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El arte de Klimt
 

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La obra de Klimt

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    El arte de Klimt El arte de Klimt Document Transcript

    • KLIMT KLIMT Mª Ángeles Mellado Vera 2ºB INTERIORES Mª Ángeles Mellado Vera 2ºB INTERIORES
    • KLIMT ÍNDICE 1. INTRODUCCIÓN 2. CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO DE LA ÉPOCA 3. LA VIENA “FIN-DE-SIÈCLE”. LA SOCIEDAD VIENESA 4. ARTE MODERNISTA 5. MODERNISMO AUSTRÍACO: LA SECESIÓN VIENESA 5.1. COLORES DORADOS: EL FONDO DE LA PINTURA 5.2. TRAZOS SINUOSOS: NUEVA ELEGANCIA 6. GUSTAV KLIMT 1862-1918 6.1. BIOGRAFÍA 6.1.1. PRIMERAS OBRAS. EL COMIENZO DE UNA CARRERA 6.1.2. LAS PRIMERAS DECORACIONES MURALES 6.1.3. LOS GRANDES ENCARGOS PÚBLICOS 6.1.4. KLIMT Y LA SECESIÓN VIENESA 6.1.5. LA CREACIÓN DE LA KUNTSCHAU DE VIENA (EL GRUPO KLIMT) 6.1.6. LAS EXPOSICIONES DE LA KUNTSCHAU DE VIENA 6.1.7. LA VUELTA AL COLOR 6.2. COMENTARIO DE ALGUNAS DE SUS OBRAS 6.2.1. LA ÉPOCA DORADA: 1900-1908 1899 Nuda Veritas 1901 Judith I 1903 Esperanza I 1904 Serpientes Acuáticas I y II 1905 Las tres edades de la mujer 1
    • KLIMT 1907 El beso 1907 Danae 1907 Adele Bloch- Bauer I 6.2.2. DEL SIMBOLISMO AL EXPRESIONISMO 1908 Muerte y vida 1912 Adele Bloch Bauer II 1916 Friederike María Beer 7. CONCLUSIONES BIBLIOGRAFÍA 2
    • KLIMT 1. INTRODUCCIÓN Suele decirse que sobre tres ciudades se ha edificado simbólicamente la civilización occidental. Estas ciudades son Atenas, Jerusalén y Roma. A la primera debemos la filosofía, a la segunda el judeocristianismo, mientras que a la última el derecho romano. A estas grandes ciudades se añadiría una cuarta, cuya época de vigencia nos es más cercana: la Viena del Imperio Austro-Húngaro, también llamada ‘Viena de la belle époque’, de ‘Fin-de-Siècle’ o simplemente ‘de los Habsburgo’. En esta ciudad, sobre todo en el período comprendido entre la segunda mitad del siglo XIX y la primera del XX, podríamos decir que se encuentran gran parte de las raíces de nuestra modernidad. Bien es cierto que otras ciudades de importancia contemporánea como París, Londres o Nueva York podrían ocupar la posición adjudicada a Viena. Pero parece justo reconocer que en la que fue capital imperial se pusieron en juego una serie de elementos que, por su variedad, calidad y originalidad, no tienen parangón en los otros casos citados. Sobre todo entre 1895 y 1918 se dio uno de los momentos más fértiles y originales que ha dado la historia tanto en música como en filosofía, literatura, arquitectura, psicología, etc. En Viena, que en esta época se había convertido en el centro de la medicina mundial, surgió, por ejemplo, el psicoanálisis (Freud), la música dodecafónica (Schoenberg), el movimiento pictórico de la Secesión (Klimt)). Se dieron a conocer relevantes artistas como Adolf Loos, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, etc. Viena fue una ciudad caracterizada por infinitas contradicciones, conservadora en lo social pero revolucionaria en lo cultural y en lo científico. Fue una ciudad envuelta en una generalizada frivolidad, con una aristocracia que vivía un derrumbe imparable. Una tormenta se preparaba sin que nadie pareciera darse cuenta. La Viena que se jactaba de ser una ciudad de ensueño, la Viena de las fiestas, los valses y operetas, la ciudad de los bulevares, con sus pastelerías y cafés, sucumbió justamente carcomida por aquello que trataba de reprimir oficialmente. Un alegre Apocalipsis. Típico café vienés 3
    • KLIMT 2. CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO DE LA ÉPOCA En tiempos de Carlos V (Carlos I de España), el imperio era el más extenso del mundo. Los Habsurgo se consideraban los herederos de los romanos. Esa hegemonía tuvo un lento declinar que se aceleró en el período de las guerras napoleónicas (1800-1815). Después del Congreso de Viena, pareció de nuevo que el emperador austríaco y su nación dominaban el continente. Se trataba de un espejismo. Tras la Revolución de 1848, los Habsburgo se dieron cuenta de que el panorama europeo no era el mismo. De todos modos se trataba del territorio más vasto del continente, que abarcaba toda la Europa Central, buena parte de Italia y de Europa Oriental. Durante la Revolución de 1848, muchas de esas naciones sometidas al régimen austríaco reclamaron la autodeterminación. No la lograrían hasta la Primera Guerra Mundial: los lazos de unión que creaban la figura del Emperador, el poderío del ejército y la influencia cultural de la ciudad de Viena sobre la élite del Imperio, compensaban la desintegración que se cernía sobre ese enorme territorio. En 1859, el Imperio había perdido sus provincias más importantes: Italia del Norte, Milán, la Toscana. En 1866, también Venecia. El apogeo artístico e intelectual de Viena entre 1870 y 1914 coincidió con la decadencia de los Habsburgo. Atraídos por el brillo de la ciudad, numerosas familias, artistas y pensadores buscaron en ella el marco propicio para su desarrollo. Para contrarrestar esos duros golpes, Austria buscó el brillo superficial de una vida social intensa. La embriaguez del vals, de los salones donde triunfaban los grandes escotes, las condecoraciones ya sin sentido, los títulos altisonantes, intentaban conjurar la angustia y la impotencia que brotaban de la realidad. 3. LA VIENA “FIN-DE- SIÈCLE”. LA SOCIEDAD BURGUESA La Viena de estos años representaba la imagen de una compleja metrópolis de alto nivel cultural que producía ejemplos sobresalientes no sólo en arquitectura y bellas artes, sino también en los campos de la literatura, la música, la filosofía y la medicina. Destacan intectuales como Sigmund Freud en el psicoanálisis, y en el plano artístico el movimiento modernista, la Secesión de Viena (Secession), con Gustav Klimt como principal exponente en la pintura, Coloman Moser en el grafismo y Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffman y Otto Wagner en la arquitectura. Durante el siglo XIX, sobre todo en la segunda mitad, Viena inició un despegue demográfico, acompañado de reformas urbanísticas, que la convirtieron en una gran ciudad, multiplicando en un siglo su población por diez (alcanza su máximo demográfico en 1916 con 2.239.000 habitantes) siendo la tercera ciudad más grande de Europa. Se derribaron las antiguas murallas abriéndose una nueva avenida, la Ringstrasse, donde se construyeron importantes edificios como la Ópera: símbolo de la burguesía imperial que, con sus cuatro kilómetros de trazado, se convirtió en el “gran escaparate” por el que deambulaban, y sobre todo se mostraban y exhibían, los vieneses de la alta sociedad. Este es el período glorioso de la monarquía de los Habsburgo, con Francisco José I al mando del Imperio (período 1848-1916) y su esposa la Emperatriz Sissi. También es la época de los suntuosos valses vieneses en la Opera Nacional de Viena, grandes carruajes paseando por la Ringstrasse, así como de los típicos cafés vieneses. 4
    • KLIMT Viena. Acuarela de Jakob von Alt, 1847. Museo de Viena. Austria. Desde el siglo XIII Viena estaba rodeada por una muralla que se reforzó en 1529 creando el glacis de 500 metros de ancho en el que se prohibió cultivar o plantar árboles. Imagen de la Ringstrasse de Viena. El grandioso proyecto de la Ringstrasse, familiarmente llamada El Ring, la colosal avenida circular que rodea el casco antiguo de Viena, superaba en impacto visual a cualquier otra innovación urbana en el siglo XIX, incluso a París. En 1857 bajo el Emperador Francisco José I, comenzó el derribo de la antigua muralla y el glacis, para crear en su lugar unos bulevares: la Ringstrasse. 5
    • KLIMT 4. ARTE MODERNISTA Modernismo es el término con el que (en España e Hispanoamérica) se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX (el periodo denominado fin de siècle y belle époque). En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en los países anglosajones), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Nieuwest Kun (en Países Bajos), Liberty o Floreale (en Italia). Todos tienen la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal. En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también en las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras). Muchos artistas identificados con el modernismo son artistas “integrales”. Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener. Las características que en general permiten reconocer al modernismo son: -Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. -Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. -Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). -Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. -Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas. 6
    • KLIMT 5. MODERNISMO AUSTRÍACO: LA SECESIÓN VIENESA La Secesión Vienesa, también conocida como Sezessionnsstil, fue formada el 3 de abril de 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses, incluyendo a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann y Joseph Maria Olbrich, entre otros. La Secesión se rebelaba contra el conservadurismo de la Viena que tenía una clara orientación hacia el Historicismo. El grupo se interesaba sobre todo en explorar las posibilidades del arte fuera de un contexto académico tradicional. Querían crear un nuevo estilo sin ningún vínculo o influencia con la historia. Todos estos artistas pertenecían a la Asociación de los Artistas de las Artes Visuales de Austria y decidieron romper con las pautas establecidas. A diferencia de otros movimientos, no existe un estilo que unifique el trabajo de los secesionistas vieneses. El edificio principal de exhibiciones, construído bajo el proyecto de Joseph Maria Olbrich en 1898, podría ser considerado como el icono del movimiento. Sobre la puerta de entrada, conocida popularmente como 'Repollo de Oro', puede leerse 'A cada época su arte, a cada arte su libertad'. 7
    • KLIMT En la misma línea que otros movimientos contemporáneos europeos, la Secesión peleó contra la pérdida de la calidad artística debido a la falta de innovación y por la libertad creativa de los trabajos artísticos individuales. El movimiento organizaba sus propias exhibiciones, y la revista oficial Ver Sacrum (Primavera Sagrada) pretendía atraer la atención internacional haciendo uso de grandes obras decorativas representativas del periodo. La primera exhibición de la Secesión fue el 15 de marzo de 1898, donde se reunieron 131 obras de artistas extranjeros. La segunda exhibición fue el 12 de noviembre del mismo año, con motivo de la inauguración del edificio de Olbrich, en la cual se exhibió el cuadro Palas Atenea, de Klimt, símbolo del movimiento. Durante los ocho años siguientes organizaron 23 exhibiciones. En las pinturas de la Secesión, tal y como se lo proponían, se aprecia una ruptura con lo clásico, casi provocativa. Uno de los temas recurrentes es la mujer y el erotismo, cosa que escandalizaba a la sociedad clásica de la época. En 1905, Klimt y sus amigos abandonan la Secesión (debido a problemas internos) y fundan los “Talleres de Viena”, donde se incorporan grandes pintores como su discípulo, Egon Schiele, que continúan con el espíritu secesionista. El 6 de febrero de 1918 murió Gustav Klimt. Una curiosidad: ese mismo año murieron Egon Schiele, Otto Wagner, Ferdinand Hodler y Koloman Moser. Todos miembros fundadores de la Secesión (a excepción de Schiele). 5.1 COLORES DORADOS: LA SUPERFICIE DE LA ARQUITECTURA Y EL FONDO DE LA PINTURA El oro representa lujo y riqueza, pero en Viena también se relaciona con el Imperio bizantino. Austria se consideraba el legítimo sucesor del imperio bizantino, lo considera como algo propio a la vez que exótico. Los fondos dorados atacan por irreales la perspectiva renacentista. Un lujo que se aleja cada vez más de los clásicos. 5.2 TRAZOS SINUOSOS: NUEVA ELEGANCIA La línea y las formas sinuosas invadirán el imaginario colectivo de toda la época. Se trata de una nueva estética sin jerarquías aparentes. Klimt pertenece a esta corriente tan general que invadió la Europa del fin de siglo XIX. Lo que distingue a la escuela vienesa de otras es la capacidad de producir unas formas elegantes sin caer en excesos .Exquisitez que se plasma en la obra de Klimt, el cual nos ofrece figuras sinuosas enmarcadas en grandes superficies lisas sin llegar nunca a la exageración. Klimt creó todo un lenguaje personal basado en la deformación de los cuerpos y en una línea nunca recta y siempre serpenteante. En sus pinturas, la forma está bien definida, pero intenta captar lo primigenio, lo oscuro, su mundo se acerca a lo simbólico, a lo irracional. Portadas de Ver Sacrum 1898 1899 1901 8
    • KLIMT 6. GUSTAV KLIMT 1862-1918 6.1 BIOGRAFÍA Gustav Klimt fue el segundo de siete hijos de una familia de artesanos procedente de Bohemia que se instaló en Viena cuando él tenía ocho años. - A los catorce ingresó en la Escuela de las Artes Aplicadas de Viena, una academia que pretendía formar buenos técnicos para mejorar los productos manufacturados e industriales del país, ya que éstos se producían artesanalmente y se consideraban de baja calidad ante la modernidad de los productos ingleses. La escuela colaboraba con el Museo Imperial Austríaco de Arte para completar la formación de los alumnos, pero debido a los altos costes, su influencia a nivel empresarial era escasa. - Klimt, al finalizar sus estudios en 1883 formó una Compañía de Artistas junto a su hermano Ernst y otro joven artista Franz Matsch, que contó con el apoyo de su profesor. Los tres jóvenes aprovecharon la gran cantidad de edificios que se estaban terminando en la Ringstrasse para montar el taller. Aceptaban encargos de decoración a precios económicos. El taller fue progresando gracias a las recomendaciones del profesor y también a la calidad de su obra. - En 1887 un gran paso en la carrera de Klimt, el Ayuntamiento de Viena le encarga un cuadro que representara el interior del antiguo Burghtheater. Klimt retrató a los ricos burgueses que llenaban cada semana el teatro. Con esta obra la fama de Klimt creció de forma espectacular y con ella, los encargos de particulares, mucho mejor pagados que la decoración de edificios. - Entre 1886 y 1888 trabajaron en los techos de las escaleras del Burghtheater y en las paredes de las escaleras del Museo Imperial de Historia del Arte. - En 1891 entra a formar parte de la Asociación de Artistas Plásticos, germen de la Secesión. Continúa trabajando los encargos de decoración del Aula Magna de la Universidad de Viena. -1897, es el año de la fundación de la Secesión vienesa y un año después de la revista Ver Sacrum donde exponían las ideas estéticas del grupo. Supuso una auténtica revolución estética, que tuvo una vitalidad inmensa durante los cinco años siguientes. -1905, en los últimos veinte años de su vida se mantuvo muy activo ( los Talleres de Viena, el Grupo Klimt) y su lenguaje absolutamente personal nunca dejó de evolucionarmuy atraído e influenciado por las corrientes europeas. Klimt falleció en 1918 a causa de un derrame cerebral. 6.2 PRIMERAS OBRAS. EL COMIENZO DE UNA CARRERA Aunque la Compañía de Artistas ya había realizado diversos encargos y su fama fue creciendo poco a poco, a mediados de los ochenta recibió un importante encargo del editor Martin Gerlach, la ilustración de la publicación Allegotiem und Embleme para la que Klimt pintó 11 temas. Estos cuadros destacan por el estilo académico y la temática clásica e historicista. 9
    • KLIMT Fábula Idilio El enorme éxito obtenido hizo que le encargara una segunda serie de fascículos. Este segundo encargo ya nos marca un cambio de estilo: sitúa al personaje principal en un fondo plano sin perspectiva uniendo por primera vez lo real y lo abstracto en un mismo cuadro. También destaca el uso de pintura de oro en el lienzo o el marco y la caracterización de la modelo como una imagen clásica. En Amor ya aparecen las figuras de las tres edades de la mujer que tantas otras veces va a utilizar en su carrera artítica. Amor Tragedia Escultura 6.3 LAS PRIMERAS DECORACIONES MURALES Los encargos para la decoración de edificios de la expansión arquitectónica de Viena, La Ringstrasse, fueron en aumento. En esta zona que rodeaba la parte antigua de la ciudad se situaron los edificios más destacados para la sociedad burguesa: la ópera, los museos de arte, los teatros y las lujosas viviendas de la alta burguesía que, intentando imitar a la aristocracia de antaño, gastaban parte de sus beneficios en la compra de piezas de arte y encargos a los más prestigiosos artistas. En 1887 un gran paso en la carrera de Klimt, el Ayuntamiento de Viena le encarga un cuadro que representara el interior del antiguo Burghtheater. Klimt decidió pintar a más de 200 perssonajes muy influyentes en Viena. Recibió encargos que le pedían copias para su colección privada o que querían aparecer en el cuadro El auditorio del viejo Burgtheater. 10
    • KLIMT El auditorio del viejo Burgtheater Ambiente totalmente clásico inspirado en el arte grecorromano y las esculturas antiguas: figuras bien dibujadas con ropajes del pasado ,perspectiva perfecta, gran interés por mostrar realismo y detalles. Entre 1886 y 1888 trabajaron en los techos de las escaleras del Burghtheater y en las paredes de las escaleras del Museo Imperial de Historia del Arte. Obtuvo una importante compensación económica como premio a su trabajo, lo que le permite a partir de ahora trabajar sin la necesidad de aceptar cualquier encargo que se le ofreciera lo que viene a coincidir con un cambio en su estilo pictórico, un punto de inflexión estilístico y temático. Viajó a Trieste, Venecia y Munich, ciudades que ejercieron una gran influencia en su nuevo estilo durante la última década del XIX: sus primeras incursiones en “el mundo del oro” ahora se ven incrementadas. Museo Imperial de Historia del Arte: toman el encargo de finalizar la obra del fallecido célebre pintor Hans Makart. A pesar de la primera intención de seguir el proyecto de Makart, de estilo académico, a Klimt le empezaba a interesar un arte más personal, lo que marcó las diferencias estilísticas y un distanciamiento personal entre él y Matsch. En Arte griego y Arte egipcio las figuras femeninas mostraban ya una serie de rasgos formales que se van a repetir a lo largo de su obra. Prototipo de “mujer fatal” con larga cabellera rojiza. Destaca el contraste entre el rostro de facciones modernas y su atuendo trabajadísimo a la manera de la antigua civilización que representa. En la representación del Arte egipcio aparece por primera vez un desnudo femenino. Arte griego y Arte egipcio 11
    • KLIMT 6.4 LOS GRANDES ENCARGOS PÚBLICOS 1892, a pesar de la crisis personal, pues pierde a su padre y se hermano Ernst, la Compañía de Artistas recibe el encargo más importante de su historia ya que les permitía elegir y realizar los temas que decorarían los techos del nuevo edificio de la Universidad de Viena. La realización de estos murales le llevará años y muchas controversias que serán determinantes en su trayectoria artística, como iremos viendo. Nos vamos a referir a ellos como los “paneles de la discordia”. Durante esos últimos años del s.XIX, Klimt realizó sus primeros retratos de bellas mujeres de la sociedad vienesa.Optó por pintar a la manera tradicional y de forma naturalista. Armonía cromática y posición convencional de la figura que dotan de un aire delicado a las modelos. Sonia Knips 1898 Retrato de dama 1894 Las diferencias estéticas con Matsch y el conocimiento de obras impresionistas postimpresionista y simbolistas desencadenó la disolución de la Compañía de Artistas, gracias a lo cual pudo dejar atrás el arte académico. Lo más importante es que Klimt emprende un proyecto artístico completamente personal y moderno .Su arte puede considerarse ecléctico ya que empleó todas las técnicas en una mezcla muy particular: pintura mural influída por el arte griego y egipcio, fondos planos de la estampa japonesa y el color dorado de los mosaicos bizantinos. Adoptó los temas simbolistas de los grandes misterios de la vida: el nacimiento, la vejez o la muerte. Contenidos que casi siempre están representados en escenas de fuerte valor simbólico donde el erotismo encarnado en la mujer tiene un papel destacado. 6.5 KLIMT Y LA SECESIÓN VIENESA El 27 de marzo de 1897 se funda la Unión de Artistas Visuales de Austria cuyo objetivo principal es el de llevar al arte austríaco al nivel internacional. Austria acusaba graves conflictos a nivel social, económico…en claro contraste con el ambiente idealista. Klimt acabó desvinculandose de este colectivo pues se mantenía al margen de los movimientos vanguardistas de París, Berlín o Munich. El 3 de abril de 1897 Klimt comunicó oficialmente la Fundación de La Secesión Vienesa de Austria. Sus objetivos eran los de mostrar los trabajos de los jóvenes artistas vieneses y enseñar las obras de los grandes artistas europeos que eran desconocidos en Viena. Nunca quisieron realizar un manifiesto pero sí que fundaron en 1898 la revista Ver Sacrum que destacaba por la modernidad de su grafismo, por las ilustraciones en color y por la calidad de impresión. El primer número que se publicó ha servido para entender los ideales que perseguían. Klimt nunca escribió pero sí que dibujó en ella con frecuencia y sus 12
    • KLIMT citas son determinantes. Realizó un dibujo de Nuda Veritas en el que podía leer “La verdad es fuego, y decir la verdad significa iluminar y arder”. Analizaremos la versión de 1899 con más detenimiento pues dentro de su obra supone una nueva visión de la mujer que coincide con el periodo de cambio y acercamiento de Klimt hacia el movimiento simbolista europeo. Nuda Veritas 1898 Nuda Veritas 1899 La primera exposición de la Secesión fue en 1898 y trataba de dar a conocer a los grandes artistas europeos. Fue un éxito absoluto, 57.000 visitantes, 500 obras expuestas y vendidas la mitad de ellas. Se comenzó la edificación del Palacio de la Secesión, sede principal del grupo secesionista cuyo proyecto estuvo a cargo del arquitecto J.M. Olbrich. En la VII Exposición Klimt participó con uno de sus cuadros que iba destinados al Aula Magna, uno de los antes mencionados como “paneles de la discordia”: La Filosofía, que desató violentas críticas en Viena. Sin embargo esta obra fue premiada en la Exposición Universal de París con la medalla de oro a la mejor aportación extranjera. No tenía nada que ver con las obras académicas e historicistas de decoraciones anteriores que tanta fama le habían otorgado. En el panel representa, en contraposición a las ideas tradicionales, la victoria de las tinieblas sobre la luz. En la X Exposición Secesionista la alegoría La Medicina también destinada al Aula Magna provocó reacciones muy parecidas a las del mural anterior, pero las consecuencias fueron aún mayores: no celebra la capacidad de curación de la medicina sino su impotencia ante las fuerzas indomables de la naturaleza. Aparece el tema del ciclo de la vida, tan presente en su obra posterior. 13
    • KLIMT La Filosofía 1899-1907 La Medicina 1901-1907 En 1902, la XIV Exposición dedicó la muestra a Beethoven, la aportación de Klimt fue el famoso Friso Beethoven, primera obra pública en la que utiliza el pan de oro de manera abundante. Es el punto de máximo auge del movimiento simbolista. Los especialistas consideran esta obra como el punto de inflexión en la carrera de Klimt, tanto en su contenido como en la forma de plasmarlo. Las figuras planas dominan el conjunto y tienden a la bidimensionalidad típica de la estampa japonesa. Las fuerzas hostiles detalle del Friso Beethoven El anhelo de felicidad satisfecho en poesía detalle del Friso Beethoven 14
    • KLIMT De nuevo se ve inmerso en numerosas polémicas, llegando a ser acusado de reflejar alucinaciones y obsesiones y caricaturas impúdicas de la noble figura humana. Es una gran composición articulada en una serie de episodios simbólicos sobre la salvación de la humanidad a través del arte hasta culminar en la alegría y felicidad más puras: el Coro de los ángeles del Paraíso. En los años que siguen, 1904-1907 realizará la serie de Serpientes acuáticas pinturas en las que queda patente la sensualidad de su obra, erotismo y belleza se unen a través de cuerpos dinámicos. Las analizaremos con mayor detalle. En 1904 recibe el encargo de decorar el Palacio Stoclet en Bruselas, proyecto para el cual no se le había marcado límite presupuestario pudiendo así, trabajar con total libertad usando materiales muy costosos y demostrar su capacidad de innovar. De nuevo se basa en los mosaicos bizantinos y el tema central era El árbol de la vida en cuyas ramas se irían superponiendo las composiciones principales. La técnica empleada era muy parecida a la marquetería: incrustaciones de plata, bronce, oro, coral, piedra y mayólicas y el fondo de mármol blanco que poco a poco fue sustituyendo por el característico dorado de sus obras. El árbol de la vida 6.6 LA CREACIÓN DE LA KUNSTSCHAU DE VIENA (EL GRUPO KLIMT) Hacia 1905, el grupo de la Secesión vienesa empezó a llegar a su final. En realidad se crean dos colectivos paralelos, uno de ellos fue la Kunstschau (Muestra Artística) más conocida como el Grupo Klimt. Además, cansado de todos los problemas suscitados por su decoración del techo del Aula Magna, el artista decidió dejar de participar en la decoración de edificios públicos y se dedicó a realizar retratos o encargos privados. En 1906 realizó el retrato de Fritza Riedler, vestida de blanco y sentada en un sillón, obra en la que surge un nuevo estilo del pintor: ahora, la ornamentación ocupa gran parte del lienzo. 15
    • KLIMT Fritza Riedler Adele Bloch- Bauer I En 1907 acabó el primer retrato de Adele Bloch- Bauer I obra encargada por el marido para que se mostrara su riqueza. A Klimt lo que más le interesa es el vestido, el rostro no está muy trabajadado: rostro y manos aparecen recortados en un mosaico de formas y colores. Utilizó muchas láminas de pan de oro y pan de plata para dar volumen y mayor protagonismo a los elementos decorativos obteniendo así un efecto de bajo relieve. Este mismo año llevó a cabo también otras de sus célebres obras, El Beso, y la de tema mitológico, Dánae. Estas obras serán comentadas en el siguiente apartado. 6.7 LAS EXPOSICIONES DE LA KUNSTSCHAU DE VIENA Se considera que esta primera muestra fue como un testamento artístico del pintor, pues en ella se expusieron algunas de sus obras más reppresentativas entre 1900 y 1908, etapa conocida como el “periodo dorado” por la gran utilización que el artista hacía de esta tonalidad en sus cuadros. En 1909 se inaugura la segunda exposición del Grupo Klimt en la que se pueden apreciar obras de Van Gogh, Gauguin, Matisse… Las obras de Klimt tenían espacial relevancia, triunfaba en toda Europa: Munich, Berlín, Venecia…recibía premios y reconocimiento internacional. 6.8 LA VUELTA AL COLOR En la Exposición Internacional de Roma de 1911, con Muerte y Vida, obtuvo el primer premio junto con otros pintores. Una vez más el tema es el de las edades del hombre. En el lienzo se aprecia la influencia de Matisse, se sabe que tenía el fondo de oro pero que decidió sustituirlo por un azul verdoso. A partir de este momento el artista dejó de utilizar el “no color”, el oro. Su estilo cambió radicalmente y los colores intensos empezaron a llenar sus lienzos.Se aleja del simbolismo para acercarse a un nuevo movimiento que con el tiempo se conocería como expresionismo. 16
    • KLIMT Muerte y Vida Los paisajes ocupan un amplio espacio en su obra. Carecen de tema narrativo y raras veces aparecen figuras humanas, la gran mayoría tienen formato cuadrado que se caracteriza por el equilibrio. La quietud no es interferida por ninguna actividad o movimiento Los paisajes también variaron y empezó a introducir motivos rurales. En la década de 1910 los paisajes presentan arquitectura, vegetación y agua en una estructura piramidal, buscando el equilibrio y la armonía de elementos. Reduce la gama cromática limitándose a los verdes, malvas, azules y grises. Se trata de lienzos con un estilo propio casi sin relación con el resto de su obra. Uno de los artistas que más le influyeron fue Van Gogh. Realiza obras como EL girasol o El castillo Kammer junto al Attersee. EL girasol El castillo Kammer junto al Attersee Siguió realizando retratos de las damas de la sociedad vienesa en los que el color dorado dejaba paso a una explosión cromática interpretada como un adelanto del expresionismo, Mujer con sombrero y boa de plumas o del fauvismo Friederike Maria Beer. El retrato de Johanna Staude sirve para ver el cambio 17
    • KLIMT que experimentó el artista, como veremos a continuación. No abandona sus composiciones decorativas pero ahora la pincelada es más suelta, rápida y libre, desaparece el detallismo de las obras anteriores. La estampa japonesa tuvo en él gran importancia: elaborados fondos orientales que sustituyen a sus antiguos telones con motivos recurrentes aunque los escenarios siguen siendo ficticios. Friederike Maria Beer 1909 Mujer con sombrero y boa de plumas 1917 6.2 COMENTARIO DE ALGUNAS DE SUS OBRAS Cuando Klimt deja de lado los temas historicistas y académicamente correctos se da cuenta de que los temas principales del simbolismo (los grandes misterios de la vida: el nacimiento, la vejez, los sentimientos, la muerte…) los tiene que adaptar a su particular plasmación de los mismos a partir de escenas de fuerte valor simbólico y donde la sensualidad, encarnada en la mujer, tenía un papel muy destacado. La figura de la mujer ocupa casi toda la obra de Klimt a partir del cambio de siglo. Mujeres de cuerpos sugerentes y estilizados, con impresionantes ropajes que llegan a unificar el fondo con la figura. Rostros jóvenes que se entremezclan con figuras mitológicas que dan más fuerza simbólica y desprenden una carga erótica que escandalizaba a la sociedad tradicionalista del momento. Otra de las características esenciales para entender su obra es la inclusión del color dorado que llena muchos de sus lienzos y que combinó con otras gamas, logrando gran armonía y elegancia en sus obras. La “época dorada” nace del interés por los murales bizantinos medievales en los que el realismo y perfeccionismo del cuerpo humano contrastan en un entorno irreal cubierto totalmente de pan de oro. Por una parte supone un intento de recuperar una técnica antigua de un arte del que se considreraban herederos, por otra, esto le permitía romper con la perspectiva clásica y además dotaba a sus obras de un aura exótica. 18
    • KLIMT 19 6.2.1 LA ÉPOCA DORADA: 1900-1908 Nuda Veritas 1899 Obra de la época de cambio y acercamiento de Klimt hacia el movimiento simbolista europeo. Simboliza la demostración del poder sexual femenino. Mira al espectador y muestra un espejo, símbolo de la verdad. A sus pies, una serpiente que representa la falsedad. El tema de la mujer a partir de ahora se convierte en una obsesión: para el artista las fuerzas capaces de destruir al hombre son la sociedad y la mujer. Imagen sexual y erótica que se plasma por medio de una piel blanca y desnuda que contrasta con la larga cabellera rojiza y el vello púbico. Inicio del tema de la mujer fatal. Judith I 1901 Tema bíblico sobre la mujer que se acostó con un general enemigo , Holofernes, para luego decapitarlo. Klimt fue uno de los creadores de un nuevo arquetipo femenino, la “femme fatale”: la mujer que seduce a un hombre hasta lograr su perdición. No nos presenta el momento de la decapitación, en el cuadro no hay acción, no hay lección moral, sólo una mujer sensual y poderosa, sin remordimientos y victoriosa que ha vencido al hombre. Entre sus manos sostiene, casi acariciándolo, su trofeo. El color dorado domina el cuadro y el marco y destacan el cuerpo semidesnudo de Judith con los ojos entrecerrados y la boca abierta que resalta la carga erótica. No existe tercera dimensión espacial, el fondo está muy ornamentado, a modo de tela.
    • KLIMT Esperanza I 1903 El tema de pintar desnuda a una embarazada no había sido nada frecuente. De nuevo rompe con las normas y se deleita con la sinuosas formas de la silueta de la mujer, en esta ocasión para mostrarla como portadora de vida, confiada ante la constante amenaza que la rodea y concentrada en su estado de gracia. La modelo aparece de perfil en estado de avanzada gestación. De pie, dirige su mirada al espectador e ignora los horrores y el desconcierto que depara la vida. Nos muestra la inseparable unión entre la vida y la muerte. La mujer fatal ha dejado paso a la matrona. Las tres edades de la mujer 1905 Uno de los temas fundamentales de sus obras es mostrar al espectador el “círculo de la vida”, lo inexplicable. Un mundo de mujeres, una desesperada vieja ante la inminencia de la muerte. Figura naturalista que contrasta con la estilización y vitalidad de la mujer joven, capaz de crear vida. Contraste y vinculación por medio de las telas que se enredan en sus cuerpos: inexorablemente la mujer joven algún día envejecerá. 20
    • KLIMT 21 Serpientes acuáticas I y II 1904-1907 La sensualidad de sus pinturas queda claramente representada uniendo erotismo y belleza a través de cuerpos dinámicos : dos mujeres que se abrazan en un medio acuoso compartido con otros seres marinos. El color dorado en esta obra tiene diferentes tonalidades con lo que consigue un gran efecto cromático. Las técnicas empleadas son variadas, como acuarela y temple sobre pergamino, pero lo más destacado es la aplicación de finas láminas de o r o y p la t a . De nuevo se aprecia la total ausencia de perspectiva qu tiende a la bidimensionalidad. Auque estas composiciones lésbicas no constituyeron un escándalo porque ya habían sido tratadas por Toulousse- Lautrec, aquí aparecen con una mayor dosis de simbolismo y decorativismo. Estas formas voluptuosas acuáticas sumergen al espectador en un mundo de evocaciones y alusiones de naturaleza sexual, se trata una vez más de un universo determinado exclusivamente por la mujer.
    • KLIMT 22 El beso 1907 Una vez más coloca a los protagonistas en un espacio plano, sin ninguna intención de situar la acción, con lo que dota a la imagen de mayor simbolismo y carga erótica a pesar de que los protagonistas que se unen en un apasionado beso están vestidos con ropajes muy decorativos. Poca profundidad espacial y bidimensionalidad ornamental. Pocas indicaciones espaciales, sobre un prado cubierto de flores se abrazan y se separan del resto del mundo. La cara vuelta del hombre contribuye al distanciamiento del espectador. Danae o Lluvia dorada 1907 Tema mitológico: Zeus se transforma en lluvia de oro para amar a la joven Dánae. En el cuadro desaparece todo elemento narrativo y nos lo presenta en el momento del acto sexual. Klimt llevó hasta el límite la reducción de la mujer a su sexualidad, uno de los ejemplos más extremos de crear una femineidad autónoma. No es ofensivo, rompe con el tabú (a veces por medio del escándalo) pero al final reprime los prejuicios por medio del lujo y el adorno. Los elementos compositivos son, formas contorneadas y ornamentos curvilíneos que, junto con el color dorado contribuyen a reforzar la erotización del motivo. Perspectiva contorsionada, suavización formal que favorece una percepción serena de esta obra de arte.
    • KLIMT Adele Bloch Bauer I 1907 Este primer retrato de Adele, creado a modo de mosaico supone el punto culminante del “ciclo dorado” de Klimt, representa la máxima integración entre fondo y figura. El naturalismo empleado en el rostro y en las manos contrasta con la proliferación decorativa que llena el resto del lienzo, hasta el punto que la figura parece estar absorbida por los motivos ornamentales, que forman una unidad con el vestido, los cojines y el sillón. Es el ejemplo más elaborado de soberbia decorativa. En los esbozos conservados de esta obra se aprecia cómo a Klimt lo que le preocupaba era el vestido pues en ninguno de ellos trabajó excesivamente el rostro. Tampoco le interesa captar la personalidad de la modelo. La mujer aparece como un elemento de culto, como si estuviera situadada en un altar de gran belleza. La técnica empleada es muy complicada pues utilizó muchas láminas de pan de oro y pan de plata para dar volumen obteniendo un efecto de bajo relieve. Es de destacar el preciosismo utilizado para realizar el collar y las pulseras de brillantes. 23
    • KLIMT 6.2.2 DEL SIMBOLISMO AL EXPRESIONISMO La sexta Exposición de la Secesión se dedicó al arte japonés. En el nuevo siglo la tendencia orientalista ya había influido en muchos artistas de las últimas décadas del s. XIX. En 1854 se volvió a abrir el comercio japonés a occidente con lo que también se inician los intercambios culturales. Los pintores modernos saben apreciar las nuevas soluciones compositivas y estilísticas que les ofrecían las estampas japonesas. Klimt destaca por saber combinar en un solo lienzo las formas orgánicas de los cuerpos con las formas geométricas de los ropajes que los envuelven. En aparece por primera vez una decoración con motivos orientales y el abandono definitivo del dorado. En Friederike María Beer también el fondo atestigua la importancia que tuvo para él la estampa japonesa. Adele Bloch Bauer II 1912 Friederike María Beer 1916 Sus dramáticas composiciones -utilizando a veces extraños puntos de vista, planos verticales y cortes atípicos- subrayan el carácter innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el expresionismo posterior. Muerte y vida 1908- 1911 Reúne gran parte de las características que habían ido dominando sus cuadros. Una vez más presentó una acumulación de cuerpos. La figura femenina que acoge al bebé entre sus brazos evoca a la joven madre de otras obras anteriores. También separa claramente dos grupos en la composición: La muerte y la humanidad, las tinieblas y la luz del lienzo. Las carnes blancas de las mujeres contrastan con la piel curtida de la figura masculina y están unidas por una serie de ropajes decorados con gran cantidad de colores entre los que se distinguen formas que recuerdan símbolos femeninos, como círculos, espirales, etc y otras formas más fálicas, evocación directa del varón. Esta obra supone un punto de inflexión en su estilo. A partir de ahora su interés va a recaer en la plasticidad de la decoración, además de en la explosión del color. 24
    • KLIMT 7. CONCLUSIONES Su arte puede considerarse ecléctico al ser una mezcla muy particular entre los principales movimientos que dominaban el panorama artístico europeo en esos años de cambio de siglo: simbolismo, impresionismo, inicios del modernismo…que hicieron que emprendiera un proyecto artístico toalmente personal. Demostró su modernidad al utilizar todas las técnicas por él conocidas anteriormente y aplicarlas a sus nuevos intereses: pintura mural influída por el arte antiguo griego y egipcio, los fondos planos de la estampa japonesa, y el color dorado de los mosaicos bizantinos que tanto le impresionaron al visitar Rávena en 1903. En su obra predominan los retratos femeninos, las obras alegóricas, los cuadros de la humanidad y los paisajes. Apenas hay variaciones al margen de estos cuatro géneros, dejando de lado la producción por encargo de sus primeras obras. Si se añaden los dibujos a este compendio, todavía resulta más evidente la fijacion de unos pocos temas. Aquello que ha contribuido a cimentar la fama de Klimt, su imagen de la mujer, es lo que de hecho determina su obra. 25
    • KLIMT BIBLIOGRAFÍA Fliedl, Gottfried: Gustav Klimt 1862-1918 El mundo con forma de mujer, Ed Benedikt Taschen Artigas, Isabel: Klimt, Ed. Tikal Smith, Edward Lucie: Vidas de los grandes artistas del siglo XX, Ed. Polígrafa, Barcelona F. Walther, Ingo: Los maestros de la pintura occidental, Tomo II, Ed. Taschen Kliczkowski, H.: Otto wagner y Gustav Klimt, Loft publications, Barcelona, 2003 Enlaces a referencias de Internet: http://www.kiliedro.com/index.php?option=com_content&task=view&id=313 http://www.inesgrimolditeatro.com.ar/criticas.php?id=3 http://arquique.info/loos/loos02.html http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_%28arte%29 http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/12241.htm 26