Cubismo

Pablo Ruiz Picasso

1881: Nació en Málaga, Francia. Comienza sus estudios en Barcelona. 1901-1907: Épocas Azul y Rosa Figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. Junto a Braque desarrolla El Cubismo. 1912: Practica el Collage Desde este momento, todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. El surrealismo lo hace romper con lo anterior Figuras distorsionadas con fuerza, rabia y furia. La situación social lo afecta mucho, especialmente el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo a Guernica. Sus últimos años los pasa en el sur de Francia. Utiliza colores vivos y formas extrañas. Muere en 1973 en Mougins.

Vida Artística Período Azul 1901-1904 Período Rosa 1904-1905 Período Negro 1906-1908 Cubismo Analítico 1908-1912 Cubismo Sintético 1912-1918 Clasicismo y Surrealismo 1918-1936

Muerte de Casagemas 1901

La Vie 1903

Arlequín con vaso 1904

Les Demoiselles d'Avignon 1907

Bread and Fruit Dish on a Table 1909

Portrait of Ambroise Vollard 1910

Guitar 1913

Three Musicians 1921

Women Running on the Beach 1922

The Charnel House 1944-45

Las Meninas 1957

Guernica 1937

Claude Oscar Monet

Biografía
Nace el 14 de noviembre de 1840 en el 45 de la rue Lafitte
Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David .
Cuando tiene 17 años fallece su madre, ese mismo año abandona el instituto.
En 1859 llega a París donde visita a Constant Troyon
Acudió a la Académie Suisse, taller propiedad del alumno de David, Charles Suisse
En 1861 le toca hacer el servicio militar en Argelia
Se enfermó de tifus a comienzos de 1862
En el otoño de 1862 Monet regresaba a París, acudiendo al taller de Auguste Toulmouche por indicación de la familia
Acudió al estudio de Charles Gleyre donde permaneció hasta 1864, aquí conoció a tres compañeros con los que entabló estrecha amistad: Renoir, Sisley y Bazille
El éxito obtenido por Manet en el Salón de los Rechazados con su Desayuno en la hierba motiva al joven Monet a realizar una obra con temática similar pero realizada al aire libre
En 1867 envía Mujeres en el jardín que será rechazado y criticado negativamente por Manet.
El 8 de agosto de 1867 nace su hijo Jean
En 1868 intenta suicidarse sin éxito pero en verano las cosas parecen ir mejor y se traslada a la costa normanda con Camille y Jean, tomando parte en una exposición en Le Havre
El 28 de marzo de 1870 se casan Camille Doncieux y Monet
1871-72 pinta los márgenes del Sena desde una sencilla barca transformada en 'atellier', la zona que desde ella retrata es en particular la de Argenteuil
En 1874 junto a Renoir efectúa la primera exposición extraacadémica, en el estudio del fotógrafo Nadar, la reacción de la prensa es acre y sarcástica
Muere el 5 de diciembre de 1926 a los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de París.

A orillas del río Autor:Claude Oscar Monet Fecha:1868 Museo:Chicago Art Institute Características:81´5 x 700´7 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Acantilado en Etrerat Autor:Claude Oscar Monet Fecha:1886 Museo: Metropolitan Museum Características:81 x 65 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Análisis: Este lienzo fue encargado a Monet en 1866 por Bazille, siendo adquirido por 2.500 francos pagaderos en plazos mensuales. Claude pintó la obra en el jardín de su casa, tomando la escena directamente, al aire libre, renunciando a trabajar cuando no había suficiente iluminación solar. Las figuras son de tamaño natural, siendo Camille - la compañera del pintor - la protagonista de la imagen al posar para varias de las mujeres. Esta composición es una de las más novedosas al incorporar importantes elementos que configuran la teoría impresionista de la luz y el color: recurre a los contrastes de color aprendidos de Delacroix; las sombras son de color tomando el malva como se aprecia claramente en la mujer que coge las flores; las pinceladas son cortas y rítmicas, aplicando los tonos con manchas; los colores están mezclados con blanco para aclararlos. En definitiva, esta imagen puede considerarse como una de las características de la pintura impresionista. Sin embargo, cuando fue presentado al Salón de 1867 fue rechazado, confirmándose que las instituciones no estaban a favor de esta pintura revolucionaria.

Analisis: El único canal de exposición con que contaban los pintores en la Francia del siglo XIX era el Salón de París, vinculado a la Escuela de Bellas Artes, que contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas. El escándalo de 1863 - con la presentación del Desayuno en la hierba de Manet - motivó la creación del Salón de los Rechazados, que tenía más éxito entre los jóvenes creadores que el oficial al exhibir obras más modernas. Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes. Así surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que tuvo lugar entre el 15 de abril y el 15 de mayo en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Acudieron 3.500 visitantes, que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que destacó esta imagen que contemplamos ya que fue la que dio nombre al grupo. El crítico Louis Leroy denominó a la muestra Exposición de los Impresionistas en referencia a este cuadro y de manera totalmente despectiva. Sin embargo, los integrantes de la sociedad admitieron ese nombre como denominador del grupo. Impresión, sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.

Puente japonés Autor: Claude Oscar Monet Fecha:1899 Museo: Metropolitan Museum Características:92´7 x 73´7 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Amapolas en Argenteuil Autor: Claude Oscar Monet Fecha:1873 Museo: Museo de Orsay Características:50 x 65 cm. Material: Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Puente de Europa, Estación Saint-Lazare Autor: Claude Oscar Monet Fecha:1877 Museo: Museo Marmottan de París Características:64 x 81 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Nenúfares Autor: Claude Oscar Monet Fecha:1914 Museo: Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio Características:200 x 200 cm. Material: Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Catedral de Rouen a pleno sol Autor:Claude Oscar Monet Fecha:1894 Museo:Museo de Orsay Características:107 x 73 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Rocas de Pourville Autor:Claude Oscar Monet Fecha:1882 Museo:Colección Particular Características:62´9 x 76´8 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Impresionismo

Bibliografía
http://www.reproarte.com/files/images/M/monet_claude/sm_0033-0135_die_felsen_bei_pourville.jpg
www.artehistoria.com
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/monet.htm
http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/monet/index.html

Expresionismo (1905-1960)

Expresionismo:
Alemania fue la cuna del Expresionismo.
Nació para romper con el Impresionismo y marcar las nuevas tendencias alejadas del clasicismo y en las que se buscaba representar las emociones internas.
Según entraba el siglo XX el expresionismo se definió más como corriente de vanguardia, en oposición en especial a la mesura racionalista del cubismo.

Características :
Enfatiza la expresión del contenido
Moldea la realidad para volcarse sobre la emoción interior.
Potenciar el impacto emocional del espectador a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc.
Muy ligado a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la literatura.

Artistas precursores y sus obras:
Vincent Van Gogh
(1853-1890)
Pintor postimpresionista
holandés. Vivió la mayor
parte de su vida en
Francia y su obra influyó
de forma decisiva en el
movimiento expresionista.
“ La noche estarellada” (1889)

Munch, Edvard (12/12/1863 Loten - 23/01/1944 Ekeley)
Artista noruego pionero
del expresionismo cuyos
cuadros describen los
sentimientos básicos
humanos, como el
miedo, el horror y la
muerte.
"El grito"

Expresionismo alemán
El Expresionismo alemán integra a dos importantes grupos:
- el Die Brücke
- el Blaue Reiter
Más que un movimiento en sí, se puede decir que fue una actitud ante la creación artística.

Die Brücke (El Puente):
En 1905 cuatro jóvenes estudiantes, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl, formaron el grupo
Los artistas que formaron parte de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XX.
Creían que el panorama artístico estaba viviendo una época cuadriculada y sin identidad que debía acabar.
Hasta 1913 vivieron en una comuna en la que se creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.

Artistas y obras de Die Brücke :
Erich Heckel
“ Día cristalino” (1913)
Ernst Ludwig Kirchner
“ Roquairol “ (1917)

Der Blaue Reiter (El jinete azul)
Munich 1912, es la fecha en la que iniciaron su grupo, pero tuvo poco tiempo de vida.
En 1914, con el inicio de la I Guerra Mundial, desapareció.
Los 'jinetes azules' publicaron un almanaque con el mismo nombre del grupo.
Celebraron dos exposiciones en las que también participaron artistas como Picasso, Braque o Vlaminck
Sus realizaciones serán trascendentales en la historia del cine, con el cual interactuaron continuamente: F. W. Murnau, Robert Wiene, Fritz Lang y Max Mack

Artistas y obras de Der Blaue Reiter:
Kandinsky, Wassily
"Composición IV" (1911)
Macke, August
"Dama con chaqueta
verde“ (1913 )

Die Neue Sachlichkeit (La nueva objetividad):
Este movimiento estaba en contra del arte subjetivo y emocional de los expresionistas de los años 20.
Los artistas de este grupo optaron por la neutralidad de la expresión, en oposición al Fauvismo y al Impresionismo.
Defendían un arte en el que la creación artística se identificaba con el oficio .

Artistas y obras de Die Neue Sachlichkeit
Otto Dix
“ Le crane”
Max Beckman
“ The Night”
(1919)

El Expresionismo en el Cine
En este medio se llega al simbolismo a través de los decorados, las luces, el vestuario y la interpretación de los personajes, elementos que aspiraban a mostrar a través de la gran pantalla una óptica deformada de la realidad.
La desmesura iba asociada a un tipo de cine de terror y fantástico.
Directores destacados: Robert Wiene, Fritz Lang, Friedrich Murnau, Paul Leni y Paul Wegener, Orson Welles y Andrzej Wajda

Expresionismo abstracto:
A partir de los ´50, en Norteamérica: primer gran movimiento artístico de posguerra.
Sus raíces: Surrealismo
Se conoce como 'Action Painting' porque se reduce el arte a la acción de pintar.
El Expresionismo Abstracto estuvo liderado por Jackson Pollock.

Artistas y obras del Expresionismo Abstracto:
Jason Pollok
“ The Moon-Woman Cuts the Circle” (1943)

Neo-expresionismo:
Corriente artística que surgió a finales de los ´70
Rechazo a las tendencias predominantes americanas y para potenciar las 'genuinamente' alemanas.
Se caracteriza por la subjetividad de las obras
Se entremezclan el pasado, los mitos clásicos, el sentimiento religioso y la reivindicación de las raíces nacionales.

Artistas y obras del Neo-Expresionismo:
Sandro Chia
“ El Ladrón”
Francesco Clemente
“ Amor Platónico”
(1989)

Kandinsky

Biografia

Nombre completo: Kandinsky, Wassily
Nacionalidad: Rusa
Fecha de nacimiento/muerte: Moscú 4-12-1866 - Paris 13-12-1944

Nace en Moscú el 4 de diciembre 1866, ciudad en la que estudia derecho y economía. En 1896 se traslada a Munich para estudiar arte en la Academia. En 1901 funda el grupo Phalanx, cuya misión era dar a conocer la pintura francesa de vanguardia en la ciudad alemana. Entre 1903 y 1908 viaja por Italia, Holanda, Túnez y París. En los veranos se reunía en Murnau con Gabriela Münter y otros artistas junto con quienes organizó el grupo "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul). Al estallar la Primera Guerra Mundial vuelve a Moscú donde se dedicó más a la teoría que a la práctica pictórica. Sin embargo, la obra de los constructivistas dejó huella en la obra posterior del pintor ruso.

En 1921 abandona el país para aceptar, un año después, un puesto docente. En esta época su obra es más disciplinada, alejándose de la anterior influencia de la vanguardia rusa de Malevitch y Lissitzky. En 1933, cuando el gobierno nacionalsocialista cerró la Bauhaus, Kandinsky se instaló definitivamente en Francia, donde muere el 13 de diciembre de 1944 . Se le considera el padre del expresionismo abstracto, tanto teórico como artístico.

Sus Obras

Der Blaue Reiter (el jinete azul)”, 1903 – óleo sobre lienzo.

Murnau-calle de aldea, de 1908

Calle en Murnau con una mujer, 1908. Óleo sobre lienzo.

Dormitorio en la Ainmillerstrasse, 1909. Óleo sobre cartón.

Improvisación 28 (segunda versión), 1912. Óleo sobre lienzo

Composición VI , Óleo sobre lienzo de 1913

Composición VIII, 1923

Negro y violeta, 1924

Amarillo-Rojo-Azul, 1925. Óleo sobre lienzo.

Azul celeste, 1940. Óleo sobre lienzo .

Analisis de dos obras a eleccion

Composición VIII

Analisis En esta obra, Kandinsky se ha movido del color para formarse como el elemento compositivo que se domina. Las formas de contraste ahora proporcionan el equilibrio dinámico del trabajo; el círculo grande en los juegos superiores izquierdos contra la red de líneas exactas en la parte derecha de la lona. Note también como Kandinsky usa colores diferentes dentro de las formas para estimular su geometría: un círculo amarillo con halo azul contra círculo azul con halo amarillo; un ángulo recto llenado de azul y un ángulo agudo coloreó rosado. El fondo también trabaja para realzar el dinamismo de la composición. El diseño no aparece como un ejercicio geométrico sobre un avión plano, pero parece ocurrir en un espacio indefinido. Los colores acodados de fondo - azul claro en inferior, amarillo claro en la cima y blanco en el medio - definen esta profundidad. Las formas tienden a retroceder y avanzar dentro de esta profundidad, creando un dinámicos, el efecto de tirón empuje.

Composición X, 1939

Analisis La característica excepcional de Composición X es obviamente la tierra(razón) dura, negra. Los colores y formas aparecen en particular agudos contra el fondo negro. El esplendor de las formas coloreadas trae para fijarse en los recortes hechos por Matisse más de una década más tarde. El movimiento de las formas es claramente ascendente y externo de ambos lados de un eje central que atraviesa corriendo la forma parecida a un libro cerca de la cima de la lona. Este movimiento realza la evocación de formas de globo de aire caliente que se elevan en un espacio infinito. La forma redonda entre la forma de libro y la forma de globo marrón lo tiene un sentido lunar que hasta transporta un sentimiento "de espacio exterior" literal. Kandinsky siempre expresaba una aversión fuerte al color negro y es significativo que él lo escogió como el color que se domina de su declaración pasada(última) principal artística.

Pop Art

Historia del Pop Art … Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la Tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. El pop-Art fue un movimiento artístico surgido a finales de los ’50 en Estados Unidos cuyas características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y su aplicación a la pintura. Se puede decir que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo.

Sus orígenes … Los orígenes del pop-art se pueden encontrar en el dadísmo y en su desprecio por el objeto artístico considerado como único y sagrado. Sin embargo el arte pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana. El pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura en todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

Temas y Técnicas En el pop art se utiliza mucho la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, ensamblajes, Los temas pictóricos del pop art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. la coca-cola, los helados, el seven-up, la pepsi-cola, la pasta de dientes, la sopa enlatada, los cigarrillos, todo ello se convierte en la iconografía de otra tendencia artística.

Andy Warhol
Andrew Warhol nace el 6 de agosto de 1928 , en Pittsburg, Pennsylvania.
Durante su infancia, se interesó por la fotografía y el cine, así como también por el arte .
En 1949 se recibió como licenciado en Bellas Artes y Diseño Pictórico, en Pittsburg.
Al mudarse a Nueva York comienza su carrera como artista comercial, haciendo su primer trabajo para la revista “Glamour”.

En 1960 realiza sus primeras obras relacionadas con los comics.
Incorpora la famosa técnica de pequeñas imágenes repetidas.
A fines de los 60 comienza a hacer cine.
Se incorpora en una banda de rock “the velvet
underground”
Fundó la revista “Interview” y publicó su libro “La filosofia de Andy Warhol: de la A a la Z”
Murió en 1987, en una operación cardíaca.

Al contrario de otros pintores del Pop art, quienes provenían del expresionismo abstracto o de otras “escuelas” artísticas, Warhol venía directamente de la publicidad y el diseño. Por ello mismo tomó como elementos importantes de su obra, objetos diseñados por publicistas: latas de sopa, botellas de coca cola, lo mismo que figuras emblemáticas de su tiempo, no importa que su fama se debiera a la política (Mao, Jacqueline Kennedy), al cine (Marilyn, Liz Taylor) o a la música popular (Elvis Presley). En Warhol destacan no sólo sus temas, sino el tratamiento de color, principalmente a base de grandes planos.

Roy Lichtenstein
Nació en 1923, en Nueva York.
Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949.
Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los comics.
Las piezas están presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco.
Utilizó principalmente colores primarios y brillantes, combinados con líneas negras.
A partir de 1979 realizó esculturas y obras en cerámica de la misma temática.
Murió en 1997.

Conocedor de la pintura, pero también de la publicidad y los comics, Lichtenstein, armado con un amplio sentido del humor, es famoso por haber utilizado la temática de los comics. También el uso de la línea gruesa, los planos de color, y los grandes “puntos” que se utilizan en la impresión, son característicos de este pintor. Varias de sus obras incursionan en pinturas de Picasso y otros importantes autores, a los que da una reinterpretación muy personal. Lichtenstein también incursionó con éxito en la escultura

Tom Wesselmann
Nació en 1931 en Cincinnati
Estudió psicología en la universidad de Cincinnati, pero pronto se dedicó a la pintura estudiando en la Cooper Union School de Nueva York
Al inicio su pintura era de corte expresionista abstracto
En 1960 comenzó a pintar figuración, encontrando en los medios de comunicación de masas su fuente de inspiración.
Los grandes desnudos americanos fue la colección que le abrió paso a la fama, ya ser artista predilecto del Pop Art .

Dos grandes temas son característicos de la obra de Wesselmann: el erotismo y los objetos cotidianos, propios de la sociedad de consumo (cigarros, ceniceros, vinos, botellas de refresco, fotografías, televisores). Este artista tiende a sintetizar y “acercar” los objetos al espectador, como si tuviera una gran lupa. Cuadros suyos representan solamente unos labios femeninos, otros, un pie, o incluso solamente algunos dedos del mismo. Sus más famosas obras son los “desnudos americanos”, no exentos de humor, pero cargados de erotismo. En ellos se despliegan también su tendencia a la síntesis, su utilización de grandes planos de color y su análisis de objetos cotidianos

It al ia

Cultura Italiana Hablar de la cultura italiana es hablar de una de las claves por la cual es más reconocida, junto al arte, su arquitectura, gastronomía, diseño, ópera, etc. La torre de Pisa, el Coliseo romano, Venecia, son algunos de los distintivos arquitectónicos del país. Esculturas, pinturas, arquitectura son algunas de las artes más influenciadas por el catolicismo.

Características Italianos del centro y Sur Italianos del Norte Tienen grandes influencias de lo tradicional y de la cultura mediterránea y son gentes de aspecto moreno y cabellera oscura. Tiene una mayor estatura, ojos claros, tez blanca y cabellera más rubia. Son los típicos enamorados de la vida, sociables, apasionados, demostrativos y muy bien parecidos, tanto hombres como mujeres son considerados de las personas más bellas del mundo. Son católicos romanos debido a la gran influencia que ha tenido la Iglesia a lo largo de la historia; ésta influenció fuertemente el arte y la vida de los italianos.

Tradiciones italianas Año Nuevo A las 12 am, todos salen a los balcones para “despedir” al año que se va. Se regalan prendas íntimas de color rojo. Arrojan algunos muebles por la ventana.

Festejos Torneo de caballeros con armadura en lucha con los moros. La procesión Sagra di Santifisio. El Gioco del Calcio. Festa di San Gennaro. Fiesta de la República.

Carnavales Carnavales
El Carnaval es una de las fiestas más celebradas.
El carnaval de Venecia es el más famoso.
Se pueden encontrar otras grandes fiestas de Carnaval en Viareggio en la Toscana y en Acireale en Sicilia.

Curiosidades E l coliseo de Roma sigue siendo el modelo arquitectónico a seguir para el resto de los coliseos del mundo E n la antigüedad también había mujeres gladiadores . E l italiano es apasionado de la mod a.

Más curiosidades E xiste en Roma actualmente una escuela de gladiadore s. L a calle donde se encuentran las tiendas de diseñadores mas exclusivas de Roma, atrae anualmente casi tantos visitantes como las ruinas .

Porque esta inclinada E xtrema inestabilidad del terreno . Se tardó 200 años para terminarla. Hoy en día, un equipo de ingenieros y arquitectos trabaja para frenar las variaciones de la pendencia . Giovanni Di Simone intentó enderezar la torre sin éxito. Giovanni Pisano terminó la obra después de 177 años. ¿Por qué está inclinada?

Historia antigua Italia es reconocida mundialmente por su historia, en la que se destaca el Imperio Romano, caracterizado por tener una forma de gobierno autocrática. En la Edad Media, los francos fundaron el Imperio Carolingio, que fue un intento de recuperación en los ámbitos político, religioso y cultural. Durante las invasiones napoleónicas, los italianos tuvieron enfrentamientos con Saboya cuando los franceses trataron de ocupar Niza y el Condado de Saboya.

Italia en las Guerras Mundiales A principios de la Primera Guerra Mundial, Italia permaneció neutral. Pero, en 1915, firmó el Pacto de Londres y le declaró la guerra a Austria a cambio de territorio. En la posguerra, Italia fue gobernada por el Régimen Fascista, liderado por Benito Mussolini. Se caracterizaba por sembrar el miedo a través de la violencia y la represión y utilizaba el carisma de Mussolini. Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Italia permaneció neutral (con el consentimiento de Hitler), pero declaró la guerra a Francia y Gran Bretaña el 10 de junio de 1940, cuando Francia se veía derrotada. Mussolini creyó que Gran Bretaña pediría la paz, lo que resultó un error de cálculo.

Italia desde 1945 hasta la actualidad En el referéndum de 1946, se selló el fin de la monarquía, desprestigiada por su implicación en la Segunda Guerra Mundial y la dictadura fascista, y el comienzo de la república, entrando en vigor una nueva constitución en 1948. En 1949 Italia se adhirió a la Organización del Tratado del Atlántico Norte y en 1955 se unió a las Naciones Unidas. Ese mismo año, se fundó la Comunidad Económica Europea, antecesora de la Unión Europea, de la que Italia fue miembro fundador. Italia ha participado de los avances en pro de una política comunitaria, con participación en eventos como la creación del Euro (1999).

Últimos presidentes italianos Presidente Año que asume Fin del mandato Partido Partido Democrático Partido Democrático Abril de 2008 Actualidad 15 de mayo de 2006 Abril de 2008 Giorgio Napolitano Silvio Berlusconi Partido Democrático 2006 1999 Carlo Azeglio Ciampi

Fútbol Lega Calcio es el organismo que gobierna al campeonato de liga italiano de fútbol entre clubes. La máxima categoría de la liga es la denominada "Serie A". En 1898 se fundó la Federación Italiana de Fútbol (FIGC). Ese año se inició la competición de liga italiana. En 1929 nació la Serie A italiana. Los equipos mas reconocidos de Italia son: Inter, Lazio, Roma, Milan y Juventus. Esta lista muestra la participación de Italia en los Mundiales: 1930 - Sin participación 1934 - Campeón 1938 - Campeón 1950 - Primera fase - 7º lugar 1954 - Primera fase - 10º lugar 1958 - No clasificó 1962 - Primera fase - 9º lugar 1966 - Primera fase - 9º lugar 1970 - Final - 2º lugar 1974 - Primera fase - 10º lugar 1978 - Semifinales - 4º lugar 1982 - Campeón 1986 - Segunda fase - 12ºlugar 1990 - Semifinales - 3º lugar 1994 - Final - 2º lugar 1998 - Cuartos de final - 5ºlugar 2002 - Octavos de final - 15º lugar 2006 - Campeón

Comida típica En Italia la costumbre es comer un primer plato, o antipasto, y un segundo plato, o principal. El antipasto puede ser sopa, risotto, ensalada o pasta. Los segundos consisten habitualmente en carne o pescado acompañados de verduras. Si se ha de comer un solo plato, los italianos se decantan por la pasta o pizza. Entre los postres, destacan los helados, famosos en todo el mundo por su incomparable sabor. Los italianos son grandes aficionados a la repostería, de la que destaca el tiramisú.

Impresionismo
( 1869 - 1885 )

Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. S e lo considera el punto de partida del arte contemporáneo .
+ Definición

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios ( cyan, magenta y amarillo ) y los complementarios ( naranja, verde y violeta ) . No son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados.
+ Características

Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.
+ Objetivo

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.
+ La importancia de la luz

Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de pintura . Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos.
+ Técnica

L os impresionistas no mezclan colores en la paleta, sino que colocan uno junto a otro en dos pinceladas, cada una de un color primario. Consideraban que el ojo humano e s capaz de mezclarlos en la retina y ver el color binario . Eliminan de su paleta el color negro . L o hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas .
+ El color

El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, trae sus propios usos y costumbres :el campo deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio .
+ Influencia de la burguesía

Es el mundo retratado por Monet y Renoir . La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social. Además, cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet y los cafés .
+ Excursiones campestres

El positivismo acarrea una concepción de objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica. El cuadro impresionista se vuelca en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc.
+ Positivismo

E l Impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: los críticos de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchands, los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país.
+ Aceptación del movimiento

El japonismo , una moda de la época, añadió su parte a través de grabados que enseñaron a los artistas una forma nueva de ver el espacio y de utilizar los colores planos, sin intentar falsificar la realidad del cuadro con la tercera dimensión.
+ El japonismo

Están alejados de cualquier compromiso social ( no se dejaron influenciar por la represión de los moviemientos obreros de la época ) y no tardaron en ser refrendados por una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada en los lienzos impresionistas .
+ La sociedad en la pintura

Si bien se expresa vagamente en el moviemiento impresionista de la época, podemos destacar dos arquitectos que resaltaron: Renè François Auguste Rodin y Medardo Rosso.
+ La escultura

Nacido en el año 1840. Sus obras se caracterizan por su composición de bronce y mármol. Una de sus obras más destacadas es: “El idilio de Ixelles”.
+ Rodin

Nacido en Italia en el año 1858. Su arte era considerado como un epítome del impresionismo en cuanto a las esculturas, se caracteriza por plasmar la estética impresionista captando lo inmediato teniendo en cuenta los efectos atmosféricos y la luz.
+ Rosso

Materiales moldeables como la cera y el yeso, para expresar cierta continuidad entre la figura y el espacio, tal como se observa en “Beso bajo la farola”.
+ Rosso

El Impresionismo se manifiesta escasamente en la literatura y la música. En cuanto a las artes figurativas, no se conoce una arquitectura puramente Impresionista. Lo mismo ocurre con las esculturas, con la excepción de Rodin y Rosso.
+ Música y arquitectura

+ Artistas más importantes Entre los artistas más imporatantes podemos destacar a: Degas, Renoir, Pissarro, Cézanne y Monet. A continuación, se mostrarán las obran más conocidas de estos artistas.

+ Manet Muestra una escena explícita que rompió los esquemas de la pintura francesa tradicional. Cambió la forma de aplicar los colores reduciendo la intensidad del contraste, consiguiendo una luminosidad inédita, ubicando a sus personajes reales en nuevos planos dimensionales.

+ Renoir Pintor impresionista de retratos, panoramas citadinos y escenas de la vida diaria. Se combinan el temperamento del pintor y la impresión ocular que tiene de la escena, logra la atención del observador de la obra, quien se identifica con la impresión que se lleva de lo que observa y no con la realidad absoluta dificil de recordar.

+ Pisarro De realismo fotográfico y perfeccionista, sin embargo, Pissarro desarrolla una técnica de pincelada libre, que retrata escenas registradas en la memoria del artista y de esta manera, incorpora en la obra las emociones del autor.

El estilo que muestra, no se se iguala a la de ningún otro maestro de su época. Sus pinceladas de óleo, a veces inesperadas, como fuera de contexto, llevan al observador a un estado de meditación.
+ Cézanne

Gustaba de trabajar al aire libre . Sus pinturas sumergen en un realismo mágico y cristalino, dificil de encontrar en otros pintores del mismo estilo.
+ Monet

MIGUEL ÁNGEL (1475 – 1564)

¿ Cómo fue su vida? Michelangelo Buonarroti nació en Caprese el 6 de marzo del año 1475. A los trece años en la "bottega", el estudio, de Domenico Ghirlandaio. Inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo "Il Magnifico" y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici. En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, donde trabaja para Pierfrancesco de Médici. Caída de la familia Provocó la huida del joven artista hacia Venecia y luego a Bolonia. 1496 Recibirá el encargo de su famosa Pietà del Vaticano Roma

¿Cómo sigue su vida ? Falleció en Roma el 18 de febrero de 1564 a los 89 años. Unos años mas tarde Florencia Realizó el David y la decoración de la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria 1505 El Papa le va a encargar una tumba con cuarenta figuras. 1508 y 1512 Realiza la decoración del techo de la Capilla Sixtina. El papa León X le encarga la decoración de la fachada de San Lorenzo en Florencia. Inconclusa. 1534 Se instala definitivamente en Roma. Juicio Final

ALGUNAS DE SUS OBRAS

1 4 9 8 Piedad

1 5 0 3 Tondo Doni

1 5 0 5 David

Moisés 1505

1 5 0 9 Ignudi

Capilla Sixtina (Bóveda) 1510

1524 Biblioteca Laurenziana

1 5 3 4 Tumba de Lorenzo de Médicis

1 5 3 7 Juicio Final

Piedad 1550

LA PIEDAD
Material: Mármol
Punto de vista: Frontal
La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas.
En esta escultura predominan tres armonías de contraste.

Finge dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Material : Fresco

Bibliografía
Miguel Ángel y Rafael en el Vaticano , Edizioni Musei Vaticani, Ciudad del Vaticano, 2001. (6/06/08)
www.artehistoria.com (6/06/08)
http://www.arikah.net/commons/en/2/26/Michangello-lastJudgment-B.jpg (6/06/08)

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech (1904-1989)

Biografía

Nació el 11 de mayo de 1904 Figueras, España en 1904 en el seno de una familia burguesa.
A los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista.
A los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium
En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes.
En 1923 en la Academia de Bellas Artes es acusado de liderar una rebelión en un aula y es expulsado. Luego, de vuelta en Figueras lo detienen y pasa una temporada en la cárcel.

Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo.
En 1934 viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos.
En 1938 conoce por fin, a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado.
A España regresó en 1948. En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueras.
Fallece en 1989, tras una larga agonía, nuevas y enconadas polémicas. Durante toda su vida Dalí exhibió de forma provocativa todas las circunstancias íntimas de su vida y su pensamiento.

Surrealismo.
Enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.
Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes.
Utiliza el psicoanálisis Freudiano como posible método de creación artística.
La obra nace del automatismo puro: cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control.
Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
Importaba más el asunto que la propia realización.

Recursos Surrealistas
Animación de lo inanimado.
Aislamiento de fragmentos anatómicos.
Elementos incongruentes.
Metamorfosis.
Máquinas fantásticas.
Relaciones entre desnudos y maquinaria.
Evocación del caos.
Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías.

Las tentaciones de San Antonio (1946) Descripción : Pintado en 1946. Óleo sobre lienzo. 90 x 119 cm.

Crucifixión (1954) Descripción : Pintado en 1954. Óleo sobre lienzo. 194.5 x 124 cm.

Desintegración de la persistencia de la memoria (1952-1954) Óleo sobre tela, 25 x 33 cm. The Reynolds Morse Foundation, Cleveland

Niño geopolítico mirando el nacimiento del hombre nuevo (1943) (1943) Óleo sobre tela, 45´7 x 52 cm. Colección A. Reynolds Morse, Salvador Dalí Museum, San Petersburgo (Florida)

Galatea de las esferas (1952) Descripción : Pintado en 1952. Óleo sobre lienzo. 65 x 54 cm.

El Cristo de San Juan de la Cruz (1951) Óleo sobre tela, 205 x 116 cm. Glasgow Art Gallery an Museum, Glasgow

La separación del átomo (1947) Óleo sobre lienzo 74x48 cm Museo Salvador Dalí

La última cena (1955) Óleo sobre tela, 167 x 98´5 cms. Colección Chester Dale, Galicia Nacional de Arte. Whasington.

La persistencia de la memoria (1931) Oleo sobre tela 25x33 cms. Museo Dalí de San Petersburgo

Soledad paranoico-crítica (1931) Óleo sobre madera, 32 x 39 cms. Colección A.Reynolds Morse, Salvador Dalí, Museum, Sampetersburgo (Florida).

Antonio Berni

Antonio Berni fue un gran pintor argentino. Nació en Rosario (provincia de Santa Fe) el 14 de mayo de 1905, y murió en Buenos Aires el 13 de octubre de 1981. Sus padres eran de origen italiano: su padre —Napoleón Berni— era sastre nacido en Italia, y su madre —Margarita Pico— era argentina hija de inmigrantes italianos radicados en Roldán, un pueblo de la provincia de Santa Fe, a 30 km de Rosario. Berni nació en calle España 288 (entre Salta y Catamarca). Una placa con bajorrelieve indica el sitio. Berni fue un artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados. Su obra estuvo influenciada por los acontencimientos históricos, que vivió a lo largo de su vida. En 1914 conoce a Mariano Puig en el taller de vitrales Buxadera y Cía (en Rosario), donde estuvo durante un año. En 1915 su padre lo envía a casa de sus abuelos maternos en Roldán (Santa Fe). En 1920, con 15 años, expuso sus cuadros por primera vez, en el salón Mari. Eran paisajes suburbanos y estudios de flores. Repitió la experiencia en 1921, 1922, y 1924. En 1923 expuso en la galería Witcomb de Buenos Aires. En esta época sus cuadros respondían al impresionismo y el paisajismo.

En 1925, el Jockey Club de Rosario le otorgó al joven Berni una beca para estudiar en Europa. Se instaló en París, donde se pone en contacto con la pintura metafísica y con el surrealismo, además de adherir a la idea de la acción artística comprometida con la realidad política y social. Allí concurre a los talleres de André Lhote y Othon Friesz. Realizó algunos viajes por España, Italia, Holanda y Bélgica, que le permitieron conocer museos, artistas y obras de la historia del arte que van influenciando sus trabajos. Por ejemplo, en Italia estudia a los maestros del Renacimiento del siglo XV y viaja por ciudades como Florencia visitando sus iglesias, palacios y museos. En 1933 toma contacto con el mexicano Siqueiros y la técnica de muralismo. En 1933 en contacto con Siqueiros y el muralismo como arte de proyección comunitaria, comienza a trabajar, en composiciones de gran tamaño, que tratan a escala monumental los conflictos de las clases populares. Una beca en 1941 de la Comisión Nacional de Cultura le permite viajar por Latinoamérica y estudiar su arte. En 1943 obtiene el Gran Premio de Honor del Salón Nacional, en Argentina. En 1944 funda junto a Spilimbergo, Castagnino, Urruchúa y Colmeiro, el primer Taller de Arte Mural, con el que ejecuta al año siguiente la decoración de la cúpula de las Galerías Pacífico (en Buenos Aires).

Los surrealistas buscaban liberar la imaginación y las fuerzas del inconsciente como en los sueños, tratando de expresar la vida interior sin la intervención de la razón. Sus imágenes, en lugar de ser similares a la realidad, son inconexas entre sí. Por ejemplo, en el óleo sobre cartón "La puerta abierta" (53 x 44 cms., MALBA), del período surrealista de Berni, el muro, la puerta, la llave y el alfiler de ganchos gigantescos, los cubos de colores sobre los objetos monocromos, la cerradura fuera de lugar, el timbre y la letra "T", todas son piezas de un rompecabezas misterioso para inventar historias. LA PUERTA ABIERTA

JUANITO LAGUNA 2, 1976

CRISTO EN EL GARAGE, 1981

DESOCUPADOS, 1934

JUANITO DORMIDO, 1973

JUANITO LAGUNA REMONTANDO UN BARRILETE, 1973

LA NAVIDAD DE JUANITO LAGUNA, 1961

TEAM DE FUTBOL O CAMPEONES DE BARRIO, 1954

Team de fútbol o Campeones de barrio, 1954 Óleo sobre tela 203 x 298 cm Colección particular Jugadores y suplentes como si fueran una fotografía, posan para inmortalizar su sueño de campeones. Hay un personaje que se encuentra en el centro de la obra y nos llama la atención por el color de su remera. El pequeño que se encuentra en el extremo inferior derecho posiblemente sea hermano de alguno de los chicos y la "mascotita" del equipo. Las fachadas de las casas, en composición estrictamente geométrica, aparecen como un telón de fondo. Las lineas que componen las casas son geométricas. El color es utilizadod de manera pura,mezcla el pigmento con blanco y con negro; a esta manera de utilizar el color se la llama desaturación, porque pierde su vibración original. TEAM DE FUTBOL O CAMPEONES DE BARRIO, 1954

LA MUJER DEL SWEATER ROJO, 1938

Culturas y Estéticas Contemporáneas Presentación 1: Cultura, subculturas, sociedad. Representaciones.

Cueva de Altamira España

Cueva de Lascaux Francia

Stonehenge UK

Museo del oro Colombia

Arte chileno Fotografía

Noche de la rueda Gigante, Martín Russi Sarralde

The Beatles

Beethoven

Movimiento Hippie

La persistencia de la memoria Dalí

Arte Japonés

Arte Griego, Edipo interrogando a la esfinge

Corredores en los juegos panatenaicos

Escultura griega. Discóbolo de Mirón

Escultura griega. Venus de Milo

Partenón

Capitel jónico del templo de Artemisa

JOAN MIRO

Nació en Barcelona en 1893 .
Comenzó sus estudios sobre pintura en la Escuela de la Bellas Artes de la Lonja (1907), en la Escuela de Arte Francesc Galí (1912) y en el Círculo de San Lucas.
Sus primeras obras fueron de tinte fauvista y cubista .
En 1921 se estren ó como pintor en París, exponiendo en solitario en la Galerie La Licorne.
Más tarde, comenzó a pintar obras que se alejaron de su primera etapa donde los elementos se redujeron a signos en un ambiente real e imaginario

En 1925 se introdujo en el mundo surrealista parisino, intervino en sus actos y exhibió obras con ellos.
En los primeros años de la década de los 30, sufrió una grave crisis creativa que le lleva a abandonar la pintura por el dibujo y el collage, comenzando la serie de las llamadas "construcciones" realizadas en tres dimensiones.
En los años cuarenta, Miró vuelve a España. Allí continúa la serie ya iniciada en Verangeville, Las Constelaciones, en donde consigue huir de la realidad y encontrar la libertad en las combinaciones que le sugieren el cielo y las estrellas
En los años 60, la cerámica ocupó todo su tiempo; afición que fue suplantada por la escultura a finales de los 60 y comienzos de los 70.
Falleció en Palma de Mallorca en 1983.

SUS OBRAS

“ AUTORETRATO” 1919 Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 73 x 60 cm. Museo: Museo Picasso. París

“ LA MASIA” 1922 Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 132 x 147 cm. Museo: National Gallery of Art. Washington

“ EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN” 1925 Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 66 x 93 cm. Museo: Galería Albright-Knox. Buffalo

“ SIESTA” 1925 Museo: Centro Georges Pompidou Características :97 x 146 cm. Material :Oleo sobre lienzo Estilo: Surrealismo

“ HOMBRE CON PIPA” 1925 Museo: Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" Características :146 x 114 cm. Material :Oleo sobre lienzo Estilo: Surrealismo

“ INTERIOR HOLANDÉS I ” 1928 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Características: Material:Oleo sobre lienzo Estilo :Surrealismo

“ INTERIOR HOLANDÉS II.” 1928 Material : Óleo sobre lienzo Medidas : 92 x 73 cm. Museo : The Solomon R. Guggebheim Museum, New York

“ INTERIOR DEL HOLANDÉS III” 1928. Material : Óleo sobre lienzo Medidas : 129.9 x 96.8 cm. Museo : The Metropolitan Museum of Art, New York.

“ REINA MARÍA LUISA DE PRUSIA” 1929 Museo :Dallas Museum of Art Características : 81 x 100 cm. Material :Oleo sobre lienzo Estilo: Surrealismo

“ CARACOL, MUJER, FLOR, ESTRELLA” 1934 Museo :Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" Características :195 x 172 cm. Material :Oleo sobre lienzo Estilo :Surrealismo

“ HOMBRE Y MUJER DELANTE DE UN MONTÓN DE ECREMENTOS” 1936 Museo :Desconocido Características :23,2 x 32 cm. Material: Oleo sobre lámina metálica Estilo :Surrealismo

“ MUJER Y PÁJAROS AL AMANECER” 1946 Material: Óleo sobre lienzo Medidas : 54 x 65 cm Museo: Fundación Joan Miró, Barcelona, España.

Bibliografía
www.artehistoria.com
http://www.abcgallery.com
http://www.epdlp.com
http://www.spainselecta.com
http ://www.arteespana.com

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