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  1. 1. Análisis del Color en la Historia de la Pintura Del Renacimiento hasta el Siglo XX
  2. 2. “El nacimiento de Venus”, Sandro Boticelli, 1485. Predominio de tonos pasteles que le dan un tono de serenidad y calma Tono de la piel clara que llena a la figura de luz y pureza Manto en tonos rosas que cubre el cuerpo de la Venus Tonos celestes y verdes de bajo contraste para dar serenidad al mar, iluminado con blanco para representar la espuma de la que nade Venus
  3. 3. “Mona Lisa”, Leonardo Da Vinci, 1503. Contraste claro Contraste Oscuro Representación del exterior por medio de tonos claros y esfumados Presencia de interioridad humana por medio de la sonrisa transitoria
  4. 4. “La creación de Adán” (Detalle de la Capilla Sixtina), Miguel Ángel, 1508-1512 Encuentro de energías Fuerza y vigorosidad que envuelve al Padre dada por los tonos rojos contrastados Tonos verdes representan la tierra que se complementa con el rojo del manto que envuelve al Padre Tonos ocre le dan cuerpo a la piel del hombre que destaca su desnudez
  5. 5. “Apocalipsis”, El Greco, 1604. Paleta contrasta, luces y sombras trabajadas en cada la aplicación de los diversos colores Los cuerpos son la luz sobre el poder de la oscuridad Cielo convulsionado por medio de tonos claros que fugan de un fondo oscuro
  6. 6. “Baco”, Caravaggio, 1593. Conducción de la luz sobre el cuerpo del la figura en contraste de un fondo oscuro que ocupa un segundo plano Las hojas verdes de la vid coronal al Baco, dándole carácter y ornamentación festiva En contraposición a el tratamiento de color dado al dios mundano encontramos una ilimitada paleta en el tratamiento de la fruta, dándole un acento atractivo al buen vivir
  7. 7. “La ronda nocturna”, Rembrandt, 1642. Foco de luz sobre una figura femenina que se asoma entre los personajes de tonalidades oscuras Figura representante de la sombra por medio de tonos oscuros Figura representant e de la luz por medio de tonos claros
  8. 8. “El columpio, Fragonard, 1767. Figura femenina central siendo la cúspide de un triangulo amoroso. Su figura se envuelve de un vestido de tonos rosas para acentuar su feminidad y jolgorio de la escena Fondo frondoso que representa la naturaleza que oculta a los amantes, lo colores son oscuros para darle intimidad i misterio al contexto Los amantes se camuflan en la oscuridad y frondosidad de paisaje por medio de una tonalidad similar
  9. 9. “La libertad guiando al pueblo”, Delacroix, 1830. Bocetos en sombra representan la ciudad de Paris. La fuerza luminosa de los colores se centra en la figura central que representa la libertad Para aumentar la tensión y el movimiento el artista añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros
  10. 10. “Los picapedreros”, Courbet, 1851. Tonos ocres y grises en las vestimentas de los personajes representan la vida fatigosa del trabajo Un tono plano de celeste en un fragmento reducido de la obra representa el cielo iluminado que marca la jornada de trabajo El empaste del artista en el tratamiento del entorno plasma la tierra y el polvo del trabajo La oscuridad del fondo genera contraste con las figuras centrales para darle protagonismo
  11. 11. “Impresión sol naciente”, Monet, 1874. Boceto aguado de un mismo color representa la industria del puerto en la lejanía Pinceladas yuxtapuestas que generan una mezcla óptica sobre la tela para crear los tonos capturados del agua El sol es representado por una mancha circular de un fuerte tono anaranjado, el mismo tono que se refleja en el agua con pincelada suelta
  12. 12. “El grito”, Munch, 1893. Colores incandescentes y brillantes, cercanos a una paleta cálida representan la intranquilidad del cielo Figuras sombrías y misteriosas se asoman en el punto de fuga Colores oscuros y poco limpios son utilizados en la figura protagónica la cual representa el miedo humano La curva y el movimiento del color acentúan la deformación del paisaje el que se impregna de tonos fríos para darle más dramatismo a la sensación de la figura principal
  13. 13. “El beso”, Klimt, 1908. La ilusión espacial queda olvidada a favor de una configuración superficial decorativa. Por ello los colores parecieran emular un tapiz sobre el cual se posan los protagonistas La manta que cubre a los protagonistas posee un trabajo pictórico decorativo que se diferencia en las formas, cuadrados y círculos denotan al hombre y la mujer pero ambos sobre un tono ocre relativamente uniforme
  14. 14. “La Vida”, Picasso, 1903. “Las señoritas de Avignon”, Picasso, 1907. Temas festivos y joviales. Personajes marginados pero no miserables. Tonos rosas que representan el cambio anímico. Personajes pobres y menos respetados. Colores fríos como reflejo de tristeza y soledad.
  15. 15. “Improvisación 31”, Kandinsky, 1913. El artista relaciona a los colores como letras musicales, por tanto su configuración sobre el lienzo es el resultado de una armonía anímica Acordes cromáticos
  16. 16. “La persistencia de la memoria”, Dalí, 1931. Predominan los tonos fríos (azules, grises, blancos) En contrastan con los cálidos (ocres, marrones y amarillos) Zona tenebrista de la obra con predominio de tonos oscuros Zona fuertemente iluminada con gran cantidad de blanco que le da una apariencia irreal
  17. 17. “Nº8”, Pollock, 1949. Mediante una acción controlada el artista cubre el lienzo de colores que van delineando un recorrido caótico de contrastes pausas y manchas
  18. 18. “Marilyn Monroe”, Andy Warhol, 1964. Fondo de tono saturado del cual se recorta la figura para darle un acento de cómic Tono rosa de la piel el que representa juventud y belleza femenina Maquillaje y tinte del pelo de colores saturados que presentan a la protagonista como un maniquí caricaturesco
  19. 19. “El oro del azul”, Miró, 1967. Predominio de líneas y manchas de colores puros y semipuros: azules, rojos, verdes, amarillos, negros y blancos. Con ellos llena su cuadro. El fondo es plano y amplio. Su obra está llena de poesía. Nos ofrece un mundo irreal de colores y formas, muy lejos de las visiones concretas de los demás surrealistas

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