Tercera parte

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Tercera parte

  1. 1. 0 A lo largo del siglo xx han ido surgiendo productos, estilos, filosofías y teorías dispares.Probablemente cuando más se ha notado esta disparidad ha sido en los últimos 50 años.A continuación presentaré algunos movimientos que más han llamado la atención en este periodo yhan marcado cánones estéticos en esta, la segunda mitad del siglo xx. Presentándolos de maneraconsecutiva y siguiendo la siguiente línea de tiempo.1950 – 1960 – 1970 – 1980 – 1990 - 2000 Pop 1958 - 1972 Diseño Radical 1968 - 1978 High – Tech 1972 - 1985 Posmodernismo 1978 - presente Desconstructivismo 1978 – presente Posindustrialismo 1975 – presente Diseño ecológico 1950 - presente Diseño Orgánico 1930 – 1960 1990 – presente. POP DESIGNEl Pop ArtEl Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de lascondiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centrodel programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundoOccidental, en especial la de Europa. Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara deMarilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es unmovimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver conel estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferenteselementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno,auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de larealidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se reflejaen las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en NewYork y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunistaapenas acceden a él. El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tieneaceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria;reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene comocaracterística la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo elmundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su
  2. 2. lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomarCoca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace lavida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano,la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Esteproceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó eltradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructurasprofesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir deesta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.Expresión PopularLo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios,los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y entemas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museosLa música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta elestado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de lajuventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas paradiscos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de losestilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todaslas artes. Peter Blake Richard Hamilton v Andy Warhol
  3. 3. El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas encuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo másimportante.Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, lascondiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano segeneralizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo asícomo "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en lahistoria del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominabanfactualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque hatrascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa comose valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad enla recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas estánescalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogancotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que definela segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y sereactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y"Todo es Pop".Contexto Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron eltérmino “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a unconjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de lapublicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios decomunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana demasas de la época.“Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligadoa la expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoconos remitía al concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que
  4. 4. comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le confieren susingular identidad y sus preferencias estéticas. La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y reflejacon un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que nosólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masasmismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relaciónestrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y alas masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo. Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómenohistórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidadde producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de públicoconsumidores que crea.El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguajeartístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial,para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad deconsumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos hanconsiderado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobretodo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedadesmás desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiestaimplícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de imágenes, comoen los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud mismaante la sociedad que representa.La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo
  5. 5. del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religióno el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar pasoa una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa,coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de usocotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenespopulares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que habíasido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunosaspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de MarcelDuchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico ysubversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva,cuando no directamente apologética.En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor delas técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículosde comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto deimágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a lasimplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de lapublicidad.Marcel Duchamp ” “Ready-made” “Ready-made”Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma.Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen labúsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no sonsino un reflejo de la producción masiva capitalista.El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenespopulares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, elcómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiarsingularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva delautor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra. Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparenteneutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, pareceque acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundoparece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -diceRauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visiónfragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talantecrítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y aveces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando deponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.
  6. 6. Roy Lichtenstein RobertRauschenberg
  7. 7. LOS MÁS IMPORTANTES ARTISTAS POP : ANDY WARHOL(1928-1987). El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de lapublicidad comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxitola estampación de fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidasimágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopaCampbell" etc...ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitaddel siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art.Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintorcomercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada enpersonajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en elproceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de
  8. 8. sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie deimagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote desopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, esque, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholatefundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.A finales de los 60s comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda derock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podríacalificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de susexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchosotros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos comotema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron enentredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta lavida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fuesiempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y laexpresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Sureacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparentetolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia eincapacidad para comprometerse.El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia dela cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP enLondres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922),el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham(1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros enexplorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987),Roy Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron ainspirarse en los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad,embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarseen el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban unplanteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de loscincuenta.
  9. 9. Jasper Johns (1930- )Roy Lichtenstein Jasper JohnsEl término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la culturapopular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros,entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson,fueron los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo,puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.
  10. 10. A mediados de los años sesenta, se produce una crisis al diseño.Movimiento POP • Plástico • Mercado joven, productos baratos y poca calidad • Diseño radical • Cuestiona los preceptos del buen diseño“Úselo hoy, tírelo mañana”Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescenciaintegrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a laactitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta. Lasilla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables yencarnaban la extendida cultura de efímero.silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Realizada en material plástico de pvc amarillo, transparente o rojo. Los jóvenes diseñadores que idearon esta pieza pretendeían romper con todas las convenciones del mueble burgués y demostrar al mismo tiempo que el diseño era algo muy serio. La firma Zanotta aceptó esta pieza que pasó a convertirse en un icono de los años 60. Uno de esos elementos típicos de los años 60 fue la Blow Chair, diseñada en 1967 por Johnathan de Pas, Donato Durbino, Paolo Lamazzi y Carlo Scolari. Está hecha de PVC transparente aunque posteriormente fue fabricada en múltiples colores, siendo el amarillo uno de los más usuales. Los jóvenes diseñadores que hicieron esta silla querían romper con el clasicismo del mueble burgués y hacer una silla divertida y versátil. Demostraron que los jóvenes diseñadores tenían grandes ideas y convirtieron esta silla en un icono.El aire es postmoderno Ínflate.
  11. 11. “Inflate” nace a fines de los 60’s con la silla Blow, ícono del diseño pop y primer mueble inflableproducido en serie. Una vez lanzado el soplido inicial, este tipo de productos continuó desarrollándose ycon mucho éxito. Barato, fácil de limpiar y brillante, colorido, juguetón, se deja estampar sin problemas.En Inglaterra fue donde revivió. El responsable fue Nick Crosbie que, como estudiante de diseñoindustrial, produjo prototipos pero sin el apoyo de las empresas, así decidió invertir en una máquinaselladora de pvc (plástico con el que se producen este tipo de objetos).Lo mejor de Ínflate son sus estructuras auto portantes, más vinculadas a la arquitectura, donde se venresoluciones interesantes y, al aumentar las dimensiones, la falta de definición de la forma pierde peso. Elhit en esta área es la denominada oficina inflable, que se vende dentro de un balde.Esta forma que adopta el diseño, tanto de objetos industriales como arquitectónicos, responde alconcepto de movilidad tan desarrollado en la arquitectura moderna.Encontramos buena presentación, objetos “divertidos” aunque poco funcionales que generan unaatracción masiva. A pesar de que las estructuras espaciales tienen mayor riqueza formal y funcional,estos otros parecen haber resuelto el problema de la tosquedad que brilla en los productos. Y lo mejor detodo, crear un espacio etéreo.La exitosa marca propone objetos industriales inflables, que van desde un portahuevos hasta unaenorme carpa.Esta forma que adopta el diseño, tanto de objetos industriales como arquitectónicos, responde alconcepto de movilidad tan desarrollado en la arquitectura moderna.Encontramos buena presentación, objetos “divertidos” aunque poco funcionales que generan unaatracción masiva.Los años 60 ha sido la década más cool en cuanto a diseño se refiere, fueron diez años de inventosmaravillosos como la minifalda, el Tupperware, los coches Mini... En decoración se marcarongrandes hitos y muchos de los diseños de entonces están muy cotizados ahora. Fue una decadacon una explosión de creatividad increible y muchos de los fundamentos de entonces están derabiosa actualidad ahora. La carrera espacial marcó el interiorismo y los muebles y objetos fuerondotados de una forma espacial, futurista.
  12. 12. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por sunovedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vezdependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje popelegían el plástico como material de trabajo.Esta solución se llama Blow Sofá, y setrata de un sofá inflable que se componede dos bolsas que forman un asiento y unrespaldo. Ambas se apoyan en unaestructura metálica y después se fijanrodeándolas con una correa y unas gomas.
  13. 13. En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajus te, como las molduras porinyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco irisy las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de laposguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidadeconómica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a unmercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, suprescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antítesis de la“intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimientomoderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspirabaen una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia,misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios decomunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a unenfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el HighTech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos delposmodernismo, puesto que cuestionó los proceptos del buen diseño y, con ello, el movimientomoderno.Realizado por Stiletto Studios, perteneciente alAntidiseño Alemán. Utilizan lo que encuentrana mano y lo que ha pasado la prueba deltiempo. No se preocupan por mejorar unproducto, ni por su comercialización ni por sucomodidad.Costumer`s rest nació en 1990, escogieron unobjeto de uso diario (carrito de compras desupermercado) y modificaron su forma. Lleva consigo una crítica social, ya que es un objeto con unaclara representación del consumismo. Toman unobjeto común y corriente y lo reinterpretan.El diseño pop asociado al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado del movimiento moderno“menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta.Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art,psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios decomunicación globales.Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y eldiseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra.
  14. 14. Craft revival. Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes de Gran Bretaña (art & craft). Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron deteriorándose. Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del Craft revival actual han conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en 1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y Ruskin.Wendell Castle
  15. 15. John Makepeace
  16. 16. High TechEl estilo High -Tech surgió en la arquitectura a mediada de los setenta, inspirada en el formalismogeométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller.El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar suimagen. Se refiere a los edificios que aplican las más avanzadas tecnologías en su construcción yque las exponen y lucen como concepto estético.Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos comoNorman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos asus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional,como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, ycombinaciones de colores primarios inspiradas en el De Stijl.Buckminster Fuller High Tech
  17. 17. Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las teorías y el estilo desus predecesores (característica del nuevo movimiento).La arquitectura futurista del Archigram utilizaba en sus extremos básicamente la misma tecnologíadel acero, el vidrio y el concreto pero aplicadas de una manera diferente. Centro Cultural Georges Pompidou Richard Rogers y Renzo Piano La estructura, el esqueleto, se expone totalmente, y se desechan las paredes y las superficiesestéticamente pesadas. La transparencia, muy presente en la arquitectura, se logra no sólo por medio del cristal, sinotambién a través de otros recursos, como celosías de madera o de metal.museo nacional de arte moderno - Paris
  18. 18. El edificio del Lloyds Bank, proyectado por Richard Rogers, se concluyó en 1986 y es unparadigma de la llamada arquitectura high-tech. Una de sus principales características es elempleo de elementos estructurales vistos, fabricados en acero (LondresDomo geodesico The Millennium Experience in LondonEste estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmenteDESPLAZADO por el posmodernismo.Higt Tech Significa, Alta tecnología y por ende la producción de elementos bajo el rótulo de HigtTech, incluidos los muebles, implica necesariamente el empleo de materiales de alta tecnologíatransformados también a través de procesos de avanzada. El segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos,como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia, que no cualquiera puede lograr, yque aplicado en mobiliario hace el elemento High Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sinomás bien a un producto final reflejo de su proceso específico.
  19. 19. Con todo, la promoción del uso de componentes industriales inspiró a diseñadores britán icos comoRon Arad y tom Dixon a la hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños apartir de materiales reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.Silla LumbarUna sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado lacomodidad y funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna.Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y ladistribución apropiada del peso del cuerpo.Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entornolaboral de cualquier persona.
  20. 20. Diseño Radical Desde mediados de los sesenta, los diseñadores italianos se lanzaron a "...una acción provocadora respecto al gusto dominante en el mercado de los objetos de decoración".El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era similar alantidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la percepción general de lamodernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.Sus principales exponentes fueron los grupos de diseño y arquitectura SUPERSTUDIO, Alchimia,ARCHIZOOM, UFO, GRUPPO STRUM, GRUPO 9999 y LIBIDARCH. Atacaban las nociones de lo queconstituía el “buen gusto” y cuestionaban la validez del racionalismo, de la tecnología avanzada,y, ante todo, del consumismo. Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de fines de los añossesenta pretendía destruir la hegemonía del lenguaje visual del movimiento moderno.En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la revistaCasabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de GLOBALTOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se disolvió y el debatesobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el precepto del diseño, establecidosdesde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea Branzi y Lapo Binazzi, asentaron losfundamentos teóricos para la evolución del posmodernismo a finales de los setenta y principios delos ochenta.
  21. 21. FLOOR LAMP. ▪ "Gherpe"Design by Superstudio for Poltronova.1967. Grupo Strumm Pratone by derossi, ceretti, rossomanufacturer guframitaly, 1971Superonda ARCHIZOOM
  22. 22. Superonda de Archizoom(1966)mies by archizoom Archizoom (1966) Archizoommanufacturer poltronovaitaly, 1969
  23. 23. Andrea BranziAndrea Branzi ReversChair Andrea Branzi e ArchizoomANTIDISEÑO Rechazando los preceptos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar laexpresión creativa individual a través del diseño. El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando se formaronvarios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estabaen sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida alos intereses industriales en la formula descaradamente comercial y consumista.
  24. 24. Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, elmovimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentabademostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, unaescuela de antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar lacreación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño. Nació a mediados de la década del 70, y se caracterizó por la utilización de materiales modernos, como plásticos de inyección. Partiendo de la tesis de que era preciso "liberar a la noción de diseño de todo vínculo disciplinar, atribuyéndole un valor absoluto y omnicomprensivo",
  25. 25. El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta,cuando se formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos gruposconsideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y quehabía dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los interesesindustriales en la estratagema descaradamente comercial y consumista.Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido enla sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con susprovocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismollevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela deantiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales parapotenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño. Mendini’s Mobile Infinito Series of 1981STUDIO ALCHIMIA: Fundado en Milán en 1977 por el arquitectoAlessandro Guerriero, el Studio tenía como objetivo ofrecer a los diseñadores una posibilidad de exponerproyectos que no se habían destinado a la industria. Entre sus miembros se encontraban AlessandroMendini, Michele de Lucchi y Andrea Branzi. Fue un impulso definitivo al movimiento radical italiano, que proponía un diseño caliente frente al diseñofrío del estilo Internacional.Tomó la decoración y los objetos de la casa como excusas para celebrar la forma, para comunicar confuerza humor y, bienestar.
  26. 26. Los vanguardistas que podían permitirse ese lujo decoraban casas enteras con estos mueblesextravagantes, nada convencionales, plenos de una desbordante alegría infantil.Sottsass y algunos diseñadores de su entorno consiguieron que el diseño italiano se convirtieraen una especie de fuegos artificiales de ideas.REPRESENTANTESAlessandro MendiniDiseñador creativo de objetos llenos de fascinación y emoción, considerado uno de los padres delneomodernismo italiano, un provocador diseñador rico de inventiva.Arquitecto y diseñador italiano, estudió arquitectura en el politécnico de Milán, doctorándose en1959. Entre 1970 y 1976, redactor jefe de “Casabella”. Desde 1977 dirige la revista “Modo”;paralelamente se integra a Studio Alquimia.En una de estas exposiciones de Alchimia, Alessandro Mendini presentó en 1978- su silión Prousty su sofá Kandissi, los primeros resultados de sus investigaciones sobre el kitsch y lo banal.La multitud de manchas puntillistas que recubría su “Proust” se ha convertido en su marcapersonal.
  27. 27. Alessandro Mendini dudaba de que fuera posible aún hacer un diseño moderno. Con sure-diseño lleno de ironía, retorna los grandes productos clásicos de la historia del diseño.Con banderitas y otros adornos les da una dimensión de kitsch. A su Mobile infinito lenegó una forma definitiva, al hacerlo modificable. Michele de Lucchi: Estudió Arquitectura en Florencia hasta 1975. Después de trasladarse a Milán, tomó contacto con Andirea Branzi, Alessandro Mendini y Ettore Sottsass. Colaboró en el Studio Alchimia; desde 1981 es miembro del grupo Memphis.
  28. 28. Andrea BranziEstudió arquitectura enFlorencia Hasta 1966. Miembro fundador del grupo Archizoom, importante representante del diseñoradical. Trabajó para Alchimia y más tarde para Memphis. Para él el diseño debe cumplir ante todo unafunción social y cultural. Pronuncia conferencias en todo el mundo.“Los diseñadores radicales, no solo consiguieron imponerse ellos mismos, sino que estimularon a todo elmundo del diseño, sacaron a la bella línea italiana del sopor de “bella durmiente en que había caído. Aúncuando la industria del mueble echara dicterios sobre los productos “inútiles, feos, sin gusto”, por elcontrario, todos aprovecharon de ellos. Como una lluvia después de un largo periodo de sequía, comenzóa florecer el diseño en todo el país o “explotó como una supernova”, como dijo Sottsass. Este“llamamiento emocional” se extendió en todo el Diseño.”
  29. 29. POSTMODERNISMOEl posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, sediscute el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno.Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión al movimientomoderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo,deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitecturaDiseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron aproducir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a travésde la decoración aplicada.Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmocióna nivel mundial. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlabaintencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formasestrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a laaceptación del posmodernismo como estilo internacional en los ochenta.Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea yutilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.
  30. 30. El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también lamayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta.A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el, descontructivismo ypostindustrialismo. En los noventa se motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. ELatractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseñode los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influenciadel posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante eininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.
  31. 31. A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivosdecorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos decorativos y que solíanser irónicos en su contenido.Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass,empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre elmovimiento moderno a través de la decoración aplicada. Mas tarde, Memphis produjomonumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción a nivel mundial al serexpuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muyeclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del “buen gusto” con l aminados de plástico demotivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar elantidiseño y, por tanto, a la aceptación del posmodernismo como estilo internacional en losochenta.Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea yutilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos delpasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían referencia alsurrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores mas destacados en(además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans Hollien, Shiro Kuramata,Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori Umeda. Sus atrevidos diseñospara cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e iluminación se produjeron a escalalimitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova y Sunar, entre otras.
  32. 32. Hans Hollein subrayó que, al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismoserian invariablemente “asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismosobre la ideología social, base del movimiento moderno.El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino tambiénla mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsadopor los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo.A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el Matt Blanck,descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventamotivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo delposmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de losochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia delposmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importantee ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos como latransvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los neo-románticos, etc.Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no proclamanmanifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se habla de crisis de lamodernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo".Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler, J.F.Lyotard ylos filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento negativo, todos proclaman lacrisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico, los términos de cultura artísticapostmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar una nueva sensibilidad, acontecida por el finde la guerra fría, el derrumbamiento del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989),estos acontecimientos son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y elNeoliberalismoEl mundo postmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: La realidadhistóricosocial, y la realidad sociopsicologicaCaracterísticas histórico-sociales1-Las grandes instituciones, como la Iglesia, pierden influencia.2-En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Serenuncia a las utopías y a la idea de progreso.3-Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía deproducción hacia una economía del consumo.4-Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos queduran hasta que surge algo mas novedoso y atrayente.5-La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente, se mezcla con lacompulsión al consumo.6-Las medios y el marketing se convierten en centros de poder e influyen en diversos factorescomo:6.1-Que ya no importa el contenido del mensaje, sino la forma que es transmitido, y el grado deconvicción que pueda producir.6.2-Desaparecen las ideologías como forma de elección de los líderes, y es reemplazada por la
  33. 33. imagen.6.3-Se convierten en transmisoras de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo queno aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad.6.4-Pero también aleja al receptor de la información recibida sacándole realidad y relevancia,convirtiéndola en mero entretenimiento.6.5-Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierten en un show.Características sociopsicológicas1-Los individuos solo quieren vivir el presente, el futuro y el pasado pierden importancia2-Hay una búsqueda del inmediato3-Se caracteriza por el proceso de pérdida de la personalidad individual.4-La única revolución que en individuo está dispuesto a llevar a cabo es la interior.5-Se hace culto al cuerpo y la liberación personal.6-Se vuelve a lo místico como justificación de sucesos.7-Perdidas de fe en la razón y la ciencia, pero en contrapartida se hace culto a la tecnología.8-El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que unsubjetivismo en la mirada de la realidad.9-Perdida de fe en el poder público.10-Perdida de preocupación ante la injusticia:11-Desaparición de idealismos.12-Perdida de la ambición personal de auto superación.13-Desaparición de la valorización del esfuerzo.
  34. 34. Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, susimpulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la direcciónde Alessandro Mendini.Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de los 80,referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue gracias a EttoreSottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947 como arquitecto abriendo supropio estudio en Milán, en 1957 asesora al departamento de diseño de la firma Olivetti, sobretodo realizando el mobiliario y accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el gruporadical Studio Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mastarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que trabajaban en todoslos campos del interiorismo:mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.MemphisEntre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire,Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal,Michele de Luchi y Mateo Thun.Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán,cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes yestilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y elneopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero sucaracterística principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas,todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a sufunción, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxitocomercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se
  35. 35. burlaba de lo correctamente establecido.Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera delpostmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.POSTINDUSTRIALISMO El postindustrialismo es un planteamiento postmoderno del diseño en el que los objetos diseñados seproducen al margen de la corriente industrial.
  36. 36. A fines de los setenta y durante los ochenta, las economías occidentales pasaron a dependermenos de la industria y a basarse más en los servicios. Muchos diseñadores empezaron a creardiseños únicos o en ediciones limitadas que reflejaba el carácter postindustrial del periodo ypermitían a los diseñadores explorar con más libertad su creatividad individual, libres derestricciones del proceso industrial.Diseñadores como Ron Arad y Tom Dixon construían artefactos improvisados, consistentementedistanciados de la precisión de los productos industriales estandarizados. Arad proclamó la noción de“arte usable” y, como tal, dio lugar a una nueva práctica de diseño, experimental y poética a la vez.Ron AradRon Arad
  37. 37. Ron AradTom Dixon Chair designed by Tom Dixon Tom Dixon
  38. 38. Tom Dixon
  39. 39. DESCONSTRUCTIVISMO Se trata de un movimiento vinculado al postmodernismo, puesto que también cuestiona las premisastradicionales de la modernidad. Sin embargo, a diferencia de este, rechaza el historicismo y laornamentación.. Estilísticamente e incluso filosóficamente similar al constructivismo ruso de los años veinte.Por su carácter básicamente antirradical, del decontructivismo está asociado al antidiseño y haejercido un escaso impacto en el diseño de productos, con excepciones como la radio in a bag deDaniel Weil (1981- 1983), que al dejar sus componentes a la vista contrarresta las formastradicionales y reconstruía la lógica del diseño convencional.
  40. 40. radio in a bag de Daniel Weil (1981- 1983)SOFT DESIGNA mediados de los años ochenta se acuñó el término soft -tech o soft-design para describirproductos con formas escultóricas redondeadas o “blandas”.Una de las primeras manifestaciones fue el equipo electrónico de consumo, sobre todo los productosSHARP y YAMAHA.Estos diseños posmodernos se oponían al racionalismo y a las buenas formas dominantespromovidos por fabricantes como BANG & OLUFSEN y en su lugar se inspiraban en estilos deépoca, especialmente biomorfismo de los años cincuenta. Este tipo de estilismo retroestadounidense se convirtió en un fenómeno generalizado en la segunda mitad de los añosochenta. Sin embargo, a principio de los noventa dio paso a un enfoque más reflexivo, orgánico yholístico.
  41. 41. El diseño blando, como se denominó este nuevo enfoque, que Ross Lovegrove describió como “unnuevo naturalismo”, era emocional, gestual y antropocéntrico. Es significativo que la industriaautomovilística fuera una de las primeras en adoptar esta nueva tendencia, como demostraron losautomóviles TWINGO de RENAULT (1992) y MICRA de NISSAN (1992).El surgimiento del diseño blando se atribuye a varios factores: • el rechazo total, a fines de los ochenta del funcionalismo de estilo BAUHAUS • el perfeccionamiento de la aplicación de datos ergonómicos, • la realización de formas curvas mas complejas, posibles gracias a programas avanzados de CAD/CAM, • y la disponibilidad de nuevos materiales, sobre todo tecno–polimeros, que ofrecían a los productos una mayor tactilidad potencial. A fines de los noventa las formas blandas hicieron avances significativos no solo en el sector automovilístico, sino también en la práctica habitual del diseño. El diseño blando se suele utilizar con fines estéticos y no debería confundirse con esencialismo orgánico, ya que, aunque guardan un parecido visual notable, el primero se rige solamente por criterios estéticos.
  42. 42. Ross Lovegrove Ross Lovegrove
  43. 43. Diseño orgánico.El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento comenzó a finesdel siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de este movimiento han existidounos de los más recordados y premiados muebles del siglo XX, en los que destacamos los diseños deEero Saarinen y Charles Eeames, destacados diseñadores del siglo XX. Sus sillones fueronrevolucionarios, no solo por la tecnología de punta utilizada, sino también por el concepto de contacto ysoporte continuos, promovido por formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura. George NelsonEero SaarinenCharles EeamesEstos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de mobiliario,ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural, material y funcional del
  44. 44. diseño, y tuvieron obras tan representativas como las sillas de contra chapado de Ray y Charles Eames.Eero Saarinen - Tulip Chair Coconut Chair by George Nelson Swan Chair by Arne Jacobsen Charles Eeames
  45. 45. A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la antropometríay por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico emergió con másfuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los diseñadores industriales másinnovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios diseños orgánicosdesmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas industriales de altatecnología.
  46. 46. Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales, irónicamente es plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la esencia abstracta de la naturaleza y maximizan las conexiones funcionales a través de las formas orgánicas que más se adaptan a la morfología humana. Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su persuasivo vocabulario formal conecta con nosotros de manera subliminal apelando directamente a nuestro sentido primigenio de la belleza natural. El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el nacimiento del biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta, como Maurice Calka, Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente estructurales en el lenguaje orgánico.Maurice Calka
  47. 47. Pierre Paulin Pierre PaulinOlivier Mourgue
  48. 48. DISEÑO ECOLOGICOLos objetivos principales del diseño ecológico son minimizar los residuos y reducir la producción deenergía y materiales en nuestra sociedad para ajustarlos a niveles sostenibles. En sus inicios, su defensormas celebre fue Richard Buckminster Fuller, que promovió en los años veinte una “ciencia deldiseño” basada en la idea de ofrecer “lo máximo, con lo mínimo”. Fue el, quien en los años cincuentaacuñó el termino “Speaceship earth”, lo que contribuyó a que la gente pensara en el planeta de un modomas holístico. Vance Packard otro de los autores y teóricos que han contribuido a la difusión de unconocimiento más profundo del diseño ecológico, escribió el libro “los artífices del derroche” (1961), quecondenaba especialmente la practica de la obsolencia planificada (productos desechables), y VictorPapanek, autor de “diseñar para el mundo real” (1971), que asociaba la conciencia ecológica al procesode diseño radicales que respetara el medio ambiente.Estas ideas fueron muy populares en los setenta, cuando la crisis del petróleo incrementó lapreocupación por el carácter limitado de los recursos naturales de la tierra.En los años ochenta, varios desastres ecológicos provocados por errores humanos, junto a la ideacada vez mas patente de la industrialización contribuía al calentamiento del planeta, destacaron lanecesidad urgente de un diseño ecológico.
  49. 49. En este tipo de diseño, también llamado diseño verde, se tiene en cuenta el ciclo completo de vidadel producto: la extracción de materias primas y el impacto ecológico de su procesamiento, la energíaconsumida en el proceso de fabricación, la generación de subproductos negativos, la energía requeridapara su distribución y el impacto de esta, la duración de la vida útil del producto, la recuperación de loscomponentes y la eficacia del reciclaje, y los efectos de los residuos en el medio ambiente, por ejemplo alacumularse en vertederos o al incinerarse. Aunque el reciclaje puede reducir elconsumo de energía, no lo minimiza y en cierto modo puede considerarse que en realidad perpetúa lacultura de los residuos. Por el contrario, una mayor duración de los productos minimiza tanto los residuoscomo el consumo de energía; al duplicar la vida útil de un producto, su impacto en el medio ambiente sereduce a la mitad.
  50. 50. El esencialismoes un enfoque del diseño que se ocupa de la organización lógica de aquellos elementos totalmentenecesarios para la realización de un objetivo concreto. En este sentido, el esencialismo se basa en unconcepto moderno: obtener el máximo a través de lo mínimo. Se trata de una corriente bastante próximaal diseño ecológico.El origen del esencialismo se remonta a la ciencia del diseño DYMAXION (dinámica + máxima eficacia)que promovió Richard Buckminster Fuller en los años veinte y sus innovadores proyectos subsiguientesbasados en el uso de la mínima cantidad de energía y materiales.El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formasgeométricas como orgánicas; no existe un estilo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, noposee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos puedenconsiderarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industrialescontemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamenteutilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética. Otros, como Harri Koskinen, seinteresan por paradigmas regionales de características inherentes esencialistas y los interpretan deforma actual.El escencialismo ha caracterizado el trabajo de muchos de los principales diseñadores industriales delsiglo XX, aunque el vocabulario formal de sus diseños ha variado frecuentemente de forma considerable. El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formasgeométricas como orgánicas; no existe un estilo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, noposee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos puedenconsiderarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales
  51. 51. contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamenteutilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética.El esencialismo, esta cada vez más ligado al diseño orgánico y a un nuevo naturalismo formal, como sepuede ver en la obra de Ross Lovegrove.El esencialismo, requiere un conocimiento profundo de la estructura, la naturaleza de los materiales y lastécnicas industriales, es sin duda el enfoque mas adecuado para el siglo XXI.Diseño retro El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en referencia a latendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas.En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el artevictoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los cartelespop y en las portadas de discos. Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de losaños cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colorespapel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas.
  52. 52. La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y en 1991NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto vehículo es unarepresentación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta, mientras que la motocicletaROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una interpretación más directa del estilo de laépoca. Más recientemente, JAGUAR, BMW y CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseñosclaramente retro.Actualmente este campo, un gran negocio supone la combinación del estilismo antiguo con tecnología depunta para fabricar productos híbridos de un buen funcionamiento y fuerte personalidad.
  53. 53. ¡¡SUERTE!!

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