Presentación sobre escultura del Renacimiento

1,984 views
1,718 views

Published on

Un análisis de las obras escultóricas más destacadas del Renacimiento

Published in: Education
0 Comments
0 Likes
Statistics
Notes
  • Be the first to comment

  • Be the first to like this

No Downloads
Views
Total views
1,984
On SlideShare
0
From Embeds
0
Number of Embeds
168
Actions
Shares
0
Downloads
31
Comments
0
Likes
0
Embeds 0
No embeds

No notes for slide

Presentación sobre escultura del Renacimiento

  1. 1. UD. 7 RENACIMIENTO ESCULTURA
  2. 2. QUATTROCENTO
  3. 3. Puertas del Paraíso- Ghiberti
  4. 4. El Arca de NoeEl sacrificio de Isaac
  5. 5. Cuenta la tradición que el propio Miguel Ángel empleó la denominación de "Puertas delParaíso" para referirse a una de las que daban acceso al Baptisterio de la catedral de Florencia. A comienzos del siglo XV se convocó un concurso para elaborar otras puertas (las dellado norte) que fue ganado por el orfebre Lorenzo Ghiberti (1378-1455). La obra presentaba 28relieves en bronce que narraban, en veintiocho paneles, escenas del Nuevo Testamento y aún eranvisibles en ella ciertas influencias de la escultura gótica. Colocadas esas puertas, Ghiberti recibió, el encargo de elaborar las terceras puertas (dellado este del baptisterio). El escultor tardó más de veinticinco años en dar por acabado su trabajo.Ghiberti acabó aquí con las influencias góticas de manera completa. Para ello, compartimentó elespacio en diez paneles, aprovechando por completo el espacio disponible en cada uno. Y en elloscolocó un ciclo de escenas del Antiguo Testamento. En estas Puertas del Paraíso las figuras se adaptan cánones de la perspectiva y, almismo tiempo, el relieve se va aplanando conforme nos adentramos en cada escena, hasta resultarcasi absolutamente plano en los fondos. Por el contrario, en los primeros planos predomina elvolumen y la corporeidad de los personajes. De esta forma la profundidad es aquí el elementorelevante, junto a la proporción en las representaciones y un destacado gusto por el naturalismo en lacomposición de las escenas. El arte gótico queda atrás, sustituido por una verdadera joya de laescultura renacentista. Las Puertas contienen también, en los marcos laterales y en los listones verticales deseparación, todo un repertorio de pequeñas esculturas, de figuras bíblicas, motivos vegetales yalgunos diminutos bustos de personajes, entre los que se halla el propio autorretrato de Ghiberti.
  6. 6. San Jorge - Donatello
  7. 7. La escultura de San Jorge pertenece a las primeras obras realizadas porDonatello, concretamente en el año 1415, en la que aún estaba en plenoproceso de indagación artística. La realizó por encargo del gremio de los armadores, para una de lashornacinas exteriores de la iglesia de Or San Michele, la iglesia gremial deFlorencia, donde cada cooperación de artesanos y comerciantes contaba conuna estatua de su santo patrón. Está ejecutada en mármol y su altura es algo mayor que el natural (2,15metros). Formalmente, expresa la fuerza de la juventud con una actitud serena,propia del soldado cristiano, mediante un tratamiento renacentista: clásico yequilibrado, sin caer en la rigidez a pesar de su posición estática. Enlaza conuna de las características de Donatello: representar los diferentes estados delhombre a lo largo de la vida: infancia, juventud, madurez y senectud. Debajo de la hornacina, un panel en relieve representa la lucha del santocontra el dragón para rescatar a la princesa cautiva. Este sencillo complementode la estatua es una obra revolucionaria desde el punto de vista técnico, puesemplea por primera vez un tipo de relieve denominado stiacciato, característicode su estilo y que, a pesar de su mínimo resalte, consigue una sensación deprofundidad completamente verosímil.
  8. 8. Condottiero Gattamelata
  9. 9. El Condottiero Gattamelata es un retrato de Erasmo de Narni, másconocido por el sobrenombre de Gattamelata, caudillo italiano y mercenario alservicio de Venecia. La escultura fue realizada por Donatello (1386-1468) entre los años1447 y 1453, para ser colocada en la plaza existente ante la basílica de SanAntonio, en Padua, donde aún sigue. La obra es al mismo tiempo el sepulcro delGattamelata, lo que explica la altura del conjunto, que alberga la cámaramortuoria. Vemos en la escultura como el personaje avanza a caballo portando elbastón de mando en su mano derecha y ciñendo al cinto una espada, mientras sumirada se pierde en el horizonte. Todo aquí refleja serenidad y equilibrio. Es más,algunos elementos remiten a la retratística romana, como el interés por captar lapsicología del personaje, o la propia coraza que éste porta. Parece como si Donatello hubiese puesto todo su interés en dotar alcondottiero de dignidad y majestuosidad, elementos que se trasladan también alpropio caballo, uno de cuyos cuartos delanteros apoya sobre una bola de bronce,material en el que está elaborada toda la escultura. Está inspirada en la estatua (ecuestre también) dedicadaal emperador Marco Aurelio que está frente a la Basílica de Letrán en Roma.
  10. 10. David de Donatello
  11. 11. El David de Donatello se conoce también como el “David de Barguello”por estar expuesto en el Museo Nazionale del Barguello en Florencia. Se realizóentre los años 1444-1446. Es la primera vez, desde la Antigüedad clásica, que un escultor seatreve a crear un desnudo tridimensional de tamaño natural. Y lo hacepresentando a un David adolescente, grácil y victorioso. En su composición,Donatello recupera los preceptos clásicos de la escultura: contrapposto (másagudo que el Doríforo, por ejemplo, y más cercano a Praxíteles) bien marcadopor la posición de las caderas y valiéndose de la espada como punto de apoyopara la pierna que sujeta todo el peso. La posición de los brazos pretendecompensar el ángulo de las piernas; y el conjunto entero resulta de gran ritmo,rematado por la posición de la cabeza, ligeramente inclinada hacia abajo,contemplando la victoria. La pierna que pisa, la espada afilada, y la mirada altiva, le confieren unaspecto de valentía a David, que trata de contrarrestar los grácil y afeminado dela figura. El David de Donatello va más allá de representar el relato bíblico delenfrentamiento entre el joven pastor David y el gigante Golliat. Hay que anotar laalusión a los duques de Milán que amenazaban a Florencia, en el yelmo que llevaGolliat; y en el sombrero de David, el típico sombrero campesino de losflorentinos.
  12. 12. CINCUECENTO
  13. 13. Piedad del Vaticano – Miguel Ángel
  14. 14. La Piedad del Vaticano consagró a Miguel Ángel como escultor a los 23 años. Fueesculpida en mármol entre los años 1498 y 1499, y se encuentra en la Basílica de San Pedroen El Vaticano. Nos encontramos ante una representación de la Piedad, el momento en que Maríasostiene sobre sí misma el cadáver de su hijo Jesús, recién bajado de la cruz. La obrapresenta una clara composición piramidal que muestra una extrema perfección en elmodelado. El escultor ha pulimentado el conjunto hasta dejar las superficies completamentelisas. Un acabado perfecto que contrasta con el non finito que Miguel Ángel adoptará en otrasobras posteriores. El contraste que observamos entre los pliegues de la vestimenta de María y los delsanto sudario con la desnudez casi absoluta del cuerpo de Jesús, puede indicar el interés porla anatomía humana de Miguel Ángel y que nos remite al más puro clasicismo. Por otro lado,toda la escultura está realizada sobre un único bloque de mármol blanco de Carrara. Sin embargo, el dolor no acompaña a esa madre y tampoco está presente en losrasgos del rostro de ese hijo que ha muerto víctima de crueles tormentos. No quiere MiguelÁngel que ese tipo de sentimientos venga a romper el ambiente clasicista de la Piedad. Deforma que encontramos en ambos rostros una cierta idealización, muy al gusto de losambientes renacentistas interesados en las ideas neoplatónicas. Miguel Ángel afirmaba que “la madre tenía que ser más joven que el hijo paramostrarse eternamente virgen; mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturalezahumana, debía de aparecer como un hombre cualquiera. Se sintió tan orgulloso de esta obra, que en la banda que cruza el pecho de Maríapuso su firma: "Miguel Ángel Buonarroti florentino, me hizo“. Es la única obra de Miguel Ángelque aparece firmada.
  15. 15. David – Miguel Ángel
  16. 16. El David de Miguel Ángel tiene 4’34 metros de altura, en mármol, hecho porencargo para la catedral de Santa María de las Flores, pero que fue colocada en laPlaza de la Signoría de Florencia y posteriormente trasladada a la Galería de laAcademia de Florencia. En la Plaza de la Signoría se colocó una copia. Representa a David como joven atleta, desnudo y musculoso, con la miradapenetrante y fija, a la espera de divisar a Goliat. En la mano derecha sostiene lapiedra, y con la izquierda sujeta la honda. A la perfección clásica del modelado del cuerpo, se unen estratégicosdetalles que dan vitalidad y revelan un cuerpo sometido a gran tensión: la cabezasobredimensionada; la mirada expectante y segura; el vigor concentrado en su manorobusta, cuyo tamaño exagerado la hace más poderosa, la disposición en zig-zag delcuerpo… Son recursos de la terribilità, que lo alejan de los cánones clásicos a favorde la expresividad. Miguel Ángel sorteó la frontalidad al dar un leve giro a la cabeza,que invita al observador a rodear la figura. La escultura es de nuevo un símbolo político de la independencia de laRepública de Florencia frente a otros Estados que querían apoderarse de ella(Estados Pontificios) y frente a dirigentes que fueron derrotados (Los Médicis)
  17. 17. Moisés de Miguel Ángel
  18. 18. El Moisés fue realizado entre los años 1513-1516 en mármol, y actualmente seencuentra en la iglesia romana de San Pietro in Vincoli . Es una de las esculturas que MiguelÁngel proyectó para la tumba del papa Julio II de Médici. Un gigantesco Moisés, de 2’35 metros de altura, sentado que porta bajo su brazoderecho las tablas de la ley, mientras con la misma mano se mesa la barba. No mira al frente,sino que gira su cabeza hacia la izquierda, mientras el pie de ese mismo lado inicia unmovimiento en leve contrapposto que rompe el equilibrio de la obra y transmite al espectadoruna clara imagen de energía, de dinamismo que niega el equilibrio habitual de una estatuasentada. Miguel Ángel capta el momento en que Moisés tras permanecer en el monte Sinaícuarenta días, ha recogido el mensaje divino: los diez mandamientos. Ha estado en contactocon la poderosa presencia del mismo Dios y de su cabeza aún irradian rayos de luz. Vuelvehacia su pueblo y encuentra a Israel adorando falsos ídolos, un becerro de oro elaborado conlas joyas que se han podido reunir en medio del desierto. Moisés entra en cólera, tensa susmúsculos y va a levantarse de su asiento.Miguel Ángel capta la energía y decisión, asombro y enfado ante la idolatría de su pueblo deMoisés. Un minuto después romperá en mil pedazos las tablas de la ley, mientras Israel seapresta a recibir el castigo divino. Esa tensión dramática, ese interés en reflejar el patetismo de la situación es lo queha venido a denominarse terribilitá, la característica más definitoria de esta obra. Vemosaquí el rostro colérico, la mirada penetrante, ese juego de tensiones entre una piernaadelantada y la otra retraída, la extraordinaria longitud de la barba, el movimiento del brazoizquierdo que se apresta a recoger las tablas de la ley, el juego de pliegues de la ropa, lafuerza muscular que irradia toda la escultura. La fuerza del profeta emana claramente de suinterior y se nos manifiesta en la cólera que el artista sabe transmitirnos.
  19. 19. Lorenzo de Medicis Giulano de MedicisCrepúsculo - Aurora Día - Noche
  20. 20. El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbasde sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padrede Clemente VII), en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuandollegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado dela arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función desombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuascon la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece peroque aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a laAurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de unahornacina, la estatua de Lorenzo, que tiene la cabeza cubierta con el casco de losgenerales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con elnombre de «el pensador». Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar desimbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabadade un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor.Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas laestatua de Juliano, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de JulioII; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son másespirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Lacondición de non finito de las alegorías masculinas y la distorsión de los cuerpos acausa de las complejas posturas que adoptan, alejan la obra de Miguel Ángel de losideales renacentistas y presagian el Manierismo

×