Principios de la composición

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Principios de la composición

  1. 1. …………………PARA DESCARGAR: En la descripción………..…. FUNDAMENTOS DE COMPOSICIÓN Desde siempre el hombre ha usado el lenguaje visual, recordemos el arte rupestre en las cuevas de Lascaux. El arte rupestre expresa los modos de vida de las primeras comunidades humanas.
  2. 2. En la sociedad contemporánea los procesos de comunicación son masivos y se sustentan en la imagen. La publicidad, la industria del entretenimiento, el desarrollo de la tecnología (hardware y software) y la consolidación de internet han encontrado en la imagen la forma de entablar relaciones con consumidores y usuarios. Las nuevas generaciones crecen siendo impactadas por grandes cantidades de información audiovisual, las relaciones están mediadas por aparatos electrónicos que transmiten esta información de manera eficiente.
  3. 3. I. ¿QUÉ ES LA COMPOSICIÓN? Componer se refiere a la disposición de elementos sobre un plano. Estos elementos son de naturaleza diversa: formas, textos, imágenes, texturas, colores. A través de la composición se relacionan dichos elementos con el objeto de construir y comunicar un mensaje. Henry Schaefer-Simmernhace un estudio sumamente interesante del papel que desempeña el desarrollo de la habilidad para organizar el material visual en la evolución de nuestra capacidad creadora. Pero el esquema diseñado debe poseer asi mismo la cualidad de entidad orgánica, completa y auto contenida. Tal entidad es lo que denominamos composición. Consiste en un sistema de interrelaciones que producen una unidad. Este problema presenta aún otro aspecto. El factor unidad es el único fundamental en la organización del diseño. Para lograr un diseño efectivo, no sólo debemos unir las partes en una totalidad orgánica, sino que tenemos que hacerlo de manera que resulte interesante.
  4. 4. I. PRINCIPIOS DE LA COMPOSICIÓN Los principios de diseño guían a los artistas en la resolución de problemas visuales así como un matemático usa los teoremas para proveer una hipótesis. No obstante, un artista los usa como directrices que no son leyes. Aprenderás que el lenguaje del arte ayuda a organizar un material gráfico, pero no dirige la creatividad para expresar ideas y sentimientos. A continuación listamos algunos de estos principios de diseño y como te ayudan a clasificar un objeto artístico. Prueba y familiarízate con ellos y decide como se usa cada uno en el arte que estás mirando. Después de leer los principios de diseño, puedes visitar los dos museos para ver algunos ejemplos del uso de estos principios. Componer no es otra cosa que aplicar principios, leyes o reglas a elementos dispuestos sobre un plano. Estos principios son nombrados como: 1. Unidad 2. Variedad 3. Contraste 4. Énfasis – Centro de Interés 5. Repetición 6. Ritmo 7. Modulación - trama 8. Movimiento 9. Equilibrio - Balance 10. Jerarquía
  5. 5. A. UNIDAD. Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan uno solo. Cada elemento sobre el plano ejerce fuerzas y tensiones, el conjunto de estos elementos y sus fuerzas - relacionados - se constituye en unidad. El valor de la unidad es superior a la simple suma de elementos. Algunos principios sobre la unidad son:  Continuidad  Repetición  Continuación  Proximidad  continuación 1. Unidad por continuidad. La unidad por continuidad sucede cuando los elementos de la composición se articulan en torno a la construcción del mensaje, si bien los círculos varían en el tono del color esto no afecta la construcción mental del triangulo que se forma en la alineación de dichos elementos. Significando así, que la unidad se construye sin importar la naturaleza de los elementos de la composición.
  6. 6.  Unidad por continuidad. En esta imagen se utiliza una continuidad de puntos que varían de tamaño para generar la forma de la manzana, se utilizan además cuadrados para representar el tallo. 2. Unidad por repetición Uso del mismo elemento, característica o lógica de disposición para construir la composición composición.
  7. 7.  En este caso se repiten color y forma, apoyados en el desplazamiento progresivo dado por la ubicación de cada silla en un punto diferente. 3. Unidad por continuación. La continuación se da por la conexión que expresan los elementos sobre el plano. En este caso la diferencia de tamaños da una sensación de profundidad que transmite movimiento pero también la relación entre ellos.
  8. 8. En este Degas «lección de danza» la continuación está dada por la barra roja que conecta a las bailarinas 4. Unidad por proximidad La cercanía de los elementos hace que los captemos como una unidad.
  9. 9. La proximidad unifica los elementos de la composición.  IMPORTANTE. Cuando se ha logrado unidad sus elementos no pueden ser movidos, ni sustituidos por otros, ni mucho menos quitados, sin que la respuesta formal y funcional sufra alteraciones o desintegraciones. Significa que a través de la unidad el diseño o composición expresa una idea integradora, la cual es única. Esta idea debe prevalecer en la relación e interacción que desarrollen los diferentes elementos que forman parte de un todo. De esto se deduce que aunque todos los elementos que participan en una composición no son iguales deben ejercer reacciones reciprocas entre sí tratando de mantenerse siempre juntos y donde las características propias aportan en beneficio del todo. Esta propiedad no permite que la esencia de los cuerpos sea alterada ya sea por omisión, cambio de posición o remplazo, ya que cualquier cambio o modificación producida cambia o destruye el todo. La unidad es una cualidad básica e importante de todo diseño, pues si no se logra se tendría un caos o crisis espacial y el no haber cumplido con la acción de componer u ordenar un todo.
  10. 10. B.VARIEDAD. Es la organización de elementos contrastantes dentro del conjunto. Se refieren a todos los elementos disponibles para la construcción de la composición. El objetivo de la variedad es despertar el interés. La variedad (también conocida como la alternancia) es la calidad o estado de tener diferentes formas o tipos. Las diferencias que dan un interés de diseño visual y conceptual: en particular el uso de contraste, el énfasis, la diferencia en el tamaño y color. La variedad es una cualidad del contraste, la cual permite la relación de varias formas, figuras o elementos, de formas distintas y con diferentes colores y texturas, pero su uso debe ser racional con mucha lógica, correspondencia y balanceado, por que podría caerse en un desorden y no lograr unidad, convirtiéndose en un muestrario de formas, texturas y colores. La variedad se consigue con la utilización de varios elementos que pueden tener características diferentes, pero que logran armonizarse e integrarse, llegando a formar parte indisoluble de un todo armonioso. Variedad significa tres cosas: 1. PRIMERO: En un sentido, la variedad constituye una parte inevitable del esquema. El contraste es variedad, y ya hemos visto cómo la forma misma se construye a base de contrastes. Tenemos que controlarlos, utilizando el tipo y el grado exactos en el lugar adecuado, para asegurar la unidad. (Un contraste excesivo, o de tipo inadecuado, destruye la unidad). Aun así, el contraste inevitablemente proporciona variedad al esquema. 2. SEGUNDO: Otra clase de variedad es la que está implícita en lo dicho sobre las distintas maneras en que un esquema de figuras puede organizarse en la percepción. Una organización rica en tensión espacial y relaciones de semejanza proporciona variedad. 3. TERCERO: Hay una variedad absoluta, similar a la disonancia en música: algo que está en contraste total con el sistema general de relaciones. Al igual que la disonancia, agrega sabor al conjunto.  Variedad. El contraste y la variedad son importantes en el arte. Si hay demasiado de lo mismo en una obra de arte, esta puede aburrir al espectador. Al igual que puede llegar a aburrirnos el ver la misma cosa día tras día en nuestras vidas, una obra de arte compuesta de los mismos colores y figuras llega a ser monótona. La variedad es el principio del arte que trata de las diferencias.
  11. 11. Resumen. Habíamos dicho que la variedad se refiere a todos los elementos disponibles para la construcción de la composición, tales como:  Formas  Colores  Texturas  Ilustraciones  Fotografías  Contornos  Efectos  Fondos  Tipografías Variedad. Composición creada con variedadde elementos: Colores, textos, formas.
  12. 12.  ENTRE LA UNIDAD Y LA VARIEDAD La unidad o la armonía es la calidad de la totalidad o unidad que se logra mediante el uso eficaz de los elementos y principios del arte. La disposición de los elementos y principios para crear una sensación de plenitud. - Unidad: cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan uno solo. (Por ejemplo cuando tienes muchos cubos formando uno solo) - Variedad: es la organización de elementos contrastantes dentro del conjunto. (Por ejemplo cuando tienes un cubo, una esfera y un cono)  Variedad en la unidad. Hasta ahora, se ha destacado el mecanismo de la percepción visual. Se ha tratado de relacionar los problemas de la organización del diseño con este proceso. Aunque tendremos que volver a considerar repetidas veces cuestiones fisiológicas y psicológicas. Ha llegado el momento de que señalemos una cuestión básica en el diseño, pero accidental en la percepción general. Todo lo que hemos dicho hasta ahora acerca de la organización de la figura vale tanto para la percepción general como para un esquema diseñado. La diferencia consiste en que, en el diseño, dichas fuerzas deben constituir una composición unificada. No basta con establecer formas claramente percibidas en el campo, sí bien ello es también fundamental. Especialmente en el dibujo y en la pintura, la importancia de una clara organización figura-fondo es tremenda, no sólo con respecto al resultado, sino también para el desarrollo de nuestra capacidad de visualización conceptual. La “línea de belleza” de Hogarth simboliza el ideal. Se la ha considerado erróneamente como una sinusoide, pero, en realidad, se trata de una línea inscripta en un cono. A medida que avanza en una espiral infinita, cada parte es distinta de la anterior y, no obstante, mantiene una completa unidad con ella. Por consiguiente, la línea posee unidad absoluta y variedad absoluta. Esa es la finalidad a la que debemos aspirar en el diseño. (Fundamentos del diseño. Colaborado por: Arto. Raul E, Rodriguez, RD.)
  13. 13. C. CONTRASTE. Definido como la contraposición, comparación o diferencia notable que existe entre los elementos. Se puede expresar como la combinación y relación de formas, colores tamaños, texturas, posición de elementos en un espacio definido, buscando una concordancia armónica entre sus partes. Indica también ausencia de monotonía y por el hecho de estar presente indica la existencia de dos o mas elementos. La utilización correcta y sin abusos logra acentuar la relación entre dos elementos que conforman un todo. Sin el contraste se obtendría un vacío estético, traducido en monotonía y simpleza no logrando apreciar en su plenitud las características físicas particulares de cada elemento. El contraste se crea cuando dos elementos son completamente diferentes. Genera un impacto visual completamente atractivo a los ojos. Apoya la organización de la información. El texto sobre el fondo blanco es el contraste más común y usado por todos. Una obra de arte es una composición de tensiones y resoluciones, de equilibrios y desequilibrios, de coherencia rítmica en una unidad precaria, pero continúa. La vida es un proceso natural compuesto por estas tensiones, estos equilibrios y estos ritmos; eso es lo que sentimos, en la serenidad o en la emoción, como culto de nuestra propia vida" (Susanne Langer "Problems of Art"). El contraste puede conseguirse a través de múltiples articulaciones como:  Color  Tono  Forma  Textura  Tamaño  Contorno  Tipografía  Escala En una obra de arte mediante la combinación de elementos para crear interés. El contraste nos ayuda a diferenciar una forma de otra, es el elemento de diseño más importante partiendo de que sin él no se distinguiría una cosa de otra.. En toda obra de arte existe un fondo y una figura, por lo que el contraste es el principal elemento de diseño.
  14. 14. 1. Contraste de color y tono Se da cuando se contraponen colores de valor diferente. El tono tiene mayor fuerza que el propio color en el establecimiento del contraste. Dentro de las dimensiones del color (el matiz, el tono y el croma) el tono domina. Después de la cualidad tonal, el contraste de color más interesante es la se establece en cuanto a cálidos-fríos. Como se ve en el tema color, las gamas frías verdes-azules tienen un carácter regresivo, mientras que las gamas cálidas rojos-amarillos, tienen un carácter expansivo. Mediante la utilización adecuada de la temperatura de color en diferentes elementos de la composición podremos dar mayor dimensión a un determinado elemento o bien dar la sensación de mayor proximidad. El contraste complementario es el equilibrio relativo entre cálido y frío, en concreto Munsell establece, en base a su teoría del contraste simultáneo, que el color complementario es el que se sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de colores. La utilización de tonos muy contrastados, claridad-oscuridad, establecen el contraste tonal. El mayor peso tonal lo tendría aquél elemento con mayor oscuridad o intensidad tonal, a medida que elimináramos tono al elemento perdería fuerza y dimensión dentro de la composición, por lo cual deberíamos redimensionarlo para que siguiera manteniendo su peso en el conjunto del diseño.
  15. 15. El mensaje de esta composición se estructura a partir de contraste generado por los colores verde (fondo), negro (silueta), blanco (producto y textos). 2. Contraste de forma. Este contraste se logra comparando dos o más figuras con formas diferentes.
  16. 16. La composición en construcción que se muestra en la fotografía se propone a partir de la yuxtaposición de formas y colores logrando un contraste llamativo. 3. Contraste de tamaño Contraste generado en la diferencia del tamaño de la forma, el cual rompe el ritmo y enfoca la atención.
  17. 17. En este poster el contraste se genera en la diferencia de los tamaños de las fuentes. (también se genera en el juego de colores, pero para este caso nos concentramos en el tamaño) 4. Contraste de tipografía Este contraste se genera al comparar tipografías de familias diferentes.
  18. 18. La marca del canal “mtv” se construyó a partir del contraste tipográfico, en este caso. La M es un «tipo duro y moderno» sobre la que se ubica la sigla TV Escrita en un tipo suave que evoca un brochazo de pintura. 5. Contraste de tipografía por tamaño En este caso la frase está escrita en una sola familia tipográfica se genera contraste al presentar la palabra life en mayúsculas y en negrita.
  19. 19. 6. Contraste de contornos. Los contornos irregulares ganan la partida en cuanto a atención a los regulare, reconocibles y previsibles. Una forma abstracta atrae mucho más la atención que una forma geométrica conocida. De la misma forma la creación de texturas o trazos diferentes se intensifican cuando las yuxtaponemos. 7. Contraste de escala: El contraste también puede ser conseguido mediante la contraposición de elementos a diferentes escalas de las normales, o la utilización de proporciones irreales. De esta forma estamos negando la experiencia de percepción que puede tener el receptor en cuanto a las escalas de los elementos y por lo tanto creamos una percepción inusual y dramatizamos la percepción del elemento. D. CENTRO DE INTERÉS. Énfasis Si enfocamos nuestra atención en un área de una obra de arte, hacemos que esa área sea dominante. Piensa en el énfasis como en un punto focal que dibuja el ojo en un pequeño lugar primero (o una pequeña escena) y después se vé el resto del objeto. El énfasis controla la secuencia (el orden) con la que miramos un objeto de arte. Otra forma de usar el énfasis es cuando un elemento dominante es tan fuerte que el resto de los elementos están subordinados. Por ejemplo, si un cuadro (pintura) está saturado de color azul, afecta a la visión del cuadro en su conjunto. Los centros de interés visual son puntos de interés que se crean en el fenómeno de la percepción visual humana y la búsqueda de nuestra mente de un mensaje en lo percibido, que definimos como interpretación.
  20. 20. Centro de Interés: vendría siendo como el punto de tensión es donde se va todo el interés del observador, es decir es lo que capta más la atención.  La composición debe estar al servicio del centro de interés. La composición debe provocar en el espectador la urgencia de encontrar el centro de interés. El centro de interés debe ser el elemento dominante que dé sentido a una imagen. El centro de interés no tiene por qué ser único, aunque cuantos más haya, más cuidado deberemos poner en conseguir la claridad de la imagen. El principio de claridad- simplicidad exige uno o varios centros de interés donde se concentra el sentido de la imagen, en torno a los cuales se ordena y jerarquiza la composición. Deberán coincidir con los puntos de mayor peso visual.
  21. 21. El peso y la dirección visual son los principales factores de los que depende el equilibrio de la composición. El concepto del peso visual hace referencia a la fuerza, a la capacidad de atracción de un elemento en la composición. La parte superior de una imagen es más inestable y pesa más que la inferior. Lo mismo sucede con la derecha respecto de la izquierda. Por eso necesitara menores dimensiones reales para ser percibidos como semejantes y transmitir la sensación de equilibrio. La dimisión psicológica de inestabilidad es paralela a la de peso visual: más inestabilidad provoca mayor peso visual. Se debe a dos factores, entre otros: la ley de la gravedad y la experiencia perceptiva así como los hábitos de lectura occidental. Además de la localización, sobre el peso visual influyen otros factores:  El tamaño: en una misma zona de la superficie de la imagen, el aumento de tamaño implica un aumento de peso visual.  Forma: Las formas regulares suelen pesar más que las irregulares.  Color: los colores claros suelen pesar más que los oscuros, y las tonalidades cálidas más que las frías.  Aislamiento: cuanto más aislado se encuentre un elemento, mayor peso visual posee.  Tratamiento superficial: los elementos con un acabado texturado pesan más.
  22. 22. Cualquier imagen puede tener un centro de interés visual, pero no hay que caer en el error del fotógrafo principiante que confunde centro de interés con punto de fugas y perspectiva, ángulos abiertos u cerrado. El centro visual es el climax del interés de una imagen, visualmente hablando es donde su tema principal confluye (Algo visto en los ordenamientos de la Gestalt Figura-fondo): La última cena de Leonardo da Vinci es un buen ejemplo de la antigüedad sobre el manejo del interés en un cuadro, donde la imagen es en un formato tal que tiene diversos centros de interés visual, lo que acaba con el mito de que una foto o imagen solamente debe tener un centro de interés visual:
  23. 23. En realidad una imagen o fotografía pueden tener diversos centros de interés, pero un tema común que se cohesiona en un único centro de interés, imagine una manifestación donde hay una lucha entre policías y civiles, habrá diferentes centros de interés (Contrastes), pero dado que la manifestación y la confrontación de la policía abarca todo el contexto (Relación figura-fondo), hay una correlación implícita que formará un centro de interés que cohesionará la imagen sumada a la intencionalidad de quien fotografía. Un paisaje, una imagen naturalista a su vez puede tener un centro de interés difuso, sin coherencia, casi anecdótico, a pesar de buscar la perspectiva, el adecuado ángulo de color, pues es incapaz de relacionar los elementos, contar una historia, los centros visuales se relacionan con el movimiento o la ilusión del mismo, como un objeto detonante del tema, el fondo por sí mismo carece de centros de interés:
  24. 24. Los puntos de mayor tensión visual existen en la imagen como el clímax de una idea. La potencia de la imagen no se logra por uno ojos más brillantes o una estética armoniosa, es reconocer e identificar el lenguaje de la realidad y transportarlo en una imagen, el soldado llorando nos cuenta una historia, cautiva la atención y el pensamiento: Hay centros de interés naturales y poderosos que capturan la atención del hombre sin mucho esfuerzo que pueden ser bien aprovechados (el poder de los ojos y labios) gracias a su tendencia a crear empatia (alegría, tristeza), rechazo (indignación, molestia), en la foto observamos que la señora enfoca su interés en una forma indefinida, mientras que los que le rodean a ella la hacen el centro de interés, que de forma clara nos informa del contexto:
  25. 25. Un fotógrafo tiene más posibilidades de crear un centro de interés usando la cara franca de una persona, que de otra persona cubierta con una máscara y lentes, los gestos, las muecas y la mirada son grandes elementos que dan contexto a la imagen, la perspectiva y las aberraciones visuales son formas que fuerzan la tendencia sobre un punto de interés, en la imagen de abajo vemos una aberración visual cuyo impacto se origina en su anómala composición donde se aprecia el desequilibrio y la falta de gravedad: Por otro lado, hay quien en una búsqueda vanidosa y pretenciosa de artista de primaria no llega a ningún lado y es torpe al crear interés, sólo por el hecho de que algo sea estético, no significa que posea un centro de interés, al menos uno que los demás entiendan: Para aprender a manejar los centros de interés, no es necesario concentrarse en buscarlos o usar reglas fotográficas demasiada rebuscadas, lo importante está en digerir el contexto en que te mueves, reconocer y manejar la antelación o forma en que se desenvuelven los eventos, ir al lugar del suceso y perseguir la acción o simplemente sentarte y documentarte y reflexionar sobre que quieres decir, en el peor de los casos hacer lo que se hace en la foto de arriba, una composición visual sólo por el hecho de buscar una estética, que finalmente es fallida.
  26. 26. E. REPETICIÓN. Reproducción exacta de los elementos, agrupándose los elementos de acuerdo a la proximidad de unos a otros y a sus características visuales que comparten. La forma repetitiva más usual y sencilla es la lineal, en la que los elementos no tienen que ser totalmente iguales para agruparse, simplemente deben tener un distintivo común pero concediendo individualidad dentro de una misma familia. La repetición puede darse por tamaño, contorno o perfil, y por detalles característicos.  Repetición de Color: Esto supone que todas las formas tienen el mismo color, pero que sus figuras y tamaños pueden variar.  Repetición de Textura: Todas las formas pueden ser de diferentes conformaciones, medidas o colores.  Repetición de Dirección: esto solo es posible cuando las formas muestran un sentido definido de dirección, sin la menor ambigüedad.  Repetición de Posición. Esto se refiere a como se disponen las formas, de acuerdo a una estructura.  Repetición de espacio: Todas las formas pueden ocupar su espacio de una misma manera.  Repetición de gravedad: Es un elemento demasiado abstracto para ser usado repetidamente. Es dificultoso afirmas que las formas sean de igual pesantez o liviandad, de igual estabilidad o inestabilidad, a menos que todos los otros elementos estén en estricta repetición. Variaciones de Repetición La repetición de todos los elementos puede resultar muy monótona. La repetición de un solo elemento puede no provocar la sensación de orden y de armonía que asociamos normalmente con la disciplina de repetición, deben explorarse las posibilidades de variaciones direccionales o espaciales.
  27. 27. F. RITMO El ritmo visual es percibido por tus ojos de forma similar a las notas y y silencios en música. El compás de la música sería la figura y el silencio sería el espacio alrededor de la figura. El ritmo expresa movimiento por la repetición de los elementos. El ritmo expresa movimiento porque tus ojos saltarán (rebotarán) de un lugar a otro en una obra de arte. Los artistas controlan este movimiento alrededor de una obra de arte consiguiendo que los ojos del espectador se muevan en lugar de moverse físicamente la obra de arte. El patrón es una repetición visual. Todos los ritmos tienen patrones, pero no todos los patrones tienen ritmo. Si recuerdas que el ritmo es la repetición deseada para un movimiento mientras que el patrón es fijo, plano y decorativo, serás capaz de distinguir la diferencia entre los dos. El patrón y el ritmo (también conocida como la repetición) se muestra la coherencia con los colores o líneas. Poner una espiral roja en la parte inferior izquierda y superior derecha, por ejemplo, hará que el ojo para pasar de una espiral, a la otra, y todo en el medio. Se indica el movimiento por la repetición de elementos. El ritmo puede hacer una obra de arte parecen activas. RITMO es una sucesión o repetición de elementos (líneas, contornos, formas o colores), los cuales pueden ser constantes o alternos, o afectados por el color, la textura, la forma y la posición, logrando una composición grata, armoniosa y acompasada en la sucesión de elementos. Su presencia hace valorizar la composición ya que le da dinamismo. Dentro de los tipos de ritmo podemos encontrar: - ritmo monótono: caracterizado por su disposición de elementos iguales a intervalos constantes, llegándose a considerar tan natural o común que el observador no llega a percibirlo. - Ritmo dinámico: presenta elementos iguales a intervalos diferentes, o elementos desiguales a intervalos iguales o desiguales, que pueden crecer o decrecer en dimensiones.  RITMO. Entonces, es la repetición de un elemento de la composición.  Ritmo regular  Se obtiene de la repetición de un patrón.  Ritmo progresivo  Representa un movimiento orgánico o natural que se usa para crear movimiento visual.
  28. 28. 1. RITMO REGULAR: Un ritmo regular se da por la repetición uniforme del patrón Las manos enlazadas en la parte Inferior de este poster, se han dispuesto de acuerdo al principio de ritmo regular.
  29. 29.  En este cartel Nazi, que se utilizó para promover los hogares para la formación de juventudes. En esta composición, se usa el principio de ritmo regular al que se le aplica una progresión disminuyendo el tamaño de las imágenes de los jóvenes, que entran a la casa.   El diseño de esta carátula presenta ruptura del ritmo regular, lo que se logra con la Alteración de la posición de las formas y con la escritura de tipos sobre estas. 
  30. 30. 2. RITMO PROGRESIVO Se construye a partir de elementos repetidos, se obtiene alterando cualquiera de las características (color, posición, tamaño) de los elementos, generando una jerarquía visual que determina el «crechendo visual». En este caso se ha modificado el tamaño y la posición de la forma. Para lograr la sensación de movimiento de las formas en esta pieza se ha aplicado el principio de ritmo progresivo. 
  31. 31. G. MODULACIÓN – TRAMA. El modulo: Es un elemento adoptado como unidad de medida para determinar las proporciones entre las diferentes partes de una composición y que se repite sistemáticamente en el espacio. Los Módulos son formas idénticas o similares que aparecen más de una vez en un diseño. La presencia de módulos tiende a unificar el diseño. Los módulos pueden ser descubiertos fácilmente y deben de ser simples o si no se perdería el efecto de repetición.  Repetición de Módulos Si utilizamos la misma forma más de una vez usamos la repetición. Este es el método mas sencillo de diseño, esta suele aportar una inmediata sensación de armonía.
  32. 32. H. EQUILIBRIO o BALANCE. El equilibrio es la organización de los elementos para que nada domine parte de un trabajo, o parezca más pesado que cualquier otra parte. Los tres diferentes tipos de equilibrio son simétricos, asimétricos y radiales. Simétrica (o formal), el equilibrio es cuando ambas partes de una obra de arte, si se divide por la mitad, parece ser el mismo. El cuerpo humano es un ejemplo de equilibrio simétrico. El equilibrio asimétrico es el equilibrio que no pesa igual en ambos lados. Equilibrio radial es igual en longitud desde el centro. Un ejemplo es el sol, con mucho color. En arte el equilibrio te hace sentir como que todas las partes están ordenadas correctamente. Un eje central es una línea divisoria que hace las veces de una escala de medida para ver si los elementos están localizados de igual forma a ambos lados o desde arriba hasta abajo en una obra de arte. Hay dos tipos de equilibrio: formal e informal. Difieren en como los elementos están ordenados alrededor de los ejes. El equilibrio formal se da cuando elementos iguales o muy similares son colocados sobre lados opuestos de los ejes. Puedes ver si los objetos se emparejan exactamente sobre cada lado para la simetría bilateral, o simetría aproximada si hay algunas pequeñas diferencias. El equilibrio radial puede tener 4 o más unidades de emparejamiento y parecer que irradia o sale desde el centro (medio). Esto se da en la naturaleza con las flores o los gajos de una naranja. El Equilibrio es un aspecto fundamental de la composición, es un estado de estabilidad perceptiva o conceptual. Un equilibrio compositivo implica un paralelismo con el de los pesos donde un número de unidades de “A” equivale a otro distinto de unidades de “B”. Existen tres tipos de equilibrio:
  33. 33. 1. Equilibrio axial: se logra el control de fuerzas por medio de un eje central o eje de simetría, es decir los elementos se reflejan como en un espejo, donde existe una repetición de elementos situados a uno y otro lado de su eje de comparación.
  34. 34. 2. Equilibrio radial: da lugar a un movimiento giratorio o de rotación de los elementos con un punto como centro, logrando así el equilibrio o compensación de fuerzas. 3. Equilibrio oculto: depende de la sensibilidad del diseñador, y se basa en una organización espacial tomando en cuenta la forma, el tamaño, posición, textura, peso, y color de los elementos. Se presenta en la naturaleza, y permite al diseñador mayores posibilidades por sus características dinámicas, por su soltura y por no estar regido a movimiento especifico o a eje de comparación. Pero hay que tener presente los requerimientos, pues sino se convierte en desequilibrio.
  35. 35. I. DIRECCIONALIDAD. Las composiciones deben definir claramente las líneas de acción que determinan su forma. Estas líneas son sus directrices, que podemos entender como la línea, superficie o figura que determina las condiciones de generación de otra línea, figura o superficie. Las directrices en un diseño nacen de las relaciones que definen el universo o área de acción, o de los puntos estratégicos que determinan vistas dominantes. Luego pueden ser paralelas a las líneas básicas del espacio o las propias líneas diagonales de la forma del terreno o espacio. También pueden utilizarse otros pares de líneas como ejes conjugados, siendo perpendiculares entre si. Las directrices de un volumen pueden ser verticales, horizontales o inclinadas. Su buen uso debe generar respuestas espaciales que logran unidad armoniosa. I. JERARQUÍA La unidad de una composición requiere que la tensión entre fuerzas y los estímulos causados sean integrados por un elemento dominante. El elemento dominante se encuentra apoyado y complementado por otros elementos en condición de subordinación. Tenemos Jerarquía por:  Orden de lectura  Tamaño  Color  Disposición  Ubicación  Disposición de elementos
  36. 36. 1. Jerarquía por orden de lectura. El orden de lectura está dado por la manera en que culturalmente nos enfrentamos al texto. La lectura se hace de manera lineal. JERARQUÍA POR ORDEN DE LECTURA
  37. 37. En el caso de este comic la jerarquía permite la lectura lineal que construye el sentido de la narración: JERARQUÍA POR ORDEN DE LECTURA Infografía: Que hace la gente en internet.
  38. 38. La infografía “Que hace la gente en internet”, ofrece la siguiente Información: 1. Describe (con texto) las tipologías de los usuarios. 2. Identifica (con íconos y colores) las diferentes tipologías de usuarios. 3. Presenta estadísticas (esquema con los mismos colores asignados a los íconos) con respecto a los grupos de edad más comunes para cada tipología. La jerarquización permite que los elementos de la infografía se conecten y estructuren un todo informacional que posibilita al Lector hacerse una idea de los tipos de usuarios de internet. 2. JERARQUÍA POR TAMAÑO El tamaño de un elemento propicia enfocar la atención. En este caso la atención es enfocada por un elemento de tamaño pequeño.
  39. 39. En este caso la atención es enfocada por un elemento de tamaño grande. 3. Jerarquía por color Veamos el siguiente poster de la película “TOY STORY 3”, aquí se aplica la jerarquía por tamaño, se observa el número 3 en tamaño mayor que las figuras del fondo, el elemento que apoya y resalta el 3 de entre los demás elementos es el color amarillo, para acentuar más la jerarquía se utiliza un contorno azul que en contraste con el amarillo permite la clara diferenciación del fondo. En esta composición se construye un Ritmo (ver la sección dedicada a ritmo) inspirado en el desorden del cajón de juguetes de cualquier niño o niña. El fondo se forma a partir de un montón de juguetes que recuerdan la
  40. 40. manera como se encuentran dispuestos en el cajón que los guarda. Jerarquía por color  La diferencia de color de un elemento con respecto a los demás de la composición es una forma de dar importancia y atraer la atención. JERARQUÍA POR COLOR En esta composición, el elemento que atrae la atención es la flor amarrilla que se destaca entre los grises.
  41. 41. La jerarquía de color también se aplica entre elementos de variado color, el elemento que busca atraer la atención debe presentarse con un color que contraríe la gama de la composición. JERARQUÍA POR COLOR En este poster se aplica la jerarquía de color al incorporar el azul a una gama de cafés, a pesar que son de la misma especie, el azul se hace intenso en medio del beige y sobre el fondo café.
  42. 42. 4. JERARQUÍA POR UBICACIÓN En la jerarquía por ubicación un objeto se torna atractor de atención al alterar su disposición en el plano. Ejemplo un giro (fig 1) o un desplazamiento (fig 2). En el diseño de esta caratula de revista se aplica la jerarquía por ubicación ejemplificada en la figura 1
  43. 43. Jerarquía por ubicación. También se da jerarquía a un elemento dándole una posición privilegiada dentro de la composición, esto permite su diferenciación rápida visualización. En este ejemplo se observa que elementos de naturaleza diferente (la vegetación y las personas) forman un grupo dentro de la composición. El texto LOST atrae la atención porque se fuera de este grupo, en este caso la jerarquía por ubicación se apoya además en el color contrastante con el fondo y en el tamaño del texto el cual es superior si se compara con lo elementos individuales.
  44. 44. 5. Jerarquía por disposición de elementos. Todos los elementos de la composición refuerzan el elemento principal y lo complementan en la transmisión del mensaje. Jerarquía por disposición de elementos. En este caso la palabra atmosphere es definida a partir de las imágenes que recrean cada uno de los componentes del concepto.
  45. 45. En afiche se usa una imagen con estilo precolombino para enfocar la atención y dar inicio a la lectura de la composición que se complementa con el texto ubicado al lado derecho superior.
  46. 46. CONCLUSIÓN. Principios de Diseño Los principios de diseño guían a los artistas en la resolución de problemas visuales así como un matemático usa los teoremas para proveer una hipótesis. No obstante, un artista los usa como directrices que no son leyes. Veremos que el lenguaje del arte ayuda a organizar un material gráfico, pero no dirige la creatividad para expresar ideas y sentimientos. Un principio es la base, el punto, fundamento, origen o razón fundamental. También llamados ideas generatrices, son los conceptos de los que se vale el diseñador para influir o conformar un diseño. Las ideas o principios ofrecen vías para organizar las decisiones para ordenar y generar de un modo consciente una forma. Es decir, se pueden considerar como artificios visuales que permiten la coexistencia de varias formas y espacios, tanto perceptivos como conceptuales, dentro de un todo ordenado y unificado. Estos temas dominantes se deben utilizar con bastante seguridad en la creación de diseños. Con la adecuada elección de una idea o un principio el diseñador empieza a prefijar el resultado formal y el modo como se diferencia de otras configuraciones. Existen muchos principios o ideas, y aquí nombraremos y explicaremos las que consideramos más importantes. VEAMOS OTROS PRINCIPIOS.  Simetría  Eje  Pauta  Transformación  Transición  Unidad  Adición y Substracción  Armonía  Carácter  Coherencia  Claridad  Textura  Proporción  Posición  Plasticidad  Continuidad  Dimensión  Escala  Color  Contraste  Variedad  Sinceridad  Simbolismo  Rigidez  Modulación  Familiaridad  Trama
  47. 47.  SIMETRIA. Distribución adecuada y equilibrada de formas y espacios alrededor de una línea (llamado eje) o de un punto (o centro) común. Lo general es el equilibrio la simetría viene a ser un forma especifica de equilibrio. Tipos de simetría. - Simetría bilateral: distribución equilibrada de elementos iguales alrededor de un eje. Simetría central: elementos equivalentes que se contrarrestan y que se disponen en torno a dos o más ejes que se cortan en un punto central.  EJE. Es el elemento mas elemental para organizar, más o menos regularmente, formas y espacios arquitectónicos. Es una línea que puede ser imaginaria e invisible, que implica simetría, pero exige equilibrio. Al eje se le pueden colocar limites para reforzar la noción, y estos limites pueden ser alineación de una planta o planos verticales que ayuden a definir un espacio lineal que coincida con el eje.  PAUTA. La pauta organiza un modelo arbitrario de elementos a través de su regularidad, su continuidad y su presencia permanente. La pauta puede ser una línea recta, una forma plana o una forma volumétrica. Los elementos se pueden componer siguiendo: - Una línea: crea un límite común; una trama línea crea un campo unificador y neutro. - Un plano: reúne los elementos bajo si mismo o bien actuar de fondo o marco. - Un volumen: congrega a los elementos dentro de sus límites o organizarlos alrededor de su perímetro.  TRANSFORMACIÓN. Son los cambios formales que se producen en los limites del propio elemento. Es semejante a la transición, pero el atributo que se modifica repercute en la forma bi o tridimensional. Mediante la transformación el diseñador luego de seleccionar un modelo arquitectónico típico cuya estructura formal y ordenación de elementos sea apropiada y razonable, mediante manipulaciones ligeras o cambios y permutaciones apenas perceptibles, genera un diseño dentro de las condiciones especificadas. La transformación exige que la composición original sea perfectamente comprendida y captada, y que el diseño resultante mas evidente que el primero, pero sin destruirlo, es decir sobre elaborado.  TRANSICIÓN. Son progresiones limitadas en las que se producen un cambio cualitativo sin la alteración de lo formal. Por ejemplo, abierto a cerrado, de fuera a dentro, de simple a complicado. Cada uno de los sucesivos incrementos que separan las condiciones extremas de la transición hacen referencia a las colaterales y así constituyen un lazo de unión entre las mismas.
  48. 48.  ADICIÓN Y SUBSTRACCIÓN. Es el proceso de anexar o agregar y de segregar formas construidas para crear una arquitectura o composición. Al utilizar la adición se percibe la composición como una agregación de unidades o partes identificables. Al contrario, la substracción se puede conceptualizar como el dominio del conjunto según el cual un observador capta la composición como un todo identificable del que se ha extraído algunas partes.  ARMONÍA. Es la perfecta proporción, integración, interrelación y concordancia de una cosa con otra o de los elementos con un todo. Con este todo armónico se logra a la vez verdadera unidad, donde se nota claramente que cada elemento es un componente indispensable de ese todo.  CARÁCTER. Es una cualidad que permite identificar la función y utilidad de un espacio o elemento, sin necesidad de penetrar en él. Es decir permite advertir cómo es o cómo se comporta sin necesidad de ahondar profundamente. Por medio del carácter las formas tienen un significado y responden claramente a su razón de ser. La expresión del carácter esta impregnado de sencillez, sinceridad, fuerza, unidad armoniosa y perfecto equilibrio. Una composición sin carácter es inexpresiva, carece de valor, de ahí que la forma y la función se interrelacionan armónicamente para brindar expresividad.  COHERENCIA. Es una perfecta relación tanto funcional como formal de los elementos que conforman el espacio o la composición. Es una cualidad de la unidad armoniosa y de toda composición. Se puede lograr si usamos formas repetitivas o frecuentes (usando, por ejemplo, el ritmo), color, textura, detalles, etc, ya que a través de ellos se pueden enlazar los elementos que determinan o componen un diseño.  CLARIDAD. Expresión muy utilizada en el diseño y denota franqueza y sinceridad en el diseño, denota franqueza y sinceridad en la utilización de formas y en la relación de los espacios. Para que exista una claridad física debe existir primero un claridad mental y conceptual. Es decir conocimiento de los conceptos, criterios y teorías de diseño, lo que se puede expresar a través de simplificación de líneas, trazos y volúmenes. La claridad permite mostrar una excelente funcionalidad, cuando los espacios que conforman la unidad fluyen y se relacionan sin complicación y sus formas yo volúmenes se expresan sin recurrir al rebuscamiento.
  49. 49.  TEXTURA. Todos los materiales, objetos, formas, volúmenes, etc, poseen una textura, es decir, representa el acabado final que se muestra al ojo del observador. Entonces, podemos afirmar que la textura es el acabado que tienen los cuerpos en su superficie, presentando sensaciones táctiles y visuales, que pretenden realzar, acentuar y valorizar la superficie de la forma. Puede ser natural, si se aprovecha la terminación final del material empleado. Y aplicada cuando sobre la superficie natural se da un tratamiento diferente al propio, de tal forma que los acabados reciben el nombre de texturizados.  PROPORCIÓN. Es la correspondencia debida entre las cosas y tamaños. Es una relación dimensional entre las partes que constituyen un todo y el todo en relación al espacio donde se debe ubicar, situar o desarrollar. Por eso en la proporción interactúan formas y los tamaños de los elementos con el objetivo de lograr un todo armonioso. El uso adecuado de la proporción es poco perceptible al ojo del observador, solo se nota un todo armonioso. Sin embargo, su uso inadecuado es rápidamente perceptible por que plantea deformidad y desbalance del diseño.  POSICIÓN. Es la ubicación de un elemento o un conjunto de elementos que componen un todo dentro de un universo, espacio o área de acción. Además la posición permite acentuar los elementos, lo cual resulta básico para definir el punto focal o atracción visual de la composición. La posición es importante en todo diseño y base para lograr el equilibrio o balance de formas, para dominar el espacio. Volumétricamente permite la relación de masas en base a un ordenamiento y proporcionamiento lógico de ellas. Edificio símbolo después del ataque sobre Hiroshima, Japón  PLASTICIDAD. Es una característica tridimensional que permite que un material, forma o elemento sea moldeado, producto de una acción externa, lográndose mejores efectos estéticos. La plasticidad se enriquece por los efectos que logran las líneas, las superficies, los planos, las texturas, el volumen y el color. Todos estos aspectos deben estar integrados a fin de conformar un todo armónico. Es decir que la plasticidad tiene como fin primordial lograr efectos visualmente agradables, aristas suaves y bien delineadas, planos bien definidos, figuras estilizadas, líneas y superficies suavizadas a fin de lograr la mejor expresión de la forma. Utiliza las mejores propiedades de los materiales y de los sistemas constructivos para obtener los mejores resultados formales.  CONTINUIDAD. Es el enlace, traslado y seguimiento que debe existir entre los elementos, planos y volúmenes, que son parte de un todo o composición y que sobre todo permite percibirlos como un todo. Por medio de la
  50. 50. continuidad se puede lograr la integración de los diferentes elementos dentro de un conjunto y así apreciar un solo cuerpo. Se puede lograr mediante la utilización del ritmo, de líneas y detalles dinámicos que recorren el todo, que pudiesen rodear o contornear el conjunto. La continuidad permite identificar un objeto o elemento, no importando la cara o plano que se observe, ya que las características del todo se transmiten a los diferentes planos o espacios que conforman la composición. Continuidad no significa igualdad, pues al observar de lado, de frente o desde arriba una composición podemos advertir su presencia, determinando su propia identidad.  DIMENSIÓN. Es la longitud de una línea, extensión de una superficie o volumen de un cuerpo. Se aplica a la geometría del espacio, y en ella se advierte tres dimensiones: largo, ancho y profundidad, y es a través de este espacio que se define o determinan formas o volúmenes que son percibidos por el hombre. En la época griega se genero la Regla de Oro, la cual relacionaba las dimensiones a fin de lograr una proporción armónica en las edificaciones. Además podemos incluir la cuarta dimensión: el tiempo. Se logra incorporar el concepto del tiempo a los espacios en obras cubistas y abstractas.  ESCALA. Es una relación dimensional o de medidas que se relacionan al hombre con el espacio o con los objetos y es a partir de las medidas del hombre que las diferentes escalas de medición surgen, ya que el hombre representa la escala natural y a partir de ella podemos determinar tamaños o dimensiones espaciales, adecuadas y armónicas. Conocemos dos tipos de escala: escala natural: donde el hombre es el centro, razón o patrón del espacio, escala espiritual: donde la razón de la edificación es el patrón del espacio. Se da por medio de la relación de magnitudes entre el destino o función del espacio construido y el hombre.  COLOR. Es una de las sensaciones visuales mas fuertes y de mayor influencia en la percepción visual, pues junto a la claridad, definen cualquier apariencia visual. Se plantean las siguientes cualidades del color, siguiendo las definiciones de Rudolph Arheim: Cromatismo: es el paso muy suave de un matiz a otro. Entonación: armonía establecida sobre las variaciones de un solo color que puede escogerse para todo un espacio. Saturación: es el grado de su tinte.
  51. 51. Luminosidad: es el contenido de gris o negro (cualidad de oscuro) Los colores primarios pigmento son: rojo, azul y amarillo., los colores secundarios son: naranja, verde y violeta. . BIBLIOGRAFÍA Pujagut, Jaume y colaboradores. Desarrollo de un proyecto gráfico. 2010. Editorial Index Book. Barcelona, España. Samara, Timothy. Design Elements: A graphic style manual: Undesrtanding the rules and broken them. 2007. Editorial Rockport. New York, U.S.A. Scott, Robert G. Fundamentos del diseño. 1984. Editorial Victor Leru S. Buenos Aires, Argentina. Williams, Robin. The non-designers design book: Design and typographic principles for the visual novice. 2004. Peachpit press. California, U.S.A. http://grafikdrops.wordpress.com/2011/03/08/03%C2%B0-elementos-basicos-del- lenguaje-visual/ Sitio web Apple http://www.apple.com/es/ipod/ Carly Hitchcock´s Portfolio http://www.behance.net/gallery/Fantail-poster/650538 Mtv y Coca Cola: Let´s celebrate: ttp://rubenslp.com.br/9997/128309/gallery/mtv- coca-cola Pintura Rupestre http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rupestre Composición gráfica http://esturionbeluga.blogspot.com/2010/08/composicion- grafica.html Infografía: http://elantroposofista.blogspot.com/2011/04/que-hacen-los-gringos- en-internet-en.html#axzz1bMS5VeIr

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