacometti <ul><li>-Nombre: Alberto Giacometti -Nace: El 10 de octubre de 1901. Borgonovo, Suiza. -Muere: El 11 de Enero de 1966. Coira, Suiza. -Estudio: Dibujo y Pintura en la Escuela de bellas artes. Académie de la Grande Chaumière en Montparnasse -Estilo: Surrealista </li></ul>
  • 34. Giacometti <ul><li>Biografia: Escultor y pintor suizo, nacido en Stampa. Después de un período de estudios en Ginebra y Roma, Giacometti se establece en París en 1922. Es considerado como uno de los escultores surrealistas principales de los años 30; su trabajo muestra mucho ingenio e imaginación. Sus figuras y objetos expresan la subjetividad y la fragilidad del sentido humano del tiempo y espacio. Giacometti desarrolló un estilo propio de figuras altamente expresivas y estilizadas. Infundido por una melancolía penetrante, sus pinturas y esculturas muestran un sentido de la existencia tenue, como si las figuras estuvieran amenazadas constantemente por el espacio circundante. </li></ul>
  • 35. Giacometti <ul><li>Gato </li></ul>
  • 36. Giacometti <ul><li>Hombre caminando </li></ul>
  • 37. Giacometti <ul><li>La femme cuillère </li></ul>
  • 38. Edgar Negret <ul><li>Nombre: Edgar Negret Dueñas Nace: Popayan 1920 Estudio: Escuela de bellas artes de Cali </li></ul>
  • 39. Edgar Negret <ul><li>Biografia: Escultor colombiano. Hijo de una familia aristocrática, su padre fue el general Negret. En 1946 hizo su primera exposición individual y durante los años cincuenta residió en Nueva York, París y Madrid. Sus materiales de trabajo fueron muy diversos desde los inicios, pues incluían el yeso, la cerámica, el acero y el hierro, aunque posteriormente el aluminio pasó a ser el más utilizado. Gaudí y Brancusi fueron los artistas que más influyeron en su formación, y entre sus obras cabe destacar La cabeza del poeta Valencia (1944), Templo (1970), Negret y navegante núm. 2 (1974), Dinamismo (1974), Vigilantes (1978), Tótem (1978) y Metamorfosis (1982). En su última etapa introdujo en su obra colores estridentes inspirados en motivos incaicos, como en la serie Muros del Cuzco (Casa Negret, 1990). </li></ul>
  • 40. Edgar Negret <ul><li>El sol </li></ul>
  • 41. Edgar Negret <ul><li>La estrella </li></ul>
  • 42. Edgar Negret <ul><li>Pájaro </li></ul>
  • 43. Jean Arp <ul><li>Nombre: Hans (Jean) Arp Nace: El 16 de septiembre de 1886, Estrasburgo Muere: 7 de junio de 1966 en Basilea, Suiza. Estudio: Escuela de Artes y Oficios en Estrasburgo,Kunstschule (Escuela de Arte) de Weimar, Alemania, Académie Julian, París Estilo: Dada surrealista. </li></ul>
  • 44. Jean Arp <ul><li>Biografía: Arp fue miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich en 1916. En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el activista social Alfred Grünwald, estableció el grupo dadá de Colonia. Sin embargo, en 1925 su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista en la Galerie Pierre de París. De este mismo año es su libro, conjunto con El Lissitzky sobre «Los ismos en el arte». Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1926, Arp se traslada al suburbio de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda la Abstracción-creación, trabajando con el grupo parisino Abstracción-creación y editando en la revista Transition. A partir de los años treinta y hasta su muerte, escribió y publicó ensayos y poesía. En 1942, huyó de su casa en Meudon escapando de la ocupación alemana y vivió en Zurich hasta el final de la guerra. Arp visitó la ciudad de Nueva York en 1949 para presentar una exposición individual en la Galería Buchholz. En 1950, se le ofreció el realizar un relieve para el Graduate Center de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts y se le encargó el mural del edificio de la Unesco en París. En 1954 Arp ganó el Gran Premio de escultura de la Bienal de Venecia. En 1958 se presentó una muestra retrospectiva de sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la que siguió una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, en 1962. </li></ul>
  • 45. Jean Arp <ul><li>Jalón </li></ul>
  • 46. Jean Arp <ul><li>La petite poupee Basset </li></ul>
  • 47. Jean Arp <ul><li>Pastor de nubes </li></ul>
  • 48. Alexander Calder <ul><li>-Nombre: Alexander Calder -Nace: 22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania. -Muere: El 11 de Noviembre de 1976 en Nueva York -Estudio: Ingeniería, mecánica </li></ul>
  • 49. Alexander Calder <ul><li>Biografía: fue un escultor estadounidense. Hijo y abuelo de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1872, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P En 1885, contribuyó con ilustraciones para la National Police Gazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas. Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó dinero con sus esculturas </li></ul>
  • 50. Alexander Calder <ul><li>Flamingo </li></ul>
  • 51. Alexander Calder <ul><li>Font de mercuri </li></ul>
  • 52. Alexander Calder <ul><li>Pez de acero </li></ul>

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