2. Aparecieron tras la 2ª Guerra Mundial y, aunque
existe una gran variedad de opciones artísticas, se
pueden encontrar algunas características comunes:
- Experimentación con nuevas técnicas y
materiales, en busca de soluciones originales.
- Influencia de estilos como el dadaísmo y el
surrealismo, especialmente desde el punto de
vista conceptual.
- Acentuación de la actitud rupturista con el arte
anterior.
- Cuestionamiento del cuadro de caballete como
soporte y utilización de otros elementos
plásticos, incluso el propio cuerpo, intervenciones
en la naturaleza y el espacio urbano.
- La obra de arte ya no es valorada por el resultado,
sino por su proceso creativo.
- Continuación de la mercantilización del arte, en la
que el papel de los críticos, galerías de arte y
museos tiene importancia clave para fijar el precio
y establecer el valor de las obras de arte según sus
posibilidades de venta o demanda, más que por
su calidad artística.
SEGUNDAS VANGUARDIAS
AUTUMN RYTHM, JASON POLLOCK
MIERDA DE ARTISTA, PIERO MANZONI
3. EXPRESIONISMO ABSTRACTO
SIN TÍTULO, JASON POLLOCK (1943)
movimiento abstracto surgido en Estados
Unidos en la década de los años 40. Se
considera el primer movimiento
genuinamente estadounidense y ejemplo del
liderazgo que asumió EEUU en el terreno de
las artes plásticas tras la 2ª Guerra Mundial.
El término “expresionismo abstracto” fue
acuñado por el crítico Robert Coates, aunque
los artistas de este movimiento rechazaron
esta denominación, porque consideraban que
su obra no era abstracta en sentido estricto y
que no tenía ninguna relación con el
expresionismo alemán. Al expresionismo
abstracto también se lo conoce como Escuela
de Nueva York, aunque tampoco fue una
escuela con un estilo común, sino un conjunto
de artistas que compartían una serie de
técnicas pictóricas.
4. Los artistas más importantes de esta
corriente se apartaron del lenguaje
figurativo y crearon un nuevo estilo en
donde se fusionan abstracción
y surrealismo, así como otras
influencias, como el muralismo
mexicano y la obra de Picasso. Del
surrealismo tomaron el automatismo,
además de experimentar con nuevas
técnicas. Practicaron un arte
marcadamente individualizado en el que
prima la expresión de la personalidad
del artista.
JACKSON POLLOCK EN ACCIÓN
5. Principales características :
- Preferencia por los grandes formatos, con
violentos trazos de color, que reflejan
la angustia y los conflictos de la sociedad
en la que surgieron estas obras.
- Obras generalmente abstractas en el
sentido de que eliminan la figuración. Sin
embargo, hay excepciones y algunos
artistas realizaron figuras reconocibles,
como las Mujeres de Willem de Kooning.
Las obras no representan objetivamente la
realidad, sino que se convierten en
vehículo para expresar los sentimientos
del autor y suscitar emociones.
- La superficie del cuadro como un campo
abierto, sin límites: el espacio pictórico se
trata con frontalidad y no hay jerarquía
entre las distintas partes de la tela.
- El cromatismo suele ser muy
limitado: blanco, negro, colores primarios
VIR HEROICUS SUBLIMIS, BARNETT NEWMAN
CENTRO BLANCO, MARK ROTHKO
6. La época de mayor auge de este movimiento
coincide con el momento en que el arte de EEUU
logró alcanzar su propia identidad y
desvincularse de la influencia del arte europeo.
La presencia de importantes artistas de las
vanguardias europeas en Nueva York que se
instalaron allí huyendo de la Segunda Guerra
Mundial y en especial la del grupo surrealista
influyó de manera decisiva en el nacimiento de
esta nueva corriente
Los pioneros del estilo fueron los pintores Arshile
Gorky (muy influido por el surrealismo y figura
puente entre la pintura europea de entreguerras
y la escuela estadounidense), William Baziotes
(que utilizó el automatismo, como los
surrealistas) y Hans Hofmann (maestro de
Pollock, Lee Krasner y Mark Rothko entre otros,
cuya pintura tenía una base cubista, pero se fue
haciendo abstracta en los años cuarenta,
presentando en sus cuadros zonas de color que
contrastaban entre sí. Su estilo es emocional y
vigoroso).
SIN TÍTULO, ARSHILE GORKY
EL VIENTO, HANS HOFFMAN
7. Peggy Guggenheim y su marido Max Ernst en la Galería
Art Of This Century en Nueva York
En los inicios del expresionismo abstracto
tuvo mucho que ver la millonaria Peggy
Guggenheim. En su galería Art of This
Century expuso las obras que había comprado
en Europa a precios muy baratos durante la 2ª
Guerra Mundial y obras de artistas
neoyorquinos, los de la llamada Escuela de
Nueva York. En su galería confluyó lo más
innovador del arte europeo y de EEUU y
prendió la chispa del nuevo movimiento
artístico.
8. FIGURA ESTENOGRÁFICA, JACKSON POLLOCK, 1942
En 1942 Peggy Guggenheim pidió
ayuda a Marcel Duchamp para
organizar una exposición de artistas
emergentes de EEUU. En el comité de
selección de obras estuvieron
Mondrian y Alfred Barr, el director del
MOMA.
El cuadro Figura estenográfica de
Jackson Pollock impresionó a Mondrian
y recomendó a Peggy Guggenheim que
le siguiese la pista al artista.
No es una obra abstracta y muestra
influencias de Picasso, Miró y Matisse,
los artistas a los que Pollock más
admiraba.
JACKSON POLLOCK
9. Peggy Guggenheim y Jackson Pollock
Pollock ante el mural que pintó para Peggy Guggenheim
Guggenheim firmó un contrato con Pollock y le pagaba un pequeño sueldo que le
permitió dejar su trabajo y dedicarse en exclusiva a la pintura. También le encargó un
mural para su casa de Nueva York. A Pollock no se le ocurría nada y después de seis
meses, Guggenheim le metió prisa y en una noche acabó el cuadro, un lienzo de grandes
dimensiones al que llamó Mural (1943).
10. MURAL (1943)
Es una pintura física y cruda, basada en el gesto que hace el pintor cuando pinta sobre el lienzo y
un ejemplo de la corriente gestual del expresionismo abstracto. Es al mismo tiempo una obra
abstracta y expresiva, que en el aparente caos tiene una sorprendente sensación de ritmo y
coherencia. Pollock describió la obra como una estampida de todos los animales del Oeste de
EEUU: vacas, caballos, antílopes, búfalos… En el lienzo no se distinguen los animales, pero sí la
energía del momento.
11. LA LOBA (1943)
Obra basada en el mito de Rómulo y
Remo, parece una vieja vaca vista por
un cavernícola, en lo que parece un
intento por acceder al inconsciente
colectivo y generar una imagen que
nos conecta con nuestro yo primitivo.
Guggenheim no vendió el cuadro,
porque sabía que iba a salir un
artículo en Harper’s Bazaar titulado
Cinco pintores estadounidenses, en el
que se reproducía La loba. Poco
después lo ven´dio al MOMA por 650.
Éste fue el primer cuadro de Pollock
que entró en un museo.
Guggenheim hizo otras dos
exposiciones más de Pollock y lanzó a
otros pintores expresionistas
abstractos, como Motherwell,
Rothko, Clyfford Still o Willem de
Kooning. En 1948 cerró su galería y se
instaló en Venecia.
12. TENDENCIAS DEL
EXPRESIONISMO
ABSTRACTO
CORRIENTE GESTUAL O ACTION PAINTING
CORRIENTE SÍGNICA O CALIGRÁFICA
CORRIENTE ESPACIALISTA O DE
CAMPOS DE COLOR (COLOUR-FIELD
PAINTING)
- JACKSON POLLOCK
- WILLEM DE KOONING
- ROBERT MOTHERWELL
- FRANZ KLINE
- MARK TOBEY
- MARK ROTHKO
- BARNETT NEWMAN
13. CORRIENTE GESTUAL O PINTURA DE ACCIÓN (ACTION PAINTING)
Practicada por artistas como Jackson
Pollock, Willem de Kooning y Estos
artistas conciben la creación pictórica
como un verdadero ritual y utilizan la
pintura para dar rienda suelta a sus
estados de ánimo. También se
denomina pintura gestual por la
primacía que se otorgó al
procedimiento pictórico en sí. El acto
de pintar se convierte en un gesto
espontáneo, un tipo de automatismo
que plasma el estado físico y psíquico
del pintor. De esta manera, se
eliminan los límites tradicionales entre
el pintor y la pintura, ligando la acción
de pintar con la biografía del artista.
POLLOCK DE KOONING
14. JACKSON POLLOCK
La figura más representativa de esta
tendencia. Su obra se relaciona con
el surrealismo porque se basa en el
automatismo, que pretende reflejar los
fenómenos psíquicos que tienen lugar en
el interior del artista. Entre 1938 y 1942
trabajó para la WPA (Works Progress
Administration) y recibió la influencia de
Picasso, el surrealismo y la línea
psicoanalítica de Carl Jung que usó como
terapia contra su alcoholismo. También se
inspiró en la cultura de los indios de
Norteamérica, sus formas simbólicas y sus
pinturas de arena. De los muralistas
mexicanos tomó la utilización de lienzos
de grandes dimensiones. En 1936 trabajó
con en el taller experimental del muralista
mexicano David Alfaro Siqueiros, donde
utilizó pintura con bomba de aire y con
aerógrafos y pigmentos sintéticos
industriales. Esto le llevó a probar otros
materiales, como el barniz, el aluminio o
los esmaltes sintéticos
15. Su principal aportación es la acción del
artista directamente sobre el cuadro:
Pollock extendía la tela, normalmente sin
tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a
su alrededor y dentro de ella,
derramando la pintura de manera
uniforme. No trabajaba sobre el lienzo,
sino muchas veces metido en él. No
trabajaba la tela con utensilios
tradicionales como el pincel o la espátula,
sino mediante la técnica del dripping, el
goteo o chorreo incontrolado de pintura
desde un recipiente (tubo, lata o caja) con
el fondo agujereado que el pintor sostenía
en la mano o desde un palo o una
espátula. De esta manera, pintar no era
algo que se hacía con la mano, sino con
un gesto de todo el cuerpo.
16. Las grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas
e hilos que se mezclaban. El pintor añadía goteos más finos realizados con un bastoncillo mojado
en pintura. La creación se convierte en un acto vital y emocional, en el que se entabla un diálogo
entre el artista y su obra. Pollock comenzó a usar esta técnica en el año en 1947, año de la última
exposición de la galería Art of this Century.
FULL FATHOM FIVE, 1947
Ésta fue una de sus primeras obras realizadas con el dripping. Es un óleo sobre lienzo con clavos, botones, llaves,
monedas, cigarros, cerillas…Se percibe la influencia de los collages de Picasso y Braque y los Merz de Schwitters y
las técnicas del azar usadas por Jean Arp. Se llama así por la canción de Ariel en La tempestad de Shakespeare.
17. El fotógrafo Hans Namuth le pidió
permiso para fotografiarle y filmarle
mientras trabajaba, captando por
primera vez su proceso pictórico. Las
fotos contribuyeron a forjar una
imagen romántica del pintor y se
convirtió en una de las celebrities del
mundo del arte.
Murió en 1956 en un accidente de
tráfico mientras conducía borracho.
Pollock y su mujer Lee Krasner, que dejó
su carrera para ayudarle.
22. WILLEM DE KOONING
Admirado por Pollock, había trabajado
con él pintando murales del Proyecto
Federal de Arte.
Realizó obras más figurativas que las de
Pollock, situándose entre la figuración
y la abstracción. También se vio
influido por Picasso en la
descomposición de las figuras y por el
expresionismo alemán en la violenta
gestualidad de sus pinceladas. A partir
de 1946 pintó abstracciones de figuras
biomórficas.
23. PINTURA, 1948
En 1948 hizo su primera
exposición individual en la
Galería Egan de Manhattan,
consistente en 10 pinturas
abstractas en blanco y
negro. Una de ellas,
Pintura, fue comprada por
el MOMA.
Realizada en óleo y
esmalte, parece un dibujo
de tiza sobre una pizarra. La
pintura blanca usada para
marcar los contornos se
vuelve gris y consigue un
equilibrio como las obras
neoplasticistas de
Mondrian.
24. Excavación, 1950
En Excavación, las formas con
aire caligráfico chocan entre
sí en una escena
claustrofóbica. Algunas
formas tienen dientes y otras
parecen miembros, por lo
que podría ser una fosa
común y una obra de
contenido antibelicista.
25. MUJER I
A partir de 1950 se dedicó a su serie más conocida, Mujeres. La figura femenina se identificaba
gracias a unos senos de enorme tamaño, y sus formas agresivas hacían de ellas símbolos de
fertilidad y de madre nutricia, pero también de la mujer erótica o devoradora de hombres.
Recurría a colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el blanco y el negro para dar toques que
realzan las figuras. Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de manera totalmente
impulsiva.
26. No es una serie abstracta. En todos los cuadros aparece la misma imagen. El punto de partida es la
boca. Su intención era criticar y poner al día el ideal del desnudo femenino. Le llovieron las críticas por
todas partes: los expresionistas abstractos no podían creer que volviese a la figuración y otros
consideraban que el primitivismo de sus figuras demostraba su debilidad técnica. Se le acusó de
misoginia y de falta de respeto y de hacer mucho daño a las mujeres de EEUU. De Kooning las
relacionó con las figuras mesopotámicas que había visto en el Metropolitan y que había tratado de
poner en cuestión el ideal femenino occidental, explorando la noción de lo grotesco.
27.
28. NOTICIAS DE GOTHAM, 1953
GACETA POLICIAL, 1955
SUBURBIO EN LA HABANA, 1958
DOS FIGURAS EN UN PAISAJE, 1967
29. A medio camino entre el
action painting y el colour-
filed painting, se caracteriza
por enormes pinceladas y
restricción cromática, que
recuerda a la caligrafía
oriental. Los artistas más
destacados de esta tendencia
fueron Robert Motherwell,
Franz Kline y Mark Tobey.
CORRIENTE SÍGNICA O CALIGRÁFICA
FRANZ KLINE
MARK TOBEY
ROBERT MOTHERWELL
30. Recibió una gran influencia de la
obra de Picasso. Los colores
predominantes en su obra son el
negro y blanco. En ocasiones realizó
obras en forma de collage. Fue
moderando el automatismo
surrealista de su obra hasta situarse
en un punto intermedio entre el
gesto abstracto y la fragmentación
figurativa, por lo que su obra se
puede considerar como una síntesis
del action painting y la pintura de
campos de color.
ROBERT MOTHERWELL
SIN TÍTULO
31. ELEGÍA A LA REPÚBLICA ESPAÑOLA, Nº 110
Su serie más famosa es la Elegía a la República
Española, comenzada en 1949, de la que hasta
pintó más de 170 cuadros. Está inspirada en la
Guerra Civil española y es un lamento por la
pérdida de unos ideales en combate contra el
fascismo. Además, destacó también como
pensador y contribuyó con sus escritos a
divulgar la obra de la primera generación de
expresionistas abstractos.
Nº 172
Nº 70
33. su gama cromática es
reducida,
prácticamente
monocroma: negro,
blanco y gris azulado.
Optó por anchas franjas
negras ejecutadas
mediante vigorosos
brochazos sobre
superficies blancas, que
eran ampliaciones de
detalles de sus propios
dibujos. Sus cuadros
recuerdan a los
ideogramas chinos
FRANZ KLINE
ZINC YELLOW, FRANZ KLINE LEHIGH V SPAN, FRANZ KLINE
34. ELECTRIC NIGHT,
CANTICLE, MARK TOBEY
MARK TOBEY
interesado por la caligrafía oriental,
que fue determinante en su visión
de la pintura y dio lugar a su
técnica de white writing, mediante
la que aplicaba pinceladas de
reminiscencias caligráficas a un
fondo coloreado.
CALIGRAFÍA
https://www.wikiart.org/es/mark-tobey
35. En los cuadros de esta corriente
dominaban amplias áreas de color, todas
ellas de igual intensidad, sin contrastes de
luz o de colores. El dibujo y el gesto se
hicieron simples. En muchas obras se
trabajaba con un solo color con diferentes
tonalidades. Los cuadros están cerca del
neoplasticismo, pero las áreas de color son
abiertas, y parecen seguir más allá de los
bordes del cuadro. Los pintores más
destacados fueron Mark Rothko y Barnett
Newman.
Centra su interés en las diferentes
posibilidades de ciertas yuxtaposiciones
cromáticas y en la combinación de colores
en superficies generalmente de grandes
dimensiones.
CORRIENTE ESPACIALISTA O PINTURA DE SUPERFICIE-COLOR (COLOR-
FIELD PAINTING)
MARK ROTHKO
BARNETT NEWMAN
36. MARK ROTHKO
AZUL, NARANJA, ROJO
NARANJA Y AMARILLO
SIN TÍTULO
El artista más destacado de esta
corriente. Tras la 2ª Guerra
Mundial, conoció a Clyfford Still
y ambos comenzaron a
investigar las posibilidades
del color field painting (pintura
de campos de color). Hacia 1950
ya había abandonado las
referencias figurativas y había
comenzado a desarrollar la
personal abstracción que
definiría desde entonces su
pintura. En sus grandes lienzos,
amplios campos de color
rectangulares de perfiles
indefinidos flotan suspendidos
sobre fondos monocromáticos.
37. Sus obras invitan al
espectador a permanecer
en silencio, dejándose
absorber por la sensación
de vacío a través de
superficies dispuestas en
torno a dos o tres
rectángulos de color
SIN TÍTULO (VIOLETA, NEGRO, NARANJA Y
AMARILLO SOBRE BLANCO Y ROJO)
http://www.harteconhache.com/2014/03/las-pinturas-misticas-de-mark-rothko.html
http://www.revistadeartes.com.ar/revistadeartes_9/mark-rothko.html
CENTRO BLANCO, 1950
38. OCRE Y ROJO SOBRE ROJO
Intentó crear obras que transmitiesen
sensación de humanidad e intimidad y
confiaba en establecer una relación
espiritual con el espectador, por lo que
daba indicaciones precisas de cómo
contemplar sus obras y rechazaba
exponer sus obras junto a las de otros
pintores o en lugares que consideraba
poco adecuados.
En el caso de Ocre y rojo sobre rojo, los
coleccionistas Marjorie y Duncan
Philips compraron el cuadro y
construyeron una habitación especial
Para verlo junto a otros dos cuadros de
Rothko. El pintor los visitó e hizo
cambios en la iluminación y sugirió que
quitasen todos los muebles y sólo
dejasen un banco para sentarse
39.
40. En los años 60 se decantó no sólo
por pintar, sino también por crear
espacios. Rothko decía que su arte
era “una expresión sencilla de un
pensamiento complejo”. En los
últimos años de su vida trabajó en la
Capilla Rothko en Houston, encargo
del matrimonio de coleccionistas
Dominique y John de Menil.
A finales de los años 60, en medio de
una crisis depresiva, pintó una serie
de obras con pintura acrílica negra
que evocaban su profunda
melancolía. Incapaz de superar este
estado de ánimo, se suicidó en 1970.
CAPILLA ROTHKO
42. BARNETT NEWMAN
Se caracterizó por la exploración del
color en relación con el formato y
tamaño del cuadro. Su estilo
maduro está constituido por
cuadros en los que predomina un
único color, plano y uniforme,
interrumpido únicamente por una o
dos finas bandas verticales a las que
llamaba zips y que representaban la
luz en el cuadro A diferencia de la
obra de Rothko, en la suya los
campos de color tienen unos
contornos netos.
ONEMENT, 1948
45. INFORMALISMO
En Europa poco antes del final de la 2ª Guerra
Mundial apareció el Informalismo, término
acuñado por el crítico Michel Tapié en 1951
para designar un tipo de pintura abstracta
vigente entre los artistas europeos de los
años 40-50, caracterizado por la mezcla de
gran cantidad de pintura con diversos
materiales, como cristales rotos, arena,
carbón…, para conseguir una obra en relieve.
El lienzo incorpora la huella personal del
artista, que impone su libertad creadora por
encima de todo, tanto en la elección de los
materiales, la técnica, la forma en que
interactúa con el soporte… Se utilizan
diversas técnicas, como el collage, el grattage
(rascar la pintura), el frottage, el dripping…
MIRADA Y MANO, ANTONI TÀPIES
46. Cada artista deja total libertad a lo
imprevisto de las materias (gusto por
la mancha y por el azar) y a la
aleatoriedad del gesto, rechazando el
dibujo, el control y la concepción
tradicional de la pintura y su desarrollo
(idea-esbozo-obra terminada). Las
obras son abiertas y el espectador
puede leerlas libremente. La aventura
pictórica es completamente nueva: en
vez de ir de un significado para
construir signos, el artista comienza
por la fabricación de signos y les da a
continuación el sentido.
Dentro del informalismo se distinguen
diferentes corrientes, como la
abstracción lírica, la pintura matérica,
la Nueva Escuela de París, el tachismo,
el espacialismo o el art brut.
ANTONI TÀPIES PINTANDO EN SU ESTUDIO
KAREL APPEL PINTANDO
47. JEAN FAUTRIER
En sus obras siempre hay
ciertos referentes figurativos
de carácter antropomorfo, con
fuertes texturas y carentes de
color, para expresar angustia y
miedo, como en Johanna y
Otages.
OTAGES
JOHANNA
EL ÁRBOL VERDE
48. JEAN DUBUFFET
Principal representante del art brut.
Su pintura está inspirada en lo
grotesco y trivial, con el fin de
encontrar una fórmula no
contaminada, por ejemplo, en Retrato
de Henri Michaux, Monsieur Plume
con pliegues en sus pantalones.
Dubuffet alternó etapas figurativas,
como en la serie Cuerpos de damas,
con otras abstractas, centradas en el
estudio de las texturas, como en
Suelos y terrenos y Materiología. En
1960 regresó a la figuración y realizó
su serie Paris Circus, basada en
imágenes vertiginosas del París de la
2ª Guerra Mundial.
RETRATO DE HENRI MICHAUX MONSIEUR PLUME CON PLIEGUES
CUERPOS DE DAMAS
49. CUERPOS DE DAMAS SUELOS Y TERRENOS
LA VIDA SIN EL HOMBRE
PARIS CIRCUS
50. GRUPO COBRA
Inspirados por Die Brücke, con pintores como Karel Appel y Pierre Alechinsky
(Central Park), caracterizados por la violencia agresiva del color
CABALLOS SALVAJES,
KAREL APPEL
FIGURAS, KAREL APPEL
CENTRAL PARK, PIERRE ALECHINSKY
51. WOLFGANG SCHULZE (WOLS)
Sus cuadros están llenos de manchas y signos, realizados al exprimir directamente la
pintura sobre el lienzo.
EL FANTASMA AZUL
COMPOSICIÓN
52. GRUPO DAU AL SET
Formado por pintores como Antoni
Tàpies, Modest Cuixart, Joan Josep
Tharrats y Joan Ponç.
CONSTELACIÓN, MODEST CUIXART
INTROMISIÓN DEL VERDE, JOAN JOSEP THARRATS
53. El más destacado es Antoni Tàpies, principal
representante de la pintura matérica (empleo
de materiales heterogéneos, muchas veces de
desecho o de reciclaje, mezclados con los
materiales tradicionales).
BLANCO CON SIGNO ROJO
MATERIA SOBRE TELA Y COLLAGE DE PAPEL GRATTAGE ROJO
55. GRUPO EL PASO
Integrado por pintores como
Manolo Millares, Antonio Saura y
Rafael Canogar, entre otros.
JUDAS, RAFAEL CANOGAR FUEGO, RAFAEL CANOGAR
EL ACCIDENTE, RAFAEL CANOGAR
56. La pintura de Antonio Saura se
caracteriza por rabiosos
brochazos de seres
monstruosos, usando blanco y
negro, como en Brigitte Bardot.
Manolo Millares utiliza grandes
trozos de arpillera cosidos sobre
el bastidor y pintados
posteriormente con colores
industriales y grandes contrastes
entre el blanco y el negro, como
en Cuadro 173.
LA CIGARRA, MANOLO MILLARESCUADRO 173, MANOLO MILLARES
BRIGITTE BARDOT, ANTONIO SAURA
CRUCIFIXIÓN, ANTONIO SAURA
