Exposicion arte moderno
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  • 1. ARTE MODERNO AG DIANA INESTROSA - ANDRES GOMEZ
  • 2. Arte moderno es un término referido a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta aproximadamente los años 1970,1 por oposición al denominado arte académico, que representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría laexperimentación.2 Producciones recientes son a menudo denominadas arte contemporáneo, aunque este término también se refiere al arte de la Edad Contemporánea (desde mediados del siglo XVIII). Hay que entender, por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético; de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau(muerto en 1905) no hace arte moderno, mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí. El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte occidental una nueva forma de entender la estética, lateoría y la función del arte, en que el valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas
  • 3. El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos. El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.
  • 4. Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863. Óleo sobre tela.
  • 5. Impresionismo
  • 6. El impresionismo se da a conocer en 1874 en una exposición celebrada en París en el estudio del fotógrafo Nadar. En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón oficial, un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet, Pisarro, Degas, Morisot, Renoir y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer un arte nuevo que rompa con el academicismo y la tivialidad artística imperante en la época. Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de Monet titulado "Soleil levant, Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al crítico Leroy para bautizar al nuevo movimiento con el nombre despectivo de "impresionismo".
  • 7. Claude Monet . Impression, soleil levant. Óleo sobre tela, 48 x 63 cm. Musee Marmottan. París
  • 8. Antes de esa primera exposición hubo un período inicial de formación de unos quince años durante el cual se fueron cuajando las bases que definen este movimiento. El grupo impresionista realizó siete exposiciones más, en 1876, 1877 (que mostró el momento de mayor cohesión del movimiento), 1879, 1880, 1881, 1882 y en 1886. A lo largo de esos años dejaron el grupo algunos de los pioneros (Cézanne, Renoir, Monet, Sisley) y se incorporaron otros (Gauguin, Redon, Cassatt, Seurat, Signac). El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos y también llegó a EE. UU. Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o puntillismo, también conocido como postimpresionismo o neoimpresionismo.
  • 9. Rechazo El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que comenzó a acuñarse el concepto, no sólo en los ambientes sociales conservadores que los artistas modernos buscaban epatar, sino entre intelectuales que se ocuparon muy seriamente de su análisis, como fueron los casos, en España, de Eugenio d'Ors, autor de la lapidaria frase: Todo lo que no es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló una de sus obras: La deshumanización del arte. El comunismo soviético y el fascismo italiano, que desde su origen y durante los años 1920 estuvieron estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo), comprobaron a partir de los años 1930 la necesidad de encauzar su manipulación propagandística en el terreno de la estética a través de un arte mucho más fácilmente digerible por las masas. Encontraron soluciones casi idénticas en lo que se conoció como realismo socialista o arte fascista. En el caso del nazismo, identificó el arte moderno con lo que denominó arte degenerado de los dementes y de las razas inferiores, por contraposición a los valores de una pretendida estética aria o arte ario. No obstante, la persecución a los judíos y la ocupación alemana de Europa durante la Segunda Guerra Mundial dio opurtunidad para el expolio más o menos disimulado de muchas piezas de arte moderno por parte de los dirigentes nazis (que no lo destruían, sino que se lo apropiaban). Simultáneamente, el capitalismo estadounidense, en cambio, asumió con gran dinamismo el arte moderno, implicándolo en el proceso productivo y aprovechando sus grandes posibilidades para el mercado.
  • 10. CARACTERÍSTICAS • Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen ninguna importancia. • Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter descriptivo. Búsqueda de la claridad y la luminosidad. • Indiferencia por el tema, la única preocupación es la luz y el color fugaces. • Búsqueda de la belleza de la sensación directa: las formas se plasman de modo no acabado, impreciso y vaporoso, llegando incluso a desmaterializarse. • Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor sale al campo con su caballete en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los colores. • Representación plástica de la vibración óptica de la luz. • Rechazo de los colores oscuros, el negro queda proscrito. • Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo: Monet. Catedral de Ruán).
  • 11. INFLUENCIAS • La teoría de las sensaciones de Locke: de aquí el rechazo del realismo clásico como culto a la materia y la búsqueda de una pintura más sensitiva que plasme la experiencia de las sensaciones visuales fugitivas. • Las teorías ópticas de Chevreul y de Maxwell: de aquí que los colores no se obtengan por mezcla en la paleta sino por mezcla optica en el lienzo, que se busque la exaltación de los colores complementarios y que se prescinda del negro (negación de la luz), todo ello para lograr colores limpios, luminosos y vibrantes.
  • 12. Claude Monet Estanque con nenúfares (1899) Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm. Museo: National Gallery. Londres
  • 13. Claude Monet Palacio de Mula en Venecia (1908) Óleo sobre lienzo. 62 x 81.1 cm. National Gallery of Art.
  • 14. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894
  • 15. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894
  • 16. Edouard Manet, Olimpia, 1863, óleo sobre lienzo, 130´5 x 190 cm, Musée d´Orsay, París.
  • 17. Edouard Manet, Pífano, 1866, óleo sobre lienzo, 160 x 98 cm, Musée d ´Orsay, París.
  • 18. Edgar Degas Clase de danza c.1873-1875, óleo sobre lienzo, Musée d´Orsay, París
  • 19. Edgar Degas Bailarina en la escena, 1878, pastel, Musée d´Orsay, París.
  • 20. Pierre Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette, 1876, óleo sobre lienzo, Musée d´Orsay, París.
  • 21. Pierre Auguste Renoir, Le déjeuner des canotiers, 1881, óleo sobre lienzo, Philips Memorial Gallery, Washington, D.C.
  • 22. Post Impresionismo (o Neoimpresionismo)
  • 23. Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos. Hay una influencia del arte oriental. En 1868 Japón se abre a Occidente. Las muestras de los ukiyo-e-hanga ofrecen una alternativa en la que encuentran una nueva forma de realidad.
  • 24. Katsushika Hokusai, La gran ola de Kanagawa, 1823-1829, grabado, Metropolitan Museum of Art, New York.
  • 25. • Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo. • El color se aplica en grandes superficies planas sin matización y sin perder intensidad en la lejanía. • Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e incluso volumen. • Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo. • Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de instantánea. • Cobra importancia el dejar sin cubrir. • Hay una nueva organización de espacio: se usa la diagonal y la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se van escalonando. Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
  • 26. • Se usan diferentes puntos de vista, así, las composiciones pueden resultar asimétricas y desdentradas. • Se usan encuadres originales. • Se prefieren los formatos alargados. • Hay un gusto por los detalles. • Se transmite una visión edonista de la vida, la misma que reclamaban los impresionistas. • Gusto por situaciones insólitas. • Se usan las siluetas. • En definitiva se prescinde de todo convencionalismo anterior. Son novedades que influyen en artistas como Gauguin, Lautrec, Van Gogh e incluso en Matisse.
  • 27. El Puntillismo Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en pintar a base de pequeños puntos de color puro. En la octava exposición del impresionista de 1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio de Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y teóricas. Félix Feneon ya habló de "Impresionismo Científico" y Chevreul aportó su obra escrita Libro sobre la complementaridad de los colores. Ahora la Naturaleza hay que verla con los ojos de la mente. Hay que superar la concepción retiniana para incidir en una más conceptual. Este es el punto de partida para el arte abstracto posterior.
  • 28. Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887, óleo sobre tabla, 25 x 16 cm, París, Musée d´Orsay.
  • 29. Paul Signac, El palacio papal en Aviñón, 1900, óleo sobre lienzo, 73´5 x 92´5 cm, París, Musée d´Orsay.
  • 30. Diferencias con respecto al Impresionismo: • La imagen adquiere una entidad desconocida • La obra parte del "plein air", pero a diferencia del Impresionismo se termina en el taller. • Se recupera la división entre obra definitiva y boceto. • Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que potencia la pérdida de la espontaneidad. • Hay una marcada tendencia a la esquematización de formas y a los volúmenes simplificados. • Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos. En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa, ya que la luz era la que incidía sobre los cuerpos.
  • 31. Vincent Van Gogh, Los girasoles, 1888, óleo sobre lienzo,91 x 72 cm, Münich, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Neue Pinakothek.
  • 32. Vincent Van Gogh, La noche estrellada, 1889, óleo sobre lienzo, 73´7 x 92´1 cm, Nueva York, The Museum of Modern Art.
  • 33. Vincent Van Gogh, La habitación de Vincent en Arlés, 1889, óleo sobre lienzo, 56´5 x 74 cm, París, Musée d´Orsay.
  • 34. Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm, Musée d´Orsay.
  • 35. Paul Cézanne, Cebollas y botella, c.1895-1900, óleo sobre lienzo, 66 x 81 cm, París, Musée d´Orsay.
  • 36. Henri Toulouse-Lautrec, La Goulue entra con dos mujeres al "Moulin Rouge", 1892, óleo sobre cartón, 79´4 x 59 cm, Nueva York, Museum of Modern Art.
  • 37. Henri Toulouse-Lautrec, El salón de la Rue de Moulins, 1894, óleo sobre tela, 111´5 x 132´5 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.
  • 38. Paul Gauguin,Visión después del Sermón, 1888, óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm, Edimburgo, National Gallery of Scotland.
  • 39. Paul Gauguin, Pasatiempo, "Arearea", 1892, óleo sobre lienzo, 75 x 94 cm, París, Musée d´Orsay.
  • 40. Fauvismo
  • 41. Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907. La primera exposición tiene lugar en París en el Salón de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el "Salon des Indépendants". La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores, encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura alejado de todo principio académico.
  • 42. CARACTERÍSTICAS • Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color. • Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar lo esencial interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del cuadro. • Énfasis cromático mediante colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin referencia al tema o a su figura. • Eliminación de la perspectiva espacial. • Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana). • Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva, con predominio de colores complementarios. • Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de artesanía.
  • 43. Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)
  • 44. Henri Matisse. La raya verde, 1905, óleo sobre lienzo, 60 x 41 cm.
  • 45. Henri Matisse Autorretrato, 1906, óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm, Statens Museum for Kunst, Copenhagen.
  • 46. André Derain, El puente de Londres. (1906)
  • 47. Expresionismo
  • 48. El expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla. El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes.
  • 49. En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos. El primero se desarolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente), y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), del que surgirá la primera pintura abstracta; el tercero se desarrolla en el período de entre guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad), con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros grupos citados. El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia. El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.
  • 50. CARACTERÍSTICAS • La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (carácter instintivo y exaltada en Die Brucke / carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter). • Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista. • Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total). • Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados de ánimo. • Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración de formas y figuras. • Ausencia de carácter decorativo.
  • 51. Edvard Munch, El grito, 1893, ceras, pastel y témpera sobre papel cartón, 83´5 x 66 cm, Munch Museet, Oslo.
  • 52. Edvard Munch, Madonna, 1893-1894, óleo sobre lienzo, 90 x 68´5 cm, Munch Museet, Oslo.
  • 53. Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm. Öffentliche Kunstsammlung. Basilea
  • 54. Emile Nolde. La última Cena (1909)
  • 55. El Cubismo
  • 56. Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos". El cubismo tiene sus bases en Cézanne. La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón". Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.
  • 57. 1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio. 2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo. Las características de un nuevo lenguaje: En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos:
  • 58. 3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado por la descomposición del volumen. 4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos 5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. 6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.
  • 59. Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: • Científico, • Órfico • Instintivo. Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética. Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la inevitable evolución del Cubismo.
  • 60. 1. Fase analítica En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista. Pablo Picasso. Frutero y pan sobre una mesa (1909)
  • 61. 2. Fase hermética Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín. Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard. (1910)
  • 62. 3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura: En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage. El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos".
  • 63. Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias. Pablo Picasso. Guitarra. (1913)
  • 64. Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm. óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.
  • 65. Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907 Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .
  • 66. Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm., óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.
  • 67. Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.
  • 68. Pablo Picasso . El poeta (1910)
  • 69. Pablo Picasso . Ma Jolie (Woman with Guitar) (1911-12)
  • 70. Georges Braque. Viaducto en L’estaque. 1908.
  • 71. Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.
  • 72. Georges Braque Casas en L´Estaque, 1908 óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm, Kunstmuseum Bern.
  • 73. Arte Abstracto
  • 74. Wassili Kandinsky es el iniciador de la abstracción. La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera etapa de la abstracción (1900-1914) la representa Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión. Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo, con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el Manifiesto Rayonista. Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia una plástica pura en las artes figurativas. El uso restringido del color y las formas simples, caracterizan el Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.
  • 75. Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal Tretjakov. Moscú.
  • 76. Wassily Kandinsky. Upwards, 1929.
  • 77. Kasimi Malevich: Suprematist Composition, White on White (1918)
  • 78. Kasimir Malevich Suprematism. 1915 Stedelijk Museum, Amsterdam
  • 79. Neoplasticismo
  • 80. Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética renovadora basada en la depuración formal. El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en la frase programática de uno de sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”. Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer manifiesto" del movimiento. Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética y que posteriormente denominaría "Neoplasticismo".
  • 81. CARACTERÍSTICAS • Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal. • Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. • Planteamiento totalmente racionalista. • Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. • Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio. • Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises). • Empleo de fondos claros.
  • 82. Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul, 1921, óleo sobre lienzo, 39 x 35 cm.
  • 83. Piet Mondrian, Composición 10. 1940, óleo sobre lienzo, 80 x 73 cm.
  • 84. Theo van Doesburg Arithmetic Composition (1930)
  • 85. Action - Painting
  • 86. Término acuñado por el crítico norteamericano Harold Rosenberg, para designar una técnica pictórica gestual, que consiste en aplicar el color directamente sobre un lienzo extendido en el suelo, mediante el procedimiento conocido como dripping o "chorreo". El Action Painting significa en español “Pintura de Acción” y es una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad. El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson.
  • 87. Jackson Pollock. Número 8 (1949).
  • 88. Jackson Pollock. Número 1 (1949)
  • 89. Dadaísmo
  • 90. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922. La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces. Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados ready- mades). A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.
  • 91. CARACTERÍSTICAS • Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte). • Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano. • Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. • Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo. • Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto). • Motivaciones de disociación. • Auge del disparate.
  • 92. • Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready- mades: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos • Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época). • Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
  • 93. Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, Objeto Pronto, 1913
  • 94. En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte.
  • 95. Francis Picabia Parada Amorosa, 1917, Acuarela
  • 96. Kurt Schwitters Merz 199-2, 1921
  • 97. Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada
  • 98. Hannah Hoch, Pretty Maiden, 1920
  • 99. Surrealismo
  • 100. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro. El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó en la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L. Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores. En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton, que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico. La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.
  • 101. Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países. En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.
  • 102. CARACTERÍSTICAS • Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece en el llamado "surrealismo abstracto"). • Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad. • Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio. • Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse. • Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa. • Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
  • 103. • Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. • Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc. • Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías). • Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos. • Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí). • Utilización del claroscuro y del color modelado. • Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage y grattage.
  • 104. • Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método con la intención de transformar directamente el estado psíquico del artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador no sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo racional. • Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento, una superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera. Las dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida de la pintura automática para la realización posterior de imágenes fantásticas. • Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura automática.
  • 105. Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
  • 106. Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art. New York.
  • 107. Salvador Dalí. Sueño Causado por el Vuelo de una Abeja en Torno a una Granada un Segundo antes de Despertar, 1931, 51 x 41 cm., óleo sobre lienzo, Foundación Thyssen-Bornemisza, Thyssen Museum, Madrid.
  • 108. Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus, 1954, 194.5 x 124 cm., óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum, New York.
  • 109. René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)
  • 110. René Magritte. La condición humana (1933) National Gallery of Art, Washington
  • 111. René Magritte. El imperio de las luces (1954) Museo Peggy Guggenheim. Venecia.
  • 112. René Magritte El dominio de Arnheim (1949)
  • 113. Joan Miró. Nocturno (1940).
  • 114. Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966
  • 115. Op Art
  • 116. Surge en EE.UU. hacia 1958. La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye" (El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la Bienal de São Paulo. En Europa, el Op-art surgió a mediados de los años sesenta como un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban varios grupos diferentes de artistas. El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico.
  • 117. CARACTERÍSTICAS • Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter emocional. • Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente, muaré) mediante tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, cambios de tamaño, inversiones de figura y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas . • Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación. • Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos. • Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecablemente lisos y uniformes. • Colores planos de contornos netos (hard edge).
  • 118. Victor Vasarely Cheyt M.
  • 119. Victor Vasarely K- Tridem
  • 120. Victor Vasarely Vonal Ksz
  • 121. Pop Art
  • 122. Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta. El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas. La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general. Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público. En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano recibe el nombre de "nouveau realismo" (nuevo realismo).
  • 123. CARACTERÍSTICAS • Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual. • Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo. • Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.). • Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura. • Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al
  • 124. • Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva. • Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo). • Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.). • Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes del comic de Lichtenstein). • Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.
  • 125. Andy Warhol, Lata de sopa Campbell.
  • 126. Andy Warhol, Elvis, 1964.
  • 127. Andy Warhol, Marilyn.
  • 128. Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and Marcel Duchamp), 1960 oil, charcoal, paper, fabric, metal on canvas, drinking glass (not original), metal chain, spoon 90 x 118 in.
  • 129. Robert Rauschenberg Rétroactive 2. 1964 Sérigraphie et peinture à l'huile Galerie LLena Sonabend, Paris
  • 130. Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967
  • 131. Jasper Johns. Flag (1954)
  • 132. Roy Lichtenstein, El beso.
  • 133. Roy Lichtenstein Woman in Bath, 1963 Oil on canvas 171 x 171 cm Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid
  • 134. Fuentes: • Esta presentación está confeccionada, fundamentalmente, con la visión e información de “Breve Historia del Arte. Arte del Siglo XX”. Beatriz Aragonés Escobar. www.spanisharts.com • Compendio del Arte Moderno y Contemporáneo. http://www.arteuniversal.com/ • Los Ismos. www.portaldearte.cl
  • 135. Los Ismos AV Artes Visuales – Ramón Muñoz Coloma – rmunoz@ceat.cl