ARCO 2104
Upcoming SlideShare
Loading in...5
×
 

ARCO 2104

on

  • 59 views

 

Statistics

Views

Total Views
59
Views on SlideShare
59
Embed Views
0

Actions

Likes
0
Downloads
0
Comments
0

0 Embeds 0

No embeds

Accessibility

Categories

Upload Details

Uploaded via as Adobe PDF

Usage Rights

© All Rights Reserved

Report content

Flagged as inappropriate Flag as inappropriate
Flag as inappropriate

Select your reason for flagging this presentation as inappropriate.

Cancel
  • Full Name Full Name Comment goes here.
    Are you sure you want to
    Your message goes here
    Processing…
Post Comment
Edit your comment

ARCO 2104 ARCO 2104 Presentation Transcript

  • ARCO  Madrid  2014   F  l  a  v  i  a  M  a  s  e  t  t  o  F  i  n  e  A  r  t  s  
  • Carlos  Alonso,  Cantabria,  1923-­‐París,  1994                    Angel  Alonso  is  a  French  painter  of  Spanish  origin,  born  in  1923  in  Laredo  in  Cantabria.   For  Alonso  the  only  important  thing  was  the  accomplishment  of  his  work  as  a  farmer  plowing  his  fields.                    The  unique  source  of  his  inspiraNon  was  nature.  For  him,  the  land  was  the  most  beauNful  landscapes,   observed  with  the  changing  pace  and  colours  of  the  seasons.  Also  he  worked  the  land  itself.  Echo  of  the   land  surfaces,  the  color  should  be  an  expanse,  the  color  is  landscape.  Refusing  any  arNfice  which  creates   depth  and  all  shades  of  tone,  he  seeks  the  color  as  it  is,  in  its  most  extreme  tension,  and  not  as  it  appears   to  us.                    The  Beauce’s  landscapes  which  surrounded  his  studio,  the  stridency  of  a  flint,  the  squeal  of  a  white  which   erupts,  the  wetness  of  humidity,  the  seed  furrow  printed  in  the  drought  of  rough  land,  the  darkness  leT  by   the  burned  fields,  are  the  experiences  of  his  painNngs.  He  used  a  limited  number  of  colors:  orange   cadmium,  lead  yellow,  Veronese  green,  blue,  and  especially  white  and  black;  these  two  colors,  irradiaNng   the  works  of  the  end,  and  idenNfy  their  deep  antagonism.                    In  1996  and  1997,  the  works  of  Alonso  are  exhibited  in  the  Marcelino  BoNn  FoundaNon  (Spain),  in  the   Cervantes  InsNtute  (Paris),  and  in  the  Círculo  de  Bellas  Artes  (Madrid).  The  Reina  Sofia  Museum  buys   several  major  works  of  Alonso.  René  Metras,  one  of  the  most  important  galleries  in  Barcelona,  dedicated  a   solo  exhibiNon  in  late  1999  (small  formats  from  1984  to  1994).  The  Galerie  Guislain  –  Etats  d’art  exhibits   works  of  Alonso  at  Art  Paris  2002.  In  2003,  a  solo  exhibiNon  at  the  gallery  includes  works  from  the  late  50s   unNl  1994.  
  • Angel  Alonso  (1923-­‐1994)    Sin  Título,  1988   Técnica  Mixta  sobre  madera   57  x  35  cm   (22.44  x  13.78  inches)   signed  and  dedicated  "  a  ma  femme  -­‐  Noël  1988"   €  8,500   Angel  Alonso    Sin  Tituló  ,  1989-­‐1991   Técnica  Mixta  sobre  madera   55  x  46  cm   (21.65  x  18.11  inches)   on  verso   €  8,000  
  • Angel  Alonso  (1923-­‐1994)    Desastre  XI,  1991   Tecnica  Mixta   71  x  52  cm   (27.95  x  20.47  inches)   al  verso   €  9,000  
  • Angel  Alonso  (1923-­‐1994)    Sin  Título,  1990   Tecnica  mixta  sobre  tela   133  x  132  cm   (52.36  x  51.97  inches)   €  22,000  
  • Polly  Apfelbaum,  Pennsylvania,  1955                    Colour  is  the  key  element  in  Polly  Apfelbaum’s  work,  both  visually  and  structurally.  Her  floorbound   installaNons  –  which  incorporate  hundreds  of  pieces  of  velvet,  hand-­‐dyed  in  bold  hues  and  oTen  arranged   in  sprawling  configuraNons  that  appear  to  be  organically  inspired  –  defy  categories  of  art-­‐making.  Like   abstract  painNngs  that  melted  off  the  wall  and  formed  vibrant  puddles,  her  arrangements  of  irregularly   shaped  rounds,  diamonds  and  ovals  coalesce  with  the  physical  presence  of  sculpture,  while  maintaining   painNng’s  sense  of  vibrancy.                    Selected  ExhibiNons:  2014  Perez  Art  Museum,  Miami;  2013  Second  That  Emo.on  a  solo  exhibiNon  at   Mumbai  Art  Room,  Mumbai;  2012  Planiverse,  Galerie  nächst  St.  Stephan  Rosemarie  Schwarzwälder,   Austria;  2012  Fla6erland:  Funkytown,  D’Amelio  Gallery,  NY;  2012  Flatland:  Color  Revolt,  Hansel  &  Gretel   Picture  Garden,  NY;  2011  Double  Nickels  on  the  Dime  a  solo  exhibiNon  at  Benevento,  L.A;  2010  Mini-­‐ Hollywood,  a  solo  exhibiNon  at  Yellowstone  Art  Museum,  Montana;  2010  Anything  Can  Happen  in  a  Horse   Race,  a  solo  exhibiNon  at  Milton  Keynes  Gallery,  Milton  Keynes;  2007  Love  Sculpture,  a  solo  exhibiNon  at   Frith  Street  Gallery;  2007  Comic  Abstrac.on:  Image  Breaking,  Image  Making,  a  group  exhibiNon  at  The   MoMA,  New  York;  2003  Polly  Apfelbaum,  a  touring  solo  exhibiNon  at  InsNtute  of  Contemporary  Art,   Philadelphia;  Contemporary  Arts  Center,  CincinnaN;  Kemper  Museum  of  Art,  Kansas  City  
  • Polly  Apfelbaum   foxy  hybrids-­‐approx  26-­‐30"  ,  2002   Kunstsamt,  Stofffarbe   DM  66  cm   USD  16.500  incl  10%  
  • Polly  Apfelbaum   foxy  hybrids-­‐approx  26-­‐30"  ,  2002   Kunstsamt,  Stofffarbe   DM  66  cm   USD  16.500  incl  10%  
  • Polly  Apfelbaum   Stripping,  2004   Marker  auf  Kunstsamt   69,9  x  53,3  cm   USD  5.500  incl  10%  
  • Polly  Apfelbaum   Wavy  Gravy  ,  2007   Marker  auf  Kunstsamt   150  x  115  cm   USD  16.500  incl  10%  
  • Carlos  Bunga,  Portugal,  1976                    Bunga  creates  process-­‐oriented  works  in  different  formats  ranging  from  installaNons,  sculptures,  and   painNngs,  to  performances,  videos  and  drawings,  all  of  which  seek  to  intervene  the  immediate   environment  within  the  architectural  space.  Although  he  oTen  uNlizes  ordinary  and  unpretenNous   materials,  his  works  demonstrate  a  high  level  of  aestheNc  and  conceptual  complexity  derived  from  the   interrelaNon  between  doing  and  undoing,  transience  and  permanence,  large-­‐scale  and  small-­‐scale,  search   and  conclusion.  Carlos  Bunga  (Portugal,  1976)  lives  and  works  in  Barcelona.  ATer  compleNng  studies  in   Fine  Arts  at  Escola  Superior  de  Arte  e  Design  in  Caldas  da  Rainha  (Portugal),  Bunga  auracted  internaNonal   auenNon  with  his  work  at  Manifesta  5  Contemporary  Art  Biennial  in  San  SebasNán,  Spain  (2004).                    Since  then  he  has  been  awarded  with  Fundación  Marcelino  Bown’s  scholarship  for  visual  arts  (Spain,  2006),   and  has  had  solo  shows  at  Fundaçao  Serralves,  Porto,  Portugal  (2012);  Hammer  Museum,  Los  Angeles,   California  (2011);  Miami  Art  Museum,  Miami,  Florida  (2009);  and  Museo  de  Arte  Contemporáneo  de  Vigo,   Spain  (2009).  His  group  exhibiNons  include:  University  Art  Museum,  Santa  Barbara,  California  (2012);   Warsaw  Museum  of  Modern  Art,  Warsaw,  Poland  (2009);  Museu  d’Arte  Contemporani  de   Barcelona  (MACBA),  Barcelona,  Spain  (2009);  Insituto  Valenciano  de  Arte  Moderno  (IVAM),  Valencia,  Spain   (2009);  New  Museum,  New  York,  NY  (2007);  Justus  Lipsius  Building,  Brussels,  Belgium  (2007);  ArNsts  Space,   New  York,  NY  (2005);  and,  as  part  of  Farsites/inSite_05,  at  San  Diego’s  Museum  of  Art,  California  (2005).   Bunga’s  work  has  also  been  acquired  by  major  insNtuNonal  collecNons  such  as  New  York’s  Museum  of   Modern  Art;  Fundaçao  Serralves,  Porto,  Portugal;  Hammer  Museum,  Los  Angeles,  California;  Fundación   Cisneros,  Caracas;  and  Museu  d’Art    Contemporani  de  Barcelona  (MACBA)  in  Barcelona,  Spain.  
  • InstallaNon  at  the  Hammer  Museum,  2012  
  • Carlos  Bunga   Construcción  pictórica  #9,  2013   cardboard,  latex  paint  and  wood   45-­‐1/4  x  45-­‐1/4  x  5  inches   115  x  115  x  13  cm   CBU020   9,000  €  ex  tax  
  • Carlos  Bunga   Construcción  pictórica  #10,  2013   cardboard,  latex  paint  and  wood   45-­‐1/4  x  45-­‐1/4  x  5  inches   115  x  115  x  13  cm   CBU019   9,000  €  ex  tax  
  • Carlos  Bunga   Future  Anterior  #8,  2013   latex  paint  on  silver  bromide  print   32-­‐1/4  x  29-­‐1/2  inches   82  x  75  cm  (framed)   CBU011   7,000  €  ex  tax   Carlos  Bunga   Future  Anterior  #3,  2013   latex  paint  on  silver  bromide  print   32-­‐1/4  x  29-­‐1/2  inches   82  x  75  cm  (framed)   CBU006   7,000  €  ex  tax  
  • Secundino  Hernandez,  Madrid,  1975                    Secundino  Hernández  lives  and  works  in  Berlin  and  Madrid.                    Hernandez  works  in  a  realm  of  quotaNons  and  references  to  the  history  of  painNng,  creaNng  writer-­‐like   composiNons.  In  many  ways,  he  brings  forward  noNons  of  modernism.  Note  :  there’s  a  tension  here   between  form  and  content  and  its  hierarchies  are  on  the  verge  of  collapse:  are  these  painNng  or   abbreviaNons  of  painNngs?  Are  these  formalist  hieroglyphic  structures?  Or  simply  caricatures  of  the  20   century  “isms”?  The  woven  structure  of  his  novel-­‐like-­‐  painNngs  acknowledges  his  idols  openly:  the  starry   constellaNons  of  Miro  and  deconstructed  female  figures  of  cubism,  the  vaporous  mirages  of  Dali,  and  the   fever  dreams  of  the  last  Magriue  painNngs  (La  période  vache,  in  1948).  For  Secundino,  the  work  is  a   mental  structure:  painNng  is  a  form  of  thought,  painNng  is  a  form  of  re-­‐wriNng.  
  • Secundino  Hernández   UnNtled  (SH.14.16)   2014   gouache,  oil,  acrylic  and  alkyd  on  canvas   180  x  140  cm     Selling  Price  in  Spain  (taxes  included):  22.000  €uros  
  • José  Dávila,  México,  1974                    José  Dávila  is  one  of  the  most  promising  contemporary  laNn  American  arNsts.  Jose  Davila’s  artworks  depart   from  a  sense  of  temporality,  indeterminateness,  and  incerNtude.  OTen  using  duplicaNon  strategies,  he   produces  interferences  between  the  intrinsic  meaning  of  ordinary  objects  or  materials,  dismantling   relaNonships  between  form  and  content.     The  intersecNon  points  between  architecture,  spaNal  structures,  construcNon  materials  and  the  utopian   idealism  that  conNnually  generates  them  has  been  a  working  ground  for  Davila.  In  the  objects  he   duplicates  or  captures  photographically,  he  has  never  tried  to  offer  an  equivalent  representaNon;  they  are   never  idenNcal  to  the  real.  One  can  find  a  circular  seducNon  in  which  it’s  easy  to  mark  the  differences   between  the  original  and  the  duplicated.  He  is  interested  in  the  parody  of  it  as  a  tool  for  criNque  and   reflecNon.     Jose  Dávila  is  co-­‐founder  and  co-­‐director  of  the  OPA,  Office  for  Art  Projects  in  Guadalajara,  Mexico.                    Public  CollecNons:  Albright-­‐Knox  Art  Gallery,  Buffalo,  USA;  ARTIUM,  Centro-­‐Museo  Vasco  de  Arte   Contemporáneo,  Vitoria;  Biedermann  Museum,  Donaueschingen;  Boston  Fidelity  Investment  Group,   Boston;  ColleccNon  Patrick  Charpenel,  Guadalajara;  CollecNon  Cisneros,  New  York  /  Caracas;  CollecNon   Coppel,  Mexico;  CollecNon  ICART,  Miami;  CollecNon  InhoNm,  Brumadinho,  Brazil;  CollecNon  Krauss,  New   York;  CollecNon  Levinas,  Washington  DC;  CollecNon  Michael  Lynne,  New  York;  CollecNon  Ninah  and   Michael  Lynne,  New  York;  CollecNon  Pereira,  Sao  Paulo;  Comunidad  de  Madrid,  CollecNon  of  Art,  Madrid;   Deutsche  Bank  CollecNon,  New  York;  FondaNon  Luis  Augusto  Teixeira  da  Freitas,  Lisbon;  FondaNon   Rozenblum,  ArgenNna;  JUMEX  CollecNon,  Mexico;  MALBA  -­‐  Museo  de  Arte  LaNnoamericano  de  Buenos   Aires,  Buenos  Aires;  MUAC  -­‐  Museo  Universitario  de  Arte  Contemporáneo,  Mexico  City;  MUDAM  -­‐  Musée   d'Art  Moderne,  Luxembourg;  Museo  Amparo,  Puebla;  Museo  Nacional  Centro  de  Arte  Reina  So‚a,  Madrid  
  • Jose  DávilaPrinciple  of  understanding   2013   Stainless  steel  and  automoNve  enamel  paint   195  x  189  x  179  cm   USD  43.000  excl.  VAT  
  • Jose  Dávila   The  Rules  of  AuracNon   2013   Stainless  steel  and  automoNve  enamel  paint   218  x  390  x  600  cm   USD  67.000  excl.  VAT  
  • Jose  Dávila   Nobody  knew  what  happened  when  I  was  away   2013   Stainless  steel  and  automoNve  enamel  paint   205  x  350  x  161  cm   USD  36.000  excl.  VAT  
  • José  Lerma  (b.  1971  in  Spain)  lives  and  works  in  Chicago,  IL.  Upcoming  and  recent  solo  exhibiNons  include  La  Bella  Crisis  (2014),   Museum  of  Contemporary  Art  Detroit,  Detroit,  MI;  Robusto  Parasite,  (2014),  Roberto  Paradise,  San  Juan,  PR;  BMO  Harris  Bank  Chicago   Works:  José  Lerma  (2013),  Museum  of  Contemporary  Art  Chicago,  Chicago,  IL;The  Creden.alist  (2012),  Museum  of  Contemporary  Art   Raleigh,  Raleigh,  NC;  I  am  Sorry  I  am  Perry  (2010),  Andrea  Rosen  Gallery,  New  York,  NY;  El  Pendéjo  (2009),  Galerie  Loock,  Berlin,   Germany;  José  Lerma  (2005),  Xavier  Huƒens  Gallery,  Brussels,  Belgium.  Recent  group  exhibiNons  include  Paper  (2013),  Saatchi  Gallery,   London,  United  Kingdom  (catalogue);  The  System  of  Objects  (2013),  curated  by  Andreas  Angelidakis,  Deste  FoundaNon,  Athens,  Greece   (catalogue);  On  PainNng  (2013),  Centro  AtlanNco  de  Arte  Moderno,  Gran  Palma,  Canarias,  Spain  (catalogue).  Select  public  and   insNtuNonal  collecNons  include  Milwaukee  Art  Museum,  WI;  Saatchi  CollecNon,  London;  Museum  of  Fine  Arts  Houston  Houston,  TX;   Chazen  Museum  of  Art,  WI;  A.  De  La  Cruz  CollecNon,  Puerto  Rico;  Colección  Berezdivin,  Sancturce,  Puerto  Rico;  Dakkis  Joannou   CollecNon,  Athens,  Greece.     All  history  is  born  from  a  sea  of  personal  narraNves.  José  Lerma’s  work  finds  inspiraNon  from  his  own  autobiography    and  an  interest  in   long-­‐lost  historical  figures,  a  dialogue  that  he  chooses  to  have  within  the  context  of  painNng  and    painNng’s  relaNonship  to  history.   Portraiture  as  an  arNsNc  genre  has  a  long-­‐standing  lineage  with  memorializing    civic  and  poliNcal  leaders,  communicaNng  narraNve   through  the  likeness  of  a  person  and  adding  to  that  likeness  a  symbolic  stamp  of  status.  It  is  within  this  pla„orm  or  portrait  painNng  and   historical  significance  that  Lerma  finds  windows  of  opportunity  to  expand  on  conversaNons  of  contemporary  poliNcal,  economical  and   civic  discussion,  creaNng  work  that  is  conscious  of  how  the  present  is  always  conNngent  on  the  past  and  how  art  and  history  share     parallel  lines  of  innovaNon  and  progression.      The  core  of  this  body  of  work  consists  of  seven  portraits  depicNng  Mayer  Amschel,  Guule  Schnapper  and  their  five    sons  who  leT   Frankurt  Judengasse  in  the  18th  century  and  established  an  internaNonal  banking  dynasty  and  the    genesis  of  the  Rothschild  Empire.   Though  rooted  within  different  countries  and  economies,  the  five  branches  of    the  Rothschild  banking  system  remained  connected  in  a   web  of  joint  support  and  success.  Lerma  approaches  the    portraits  themselves  in  a  conceptual  process  similar  to  this  interconnecNon  by   painNng  each  portrait  on  reflecNve  glass-­‐less  mirror,  with  each  member  of  the  family  iniNally  represenNng  a  different  color  wheel,  and   building  the  painNngs’  composiNons  and  paleues  based  on  each  other’s  reflecNons  when  the  portraits  are  placed  within  the  same   environment.  This  process  results  in  a  spectrum  of  color  within  each  work  in  what  Lerma  calls  a  “display  of    chromaNc  incest”,  a  poeNc   gesture  on  the  collecNve  rise  of  the  family’s  economic  and  poliNcal  legacy.  The  percentage  reflects  the  minimum  requirement  of  liquid     assets  the  United  States’  financial  insNtuNons  are  required  to  hold  by  law  in  order  to  operate.  A  CriNcal  Analysis...  presents  a  contrast  to   the  interacNon  the  portraits  have  with  each  others’  reflecNons,  instead  of  borrowing  from  the  impressions  of  each  piece  to  build  on  the   final  composiNons,  the  fountain  completes  itself  through  the  illusion  of  a  whole  in  the  mirrors,  creaNng  a  kaleidoscopic  effect.  The   installaNon  is  acNvated  through  performance  in  which  water  sounds  are  made  by  parNcipants  standing  within  the  structure  as   sculptural  elements  of  the  fountain  itself.     José  Lerma,  Spain,  1971  
  • JOSE  LERMA        b.  1971   Nathan,  2014   acrylic  and  pigmented  silicone  on    glass-­‐less  mirror   72"  x  60"   $30,000  
  • JOSE  LERMA          b.  1971   Salomon,  2014   acrylic  and  pigmented  silicone  on     glass-­‐less  mirror   72"  x  60"   KGG  -­‐  3972   $30,000  
  • JOSE  LERMA          b.  1971   James,  2014   acrylic  and  pigmented  silicone    on  glass-­‐less  mirror   72"  x  60"   KGG  -­‐  3975   $30,000  
  • Jaume  Plensa,  Barcelona,  1955                    Jaume  Plensa  (Spanish,  b.1955)  is  one  of  the  world's  foremost  sculptors  working  in  the  public  space,  with   over  30  projects  spanning  the  globe  in  such  ciNes  as  Chicago,  Dubai,  London,  Liverpool,  Nice,  Tokyo,   Toronto,  and  Vancouver.     Over  the  past  25  years,  the  arNst  has  produced  a  rich  body  of  work  in  the  studio  and  the  public  realm.  By   combining  convenNonal  sculptural  materials  (glass,  steel,  bronze,  aluminum)  with  more  unconvenNonal   media  (water,  light,  sound,  video),  and  frequently  incorporaNng  text,  Plensa  creates  hybrid  works  of   intricate  energy  and  psychology.  From  his  delicately  textured,  inNmate  works  on  paper—like  his  2005-­‐06   series  of  ethnographic  portraits  that  resemble  worn,  19th  century  photographs—to  monumental  outdoor   sculptures  like  Nomade  (2007)  and  a  range  of  cityscape-­‐altering  public  projects  like  the  Crown  Fountain  in   Chicago  (2000-­‐05),  Plensa's  work  takes  many  forms.     Plensa's  work  is  invested  in  evoking  emoNon  and  sNmulaNng  intellectual  engagement.  By  posing   conceptual  dualiNes  in  his  work  (inside/outside,  front/back,  light/dark),  Plensa  seeks  to  connect  with  his   viewers  on  an  intuiNve  level.  OTen,  the  viewer  parNcipaNon,  or  the  object/viewer  relaNonship,  is  what   completes  Plensa's  work.     The  winner  of  many  naNonal  and  internaNonal  awards,  Jaume  Plensa  has  had  solo  exhibiNons  at  the   Yorkshire  Sculpture  Park,  West  Breuon,  UK;  Nasher  Sculpture  Center,  Dallas;  InsNtut  Valencia  d'Art   Modern,  Spain;  the  Musée  Picasso,  AnNbes,  France;  the  Arts  Club  of  Chicago;  Frederik  Meijer  Gardens  and   Sculpture  Park,  Grand  Rapids,  Michigan;  Museo  Reina  Sofia,  Madrid  and  Galerie  NaNonal  du  Jeu  de  Paume,   Paris  among  many  others.  He  lives  and  works  in  Barcelona  
  • Jaume  Plensa   Timekeeper  II,  2013   Stainless  steel  and  stone   20  7/8  x  12  1/2  x  20  1/2  inches  (53  x  32  x  52  cm)   $95,000  
  • Laura's  World  I,  2013   Marble   72.5  x  27.5  x  26.4  inches  (184  x  70  x  67  cm)  
  • Pablo  Rasgado,  Mexico,  1984                    Pablo  Rasgado  reconfigures  material  from  everyday  life  into  new  abstracNons.  Much  of  his  past  work  has   been  made  from  painted  public  walls,  some  extracted  from  busy  city  streets,  others  from  temporary   museum  exhibiNons.  SomeNmes  the  walls  have  poliNcal  or  social  content.  SomeNmes  they  simply  contain   an  image  that  the  arNst  wants  to  capture  and  present  in  a  new  way.  Whatever  the  source,  Rasgado  seeks   to  represent  a  frozen  moment.  In  the  case  of  the  Unfolded  Architecture  painNngs,  they  represent  specific   moments  within  a  museum’s  history  and  indeed  in  art  history.                    Pablo  Rasgado  (born  Zapopan,  Jalisco,  Mexico,  1984)  has  had  solo  exhibiNons  at  Steve  Turner   Contemporary  (2011,  2012  &  2013);  ArraNa  Beer,  Berlin  (2012);  and  Museo  Experimental  El  Eco,  Mexico   City  (curated  by  Tobias  Ostrander,  2011).  His  work  has  also  been  featured  in  solo  exhibiNons  at  Zona  Maco,   Mexico  City  (Steve  Turner  Contemporary,  2012);  Art  Basel  Miami  Beach  (ArraNa  Beer,  2012)  and  will  next   be  in  the  Solo  Projects  Focus  LaNn  America  at  ARCO  Madrid  (February,  2014).  Rasgado’s  work  has  also   been  featured  in  important  museum  group  exhibiNons  includingOther  People’s  Problems:  Conflicts  and   Paradoxes,  Herzliya  Museum  of  Contemporary  Art,  Tel  Aviv  (2013);  Noise,  Ex  Magazzini  di  San  Cassian,   Venice  (2013);  When  AVtudes  Became  Form  Becomes  AVtudes,  CCA  Waˆs  InsNtute  for  Contemporary   Arts,  San  Francisco  (curated  by  Jens  Hoffman,  2012);Los  Irrespetuosos,  Carrillo  Gil,  Mexico  City  (curated  by   Carlos  Palacios,  2012);  and  Lost  Line:  Contemporary  Art  from  the  Collec.on,  Los  Angeles  County  Museum   of  Art  (2012).  He  is  currently  a  recipient  of  the  Bancomer  MACG  Fellowship.  
  • Pablo  Rasgado   ATerimage  (Repaired  Broken  Mirror  #1),  2014   Welded  steel,  mirror,  filters  and  fluorescent  light   19  1/2  x  19  1/2  inches  (49.5  x  49.5  cm)   U$  15,000  
  • Pablo  Rasgado   ATerimage  (Repaired  Broken  Mirror  #3),  2014   Welded  steel,  mirror,  filters  and  fluorescent  light   19  1/2  x  19  1/2  inches  (49.5  x  49.5  cm)   U$  15,000  
  • Pablo  Rasgado   ATerimage  (Repaired  Broken  Mirror  #2),  2014   Welded  steel,  mirror,  filters  and  fluorescent  light   19  1/2  x  19  1/2  inches  (49.5  x  49.5  cm)   U$  15,000  
  • Arquitectura  Desdoblada  (LACMA)   2013   Drywall  and  acrylic  paint   39  1/4  x  39  1/4  inches     (99.7  x  99.7  cm)   $9000  
  • Arquitectura  Desdoblada  (LACMA),     2013   Drywall  and  acrylic  paint   39  1/4  x  39  1/4  inches    (99.7  x  99.7  cm)   $9000  
  • Angela  de  la  Cruz,  Spain,  1965          At  first  glance,  de  la  Cruz's  painNngs  appear  to  have  been  vandalised  or  flagrantly  abused.                      Mangled  stretchers,  slashed  canvases,  twisted  and  violated,  are  hung  on  the  wall  like  macabre  trophies,   and  yet  it  is  this  deliberate  and  systemaNc  desecraNon  of  the  canvases,  which  informs  the  end  result.   EmoNonally  raw,  yet  canny  and  sharply  ironic,  de  la  Cruz  confronts  the  'problem'  with  painNng  by   incorporaNng  its  very  destrucNon  into  the  work  itself.    "The  moment  I  cut  through  the  canvas  I  get  rid  of   the  grandiosity  of  painNng."Violent,  unapologeNc  and  oTen  darkly  humorous,  her  work  unabashedly   exposes  a  visceral  emoNonalism,  breaking  the  barriers  of  the  established  norms  of  painNng.  Implicit  is  the   sense  that  a  scene  of  freneNc  violent  acNvity  has  just  taken  place  leaving  in  its  wake  the  strangely   paradoxical  feeling  of  spent  energy  and  a  sense  of  calm;  a  visual  catharsis.  She  has  been  nominated  for   2010  Turner  Prize  Shortlist.  Angela  de  la  Cruz  lives  and  works  in  London,  UK.  
  • Angela  de  la  Cruz   Bloated  3  (Blue)  2012   Oil  on  aluminium   163  x  65  x  42  cm   ed.unique   GBP  60,000.00  
  • Angela  de  la  Cruz   Loose  Fit  XXXI  (Dark  Blue)  2004   Oil  on  canvas   110  x  108  x  38  cm   GBP  28,000.00  
  • Angela  de  la  Cruz   Deflated  (Yellow)  2010   Oil  on  canvas   153  x  180  cm   GBP  28,000.00  
  • Angela  de  la  Cruz   Half  VerNcal  (Recycled)  2004-­‐2011   Oil  on  canvas   180  x  28  x  32  cm   ed.unique   GBP  35,000.00  
  • Florian  &  Michaël  QUISTREBERT,  b.  France,  1982,  1976                    Through  painNng,  photography  and  video,  the  work  of  Florian  and  Michael  Quistrebert  (b.  1982&1976  in   Nantes,  France)  blend  formal  references  of  Modernism  with  occult  symbolism.  Reminiscent  of   ConstrucNvism  or  Futurism,  their  composiNons  confront  geometrical  abstracNon  with  rough  aestheNcs,   quesNoning  progressivism  and  transcendence  through  their  main  substances,  light  and  shadow.                    The  ‘Bleach  Series’,  based  on  the  acNon  of  bleaching  black  fabric,  develop  abstract  composiNons  in   washed-­‐out  claire-­‐obscure  through  a  technical  process  that  recalls  photograms.  Yet  unlike  photography,   the  bleach  process  used  in  the  Quistrebert  Brother’s  works  engages  a  reversed  exposure.  Geometrical   forms  emerge  from  dark  to  light  as  if  painted  in  negaNve.  The  brothers  have  been  shortlisted  at  the   Duchamp  Prize  this  year.                    Recent  solo  exhibiNons:  2013  God  2.0,  Galerie  Julieue  Jongma,  Amsterdam,  ArNssima,  Present  Future,  w.   Galerie  Julieue  Jongma,  Torino;  2012  Laure  et  Jane  Dumond,  Crèvecoeur,  Paris,  Amnesic  CisenmA,  Ellen  de   Bruijne  Projects,  Dolores,  Amsterdam  ;  2011  ArNssima,  New  Entries,  with  Crèvecoeur,  Torino,  Screening,   Black  Room,  40mcube,  Rennes,The  Furthest  Point,  Car  projects,  Bologna;  2010  Mary-­‐u-­‐wanna,  Crèvecoeur,   Paris,  Brothers  of  the  Shadow,  Envoy  Enterprises,  NYC,  The  Eighth  Sphere,  Zoo  Galerie,  Nantes,  Ex  Futuro,   Domaine  Départemental  de  Chamarande,  France.                    Works  in  public  collecNon:  Fonds  NaNonal  d’Art  Contemporain  (FNAC),  France;  Fonds  Regional  d’Art   Contemporain  (FRAC)  des  Pays  de  la  Loire;  Domaine  départemental  de  Chamarande  (Conseil  général  de   l’Essonne)  
  • Florian  &  Michaël  Quistrebert   Stripe  Pain.ng  9   2013,  acrylic,  plaster  and  flip-­‐flop  painNng  on  wood    panel,    63  x  46  cm   5  000  €  
  • Florian  &  Michaël  Quistrebert   In   2011,  sprayed  bleach  on  black  linen,  55  x  38  cm   9  000  €  
  • Florian  &  Michaël  Quistrebert   White  Gradient  S1E2   2012,  gesso  on  wood,  170  x  120  cm   12  000  €  each  
  • Florian  &  Michaël  Quistrebert   Big  Black  Canvasless  Round  Pain.ng   2010,  acrylic,  200  x  200  cm   14  000  €  
  • Sergio  Sister,  b.  Sao  Paulo,  1948   His  work  stands  at  the  edge  between  painNng  and  sculpture.  The  painNngs  are  supports  derived  from  found   structures,  from  systems  designed  to  serve  other  needs.  The  Caixas  (crates  or  boxes),  Ripas  (strips)  and   Pontaletes  (posts)  appropriate  the  names  of  the  manufactured  products  from  which  they  are  derived.  Sergio   Sister’s  work  relates  to  the  US  tradiNon  of  minimalism  and  to  the  Neo-­‐Concrete  movement  of  the  1960’s  in   Brazil.  Many  bridges  can  be  drawn  between  Sister’s  auempts  to  incorporate  three-­‐dimensional  space  and   Mira  Schendel’s  Sarrafos  or  Willys  de  Castro’s  Objectos  AcNvos.  Made  of  wooden  beams  dressed  in  canvas,   Castro’s  Objectos  AcNvos  invesNgated  surface  and  depth  through  subtle  color  dislocaNons.   Sergio  Sister  studied  painNng  at  the  Armando  Álvares  Penteado  FoundaNon,  in  São  Paulo  in  the  1960’s.  He   undertook  graduate  studies  in  social  sciences  and  post-­‐graduate  studies  in  poliNcal  science  at  the  University   of  São  Paulo.  In  1970,  he  was  arrested  for  poliNcal  reasons.  While  detained  for  19  months  at  the  Tiradentes   Prison,  in  São  Paulo,  Sister  auended  painNng  workshops  held  at  the  insNtuNon.  In  2002,  the  monograph  Sérgio   Sister  was  published  by  the  ediNons  Casa  da  imagem,  with  essays  by  Alberto  Tassinari,  Lorenzo  Mammì   and  Rodrigo  Naves.  His  work  has  been  shown  extensively  throughout  Brazil  and  is  included  in  major  public   collecNons  such  as  the  Museu  de  Arte  Moderna,  the  Pinacoteca  do  Estado  in  São  Paulo  and  the  Museu  de   Arte  Moderna  in  Rio  de  Janeiro.  
  • Sérgio  Sister   Uma  entrada,  2008   Oil  on  canvas  and  aluminum   180  x  250  cm   unique  artwork  
  • Sérgio  Sister   Caixa  #  220,  2013   Oil  on  wood   38  x  24.5  x  8.5  cm   unique  artwork  
  • Sérgio  Sister   Caixa,  2012   Oil  on  wood   38  x  23  x  7  cm   unique  artwork  
  • Sérgio  Sister   Terceiro  Fundo  14,  2013   Oil  on  wood   53  x  30  x  16  cm   unique  artwork  
  • Jason  MarNn,  London,  1970                    Jason  MarNn  lives  and  works  in  London.Taking  inspiraNon  from  both  Minimalism  and  Abstract   Expressionism,  Jason  MarNn  makes  painNngs  about  paint:  its  materiality,  sculptural  presence  and   transformaNve,  alchemical  nature.  The  energy  of  MarNn’s  process  is  palpable  in  the  rich  swathes  of  color   applied  in  thick,  fluid,  overlaid  brushstrokes.  Light  plays  across  the  sculpted  surface  echoing  the  dynamism   and  vigor  of  its  creaNon.  In  addiNon  to  oil  on  aluminum  or  stainless  steel  painNngs,  MarNn  also  works  in   pure  pigment  -­‐  vividly  intense,  richly  emoNve,  these  jewel-­‐like  painNngs  resonate  and  dominate  space.  The   Ntles  of  MarNn's  works  invite  contemplaNon  and  emphasize  their  inherent  narraNve  but  their  meaning  is   mutable.  
  • Jason  MarNn   Crusoe   2012   Oil  on  aluminium   120  x  90  cm,  47.2  x  35.4  in   GBP50000  
  • Jason  MarNn   Corinthian   2011   Oil  on  aluminium   195  x  195  cm,  76.8  x  76.8  in   GBP85000   Jason  MarNn   Breijinho   2012   Pure  pigment  on  aluminium  (alizarin  violet)   178  x  158  cm,  70.1  x  62.2  in   GBP75000  
  • Fernanda  Laguna,  Buenos  Aires,  1972                    Fernanda  Laguna  is  one  of  the  most  influenNal  arNsts  of  her  generaNon  in  ArgenNna,                    In  2001,  in  the  midst  of  the  worst  economic  crisis  in  ArgenNna’s  history,  Laguna  co-­‐founded  the  now   legendary  arNst-­‐run  gallery  Belleza  y  Felicidad  (Beauty  and  Happiness),  which  for  many  years  was  the   cauldron  of  emerging  art  and  literature  in  Buenos  Aires.  She  then  moved  the  gallery  to  a  shantytown  in  the   outskirts  of  the  city,  where  it  evolved  into  an  experimental  art-­‐based  educaNon  program  for  the  local   youth.  Laguna  also  co-­‐started  Eloisa  Cartonera,  a  publishing  cooperaNve  which  brings  together  well   established  writers  and  the  "cartoneros"  who  make  a  living  collecNng  discarded  cardboard  from  the   garbage.  It  was  awarded  The  Claus  Prize  in  2012.                    The  black  biomorphic  shapes  –that  someNmes  act  as  humans–  are  one  of  the  recurring  tropes  in  her  work,   as  are  the  slashes  and  carved  shapes  that  appear  on  the  surface  of  the  canvas.  Laguna  deliberately  refers   to  pictorial  tradiNons  linked  to  abstract  surrealism  and  to  metaphysical  painNng,  adding  a  twist  of  humor   and  a  sense  of  the  contemporary.  In  the  installaNon  presented  at  ARCO  she  explore  the  contrast  between   the  raw  and  direct  realism  of  her  wriNng,  which  exposes  her  sexuality  and  emoNons  and  the  dreamy   playfulness  of  her  painNngs  and  drawings.  Fernanda  Laguna  was  included  in  the  “Best  of  2012”  list  in   Ar„orum  magazine,  selected  by  curator  So‚a  Hernandez  Chong  Cuy  who  described  her  as  "undoubtedly   one  of  the  most  interes.ng  visual  ar.sts  in  the  Americas".  She  par.cipated  in  the  2013  edi.on  of  the   Mercosul  Biennial,  in  Porto  Alegre,  Brazil  and  will  parNcipate  in  the  2014  Cuenca  Biennial,  Ecuador.   Laguna’s  works  are  in  the  collecNons  of  MALBA  (Museum  of  LaNn  American  Art  of  Buenos  Aires),  the   Patricia  Phelps  de  Cisneros  CollecNon,  NYC  and  in  many  important  private  collecNons  in  ArgenNna.  
  • Fernanda  Laguna   Destrucción  y  aparición  en  una  playa  seca   Acrylic  on  canvas   69  x  53  cm    2013  
  • Fernanda  Laguna   Amor  y  fuego  sobre  el  año  nuevo   2013   Acrylic  on  canvas   DypNque,  68  x  55  cm  
  • Raúl  Cordero,  b.  La  Habana,  1971                    A  conceptual  approach  is  evident  in  the  painNngs  by  Raúl  Cordero.  In  our  day,  film  has  become  more   important  than  individual  “staNc”  documents,  being  both  an  omnipresent  phenomenon  of  our  current   percepNon  and  historically  significant  for  example  parNcularly  in  the  filmic  documents  of  the  different   recent  revoluNons.  In  Cordero’s  work,  therefore,  filmic  sequences  gel  into  blurred  sNlls  overlaid  by  signs   and  ciphers,  and  someNmes  even  by  real  objects  (in  one  case  spectacles,  for  example)  or  an  apparently   alien  text.  This  arNst’s  interest  in  when  exactly  a  work  begins  and  which  processes  and  ideas  it  progresses   through  on  its  way  to  being  an  artwork,  also  finds  expression  in  the  markings,  layers  and  references  to   other  media  and  foreign  artworks  which  graphically  extend  and  complete  the  frame  of  reference  of  his   works.  Raúl  Cordero  lives  and  works  in  Mexico  City.  
  • RAÚL  CORDERO   UnNtled  (Dead  Facebook  Members),     2011   oil  and  polyester  resin  on  canvas   189.3  x  239.5  cm  (74  1/2  x  94  1/4  in.)   signed  and  dated  verso   M36.RAC.12363.M   22'000.00  USD  
  • RAÚL  CORDERO   UnNtled  (Great  Mambo  Skills),     2011   oil  and  polyester  resin  on  canvas   99  x  110  cm  (39  x  43  1/4  in.)   signed  and  dated  verso   12'000.00  USD  
  • RAÚL  CORDERO   NATURAL  LIGHT  LANDSCAPE  II,  2013   oil  on  canvas   174.4  x  144.4  cm  (68  5/8  x  56  7/8  in.)   signed  and  dated  verso   16'000.00  USD  
  • Fernanda  Fragateiro,  b.  Portugal,  1962                    The  work  of  Fernanda  Fragateiro  (MonNjo,  Portugal,  1962)  explores  space  in  its  various  phenomenological   manifestaNons  -­‐-­‐  architectu-­‐ral,  sculptural,  private,  public,  temporal,  socially  determined,  gender-­‐defined  –   via  works  of  sculpture,  installaNon  and  outdoor  interven-­‐Nons.  Fragateiro’s  work  is  characterized  by  a  keen   interest  in  re-­‐thinking  and  probing  modernist  pracNces,  a  pursuit  which  she  effects  via  subtle  alteraNons  of   exisNng  landscapes  and  objects  in  order  to  reveal  buried  stories  of  construcNon  and  transformaNon.                    While  varying  widely  frequently  in  scale  and  drawing  on  a  wide  range  of  reference  material,  Fragateiro’s   work  maintains  a  strong  signature  style,  born  of  a  meNculous  minimalist  aestheNc  of  form,  color  and   surface  texture.  But  while  this  precise  formalist  quality  is  oTen  hard-­‐edged,  the  work  itself  in  its  final  form   is  not  closed  or  hermeNc  -­‐-­‐  to  the  contrary,  Fragateiro's  exploraNons  extend  beyond  the  limits  of  the  object   and  embrace  the  fullness  of  the  space  in  which  the  both  the  object  and  that  object's  viewer  exist.                      Fragateiro  frequently  employs  the  method  of  repurposing  already-­‐exisNng  and  symbolically  layered   material  -­‐-­‐  such  as  silk  threads  found  in  a  German  factory,  second-­‐hand  books  and  magazines,  discarded   architectural  maqueues,  or  rubble  produced  during  Portugal’s  construcNon  boom  -­‐-­‐  in  order  to  fashion   complex  yet  delicate  work  that  is  criss-­‐crossed  by  an  intricate  web  of  inner  references  to  art  theory  and   architectural  history.  Lives  and  works  in  Lisbon.  
  • Common  Front  /  Frente  común   2013   Acero  inoxidable  pulido,  cuadernos  de  notas  con  impresiones  de  chorro  de  Nnta  sobre  papel  procedentes  del  libro  “LaNn  American   Architecture  since  1945”,   cat‡logo  de  la  primera  exposici—n  de  la  arquitectura  moderna  en  LaNnoamerica,  de  Henry  Russell  Hitchcock,  MoMA,  1955  /  Polished   stainless  steel,  notebooks   with  inserts  of  inkjet  prints  on  paper  from:  “LaNn  American  Architecture  since  1945”,  catalogue  of  the  first  exhibiNon  of  moden   architecture  in  LaNn  America,  by  Henry   Russell  Hitchcock,  MoMA  1955   118  x  467,5  x  31  cm  
  • Common  Front  /  Frente  común,  2013.  Detalle  /  detail  
  • Not  Abstract  #7"   2014"   Acero  inoxidable  pulido  y  libros  hechos  a  mano  con  cubiertas  de  tela  /   Stainless  steel  and  handmade  notebooks  with  fabric  covers   77  x  115  x  61  cm  
  • Ground  Layer  "   2013  "   Acero  inoxidable  pulido  y  libros  /  Polished  stainless  steel  and  books  "   183,6  x  10  x  38  cm  
  • Conteúdo  Desconhecido  #  Caixa  3  /  Unknown  Content  Box  3   2009   Acero  inoxidable  pulido  /  Stainless  steel  
  • For inquiries please contact: F  l  a  v  i  a  M  a  s  e  t  t  o  F  i  n  e  A  r  t  s   Flavia Masetto flavia@flaviamasettofinearts.com +54 91158023411 Sarah Jane Bruce sjb@sjbfineartservices.com +1-323-656-2858