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Apuntes renacimiento italiano
 

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    Apuntes renacimiento italiano Apuntes renacimiento italiano Document Transcript

    • EL RENACIMIENTO ITALIANOCONCEPTO DE RENACIMIENTOEl término -acuñado en 1860 por Jakob Burckhardt en su libro La cultura del Renacimiento en Italia- define latransformación en el pensamiento, la cultura y el arte que se produjo en la Península Itálica (Italia), y másconcretamente en Florencia, a comienzos (en torno a la 2ª década) del siglo XV, y que se prolonga hasta los últimosaños del siglo XVI.Aunque cronológicamente no se pueda identificar con los acontecimientos políticos o históricos que tradicionalmentemarcan el fin de la Edad Media y el comienzo de la Edad Moderna –Caída de Constantinopla en poder de los turcos(1453) o Descubrimiento de América (1492)- en realidad vino a significar el comienzo de la Modernidad y todas lasrealidades históricas: creación de los estados europeos, desarrollo del comercio, inicio del capitalismo, etc. estánvinculadas a él. Sin embargo el R. no es solo periodo histórico sino una nueva concepción del mundo y del papel queel hombre tiene en él.Se trata de una realidad discutida tanto en el aspecto cronológico –para algunos surgiría antes- como en el geográfico –existencia o no de un “renacimiento” trasalpino- , y de notable complejidad.Renacer ¿a qué? A la Antigüedad clásica, es de decir a la cultura del Grecia y Roma, que es vista como el idealperdido en la larga etapa oscura de la Edad Media. Los humanistas consideraban el medio cultural en que vivían comola vuelta a nacer de la civilización clásica después de un largo período de degeneraciónHumanismoAl Renacimiento artístico que se manifiesta en las artes plásticas –entonces consideradas únicamente como unahabilidad manual, una artesanía- precede el R. literario o de pensamiento, representado por quienes dominaban y sededicaban a las artes liberales, relacionadas con el lenguaje, es decir los humanistas. En un sentido estricto humanistaes el que se dedica al estudio y cultivo de las disciplinas conocidas como “studia humanitatis”: gramática, retórica,poesía, historia y filosofía moral (ética)”, pero en un sentido más amplio y también más decisivo, el humanista es elintelectual que pretende cambiarse a si mismo y cambiar el mundo profesando un modo de modo de vivir impregnadode humanismo.Francisco Rico define el Humanismo como una continuidad de hombres de letras que se sienten herederos de unlegado que se transmiten de unos a otros; es “una cultura completa… un estilo de vida… un saber que acompaña alhombre en las más variadas circunstancias”.Desde el siglo XIV, literatos y humanistas manifiestan su añoranza por el mundo de la antigüedad clásica y su deseode volver a esa cultura. Su impulso fue el más poderoso motor de ese cambio en la cultura europea.Los humanistas defienden que el fundamento de la cultura está en las artes relacionadas con el lenguaje –la facultadde hablar es lo que distingue al hombre del resto de los seres, constituyendo la cima del mundo-. La lengua y laliteratura clásicas, la concreción y la elegancia en el estilo, el buen uso de los viejos maestros de la latinidad sonrequisito indispensable en toda tarea intelectual. Los humanistas piensan que los “studia humanitatis” así concebidos,haciendo renacer la Antigüedad lograrían alumbrar una nueva civilización.Quizá el primero en apuntar la renovación evocando los modelos clásicos es Petrarca (1304-1374). Conmovido “másde lo que pueda expresarse con palabras” por la contemplación de las ruinas de Roma... consciente del contraste entreel pasado glorioso y el presente “deplorable”, piensa que la historia de la humanidad ha decaído a partir de laimplantación del cristianismo en el Imperio romano. Se vive en la “edad oscura” de decadencia y tinieblas. En 1338,después de su primer viaje a Roma, augura años y tiempos mejores; “este sopor del olvido no ha de durar eternamente.Disipadas las tinieblas, nuestros nietos caminarán de nuevo en la pura claridad del pasadoPoco a poco, las ideas renovadoras del humanismo incluyen también a las artes plásticas.Boccaccio (1313-1375), discípulo de Petrarca, se refiere al pintor Giotto (1266-1337) como el que viene a sacar a lapintura de la época de tinieblas: Dice en El Decamerón: “Giotto poseía ingenio tan excelente que no hay nada decuanto crea la naturaleza, madre y operadora de todas las cosas, en el curso del perpetuo girar de los cielos, que él noreprodujera con el estilo, pluma o pincel, con tal semejanza que parecía cosa natural y no pintada; al punto de muchasveces conducir a engaño al sentido visual de los hombres, que tomaron por verdadero lo pintado. Así, él sacó de nuevoa la luz el arte que durante muchos siglos había yacido sepultado, por el error de algunos que pintaban más por deleitarlos ojos de los ignorantes que por complacer la inteligencia de los entendidos, y por eso puede decirse con justicia quefue una de las luminarias de la gloria florentina”.
    • El humanista Lorenzo Valla (1407-1465), en su obra Elegantiae linguae latinae (1435-44) incluye la arquitectura y laescultura en la renovación: “No sé por qué las artes que más se aproximan a las liberales –la pintura, la escultura enpiedra y bronce y la arquitectura- habían caído en tan larga y profunda decadencia, hasta casi morir con la literaturamisma; ni por qué han despertado y revivido en esta época; ni a qué se debe el que tengamos ahora tan abundosacosecha de buenos artistas y escritores”.La mayoría de los artistas, sin embargo, no tuvieron una educación intelectual y los primeros estímulos del clasicismo,su afán de emular a la Antigüedad, les llega del contacto con los monumentos y las ruinas de la Antigüedad.Excepción es León Battista Alberti (1404-1472) humanista preclaro. Su tratado De re aedificatoria (1443-1452) es,para Rico, “la cota suprema del primer humanismo”.Neoplatonismo:Profesan los humanistas el Neoplatonismo: la filosofía de Platón presenta el mundo como una compleja alegoría en laque Dios es el principio supremo y también la suprema perfección y belleza; el mundo se organiza en una serieascendente de reinos intermedios hasta llegar a la cima divina. Se busca la emulación de la belleza y la perfeccióndivina.Para los neoplatónicos “el arte, la arquitectura, la literatura y la música debían intentar emular los principios de laperfección y la armonía que presiden la labor de Dios”. La suma perfección de la creación es el hombre, que estápuesto en el mundo por Dios, posee elementos de la divinidad en su interior que debe desarrollar... fusión de ideasclásicas y cristianas.Considerando el Renacimiento en su conjunto, es preciso señalar que:- La vuelta a la Antigüedad es un cambio real, que se evidencia en todos los aspectos de la vida pero que no suponeuna ruptura total con el inmediato pasado: durante la Edad Media se había producido una evolución económica ysocial que permite la existencia de una sociedad, de un ambiente que permite el gran cambio.Tradicionalmente se considera que el Renacimiento significa el cambio de una sociedad teocéntrica –regida por laomnipresencia de lo religioso- a una sociedad antropocéntrica, en la que el hombre toma las riendas de su propiodestino. Pero el cristianismo se asume y sigue teniendo un papel destacadísimo, con enorme repercusión en el arte.Desde el punto de vista estrictamente de las llamadas bellas artes: Arquitectura, escultura, pintura, y las conocidascomo artes menores, el R. estuvo precedido históricamente de los llamado prerrenacimientos, que ha estudiado ErwinPANOFSKY, Renacimiento y renacimientos en el arte occidental, (escrito en 1960). Son etapas puntuales de la EdadMedia en que las artes parecen haber evocado el clasicismo perdido, pero que no tuvieron continuidad en el tiempo.Por el contrario, la transformación del siglo XV será definitiva.La Rinascitá en las Artes plásticasAunque el nombre de Renacimiento sea una creación del siglo XIX, ya quienes vivían en el siglo XV y XVI, eruditosy artistas, eran conscientes de vivir –como dice V. Nieto- “una ruptura formal radical”, que rompiendo con el arteentonces vigente renacía al arte del clasicismo.Ya en 1436, cuando Alberti dedica a Brunelleschi su tratado De pictura se muestra consciente del cambio `producidoen el arte de Florencia, comparando los logros de sus contemporáneos –el propio Brunelleschi, Donatello, Masaccio yotros- con el arte de la Antigüedad.Se debe a Giorgio Vasari, arquitecto y pintor florentino (1511-1574) la utilización del término “Rinascitá”. En 1550publica la 1ª edición de sus Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabuehasta nuestros tiempos (días), que se considera el inicio de la Historia del Arte, en el más antiguo de sus métodos, elbiográfico. La obra no es simplemente biográfica sino que critica, valora, marca la evolución del arteEsta evolución en la “Rinascitá de las Artes”, va desde la Edad Media (desde el pintor Cimabue (1240-1301)) hastaculminar en Miguel Ángel (1475-1564) clave del Alto Renacimiento.CRONOLOGÍA DEL RENACIMIENTO ITALIANO:En el arte las fechas nunca pueden ser absolutamente precisas; además hay diferencias cronológicas entre unasregiones y otras. Sin embargo, desde el punto de vista práctico el estudio del Arte del Renacimiento se puede articularen dos grandes etapas:- Quattrocento (Siglo XV): 1ª y 2ª mitad o generación-Cinquecento (Siglo XVI): Pleno Renacimiento (1500/ 1525 +-) Manierismo (1525 +- / fines siglo, 1590 +-)Para una corriente crítica el Manierismo sería un movimiento independiente.El R. no es sincrónico en los diferentes estados de Italia y mucho menos en Europa, donde se inicia casi un siglodespués.
    • EL AMBIENTE SOCIO-POLÍTICONo existe una Italia unida; se articula en una serie de territorios, especie de ciudades estado, independientes, condistintas formas de poder, con una condición económica y social suficiente para acoger las nuevas ideas delhumanismo. Sus gobernantes aglutinan en torno suyo unas cortes que rivalizan en grandeza, en buena parte manifiestaa través del mecenazgo, de la protección del artista y el patrocinio de arquitecturas y obras de arte. Entre estos estados,con frecuentes luchas y alianzas cambiantes, destacan:Florencia, república. Es indudablemente la cuna del Renacimiento. Sociedad evolucionada, agudamente razonadora yartísticamente creadora.Extraordinario desarrollo de los gremios (las arti = artes), que ejercieron un importante papel en la construcción deedificios y su mantenimiento, juntamente con la ciudad. Fundamental también el mecenazgo privado de una oligarquíaintegrada por las grandes familias florentinas pero esencialmente de los Médicis, que dentro de una organizacióndemocrática, actúan como una oligarquía principesca. A partir de 1434, con algún intervalo, los Médicis dominan lavida de Florencia durante el XV. En el XVI ostentarán en ducado. Especialmente dos de ellos Cosme el Viejo (+1464)y su nieto (hijo de Pedro el Gotoso +1469) Lorenzo el Magnífico (+1492) se convierten en los rectores culturales dela épocaLorenzo “el Magnífico” se identifica con el R. florentino. Más que propiamente mecenas es literato, humanista ycoleccionista, además de político. En torno a él humanistas: Marsilio Ficino, Pico della Mirándola, Poliziano (1454-1494), etc y artistas, el escultor Bertoldo di Giovanni, y, especialmente, Miguel Ángel, se integran en el llamado“jardín mediceo”. Sin embargo, más que protector de las artes fue coleccionista.Otras familias tendrían tb. un enorme protagonismo como mecenas: los Strozzi, los Pazzi, Brancacci, Pucci, Benci,Bini, RucellaiMilán, ducado. Capital de la Lombardía, al norte de Italia. Dos familias, los Visconti primero y los Sforza después,desde Francesco Sforza (1447-1466), representación genuina del condottiero, hasta Ludovico Sforza “el Moro”,(1479-1499). Este, el más el más perfecto carácter de príncipe de la época, calificada como la más brillante de Europa(Leonardo). Los franceses acaban con su poderUrbino, ducado. Otro notable personaje del XV es duque Federico de Moltefeltro, gobernante (1444-1482), claroejemplo del mecenas de la época. Su corte, “una obra de arte”, atrae a los principales artistas que decoran su palacio.Mantua, ducado. Gobernado por la familia de los Gonzaga, protectores de artistas en XV y XVI.Otras ciudades : Ferrara. Gran desarrollo del urbanismo renacentista. Rímini, con Segismondo Malatesta (+1467),cliente de Alberti. Nápoles, en la que dominaba una rama bastarda de Aragón, Alfonso de Nápoles, que toma la ciudaden 1435. Siena y Pienza, conocen el mecenazgo de Eneas Silvio Piccolomini, luego Pío II (1458-64)Venecia, república. Diferencias geográficas y cronológicas, un cierto aislacionismo del resto de Italia. Desarrollocomercial, influencia oriental. Menos atadura con el pasado, con la Antigüedad. Florecimiento más tardío.CARACTERÍSTICAS DEL RENACIMIENTO ITALIANOInspiración en la Antigüedad. Las circunstancias de Italia propician la emulación de la Antigüedad: presencia deedificios, ruinas y esculturas antiguas. Su estudio constituye el principal medio de aprendizaje para los artistas.También los textos. El platonismo se remonta al arte griego pero la forma es esencialmente romana.El arte renacentista admira la forma clásica como ideal de belleza, de medida, de proporción. El arte tiene entidad porsí mismo, como elemento portador de belleza, sin necesidad de servir a una idea religiosa: “El Arte por el Arte”.Sin embargo no es el arte del paganismo, no hay contradicción entre humanismo y cristianismo.Realismo. El arte del R. busca el acercamiento la realidad, a la naturaleza y en especial al hombre como centro de ella.Se trata sin embargo de un realismo matizado, idealizado muchas veces.Al artista italiano no le interesa la copia mimética de la realidad –la detallista representación de lo cotidiano es máspropia de la pintura flamenca- sino su propia concepción de la naturaleza. El realismo se matiza por un idealismo quese basa en la búsqueda de la perfección, de la proporción como base de la belleza.En algunos aspectos, sin embargo, el interés por la realidad es manifiesto: importancia del retrato, disección decadáveres para un perfecto conocimiento de la anatomía, etc.Arte racional, antropocéntrico. De la alianza entre el humanismo y la ciencia surge el afán de cambiar la concepciónde un mundo regido por la divinidad por otro regido por la razón. La proporción, la medida, la representación del
    • mundo circundante se hace tal como el ojo del hombre lo ve: desarrollo de la perspectiva lineal o central. Es propia delR. la interdisciplinariedad. Las matemáticas y la óptica al servicio de la perspectiva.Secularización del arte. Es también relativa. En contraste con la Edad Media se incrementan los temas laicos, enescultura o pintura, pero siguen siendo minoritarios. En todo caso, aun en el arte religioso la estética tiene un papelprincipal. Dioses mitológicos y santos conviven en la obra de un artista.Universalidad del arte, es decir, relación entre las diversas artes. El artista del R. cultiva y es maestro en muy diversasartes, un artista completo.Todas estas características no implican la uniformidad formal sino que hay diversidad en las manifestaciones artísticasen el espacio y en el tiempo y, por supuesto, en la personalidad de los artistas, cada vez más individualizados.CONSIDERACIÓN SOCIAL DEL ARTISTALa valoración del hombre, propia del R. influye también en la valoración del artista y su relación con la sociedad. Sinembargo su consideración social es problemática; en todo caso, en Italia superior a la que tiene en el resto de Europa.Durero: “aquí (Venecia) soy un caballero, en casa (Alemania) un gañán”.El mecenazgo, religioso, civil o privado, es fundamental en el R. Al principio el artista está sujeto a un encargodeterminado, más adelante va logrando una mayor libertad y, especialmente un prestigio y un reconocimiento, que leirán alejando de la consideración de un mero artesano pasando a ser considerado como un profesional liberal. El objetoartístico es una creación intelectual. Pero todo ello no le libera de su dependencia del cliente, patrono, mecenas;incluso está sometido a la tutela intelectual del humanista.En ocasiones, los comitentes valoran al artista por encima del artesano. Algunos artistas lograron un alto estatus en unacorte, varios llegaron a ser ennoblecidos, otros obtuvieron cargos civiles. Por supuesto, muchos lograron enriquecerse.Sin embargo, la formación del artista sigue siendo esencialmente artesanal. Escultores, pintores, orfebres, etc. seforman en un taller donde el maestro imparte una enseñanza basada fundamentalmente en el dibujo, cuyo dominioresulta imprescindible para el dominio de todas las artes.El arquitecto parte también del dibujo pero debe conocer asimismo las matemáticas y, por supuesto, las técnicasconstructivas. En un principio es difícil deslindar la tarea del arquitecto propiamente dicho de los muchos oficios queintervienen en la construcción, luego el arquitecto renacentista, especialmente a partir de Alberti, se define por suactividad teórica, por ser el creador, tracista, aunque también debe conocer la técnica del oficio.RENACIMIENTO EN ARQUITECTURALa arquitectura tiene como ideal la Antigüedad, tomando de la Arquitectura griega: lenguaje Arquitectura romana: formasLa referencia, el modelo próximo está en la gran arquitectura romana. Se estudian y miden los edificios clásicos.Pero además el R. posee un documento escrito, de inapreciable valor: el tratado De architectura, escrito en el siglo Ipor Marco Vitruvio Polión (¿88aC-26dC?), arquitecto romano de la época de Julio César y Augusto. En 1416,durante el Concilio de Constanza (1414-1418), el humanista Poggio Bracciolini (1380-1459) “descubre” el texto deltratado De Architectura, conservado en la biblioteca de la Abadía de Saint Gall. Vitruvio había sido conocido durantela Edad Media, muchas veces copiado; incluso en época carolingia quizá influyera pero es ahora cuando se aborda suconocimiento de modo más científico. En 1468 se hizo la 1ª edición; después otras muchas algunas de ellas ilustradas.Punto de partida y modelo para todos los tratadistas a partir de AlbertiEstructurado en 10 libros, se trata de un manual auténtico de arquitectura antigua, en que se abordan todos los aspectosde la arquitectura, desde los materiales hasta el urbanismo, organización de la ciudad; también la arquitectura que hoyllamaríamos ingeniería, arquitectura militar, hidráulica, etc. Además hace una definición precisa de las tareas delarquitecto. La arquitectura es una ciencia y el arquitecto tiene que poseer la teoría y la praxis de su oficioUn texto de Vitruvio sobre la teoría de la proporción, comparando un templo con el cuerpo del hombre, es muyrevelador de las ideas que el Renacimiento hace suyas e, incluso, influye en la forma de las iglesias:“La composición del templo se basa en la simetría… que tiene su origen en la proporción… y la proporción es laconmensurabilidad de cada miembro de la obra y de todos los miembros en el complejo de la obra gracias a unadeterminada unidad de medida o módulo: tal conmensurabilidad representa el cálculo o sistema de l simetría. Dehecho, ningún templo podría presentar un sistema constructivo sin simetría, esto es, sin un cálculo exacto de susmiembros, como en el hombre bien proporcionado. En efecto, el cuerpo del hombre fue compuesto por la naturalezade modo que la cara, del mentón a lo alto de la frente, a la raíz de los cabellos, estuviese en proporción de 1 a 10respecto del cuerpo… También los otros miembros tienen dimensiones según partes proporcionales…Con criterio análogo, los miembros de los templos deben presentar en sus partes y segmentos particulares estrechacorrespondencia y concordancia de medida con la suma magnitud del complejo”.
    • Este texto sirvió de inspiración a arquitectos y tratadistas, entre ellos a Leonardo: dibujo del “Hombre de Vitruvio”.LA ARQUITECTURA DEl QUATTROCENTO (Siglo XV)CARACTERÍSTICASEn el siglo XV el impulso del primer R. está en Florencia. En general estas características le correspondenLa arquitectura está buscando su propio lenguaje; búsqueda, experimental.Se persigue la emulación de la Antigüedad, armonía, la proporción, la belleza. La proporción áurea.Drástica ruptura con el gótico, estilo o manifestación artística anterior; existe en cambio, al menos al comienzo, unacercanía con el románicoNuevo lenguaje formal, tanto en los elementos fundamentales o estructurales como en la decoración.Elementos estructurales:Plantas: Conceptualmente el ideal sería la planta central: circular, poligonal, cruz griega, etc. En la práctica predomina la planta longitudinal, de varias naves = basilical, o de una sola nave, normalmente con capillas laterales En los edificios civiles, palacios predomina la planta cuadrada o rectangular, con patio centralMuros: De piedra: aparejo de sillería (opus quadratum). Puede ser almohadillado. Mampostería (opus incertum), piedra irregular De ladrillo (opus latericium) Tanto la mampostería como el ladrillo se pueden cubrir con un paramento de placas de mármol o un enfoscado y posterior enlucido. Ocasionalmente esgrafiado.Soportes: Columna utilización de los órdenes clásicos: dórico (o toscano), jónico, corintio y compuesto, aunque con variaciones en los capiteles o en la decoración de los fustes La columna puede ser exenta o adosada y tener solo un uso decorativo Pilar y pilastra (pilar adosado). Cumplen las mismas funciones En algunas regiones, no en Florencia, puede usarse la columna estrangulada o abalaustrada Arcos: El de medio punto, que sustituye al ojival. Ocasionalmente, s. t. al principio, puede ser ligeramente apuntado Y estar dividido por un parteluz; también puede ser rebajadoCubiertas: Arquitrabada, es decir plana o adintelada. Puede ser de madera y adornarse con casetones Bóveda de cañón o de medio punto; desde mediados del s. XV es la cubierta por excelencia. Puede tener lunetos y adornarse con casetones. Cúpula, es la bóveda que cubre un espacio de planta central. La más habitual es la de media naranja Puede ser rebajada y estar adornada con gallones. Frecuentemente remata en una linterna Se utiliza también la bóveda vaída y, menos, la de arista. De cuarto de horno en el ábside. La cúpula se asienta sobre trompas o sobre pechinas. Puede ser trasdosada o no.Otros elementos arquitectónicos: exteriormente los edificios se suelen cubrir con tejado de teja romana; tambiénterraza. Cornisas, frontones, balaustradas, rematan o dividen las fachadas.Elementos decorativosLa riqueza decorativa es variada según las regiones. En Florencia es escasa en principio porque preocupafundamentalmente lo estructural, la limpieza de líneas, con todo existe. Mucho más presente en Venecia yespecialmente Lombardía.Decoración arquitectónica: columnas, pilastras, hornacinas, frontones, óculos, etc.Decoración escultórica: tanto en interiores como en exteriores. Existe un repertorio de motivos de escultura decorativaque en buena medida proceden de la antigüedad. El más característico en el primer renacimiento es el:Grutesco: Motivo decorativo a base de seres fantásticos, vegetales y animales, complejamente enlazados ycombinados formando un todo. Es un tema propio del Renacimiento, y suele estar formado, en su parte superior, poruna cabeza o torso humano o animal que se acaba en un juego de plantas o elementos vegetales por abajo, al modo delos que se encontraron en algunos edificios romanos como la Domus Aurea de Nerón. (Fatás y Borrás, Diccionario detérminos de arte). Con frecuencia recubre pilastras u otros elementos verticales, dispuesto en “candelieri”Además: medallones, conchas o veneras, láureas, guirnaldas de flores y frutos, trofeos, espejos, ovas, etc.Por supuesto la escultura propiamente dicha, bulto redondo o relieve, se utiliza también para decorar, bien situada enhornacinas, bien rematando ventanas o balaustradas.El urbanismo. Es aspecto importante en el R. que también aquí busca la creación de una ciudad acorde a losprincipios de orden, racionalidad y servicio al ciudadano. Pero lo ideal choca con la realidad del trazado medieval delas ciudades. En la mayor parte de los casos el urbanismo se queda en la esfera de lo utópico: la “ciudad ideal”, de laque hay múltiples ejemplos, como la ciudad de “Sforzinda” diseñada por Filarete.
    • FLORENCIA Etapas de la arquitectura del Quattrocento:En buena medida el ejercicio de la arquitectura fue durante el siglo XV una empresa colectiva. Así sucede en el casoparadigmático de la Cúpula de la Catedral de Florencia, que en principio no fue una empresa únicamente personal deBrunelleschi.Dos etapas, correspondientes más o menos a 1ª y 2ª mitad, dos generaciones de arquitectos representadas en dosfiguras fundamentales, dos conceptos diferentes de la arquitectura: Filippo Brunelleschi (1377-1446) y León BautistaAlberti (1404-1472). También distintos en su formación. Para Vasari Brunelleschi no es todavía el arquitectoplenamente renacentista que será Alberti, con una formación teórica igual o superior a la práctica. Le denomina“escultor y arquitecto” y su formación de orfebre y escultor así parece demostrarlo1ª Brunelleschi aunque carecía de formación universitaria, tenía el interés científico por su oficio: según su biógrafoAntonio Manetti quería redescubrir “los medios de construcción, excelentes y muy ingeniosos, que tenían los antiguos,y sus proporciones armoniosas”. Estudioso de las ruinas romanas, su arquitectura toma solo elementos sueltos de laantigüedad. Verdadero iniciador del R. en arquitectura y estudioso de la perspectiva, realiza una arquitectura decarácter lineal, basada en la ligereza y la claridad; fundamentada en la columna clásica y el arco de medio punto.Obras: Cúpula catedral de Florencia; Hospital de los Inocentes; basílica de San Lorenzo y Sacristía Vieja; CapillaPazzi; iglesia de Santo Spírito2ª Alberti antepone al conocimiento de la técnica un concepto teórico, una formación intelectual. Es un humanista deformación universitaria. Su labor teórica es descomunal. Sus Tratados De statua, De pictura (traducido por él mismo:Della pittura) (1536) y De re aedificatoria influyen decisivamente en los tratadistas posteriores.De statua texto brevísimo que enfoca desde un punto de vista técnico, pero muy novedoso, la escultura. (Cfr.Benévolo, pp.142 y ss.) habla de la medida de la figura humana. Punto de partida de los estudios de Leonardo, DureroDestaca la importancia de “la escultura” como tal, del trabajo de “quitar” aspecto en el que insistirá Miguel Angel, ensu célebre soneto. Todo lo que un gran artista concibe / puede transcribirlo al mármol /desbrozando, cosa que lograsolamente /la mano que obedece la inteligencia”.De Pictura (1436) Dedicado a Brunelleschi (en su versión traducida “Della pintura”9Es un verdadero tratado sistemático. En él tiene gran importancia lo que se refiere a las matemáticas, a las cuestionegeométricas y ópticas. Importancia de la perspectiva, que analiza.De re aedificatoria (1452), está dedicado al papa Nicolás V (Parentucelli, 1447-1455). Partiendo de Vitruvio, da unpaso más. Notable influencia en el futuro.La arquitectura de Alberti, volumétrica y monumental, capta mucho más el concepto de la arquitectura romana. Utilizapilares para sustentar su potente bóveda de cañón.Obras: San Francisco (o Templo Malatestiano) de Rímini; Fachada de Sta. María Novella y Palacio Rucellai, enFlorencia. San Sebastián y San Andrés, en Mantua.En el tránsito al XVI: Giuliano y Antonio da Sangallo: desarrollo de la planta de cruz griega.
    • ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO EN OTRAS REGIONES:En general, carece de la pureza de la arquitectura florentina, pero hay algunos centros de especial interésLOMBARDÍARegión la más septentrional de Italia, entre los lagos alpinos y las riberas del PoCapital Milán; otras ciudades importantes: Brescia, Bérgamo, Pavía y Cremona.Zona de paso, fronteriza con el resto de Europa, influida por diversas tendenciasLa arquitectura presenta una acumulación de elementos decorativos que en ocasiones enmascaran la claridadestructural propia del R. Fuerte implantación del gótico. Se está construyendo la catedral.El ducado de Milán está regido primero por los Visconti y luego por los SforzaFrancesco Sforza (1450-1466) inicia el gran desarrollo en la construcción que culminará con Ludovico el MoroSe potencian las relaciones con otras ciudades italianas, especialmente Florencia. El arte y la arquitectura sesubordinan a la nueva políticaAntonio Averlino “Filarete” (h.1400-h.1469) natural y formado en Florencia, es el arquitecto más avanzadoDe su admiración por el Renacimiento da idea su opinión acerca de Brunelleschi, expresada hacia 1460: “Pido a todosque abandonen la tradición moderna (por tradición moderna, claro está, entendía el estilo gótico); que no acepten elconsejo de los maestros que trabajan de esta manera... Elogio a aquellos que siguen a los antiguos y bendigo el alma deBrunelleschi, que revivió en Florencia la antigua manera de construir”El Hospital Mayor de Milán (1456) fue trazado por él pero modificado por otros arquitectos desvirtuando suproyecto. Aunque inacabado tiene una planta de gran trascedencia: dos estructuras cruciformes separadas por un patio,servirá de modelo hasta el siglo XVIII (edificios de planta estrellada). Filarete es también teórico: Tratado dearquitectura (1461-1464.Giovanni Antonio Amadeo (Pavía 1477- Milán 1522), Arquitecto y escultor. Aunque más joven es más retardatario.Trabaja en la Catedral de Milán, la Capilla Colleoni, en Bérgamo y en la Cartuja de PavíaCapilla Colleoni, de la catedral de Bérgamo, y la fachada de la Cartuja de Pavía, son sus principales obrasTras la muerte de Francesco Sforza (1466), Milán continúa y aún acrecienta su importancia cultural durante elgobierno de Ludovico el Moro (1480-1492). De Florencia llegan Leonardo (1481) y Giuliano da Sangallo (1493),enviados por Lorenzo el Magnífico; de Urbino, corte de Federico de Montefeltro, Bramante, Francesco di GiorgioMartini y Luca PacioliURBINOFederico de Montefeltro (1444-1482), condottiero, gobernante y protector del arte, convirtió su corte en “uno de loslugares más civilizados de la tierra”. Palacio Ducal de Urbino, es el más monumental e imaginativo de los palacios del Quattrocento, tanto por suimportancia arquitectónica como por la decoración interior. Las obras del palacio se inician en 1447 a partir deelementos preexistentes. La segunda etapa de la construcción, s.t. a partir de 1460, parece la más personalmente ligadaal propio Federico. Dificultad en establecer la auténtica autoría del conjunto. Luciano Laurana (1420-1479) parece elmáximo responsable de la traza. Sólo estuvo hasta 1472 en Urbino. Francisco di Giorgio Martini (1439-1502)arquitecto, pintor, escultor e ingeniero militar, trabaja a partir de 1472. Se ha hablado tb. de la propia dirección de F.de Montefeltro, quizá aconsejado por Alberti, de quien era amigo y que fué a visitarle con frecuencia a Urbino. Nopuede obviarse tampoco la influencia, quizá la dirección e inspiración de Piero della FrancescaLa decoración del palacio, con sus salas : Studiolo, Librería, etc, contó con notables pintores, entre los que sobresalenMelozzo da Forli, Paolo Uccello, Justo de Gante, nuestro Pedro Berruguete, quizás Bramante y Botticelli.Importantes trabajos de taracea : trampantojosVENECIALa Venecia moderna, todavía la que existe hoy, se construye en la 2ª mitad del XV. Importancia de la arquitectura civil “En esta nobilísima ciudad de Venecia se acostumbra a construir de forma muy diferente a otras ciudades de Italia;porque siendo muy populosa, es necesario que el terreno sea estrecho, y aunque dividido con gran discreción, no bastaque los edificios tengan grandes patios, o muchos jardines (...) que pudieran caber; las ventanas de las habitacionesserán mayores, y en diferentes lados, lo que se limita casi a las fachadas, o en las plazas, que ellos llaman campos osobre los canales o en las calles que en su mayor parte son estrechas, y angostas”.Los dos palacios principales son obra del mismo arquitecto, Mauro Codussi: el Corner-Spinelli , iniciado en 1480 y elPalacio Vendramin-Calergi, iniciado 1481; terminado 1509En la arquitectura religiosa destacan las iglesias de Santa María dei Miracoli, (1481-89), obra de Pietro Lombardo yla de San Zacarías Reconstruida entre 1444-1515. Antonio Gambello empezó la fachada en gótico y Mario Codussi laterminó en renaciente, a partir de 1481.
    • EL CINQUECENTO. SIGLO XVISe divide en Pleno (o Alto) Renacimiento. Primer cuarto XVI. Manierismo, desde 1525 +- hasta finales de siglo en que se inicia, paulatinamente, el BarrocoEsta división –que sirve pare el arte en conjunto- no puede entenderse de manera muy estricta en la arquitectura;depende de artistas y obras.El Pleno Renacimiento es de gran creatividad artística. Confluyen los más grandes genios: Bramante (1444-1514),Leonardo (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (1483-1520)A partir de las búsquedas expresivas, de las investigaciones científicas del Quattrocento, se llega a “un perfectoequilibrio entre forma y contenido, entre naturaleza e historia, armonizando la Antigüedad pagana con elespíritu religioso cristiano, el humanismo con el dogma oficial”.El centro del impulso artístico se traslada a Roma. Capital del mundo, produce un ambiente de gran eclosión artística,favorecido por los Papas, especialmente Julio II y León X.Papas del Renacimiento de trascendencia para el arte.Siglo XV:Nicolás V (Parentuccelli).- 1447-1452. Inicio reformas de la vieja basílica de S. Pedro del VaticanoPablo II (1464-1471). Logia de las bendiciones (S. Pedro)Sixto IV (Della Rovere) (1571-1484). Restaura edificios y construye otros nuevos: Capilla Sixtina, patrocinando lapintura de sus paredes. Es el verdadero iniciador de la renovación de la ciudad.Siglo XVI:Julio II (Giuliano della Rovere).- (1503-1513). Principal mecenas del XVI. Inicio nueva basílica de S. Pedro.Bramante, Miguel Ángel y Rafael, entre otros, trabajan para él.León X (Giovanni di Médicis).- (1513-1521). Continúa la línea de mecenazgo el anteriorAdriano VI; Clemente VII (Giuliano de Médicis) (1523-1534) > Saco de Roma.Paulo III (1534-1549) (Alejandro Farnesio): Actuación de Miguel Ángel como arquitecto y pintor: Juicio FinalJulio III; Marcelo II; Pablo IV; Pio IV; Pio V; Gregorio XIII (1572-1585).Sixto V (Félix Peretti), (1585-1590). Iniciador de la transformación barrocaLA ARQUITECTURA DEL CINQUECENTOInfluencia de los edificios romanos: se trata de imitar la arquitectura pagana: mayor acercamiento a los modelosoriginales. Monumentalidad y solemnidad de los edificios; grandiosidad en apoyo de la permanencia de la CortePontificiaLenguaje formal de gran pureza y sencillez. Desaparece la decoración en favor de lo puramente arquitectónico y quehaga resaltar la proporciónLa perspectiva es un instrumento ya adquirido y dominado. La proporción madre y reina de las artesUtilización de los sistemas estructurales romanos como vocabulario formal teórico pero al servicio de los logrosarquitectónicos nuevos1 - Pleno Renacimiento:En Roma:Donato Bramante (1444-1614): Tras su periodo en Milán, h. 1500 se traslada a Roma. Paradigma del pleno barroco:Templete de San Pietro in Montorio (por encargo de los RRCC); Julio II le encarga diversos trabajos para el conjuntodel Vaticano: El Belvedere (edificio que alberga actualmente los Museos vaticanos), escalera de caracol, patio de SanDámaso, y s. t. planta de la nueva Basílica de San Pedro (1506).Para ella Bramante traza un edificio de planta de cruz griega, con cuatro fachadas iguales y una gran cúpula central, quese inspira en la del Panteón romano, sostenida por gruesos pilares o machones. A su muerte, la obra está apenas iniciada,pero su impronta será duradera.Otros arquitectos, discípulos de Bramante: Rafael, Baldassare Peruzzi, Antonio da Sangallo el joven, continuarán sutrabajo con algunas alteraciones en la traza, hasta llegar a la actuación de Miguel Ángel.Estos mismos arquitectos impulsan también un notable desarrollo de la arquitectura civil, patente especialmente en dostipos de edificios: villas suburbanas y palacios urbanos: Villa Madama, de Rafael; la Farnesina y el palacio Máximo, dePeruzzi; el palacio Farnesio, de Giuliano da Sangallo el joven y Miguel Ángel, etc.Miguel Ángel (1475-1564). En su faceta de arquitecto reparte su actividad entre Florencia y Roma.En Florencia (década de los 20), trabaja para los Médicis en el llamado complejo de San Lorenzo o Laurenciano:Sacristía Nueva de San Lorenzo –para que le hace también la escultura- y Biblioteca. En ambas aparecen los primerosindicios de manierismo arquitectónico.En Roma: Además de la continuación del palacio Farnessio, se ocupa de la urbanización de la Plaza del Capitolio (apartir de la década de los 30), que busca vincular la Roma clásica y la papal, y de la continuación de Basílica de SanPedro, de la que se hace cargo en 1546. Retorna a la planta de Bramante, reforzando el protagonismo de la cúpula, obrasuya en lo esencial, que abandona el modelo del Panteón evocando la de Brunelleschi en Florencia. En cierto modo, todoel Renacimiento discurre entre ambas cúpulas, que determinan el perfil de sus respectivas ciudades.
    • Además diseña la Porta Pía, ya claramente manierista, y remodela parte de un edificio de la Roma imperial, las Termasde Diocleciano, para hacer la iglesia de Sta. María de los Ángeles.En Venecia: Durante los años centrales del siglo, la figura capital es la de Jacopo Sansovino (1486-1570), responsable deuna importante remodelación urbana de la Plaza de San Marcos, en la que construye: la Biblioteca Marciana, (1537),brillante y notable edificio que recoge la influencia de Miguel Ángel y anticipa a Palladio, la Loggetta del Campanile yla Zecca, con fachada al Gran Canal.2 -Manierismo:El pleno R. hace crisis: en lo Religioso, Lutero y Contrarreforma; en lo político: Saco de Roma; en lo artístico: muertesde Leonardo y Rafael. Ruptura de la perfección clásica. Se superan los criterios de equilibrio, mesura y orden,interviniendo el capricho, la fantasía. Los elementos clásicos se emplean de modo arbitrario, de una nueva “maniera”. Ladistinción del Manierismo en arquitectura es más difícil que en escultura y pintura. La arquitectura pierde la claridad yunicidad; se multiplican innecesariamente los elementos arquitectónicos; sentido dinámico y pictórico: claroscuro.Tratadistas y teóricos: sistematizan los conocimientos arquitectónicos del R. y proporcionan modelos que, traducidos yreeditados se difundirán por Europa y América. Los principales son: Sebastiano Serlio, Tratado de Arquitectura, varioslibros que se empiezan a publicar en 1537 (el IV); Vignola, Regla de los cinco órdenes de Arquitectura (1562) yPalladio, Tratado de los cuatro libros de Arquitectura (1570)El manierismo se manifiesta por toda Italia. En Florencia destaca Ammannati, que amplia y termina el Palacio Pitticon ayuda de Buontalenti, en Mantua trabaja Giulio Romano, etc., pero los principales arquitectos prácticos son:Jacopo Barozzi, “il Vignola”, (1507-1573). Activo sobre todo en Roma y el Lazio. En sus edificios civiles: VillaGiulia, en la capital, y el Palacio Farnesio, en la localidad de Caprarola, ambos para la familia Farnesio, se muestramás manierista. Pero su principal creación, la iglesia del Gesú de Roma (1568), templo principal de los Jesuitas, es degran sencillez y claridad de espacios. En su traza, el Renacimiento logra la integración entre lo ideal, representado porla planta central, y lo práctico, encarnado en la planta de cruz latina. Respondiendo además a los preceptos delConcilio de Trento (1545-1563), se convierte en modelo de templo de la Contrarreforma, válido en Occidente hasta elsiglo XIX.Andrea Palladio (1508-1580) es uno de los más influyentes arquitectos de la historia, incluso, y especialmente, en elámbito de los países anglosajones. Creador de modelos, tanto civiles como religiosos, su estilo arquitectónico evoca laAntigüedad clásica con gran monumentalidad y brillantez pero también con elegante sobriedad decorativa.Trabaja fundamentalmente en la región del Véneto. Sus edificios civiles se sitúan en la ciudad de Vicenza y en susalrededores. Por una parte, palacios urbanos, de carácter comunal como La Basílica y privados, como el Chiericati, ypor otra parte sus famosas “villas”, edificios que, en su mayoría, aúnan el carácter de vivienda suntuaria con el deexplotación agrícola. La más famosa de todas es la villa Almerico-Capra, conocida como “La Rotonda”, muypróxima a la ciudad. Para Vicenza diseña también un edificio singular: el Teatro Olímpico, inspirado en modelosromanos.Por el contrario, sus principales iglesias, San Giorgio Maggiore y el Redentor, están en Venecia. Complejas en susespacios interiores -se compartimenta el cuerpo de la iglesia del presbiterio y del coro- sus fachadas, construidas enpiedra de Istria, muy blanca, se caracterizan por el uso de columnas, hornacinas con esculturas y múltiples frontonescoronados por estatuas.
    • ESCULTURA DEL QUATTROCENTO. SIGLO XVLa referencia a la Antigüedad no impide que la escultura de Quattrocento asuma también algunos elementos delgótico internacional: elegancia en el movimiento y la figura, pero hay un gusto por el desnudo, lo monumental y losevero, y el empleo de materiales nobles, bronce y mármol, propios del mundo clásico.Algunos antecedentes medievales en la obra de Nicola Pisano y Giovanni Pisano.Características:-más allá del carácter didáctico, adoctrinador, medieval, la escultura busca la perfección formal, la belleza-veracidad en la representación: la perspectiva se aplica para crear profundidad en el campo escultórico-se pierde la sumisión al marco; no hay “horror vacui” sino ordenación armónica en el espacio-materiales: bronce y mármol los principales; piedra, terracota; en menor medida y en algunas zonas, madera-por su colocación: escultura monumental (aneja a una edificio) o escultura exenta-diversidad de formatos: Escultura de bulto redondo: Ausencia de hieratismo; contraposto; interrelación entre las figuras Relieve: alto, medio y bajorrelieve. Por su técnica: relieve pictórico, schiacciato (o stiacciato) y volumétrico-estilos: escultura plástica o volumétrica y escultura pictóricaGéneros: Además del religioso, que sigue siendo fundamental, el antropocentrismo favorece la representación delcuerpo humano como principal sujeto de la escultura y modelo de belleza: importancia del desnudo.Todos los temas sirven: mitológicos y alegóricos.Retratos > exaltación del individuo. Todos los formatos: estatua en pie o sedente, busto, yacente, ecuestre…Escultura funeraria: de cama o de pared, arcosolio. Inicialmente bulto yacente, luego recostado a la maneraetrusca; también sedente.Múltiples localizaciones:-Iglesias: altares, púlpitos, puertas monumentales, tumbas, fachadas-Edificios civiles: palacios, oficiales o privados: patios, otras dependencias-Estatuaria urbana: monumentos, entre ellos los ecuestres, fuentes, etc.Principales escultores1ª Mitad:Lorenzo Ghiberti (1378-1455). Mantiene aún algunos elementos goticistas pero utiliza la perspectiva renacentista.Además de los relieves de la Puerta Norte y, especialmente, de la llamada Puerta del Paraíso, en el Baptisterio deFlorencia, muy pictóricos, realiza algunas de las figuras en bulto redondo que, junto con las de otros escultorescontemporáneos, ocupan las hornacinas exteriores del oratorio de Orsanmichele, verdadero expositor de la esculturaquattrocentista florentina.Nanni di Banco (1390-1421), que trabaja para la Puerta de la Mandorla de la Catedral, realiza en el grupo de Los Cuatrosantos coronados, también para Orsanmichele, una de las obras más clásicas del momento.Jacopo della Quercia (Siena 1374-1438). Posee un concepto muy volumétrico y monumental de la escultura, queanticipa el Cinquecento. Trabaja en Lucca, Siena y Bolonia, donde realiza los relieves de la fachada de San Petronio, quehubo de conocer Miguel Ángel.Donatello (Donato di Niccolo di Betto Bardo, Florencia 1386-1466) es el más grande escultor del QuattrocentoVerdadero creador de la escultura del XV. Trabaja todos los materiales y tipologías., tanto en bulto redondo como enrelieve, siendo el “inventor” del schiacciato =aplastado, un relieve que logra sensaciones de perspectiva y profundidadcon muy poco resalto.Activo fundamentalmente en Florencia, aunque también trabaja para otras ciudades, entre sus obras principales puedencitarse: San Jorge (para Orsanmichele), el David de bronce, las estatuas de Profetas y Apóstoles para el Campanile dela Catedral, la Cantoría para la misma, el relieve de la Anunciación, en la iglesia de la Santa Croce, etc.A su estancia en Padua, durante la década de los 40, se deben la escultura ecuestre del condottiero Gattamelata –primermonumeto de este tipo del Renacimiento, y los diversos trabajos, en bulto redondo y relieve, para el altar de la basílicade San Antonio. A sus últimos años, de regreso ya en Florencia, correponden los púlpitos de San Lorenzo.Muy notable escultor, a caballo también entre las dos mitades del siglo es Lucca della Robbia (Florencia 1400-1482),cabeza de un taller familiar, en el que destaca también su sobrino Andrea della Robbia, que se caracterizafundamentalmente por trabajar la terracotta vidriada, es decir el barro cocido y pintado con un acabado brillante,utilizando fundamentalmente los colores blanco y azul.2ª mitad: Predomina la Tendencia decorativa: relieves, altares, monumentos funerarios Agostino del Duccio, Desiderioda Settignano, Bernardo y Antonio Rosellino, Mino da Fiésole.Pero otros practican una escultura más monumental: Andrea Verrocchio (Florencia 1435-1488), también pintor –maestro de Leonardo- y orfebre, que domina todos los materiales y formatos. Excelente escultor ha dejado obras queanticipan la monumentalidad del XVI: Grupo de la Incredulidad de Santo Tomás, para Orsanmichele; esculturaecuestre de Bartolomeo Colleoni (1479), en Venecia.Antonio de Pollaiulo (h. 1432-1498), tb. pintor y orfebre. Escultor de gran fuerza expresiva.
    • ESCULTURA DEL CINQUECENTOCon el cambio de siglo, el centro impulsor se traslada de Florencia a Roma. Predominio de lo monumental, lograndioso, frente a la delicadeza florentina. El bajorrelieve cede en importancia ante el altorrelieve y, s.t., a laescultura en bulto redondo. El descubrimiento del Laocoonte (1506), obra maestra de la escultura helenística, eshito fundamental para la evolución de la escultura del XVI, en Italia y en el resto de Europa. La difusión de laobra, que fue copiada y reproducida en grabados influiría incluso, por su patetismo, en el Barroco.A) Pleno Renacimiento: la figura que lo llena, iniciando también el Manierismo, capital en la Hª del Arte por laperfecta unión de belleza formal y contenido, por la técnica en el tratamiento del mármol –el material casi únicode todas su producción escultórica- y la grandiosidad, es la de:Miguel Ángel Buonarrotti (Florencia 1475-Roma 1564). Pese a dominar y destacar por su maestría enarquitectura, escultura y pintura, Miguel Ángel se consideraba a sí mismo únicamente escultor. Admirado, casivenerado ya en vida, supone la culminación del Renacimiento.El tema esencial de su obra es el cuerpo humano –es sabido que practicó la disección de cadáveres buscando eltotal conocimiento de la anatomía-, que interpreta con gran vigor físico y fuerte expresividad, la famosa“terribilitá” de muchas de sus creaciones. El enorme virtuosismo de su técnica está siempre sometido alprofundo sentimiento de sus figuras. El proceso de su creación se fundamenta en extraer del bloque de mármolla figura que en su mente está ya hecha; quitar lo que sobra para que se haga visible la forma encerrada,aprisionada en él. El hecho de que bastantes de sus esculturas estén sin terminar, el empleo del “non finito”,puede, en ocasiones, deberse a esta idea.Su actividad escultórica se inicia en Florencia en la década de 1490, cuando realiza dos relieves en mármolVirgen de la Escalera y Batalla entre centauros y Lapitas, muy diversos por el tema y por la técnicaempleada, pero ya de gran calidad. Antes de terminar el siglo viaja por 1ª vez a Roma, donde realiza la primerade sus grandes obras maestras: Piedad del Vaticano (1495).En los primeros años del XVI, de nuevo en Florencia esculpe el monumental David, quizá la escultura másuniversal de la historia; la colosal figura del adolescente será símbolo del orgullo de la república florentina.A partir de 1505 trabaja en Roma en el proyectado para la tumba del papa Julio II, obra que se prolongará variosaños y nunca podrá terminar; el propio Papa y luego sus familiares irán haciendo sucesivos recortes. Hanquedado, sin embargo diversas esculturas de: figuras de Esclavos y el célebre Moisés, entre ellas.En la década de 1520 realiza en Florencia las Tumbas de Giuliano y Lorenzo de Médicis, situadas en laSacristía Nueva de la iglesia de San Lorenzo, cuya arquitectura también le pertenece.Establecido ya definitivamente en Roma, en sus últimos años la actividad escultórica decrece en beneficio de sutrabajo como pintor y, especialmente, arquitecto. Hasta pocos días antes de morir, a punto de cumplir 89 años,trabajó en la llamada Piedad Rondanini, en la que el contenido espiritual se impone a la belleza formal.Otros muchos escultores de notable calidad quedan un tanto oscurecidos a la sombra de Miguel Ángel: AndreaSansovino, autor de grupo del Bautismo de Cristo, en el Baptisterio de Florencia, o Francesco Rustici, que hizopara el mismo lugar el grupo de la Predicación de San Juan Bautista, Jacopo Sansovino, arquitecto y escultor enVenecia, autor de la Madonna de la Loggeta del Campanile y las esculturas de Marte y Neptuno que presiden lallamada “Escalera de los Gigantes”, del Palacio Ducal, oB) Manierismo:La plenitud renacentista encarnada en Miguel Ángel da paso a la escultura manierista que, en realidad estaba yapresente en algunas de las obras del gran maestro. Se trata de escultura de gran calidad formal pero de menorcontenido que, muchas veces no hace sino repetir modelos. Dos corrientes: Una que busca la elegancia y el refinamiento, el preciosismo formal, una de cuyas características esenciales esla disposición helicoidal –la famosa línea “serpentinata”- que adoptan muchas figuras, moviéndose de unamanera un tanto artificial. Sus principales representantes en Florencia son Benvenuto Cellini, orfebre y escultorde gran formato, que trabajó también en Francia. Una de sus obras maestras, el Perseo, se admira en la florentinaLogia dei Lanzi junto al grupo del Rapto de la Sabina, creación capital del más célebre de los manieristasactivos en Florencia, Juan de Bolonia, de origen flamenco, conocido también como Giambologna, queprolonga la escultura manierista hasta entrado el XVII. Entre sus obras: Mercurio, Rapto de la Sabina.Otra corriente, con especial implantación en Roma -de ahí la denominación de “manierismo romanista”- aunquetambién se manifieste en Florencia y otros lugares, tiene como punto de partida la monumentalidad física, lacorpulencia, de las figuras de Miguel Ángel pero sin su fuerza interior.En Florencia está representada por artistas como Baccio Bandinelli y Bartolomeo Ammanati, tambiénarquitecto. Este manierismo romanista, que tiene su correspondencia también en la pintura, ejerce también unafuerte influencia en otros países europeos.
    • PINTURA ITALIANA RENACIMIENTOPanorama de gran complejidad por la diversidad de escuelas y la gran cantidad de pintores de categoría.LA PINTURA EN EL QUATTROCENTO supone un enorme avance, como nunca antes se había dado, en labúsqueda del ideal de la pintura clásica –conocido por fuentes escritas- y del acercamiento al hombre y a lanaturaleza. El realismo, la representación veraz de la realidad en dos dimensiones se hace a través delconocimiento y dominio de la perspectiva. Se trata de representar al hombre en su entorno, paisaje yarquitectura, según el ojo del hombre lo ve, de reproducir con la mayor fidelidad posible el mundo tal como elhombre lo ve. Pero también de buscar la belleza formal. El medio para todo ello es el dominio del dibujo, nolineal sino volumétrico, conseguido por la graduación de luces y sombras.En los inicios, especialmente en la Florencia de la 1ª mitad de XV, la pintura tiene un carácter intelectual, casicientífico, de búsqueda de las proporciones y dominio de la perspectiva = arte que enseña el modo derepresentar en una superficie los objetos, en la forma y disposición con que aparecen a la vista. Primero sedominará la perspectiva lineal o central -ligada a las matemáticas y a la óptica-, que determina la forma,tamaño, postura que debe tener un objeto en el cuadro según la posición que ocupe en la pirámide visual, esdecir según la distancia que lo separe del ojo y el lugar en que esté colocado.A fines del siglo XV, gracias a Leonardo, se alcanzará tb. el dominio de la perspectiva aérea, es decir lareproducción de los efectos de los fenómenos atmosféricos sobre los objetos. La mayor o menor lejanía delobjeto hace que haya más o menos aire entre el ojo y el objeto y en consecuencia ésta aparecerá más o menosnítido en sus contornos y con un color más o menos brillante. El sfumato usado por Leonardo difumina loscontornos cuanto más lejano está el objeto representado.Otros aspectos fundamentales son naturalmente el color, la luz –íntimamente vinculada a él-, y el claroscuro. Laescuela veneciana se preocupará esencialmente por el color.Temas: predominio de la pintura religiosa pero tb. pintura mitológica y alegórica, y gran desarrollo del retrato.Técnicas: Se mantiene la tradición de la pintura mural al fresco y se desarrolla tb. la pintura de caballete,generalmente sobre tabla y pintada al fresco. Solamente a fines de siglo, en la escuela veneciana se introduce lapintura al óleo. Luego, cada maestro tiene su propio estilo personal.Escuela florentina:En la primera etapa del Quattrocento, un cierto resabio de goticismo impregna aún la pintura de Fra Angelico,en la que no faltan, sin embargo, atisbos de una nueva forma de hacer.El mérito de ser considerado el iniciador de la pintura renacentista debe atribuirse a un artista de corta vida y nodemasiada obra pero cuya trascendencia es grande, Masaccio, quien a través de obras como La Trinidad, enSanta María Novella, -seguramente inspirada en los estudios de perspectiva de Brunelleschi- y los frescos de lacapilla Brancacci, en la iglesia del Carmine, sienta las bases de la nueva pintura., tanto por el realismo de lasfiguras como por el marco arquitectónico y paisajístico en que estas se sitúan.Otros pintores como Paolo Ucello y Andrea del Castagno se manifiestan en parecidos términos, destacando lagran figura de Piero della Francesca, pintor a caballo entre las dos partes del siglo pero cuya sensibilidadcorresponde más a la primera. Poseedor de un estilo muy personal, caracterizado por el dominio de laperspectiva –de la que es también teórico- y la luz clara que ilumina sus figuras de formas oblongas y rostrosausentes. Entre otras obras, los frescos de la Historia de la Santa Cruz, en Arezzo, o las obras realizadas paraFederico de Montefeltro, duque de Urbino, están entre las más importante creaciones del Quattrocento.La 2ª mitad del siglo, dominados ya en gran parte los problemas de la perspectiva, el volumen y la luz, floreceuna pintura esencialmente narrativa y de carácter menos profundo, más decorativo, en la que se encuadranpintores de muy diversa personalidad, como Benozo Gozzoli o Ghirlandaio. De ellos se aparte en cierto modoBotticelli, poseedor de un estilo basado en la elegancia del dibujo, la delicadeza del color y la belleza ymelancolía de sus figuras, pero a la vez de mayor contenido. Es el primero en pintar temas mitológicos,inspirados por los humanistas, siendo La Primavera y el Nacimiento de Venus sus obras más destacadas.Otras escuelas se desarrollan sobre todo en la 2ª mitad de siglo:En la de Umbría, destacan Pietro Perugino, de composiciones ordenadas y simétricas y figuras de rostrosdulces, que enseñará a su discípulo Rafael de Urbino, y Luca Signorelli, que practica una pintura dura y de granfuerza expresiva, que en cierto modo anticipa a Miguel Ángel.En la de Padua la gran figura es Andrea Mantenga, uno de los más notables pintores del Quattrocento,caracterizado por el dominio del escorzo y la monumentalidad de sus figuras.Venecia inicia su florecimiento en el último cuarto de siglo, gracias especialmente a la obra de Giovanni Bellini,de exquisita técnica, y a un pintor foráneo, Antonello de Mesina, introductor de la técnica de la pintura al óleo.Ambos preparan el camino de la gran pintura veneciana del XVI, basada fundamentalmente en el color.
    • PINTURA EN EL CINQUECENTOA) Conseguidas ya las búsquedas del XV, la pintura del Pleno Renacimiento se hace más natural y vital, menosintelectual. Momento de equilibrio; mayor monumentalidad, grandiosidad y simplificación: unificación deltema, supresión de escenas y personajes secundarios; las composiciones ganan en claridad; figuras o gruposinscritos en una pirámide o relacionadas entre sí con naturalidad. De acuerdo con el idealismo platónico, lafigura humana se representa según un ideal de belleza, de máxima corrección formal, actitudes elegantes,flexibilidad en cuerpos y ademanes, tendencia al movimiento. Es la plenitud clásica.Los grandes maestros Leonardo, Rafael y Miguel Ángel -iniciador también del manierismo- coinciden en esosaños. Tres genios de muy distinto concepto y sentimiento, con profunda repercusión en la historia del arte.Leonardo (1452-1519), fue un espíritu científico, abierto siempre a todos los conocimientos y en continuabúsqueda. Dentro de la faceta artística, y partiendo de su condición de extraordinario dibujante, le preocupa laarquitectura, aunque no se conoce ningún edificio de su mano, e hizo escultura, aunque no se ha conservado,pero es fundamentalmente pintor. Sus ideas acerca de la pintura, que considera la principal de las artes, seexplicitan en diversos escritos, reunidos en forma de tratado después de su muerte. Aportación fundamental es ladefinición de la perspectiva aérea, que se materializa en la utilización del sfumato, consistente en suavizar ymatizar los contornos y los colores, de acuerdo con las modificaciones que la distancia y la atmósfera producenen nuestra percepción visual así de personas y objetos como del paisaje. Interesantes son también sus logros enla composición -muchas veces piramidal-, con figuras que se agrupan y se relacionan emocionalmente. Su obrapictórica no es larga pero abarca distintos géneros y técnicas -algunas incluso fallidas por su afán deexperimentar- dentro siempre de un modo de hacer muy personal. Entre sus principales creaciones están: laAdoración de los Magos, obra inacabada pero que supone un gran avance frente al tratamiento que suscontemporáneos dan al mismo tema; la Última Cena para el convento de Santa María de las Gracias, en Milán,verdadero hito en esa iconografía; la Virgen de las Rocas y el grupo de Santa Ana, la Virgen y el Niño,paradigmas de su estilo más personal. Entre sus restantes retratos femeninos, delicados y elegantes, la llamadaGioconda, una pintura enigmática incluso en su protagonista, ha alcanzado la categoría de mito artístico. Es unretrato de gran sobriedad, envuelto en una atmósfera unitaria gracias al empleo riguroso del sfumato.Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), pese a su manifiesta preferencia por la escultura, es genial tambiéncomo pintor. Desdeñando el marco arquitectónico y paisaje, su interés se centra exclusivamente en la figurahumana que concibe con potente anatomía, incluso la femenina, interesándose sobremanera por el desnudo, querepresenta con un profundo conocimiento anatómico.Al margen de algunas obras perdidas, de su mano se conservan numeroso y magistrales dibujos y una solapintura de caballete: el llamado Tondo Doni (h.1503), una representación de la Sagrada Familia, la Virgen ElNiño y San José, en la que se están ya presentes muchas de las características de su estilo como la precisión deldibujo, la brillantez del color y el gusto por la torsión de las figuras.La obra pictórica fundamental de M. A. corresponde a la decoración de la Capilla Sixtina hecha con la técnicadel fresco. Entre 1508 y 1512, por encargo del papa Julio II, recubre la parte alta de las paredes y el techo de lacapilla con un grandioso programa pictórico relativo al Antiguo Testamento. En los medios puntos y en loslunetos situados sobre ellos representa a los antecesores de Cristo dentro del pueblo judío. En los laterales deltecho, compartimentado a través de marcos igualmente pictóricos, una secuencia de monumentales figuras deprofetas y sibilas anuncian al Mesías mientras que en las pechinas de los ángulos se representan cuatro escenasde la historia del pueblo elegido; por fin, en la zona central del techo se suceden nueve escenas, alternativamentepequeñas y grandes, con historias del Génesis, seis de las cuales representan el inicio de la creación y las otrastres historias de Noé. Las escenas pequeñas están escoltadas por cuatro figuras masculinas desnudas, los“ignudi”, en los que M. A. despliega un variado repertorio de posturas y actitudes. Otras figuras de carácter másdecorativo completan el grandioso conjunto. El artista comenzó a pintar las escenas centrales en sentidocontrario a la narración: primero pintó las historias de Noé, que son las más cercanas a la puerta, y terminó conel comienzo de la creación, la “separación de las luces y las sombras”, que es la más próxima al altar, utilizandoun estilo cada vez más suelto.Un cuarto de siglo después, el papa Pablo III encargó a M. A. el gran fresco de “El juicio final”, para la paredprincipal de la capilla, del que se ocupa entre 1536 y 1541. En torno a un Cristo de gran fuerza y aspectoiracundo, junto al cual la Virgen ejerce su papel de intercesora y al que rodean algunos santos, se agolpa lahumanidad, dividida entre los salvados, que ascienden, y los condenados que se precipitan al infierno. Se cierraasí el ciclo del tiempo, inaugurado por la creación. En esta ocasión M.A. acentúa los aspectos manieristas, conuna cierta confusión estructural y un mayor rebuscamiento de posturas y actitudes.Hasta hace pocos años se había puesto en duda el interés de M A por el color, sin embargo, la restauración de laCapilla Sixtina, llevada a cabo entre 1980 y 1994, ha mostrado su enorme modernidad también en esta faceta,por la utilización de un rico y atrevido colorido que abre claramente el camino de la pintura manierista.
    • Rafael Sanzio, o Rafael de Urbino (1483-1520), el tercero de los grandes pintores del Pleno R., tambiénarquitecto, representa quizá como ningún otro artista el concepto de lo clásico. Tras un primer periodo enPerugia, en que se nota el influjo de Perugino, Rafael, asimilando las influencias de Leonardo -la composiciónpiramidal y el sfumato- y de Miguel Ángel –monumentalidad- creó un estilo personal caracterizado por laperfección formal de sus figuras y la claridad y orden de sus composiciones, que desarrolla primero enFlorencia y luego en Roma. Además de numerosísimas pinturas de caballete principalmente de tema religioso,en las que toca con singular belleza los temas marianos -Madonna de Foligno, Madonna Sixtina, Virgen de kasilla, entre otras-destaca en su obra la pintura al fresco de las llamadas “Estancias” de Julio II en el Vaticano,con monumentales composiciones para cuya realización, a partir de 1511 y hasta su muerte, contó con unorganizado taller. Especial relevancia tiene la llamada estancia “Della Signatura”, o del Sello, en cuyas paredesse representan escenas que tiene que ver con la Verdad revelada, el Conocimiento racional, la Justicia y laPoesía, como elementos imprescindibles en la vida del hombre. El fresco de la Escuela de Atenas es una de lasobras más representativas del Renacimiento.Otro apartado especialmente brillante de su producción es el del retrato, en el que supo aunar la perfecciónformal con la captación de la personalidad del retratado, desde el Papa y los dignatarios eclesiásticos hasta unamujer anónima. Sin embargo, en La Transfiguración, su última obra que dejó inacabada y en la que se hacenotar el influjo de M. A., se atisban ya rasgos de un temprano manierismo hacia el que seguramente hubiesetambién evolucionado. Muero en plena juventud y gloria, fue enterrado en el Panteón de Roma.B) Manierismo supone la crisis del equilibrio clásico del Pleno Renacimiento. La pintura se intelectualiza,pierde naturalidad, clasicismo; se hace elitista y compleja: figuras alargadas, posturas rebuscadas, figurashelicoidales, colores caprichosos; composiciones más complejas y faltas de claridad compositiva. A la vez:extremado refinamiento, perfección técnica. Se podría hablar de dos formas de manifestar el manierismo, unacaracterizada por refinamiento y preciosismo formal, que tiene importantes intérpretes en Florencia y Parma y seextiende al manierismo francés a partir del palacio de Fontainebleau, y otra que se desarrolla fundamentalmenteen Roma, aunque se exportará a otros países, el llamado “manierismo romanista”, que copia y exageralasgrandiosas anatomías miguelangelescas pero sin la profundidad del maestro.Entre los principales pintores manieristas destacan los nombres de Pontormo y Bronzino, en Florencia, y deParmigianino, en Parma, todos artistas de gran calidad y personalidad definida.También a la escuela de Parma pertenece un pintor de difícil clasificación, Correggio, de obra variada, que enocasiones podría entrar dentro del manierismo y en otras anticipa en cierto modo el barroco.C) La pintura veneciana. Durante el siglo XVI en Venecia conoce el desarrollo de una escuela pictórica degran brillantez, que, en general, se mantiene al margen del manierismo y cuyo principal rasgo diferenciador es laimportancia del color y la fusión entre paisaje y figura. Quien sienta las bases de la escuela veneciana en elCinquecento es Giorgione (h.1477-1510), discípulo de Giovanni Bellini, artista de corta vida pero de enormeinterés, cuya obra más conocida es La Tempestad, pero la gran figura es Tiziano (h.1490-1576). Asimismodiscípulo de Bellini y colaborador de Giorgione, con cuyo estilo llega casi a mimetizarse en sus inicios, es elmáximo representante de la pintura basada en la mancha de color por encima de la línea del dibujo. Artistatriunfador, que tuvo la mejor clientela de Europa, Tiziano se caracteriza por la enorme vitalidad de su pintura, labrillantez del color, la sensualidad de sus figuras, la luminosidad de sus paisajes. Todos los géneros pictóricos,religioso, mitológico, alegórico, retrato, son tratados con igual maestría. No obstante, su larga vida le permitióevolucionar de modo muy notorio, desde una primera etapa en que el dibujo es aún muy rotundo hasta unos añosfinales, ya en su fecunda ancianidad, en que el artista atenúa la brillantez de su paleta y llega a aplicar la pastapictórica con los dedos, como afirma uno de sus discípulos. Pintor favorito de los monarcas españoles Carlos Vy Felipe II, la cantidad y calidad de sus obras que atesoraron las colecciones reales serviría de enseñanza amuchos pintores españoles, entre ellos al propio Velázquez. En general, Tiziano influyó de modo decisivo en lapintura del barroco europeo, como se demuestra en el caso de uno de sus máximos representas, Rubens.Notables pintores venecianos del XVI son asimismo Veronés (1528-1588), refinado colorista y autor degrandes composiciones en las que los temas religiosos se revisten de gran aparatosidad, con personajeselegantemente vestidos, lo que le ocasionó algún problema con la Inquisición, y, sobre todo, Tintoretto (1518-1594), pintor de larga obra y variadas facetas, el único veneciano al que se puede calificar en algún sentido demanierista, especialmente por su caprichosa manera de utilizar la luz. Admirador confeso del dibujo de MiguelÁngel y el color de Tiziano, su enorme facilidad para pintar hace que su obra sea irregular en calidad.Obsesionado por la profundidad y el escorzo, sus composiciones, de notable originalidad, anticipan enocasiones el barroco, ya incipiente.
    • LOS PINTORES DEL RENACIMIENTOI.- QUATTROCENTO (SIGLO XV)A) Escuela Florentina: (En general: pintura racional; búsqueda de soluciones científicas)1ª mitad (o 1ª Generación): 2 corrientes o líneas de actuación.a).- De tradición gótica: elegancia lineal, gracia decorativa, delicadeza de color - Gentile da Fabriano - Pisanello - Massolino da Panicale - Fra Angelico (1387/95-1455)b).- Corriente racional y científica: realismo,volumen, perspectiva, sobriedad expresiva y decorativa. - Masaccio (1401-1428) - Paolo Uccello (1397 1475) - Andrea del Castagno (1423 -1457) - Domenico Veneziano (h. 1410 -1461) - Piero della Francesca (h. 1415/20 -1492) - Fra Filippo Lippi (1406 -1469)2ª mitad (o 2ª Generación). Tendencia a lo narrativo y lo decorativo: - Benozzo Gozzoli (1420 -1498) - Doménico Ghirlandaio (1449 -1494) - Sandro Botticelli (1445 -1510). (Su arte va más allá de lo narrativo) - Filippino Lippi (1457-1504) - Andrea Verrocchio (1435 - 1488)B) Escuela de Umbría (sólo 2ª mitad del siglo). Religiosa, paisajes abiettos y claros, dulzura: - Pietro Perugino (1446 -1524) - Bernardino Pinturicchio (1454 – 1513) - Lucca Signorelli (1441 – 1523)C) Escuela de Padua (A medio camino entre Florencia y Venecia: - Andrea Mantegna (1431-1506)D) Escuela de Venecia. 2ª mitad del siglo. Triunfo del Color y de la pintura al óleo - Jacopo Bellini (1429-1507) - Giovanni Bellini (1430-1516) - Vittore Carpaccio (h. 1455/60- 1526) - Antonello de Messina (1430-1479). No es veneciano pero influye notablemente en la escuela.II.- CINQUECENTO (SIGLO XVI)A) Los grandes maestros del pleno Renacimiento (No se puede mantener, salvo excepciones, la misma división en escuelas): - Leonardo (da Vinci) (1452-1519). Activo en Florencia y Milán, especialmente - Miguel Ángel (Buonarroti) (1475-1564). Florencia y, sobre todo, Roma. - Rafael (Sanzio o de Urbino) (1483-1520). Urbino, Florencia y Roma.B) El Manierismo.Existen varias escuelas, de las que sólo hemos estudiado Florencia y Parma. En Roma se da el “manierismoromanista”, basado en Miguel Ángel, con exaltación de la anatomía hercúlea, y Rafael. Entre sus representantes:Giulio Romano, Daniel Volterra, Vasari, etc.a).- Escuela de Florencia: Preciosismo formal, elegancia, refinamiento, cierta frialdad. - Andrea del Sarto (1486-1531). No es todavía claramente manierista - Jacopo Carucci “Il Pontormo” (1494-1556) - Agnolo Bronzino (1503-1572)b).- Escuela de Parma: Similar en las características: - Antonio Alegri “Il Corregio” (h.1489/94- 1534). (No es un manierista al uso; casi prebarroco) - Francesco Mazzola, “Il Parmigianino” (1503-1540)
    • C) La Escuela de Venecia. Al margen del Manierismo; máximo esplendor. Grandes maestros.: -Giorgio Castelfranco, Giorgione (h. 11478-1510) - Tiziano (Vecellio) (h. 1490-1576) - Paolo Cagliari “Il Veronés” (1528-1588) - Jacopo Robusti “Il Tintoretto” (1518-1594)PINTURA DEL RENACIMIENTO FUERA DE ITALIA. SIGLO XVIA) Países Bajos (Holanda y Bélgica). Realismo burgués, representación detallada; menos idealismo - Peter Brueghel, el Viejo (1528/30- 1569) - Joaquín Patinir (1480-1524) - Jan Gossaert, llamado Mabuse (h. 1478-1532)B) Alemania. Caracterizada especialmente por el expresionismo - Mathías Grünewald (h.1470/80-1528) - Alberto Durero (1471-1528). Figura capital, equiparable a los grandes maestros italianos. - Albrecht Aldorfer (h. 1480-1538) - Hans Holbein el Joven (1497/8-1543)