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Pintura Barroca Española
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  • Muchas gracias por tu comentario. Espero que sirva a todos aquellos que visitan slideshare. Mercedes
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  • Mis FELICIDADES al autor o autora por este excelente trabajo.
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  • 1. LA PINTURA DEL SIGLO DE ORO ESPAÑOL
  • 2. Demográfica Económica Política y social Descenso De población Epidemias Hambrunas Inflaciones y bancarrotas Mala gestión de Los recursos De América Declive imperial Pérdida de la Hegemonía en Europa Conflictos internos Pesimismo y derrota
  • 3. Características Generales
    • España lidera la defensa de los principios de la Contrarreforma
    • 4. La Monarquía propugna la austeridad
    • 5. Oposición regia al lujo y al derroche
    • 6. Reflejo en el arte, sobre todo en la pintura:
      • Retratos regios de Velázquez
      • 7. Bodegones
  • 8. Características Generales
    • El desarrollo de la pintura fue debido a:
      • Menor coste
      • 9. Vehículo de transmisión doctrinal de la Iglesia por:
        • Su claridad
        • 10. Convencer y conmover
  • 11. Características Generales
    • Los artistas seguían los principios de la Contrarreforma
      • En la iconografía
      • 12. En la temática (religiosa)
      • 13. Escasa pintura profana
      • 14. Pocas escenas de género. Paisajes y bodegones
    • El auténtico Barroco entra a mediados del siglo XVII
    • 15. Antes: Naturalismo caravaggesco
    • 16. Después: influencia italiana y flamenca
  • 17. LA PINTURA BARROCA: CARACTERÍSTICAS
    • Temática religiosa
      • ascesis y mística
    • Clientela:
    • La Inquisición prohíbe:
      • Desnudos
      • 20. Temas paganos
    • Pintura mitológica sólo en la Corte
    Fray Juan Bautista Maíno
  • 21. LA PINTURA BARROCA: CARACTERÍSTICAS
    • La Monarquía se sirvió de la teatralidad de la pintura barroca como medio de :
      • Exaltar su poder
      • 22. Ocultar ante el pueblo la crisis económica y política
      • 23. Aparentar austeridad
  • 24. LA PINTURA BARROCA: CARACTERÍSTICAS
    • Se utiliza el tenebrismo, contraste de luz y sombras
      • Influencia de Caravaggio
    • Influencia de la pintura veneciana, sobre todo en la primera mitad del siglo
    • 25. Triunfa el realismo, incluso morboso y patético
    • 26. Abandono de:
      • La elegancia renacentista
      • 27. La distorsión del manierismo
    Vicente Carducho
  • 28. LA PINTURA BARROCA: CARACTERÍSTICAS
    • Desaparecen los rasgos renacentistas:
      • La épica
      • 29. La mitología
      • 30. Los frescos ilusionistas
    • Se prefiere:
      • Intimismo más humano
      • 31. Espiritualidad más religiosa
      • 32. Composiciones sencillas (casi siempre)
      • 33. Pesimismo
  • 34. Primera mitad Del siglo XVII Segunda mitad Del siglo XVII Influencia Tenebrista Naturalismo y realismo Influencia flamenca Color y movimiento
  • 35. Castilla Valencia Andalucía Madrid Toledo Sevilla
  • 36. Formas realistas Temas Religioso Paisajes Retratos Bodegones Mitológico Expresividad religiosa Elimina lo accesorio Tenebrismo Sin concesiones A la estética
  • 37. Madrid Sevilla
  • 38. Discípulo de El Greco Primera mitad Del siglo Segunda mitad Del siglo Juan Bautista Maíno Sánchez Cotán Luis Tristán Claudio Coello Carreño de Miranda Relacionada Con Toledo Vicente Carducho
  • 39. Escuela Madrileña: Primera etapa
    • Relacionada con la de Toledo
    • 40. Autores:
      • Vicente Carducho (1576-1638)
        • Formas sobrias
        • 41. Composiciones ordenadas
        • 42. Obras: El Paular
        • 43. Salón de Reinos: “ El socorro de Génova”
        • 44. Autor de “El diálogo de la pintura”
  • 45. Escuela Madrileña: Primera etapa
    • Juan Bautista de Maíno (1582-1641)
      • Viaja a Italia, donde conoce el naturalismo y el clasicismo
      • 46. Trabajó en Toledo y luego en Madrid
      • 47. Obras:
      • 48. Pinturas del retablo mayor de San Pedro Mártir
      • 49. Adoración de los Pastores
      • 50. La recuperación de Bahía
    La recuperación de Bahía
  • 51. Escuela Madrileña: Primera etapa
    • Juan Sánchez Cotán (1560-1627)
      • Autor vinculado a la Escuela de Toledo
      • 52. Temática: religiosa y bodegones, destacando por éstos
      • 53. Composiciones de concepción geométrica
      • 54. Protagonizados por frutas y verduras, alguna vez aves muertas, en el alféizar en una ventana
    Bodegón con manzana, repollo y melón: armonía geométrica
  • 55. Escuela Madrileña: Primera etapa
    • Luis Tristán (1585-1634)
      • Discípulo de El Greco
      • 56. Completa su formación en Italia
      • 57. Reminiscencias manieristas que se mezclan con el naturalismo
      • 58. Obras:
        • Retablos de la Iglesia de Yepes
        • 59. Retablo del Convento de Santa Clara de Toledo
  • 60. Francisco Ribalta José de Ribera “El Spagnoletto” Desarrollé mi pintura En Italia
  • 61. Escuela Valenciana: Francisco Ribalta (1565-1628)
    • Formado en El Escorial, conoce la pintura veneciana
    • 62. Valencia:
      • Naturalismo expresivo
      • 63. Emoción religiosa
      • 64. Evoluciona hacia el tenebrismo
      • 65. Temas: místico-ascético, visiones y apariciones
      • 66. Obras: San Francisco confortado por un ángel
      • 67. Cristo abrazando a San Bernardo
  • 68. San Francisco confortado por un ángel Estilo Tenebrista Diferencias de calidades: hábito del santo y ropajes del ángel Símbolos de San Francisco El cordero y los estigmas:
  • 69. Cristo abrazando a San Bernardo Visión mística: lo místico no es incompatible con con lo tangible Los brazos de san Bernardo: líneas paralelas Los brazos de Cristo: l íneas diagonales Fuertes contrastes de luz
  • 70. Escuela Valenciana: José de Ribera (1591-1652)
    • Nace en Játiva
    • 71. Pasa casi toda su vida en Italia, donde fue llamado “Lo Spagnoletto”
    • 72. Entra en contacto con la pintura de Caravaggio y la Antigüedad clásica en Roma
    • 73. En Nápoles
      • Protegido por los virreyes
      • 74. Temática:
  • 77. Religiosa Mitológica Género Martirio de San Felipe Desposorios Místicos de Santa Catalina El sueño de Jacob La mujer barbuda El patizambo Ticio Cabeza de Baco Filósofos
  • 78. Escuela Valenciana: José de Ribera (1591-1652)
      Estilo muy personal:
    • Pasta pictórica muy espesa
      • Pinceles de cerdas muy duras que dejan huella
      • 79. Pincelada apretada, ajustada y minuciosa
      • 80. Evolucionará hacia una más suelta y pastosa
    • Naturalismo exacerbado
      • Ruina de la piel y arrugas
      • 81. Realismo en detalles secundarios (telas, objetos)
    • Marcado sentido de la luz: contrastes de claroscuro, con los que crea potentes efectos dramáticos
    • 82. Su obra también transmite poesía, sentimiento y belleza
  • 83. José de Ribera (1591-1652)
    • Seguidor entusiasta de Caravaggio
    • 84. Elige modelos de la calle
    • 85. Pintura religiosa:
      • Sabe captar los pliegues de los cuerpos secos y envejecidos de los santos y ascetas, sin idealización
    • Pintura mitológica :
      • Los personajes carecen de dignidad
      • 86. Desmitifica los personajes
      • 87. No rehuye la verdad, lo grotesco y desagradable
    Arquímedes
  • 88. La atención se centra en el esfuerzo de los verdugos para izar a San Felipe, martirizándolo Aclara los cielos y los personajes Diagonal en el centro, tensión ayudada por escorzos Su cuerpo separa la zona clara del cielo con la inferior en sombras Detenida representación de la anatomía Expresión de resignación mística en el rostro Martirio de San Felipe
  • 89. San Andrés : Cuerpo seco, envejecido Sagrada Familia : Sentimiento, lirismo e intimismo Tenebrismo
  • 90. Cabeza de Baco : Personaje mitológico sin dignidad Ticio: Personaje mitológico castigado por los dioses Desmitificación del personaje: arrugas, tristeza, ancianidad Comparación de luz, color y movimiento
  • 91. El Patizambo, el niño mendigo Contrapposto y postura de perfil Realismo y crudeza en el estudio de la deformidad física El bastón nos lleva en diagonal a la hoja explicativa de su condición: “ da mihi elimosinam propter amorem Dei” Abandono del tenebrismo por la luminosidad Sonrisa que esconde profunda tristeza Obra de género
  • 92. La mujer barbuda Representación de otra patología anatómica Marcado tinte tenebrista Estudio psicológico
  • 93. Los Filósofos: ARQUÍMEDES Iluminación focal: rostro, manos y manuscritos Personaje burdo y rudo Sonrisa bobalicona, manos sucias Sólo el manuscrito se puede unir al saber y el conocimiento
  • 94. Primera mitad Segunda mitad Alonso Cano Zurbarán Murillo Valdés Leal
  • 95. Escuela Andaluza: Primera etapa
    • Alonso Cano (1601-1667)
    • 96. Arquitecto, escultor y pintor
    • 97. Pintura religiosa clasicista
    • 98. Serenidad, equilibrio, dulzura
    • 99. Colores claros, su paleta se aclarará y se hará más vibrante e intensa al conocer a los venecianos
    • 100. Obras:
      • El milagro del pozo
      • 101. Cristo muerto sostenido por un ángel
  • 102. Cristo muerto sostenido por un ángel El milagro del pozo : San Isidro
  • 103. Escuela Andaluza: Francisco de Zurbarán (1598-1664): Características
    • Producción muy dispersa y abundante: taller organizado
    • 104. Sencillez en
    • 105. Naturalismo
    • 106. Tenebrismo
    • 107. Es el mejor intérprete de las ideas de la Contrarreforma:
      • Intensidad mística
      • 108. Sublima estados de ánimo cercanos al éxtasis
      • 109. Expresiones de fervor sin igual en rostros y manos
    - Composiciones - Volúmenes - Imágenes
  • 110. Escuela Andaluza: Francisco de Zurbarán (1598-1664): Características
    • Composiciones deficientes
      • Escenas de interiores
      • 111. Inspirados en la escenografía teatral
      • 112. Sin dominio de la profundidad
      • 113. Personajes colocados en filas paralelas
    • Pincelada fina que determina plasticismo de potentes volúmenes
    • 114. Volumen y tenebrismo hacen su pintura muy expresiva
    San Hugo en el refectorio de los cartujos (observad el bodegón de la mesa)
  • 115. Escuela Andaluza: Francisco de Zurbarán (1598-1664)
    • Temática:
      • Pintó sobre todo para órdenes religiosas
      • 116. Retratos en los cuadros de santas: Santa Casilda
      • 117. Bodegones de gran severidad plástica y sencillez compositiva, “el bodegón místico”
    Santa Casilda
  • 118. Escuela Andaluza: Francisco de Zurbarán (1598-1664)
    • La exposición del cuerpo de San Buenaventura:
      • Diagonal como elemento clave de la composición, con el propio cuerpo del santo
      • 119. El hábito blanco resalta sobre el rojo del catafalco, llamando la atención
      • 120. Los personajes sumidos en la penumbra se disponen alrededor
      • 121. Las sombras rodean la escena
  • 122. Abandona el tenebrismo Coformación más volumétrica de los objetos y personas Estudio psicológico de los cartujos: ver daderos retratos Bandas paralelas Belleza de las cosas humildes y el encanto de lo doméstico
  • 123. Visión de San Pedro Nolasco Pintor religioso, de frailes, santos y experiencias místicas Equilibrio entre lo real y lo sobrenatural Personajes serenos y concentrados en el exterior Intensa espiritualidad interior Esquemas geométricos
  • 124. Zurbarán en la Corte: El pintor en “El Salón de Reinos” Continúa con las Composiciones sencillas
  • 125. 1599-1660 Etapa Sevillana (hasta 1623) Etapa madrileña Etapa Italiana Herrera Primera Etapa (1623-1629) Segunda Etapa (1631-1648) Pacheco Primer viaje (1629-1631) Segundo viaje (1648-1651) Última etapa (1651-1660)
  • 126. Etapa sevillana
    • Inicia su andadura como pintor en el taller sevillano de Francisco Pacheco.
    • 127. Su pintura estará marcada, inicialmente, por el naturalismo y por el tratamiento de la luz derivado de la escuela tenebrista
  • 128.
    • A esta etapa pertenece Vieja friendo huevos.
    • 129. En esta escena se puede palpar su realismo.
    • 130. Las calidades tonales de los objetos como las copas de cristal y las vasijas de barro, están muy logradas.
    • 131. Los modelos del cuadro son utilizados en varias ocasiones, creando mayor familiaridad en el artista.
  • 132. Etapas madrileñas Primera etapa madrileña (1623-1629) Segunda etapa madrileña (1631-1648) Última etapa madrileña (1651-1660) - Éxito como retratista - Presencia de Rubens en Madrid - Enorme actividad de retratos - En esta etapa pintó uno de sus cuadros más famosos - Su pintura está completamente formada
  • 133. Primera etapa madrileña
    • En 1623 viaja a Madrid
    • 134. Se logra introducir en el círculo de la corte.
    • 135. Se convierte en una figura de gran prestigio
    • 136. Estudia la colección real formada por espléndidos cuadros europeos
    • 137. Se convierte en el retratista del rey y de su familia.
  • 138.
    • En 1628, Rubens hace un viaje a Madrid.
    • 139. El cromatismo vivo y luminoso de la pintura del artista flamenco se refleja en la pintura mitológico de Velázquez.
    • 140. Tema mitológico concebido como escena de género.
    • 141. Dioses rebajados a hombres.
    • 142. Modelos sencillos.
  • 143.
    • Este tipo de escenas son de nuevo una disculpa para sus experiencias con la luz y el color.
    • 144. Estudio de la anatomía y la composición.
    • 145. Baco es un joven coronado con hojas de vid, acompañado de campesinos borrachos que le rinden homenaje.
    • 146. Naturalismo de Caravaggio
  • 147.
    • Otra de las obras destacadas de esta etapa es El Niño de Vallecas 1628.
      • Enano en una cueva.
      • 148. Demuestra su deformidad física por su postura
      • 149. Una pierna hace escorzo mientras la otra cae inerte.
      • 150. Su cabeza grande se inclina con expresión perdida.
      • 151. Una cálida luz le ilumina
  • 152. Segunda etapa madrileña
    • Regresa a Madrid y desarrolla una enorme actividad pintando un gran número de retratos.
    • 153. Retrato de la familia real que era El príncipe Baltasar Carlos a caballo .
    • 154. Sensación de poder y autoridad.
    • 155. Innovación en la penetración psicológica.
    • 156. Iluminación con fondos neutros.
  • 157.
    • Luminosidad del rostro.
    • 158. Mirada concentrada del bufón.
    • 159. La representación de sus ropas.
    • 160. Caracterización con una personalidad arrolladora.
    • 161. Velázquez dota a don Sebastián de Morra con una honorabilidad que antes no se le habría dado.
  • 162.
    • Se retrata un acontecimiento histórico: La rendición de Breda.
    • 163. También se le conoce como Las lanzas.
    • 164. Se utiliza para dar imagen de poder a la monarquía.
    • 165. Se capta el instante en el que el general holandés entrega al español las llaves de la ciudad de Breda.
    Perspectiva aérea y composición abierta
  • 166.
    • Con un lenguaje sutil se manifiesta la superioridad española en la verticalidad de sus armas y en los rostros de los triunfadores.
    • 167. Tratamiento de la atmósfera en el campo de batalla es magistral
  • 168. Última etapa madrileña
    • A su vuelta a Madrid, su pintura está totalmente formada
    • 169. En su obra plasma el conocimiento adquirido que contribuye a su estilo
    • 170. Dominio de la perspectiva aérea
    • 171. Mantuvo la pincelada suelta, deshecha y pastosa
  • 172. Obras Retratos reales
  • 173.
    • La distribución del espacio, el realismo en los retratos y la luz son magistrales.
    • 174. Se dice que Velázquez estaba retratando a los reyes cuando al taller llegó la infanta Margarita con su séquito con el fin de disfrutar del arte.
    • 175. También muestra la trascendencia de la pintura en la corte española, con la representación del artista al mismo nivel que los personajes reales, en un juego de significados y de experiencias con la luz y el color
    La familia de Felipe IV o Las Meninas
  • 176. Velázquez El cuadro dentro del cuadro Los Reyes en el espejo La infanta Margarita Menina Menina Maribárbola Nicolás Pertusato José Nieto Marcela de Ulloa
  • 177. Los personajes se mueven dentro del cuadro: PERSPECTIVA AÉREA El perro, signo de fidelidad En primer plano ¿Entra o sale de la estancia?
  • 178.
      Una curiosidad de este cuadro es que Velázquez lo pintó antes de entrar a formar parte de la Orden de Santiago (uno de los sueños de su vida) y cuando lo logró, añadieron la cruz de Santiago en este representativo cuadro del autor
  • 179. Retratos reales
    • Los retratos de la realeza son algo muy representativo en Velázquez.
    • 180. La ropa y su maravilloso tratamiento son un rasgo importante.
    • 181. Realismo en los retratados.
  • 182. Las Hilanderas
    • Lienzo pintado hacia 1657.
    • 183. Parece representar la fábula de Aracne, una de las historias mitológicas narradas por Ovidio. Así, lo que parecía. Así lo que parecía ser una escena de género se convierte en un tema mitológico.
    Cuadro dentro del cuadro
  • 184.
    • En primer plano, y dentro de un taller textil, aparece un grupo de mujeres tejiendo lana. A la izquierda del espectador, dos de ellas conversan mientras una maneja la rueca, cuya rueda da vueltas sin que se ven los radios, aunque se transmita su sensación de movimiento.
    • 185. A la derecha, otras tres se encargan de hacer ovillos y cardar la lana.
    • 186. Las diferentes posturas de las figuras permiten estudiar actitudes y posiciones distintas.
    • 187. Al fondo, en un espacio iluminado, tres damas contemplan un tapiz colgado sobre la pared.
    • 188. El artista recrea dos ambientes dentro del mismo cuadro.
    • 189. En primer término, la realización manual y la sencillez de la actividad artesanal.
    • 190. En un segundo plano, la contemplación estética de la obra finalizada.
  • 191.
    • Para algunos el cuadro representa un cuarto de la Fábrica de Tapices de Santa Isabel la cual fue visitada por la familia real.
    • 192. La interpretación mitológica es el mito de Aracne quien presumía de ser la mejor tejedora del mundo y de haber representado a Júpiter en sus tapices. La diosa Minerva (Atenea griega) castigó a la tejedora convirtiéndola en araña. El primer plano mostraría la disputa entre las dos mujeres, mientras que en el tapiz del fondo se materializa el castigo de Aracne, señalado por el brazo de la diosa Minerva.
  • 193. La Venus del espejo - Representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios Cupido. - Se trata de un tema mitológico al que Velázquez trata de un modo mundano, como es usual en él. - Trata a la diosa como una mujer. - El tratamiento de las telas, de las alas del dios y de, incluso, el cabello y el cabello de ambas figuras hace muy real y tangible la obra. - El uso que Velázquez hace del espejo es para mostrar el rostro de la diosa manteniéndolo en penumbra con misterio. - La luz se centra en la figura desnuda de Venus.
  • 194. Etapas italianas Primer viaje (1629-1631) Segundo viaje (1648-1651) - Entra en contacto con la pintura veneciana y con la pintura clasicista. - El objetivo era la adquisición de pinturas para la decoración del Alcázar de Madrid. - Perfeccionismo de su técnica del retrato.
  • 195. Primer viaje a Italia
    • La relación con la pintura veneciana y la clasicista se advierte en obras como La fragua de Vulcano , con un estudio compositivo y anatómico riguroso y correcto.
  • 196.
    • Velázquez desmitifica a los dioses:
      • Representa a Vulcano de una forma muy popular: trabajando codo con codo con hombres.
      • 197. Apolo en cambio es una figura magnífica que da luz al cuadro.
    • Los rostros de todos vueltos hacia Apolo que le da la noticia a Vulcano de la infidelidad de su mujer Afrodita.
  • 198. Segundo viaje a Italia
    • Por orden de Felipe IV, Velázquez viaja a Italia para adquirir pinturas, esculturas y muebles para la decoración del Alcázar de Madrid.
    • 199. El artista conoce las principales ciudades italianas y reside algún tiempo en Roma.
    • 200. Su técnica del retrato se perfecciona con el papa Inocencio X.
    “vero troppo”
  • 201.
    • Durante su estancia en Italia pinta dos paisajes de la Villa Médicis con una gran soltura en la pincelada y en la captación de la luz al exterior.
    Pincelada impresionista
  • 202. Escuela Madrileña: Segunda mitad
    • El Barroco pleno entra en la corte por medio de Francisco Herrera “el Joven”, que trabajó tanto en Sevilla como en Madrid
    • 203. Lenguaje pictórico movido y dinámico, con un gran sentido del color
    • 204. Obras:
      • Triunfo de San Hermenegildo
      • 205. Apoteosis de San Francisco
  • 206. Escuela Madrileña: Segunda mitad
    • Francisco Ricci (1614-1693)
    • 207. Contribuyó a difundir el Barroco en Madrid
    • 208. Dibujo movido
    • 209. Suntuoso Colorido
    • 210. Obras:
      • La Virgen con el Niño, San Francisco y San Felipe
        • Composición equilibrada
        • 211. sentido triunfal y aparatoso del Barroco
        • 212. Acusado sentido de la luz, forma y color
  • 213. Escuela Madrileña: Segunda mitad
    • La Escuela madrileña de la segunda mitad del siglo, tiene dos personalidades destacadas:
      • Juan Carreño de Miranda
      • 214. Claudio Coello
    El Duque de Pastrana Carreño de Miranda
  • 215. Juan Carreño de Miranda (1614-1681)
    • Consumado retratista
    • 216. Trabajó para la Corona y la aristocracia
    • 217. Otorga a sus modelos una elegancia que recuerda a Van DycK
      • Retrato del Duque de Pastrana
      • 218. Retrato de Ivanovich Potiomkin
      • 219. Eugenia Martínez de Vallejo (vestida y desnuda)
  • 220. Claudio Coello (1642-1693)
    • Discípulo de Francisco Rizzi
    • 221. Culmina el Barroco madrileño
    • 222. La Asunción:
      • Trepidante y aparatosa
      • 223. Obras de gran formato
        • El triunfo de San Agustín
        • 224. Composición diagonal, movimiento y color
        • 225. Escenografía teatral
    Composiciones ampulosas y espectaculares
  • 226. Claudio Coello (1642-1693)
    • La Sagrada Forma
      • Sacristía de la iglesia de El Escorial
      • 227. Describe la adoración del Santísimo Sacramento por el rey Carlos II y su séquito
      • 228. Efectos de ilusionismo barroco
      • 229. Prolonga en el lienzo la arquitectura
      • 230. Engaña al pueblo sobre el boato y oropel real
  • 231. Escuela Andaluza: Segunda mitad
    • El Barroco triunfal fue introducido en Sevilla por Francisco Herrera el Joven
    • 232. Su estilo influye en dos jóvenes autores de primer orden:
    • 233. Bartolomé Esteban Murillo
    • 234. Juan Valdés Leal
    • 235. Realizan una pintura contrarreformista
  • 236. Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)
    • Pintor, muy apreciado en los siglos XVII y XVIII
    • 237. Sensible y refinado
    • 238. Estudio de la luz: crea sombras tenebristas intensas, cercanas a Rembrandt
    • 239. Arte centrado en el filtro de la realidad
    • 240. Interpretación grácil e idealizada de los tipos naturales
    • 241. Acerca las escenas religiosas al pueblo.
  • 242. Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)
    • La gracia se manifiesta en obras cuyos protagonistas son niños y mujeres
    • 243. Excelentes modelos para su obra de temática religiosa
    • 244. Evoluciona desde el tenebrismo hasta un arte maduro de gran luminosidad y figuras vaporosas
  • 245. Profana Religiosa - Niños comiendo fruta - El joven mendigo - Mujeres en la ventana - Sagrada Familia del pajarito - Inmaculadas Temática
  • 246.
    • Niños comiendo fruta
    • 247. Temática profana
    • 248. Una de sus primeras obras sobre la infancia
    • 249. Escena de género
    • 250. Cuadro de tinte naturalista
    • 251. Gracia en los golfillos que comen fruta en un sucio escenario:
      • Sombras tenebristas
      • 252. Niños mendigos, harapientos
      • 253. Filtro de idealización
      • 254. Ausencia de crítica socia l
      • 255. Fondo plano, líneas en movimiento
  • 256.
    • Joven mendigo
    • 257. Tratamiento claroscurista
    • 258. Composición diagonal
    • 259. Evita ahondar en la miseria y pobreza
    • 260. Lo rodean objetos cotidianos y restos de comida: bodegón
    • 261. La luz ilumina al mendigo dejando al resto en la oscuridad
    La luz de La ventana
  • 262.
    • Niño Jesús como pastor
    • 263. Temática religiosa
    • 264. Tipo infantil de mayor altura moral, dignidad y presencia
    • 265. Conformación más vaporosa
    • 266. Escena de exterior
    • 267. Paisaje y ruinas
    • 268. Colores suaves y dulces
  • 269. La Sagrada Familia del pajarito: Escena cotidiana de una familia corriente La luz incide sobre Jesús que sostiene un pajarito Resto, en la oscuridad Estudio de los objetos: cesta El perro cierra la composición Las figuras sagradas se humanizan: banco de carpintero, ovillos, pájaro y perro Foco Lumínico
  • 270.
    • Inmaculada Concepción
    • 271. Temática religiosa
    • 272. Muy tratado por Murillo
    • 273. La virgen en el centro, flotando entre nubes rodeada por ángeles
    • 274. Colores blanco y azul de la ropa de la Virgen son de la Contrarreforma
    • 275. Composición diagonal (ángeles), que cruza el cuadro de izquierda a derecha
    • 276. La luz se centra en la Virgen, resto penumbra
  • 277.
    • Pertenece a la misma generación que Murillo
    • 278. Coincide con él en formación
    • 279. Representa lo dinámico
    • 280. Es nervioso, colorista y apasionado
    • 281. Pincelada rápida y deshecha
    • 282. Juega con los contrastes lumínicos
    • 283. Dramatismo, religiosidad
    Juan de Valdés Leal (1622-1690)
  • 284. Juan de Valdés Leal (1622-1690)
    • Trayectoria desigual
    • 285. Obras:
      • Hospital de la Caridad de Sevilla, son las Vanitas, encargadas por Don Miguel de Mañara
      • 286. Representaciones de la mentalidad barroca
      • 287. Finis Gloria Mundi
      • 288. In Ictu Oculi
  • 289.
    • Finis Gloriae Mundi
    • 290. Alegoría de la Muerte como ente que despoja de los cargos y dignidades de este mundo
    • 291. La muerte iguala a todos los mortales
    • 292. Obra inspirada en el Discurso de la Verdad de Don Miguel de Mañara en el que se decía.
    • 293. “ Memento homo quia pulvis es et in pulverem reverteris” : Todos calaveras
  • 294. Juan de Valdés Leal (1622-1690)
    • Obsesión por la muerte que el pintor refleja a la perfección en estos lienzos llenos de simbología mortuoria en una atmósfera oscura y lúgubre
    • 295. Ejemplo de Vánitas desgarrada
    Triunfo de la muerte sobre la vanidad
  • 296. GOYA: UNA PINTURA DIFERENTE

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