1. JESSICA SERRANO
1ºBTO
EL CINE

2. Orígenes del cine
 El cine es la técnica y arte de proyectar fotogramas de forma
rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento,
mostrando algún vídeo. La palabra «cine» designa también las
salas de cine o sala de proyecciones en los cuales se proyectan
las películas. Con ello se intentaba definir el concepto de
«imagen en movimiento». La historia del cine se inicia el 28 de
diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste
Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes
en movimiento. Los Lumière habían inventado lo que muchos
han calificado como la fábrica de los sueños.
El éxito de este invento fue inmediato en toda Europa y América
del Norte, donde Tomas Edison ya había grabado numerosas
escenas que un espectador a la vez podía ver a través de un
kinetoscopio. En un año, los hermanos Lumière crearon más de
500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los
decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la
posición fija de la cámara. Sin embargo, fue George Méliès
quien invento el espectáculo cinematográfico, desarrolló las
nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la luna
(1902) y con Viaje a través de lo imposible (1904), aplicando la
técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos
especiales y la ciencia-ficción filmada.

3. Que se proyecta por primera
vez
 La historia del cine comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando los
hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de
una fábrica francesa en Lyón, la demolición de un muro, la llegada de
un tren y un barco saliendo del puerto.
Los Lumière habían inventado lo que muchos han calificado como la
fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica,
sí, pero de hacer dinero
El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente
el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una
cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que
registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de
reproducirlas. Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva
confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento,
poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de
espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban
indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se
escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado
exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores:
trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes… y, por otro,
representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de
estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de la
fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895) Diferentes

4. CINE MUDO
 El cine mudo es aquel cine que no posee sonido grabado y
sincronizado, referido especialmente a diálogo hablado,
consistiendo únicamente en imágenes. La primera película
muda fue creada por Louis Le Prince en 1888. Era un filme de
dos segundos que mostraba a dos personas caminando
alrededor del jardín roundhay garden, se tituló "La escena del
jardín de Roundhay."
El arte de la cinematografía alcanzó su máxima importancia
antes de la aparición de las películas con sonido, a finales de los
años 20. La calidad visual de las películas mudas era a menudo
muy alta, aunque a veces estas películas presentaban errores
técnicos.

5. PERSONAJES IMPORTANTES DEL
CINE MUDO
BUSTER KEATON
Joseph Francis "Buster" Keaton (4 de octubre de
1895 - 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor,
guionista y director estadounidense de cine mudo
cómico.
Se caracterizó principalmente por su humor físico
mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo
momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de piedra".
En España fue conocido artísticamente como
Pamplinas.

6. EL GORDO Y EL FLACO
El gordo y el flaco fue el nombre que se le puso en
español al famoso dúo cómico Laurel & Hardy,
formado por el actor inglés Stan Laurel (el flaco) y el
actor estadounidense Oliver Hardy (el gordo). Su
carrera como pareja se inició en el cine mudo, en la
tercera década del Siglo XX, y se alargó hasta la
segunda mitad de ese mismo siglo. Considerados
como una de las mejores parejas cómicas del cine,
consiguieron aunar sus diversos estilos de comedia
en una sincronía casi perfecta.

7. CHARLES SPENCER CHAPLIN
Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889, en
Londres. Sus dos padres fueron artistas de music-hall. Su padre,
Charles Spencer Chaplin Sr., fue actor y cantante; mientras que
su madre, Hannah Chaplin, era conocida en el espectáculo bajo
el seudónimo de Lily Harley. Ambos se separaron antes de que
Charles cumpliera tres años. Un censo de 1891 demostró que
Harley vivía en Barlow Street con sus dos hijos
Una enfermedad de la laringe terminó con la carrera de la
madre de Chaplin
En 1903, Chaplin compuso el personaje de Billy en la pieza
teatral Sherlock Holmes, escrita por William Gillette y
protagonizada por el actor inglés HA Saintsbury. Con este grupo,
ofreció espectáculos en diferentes music-halls de Londres y el
interior de Inglaterra. Durante las actuaciones, Gillete guiaba a
Chaplin en su manera sobria de actuar.
Chaplin fue contratado por la compañía Frohman para cumplir
algunos papeles menores hasta mediados de la década en giras
alrededor del interior de Inglaterra y su capital. Al término de su
contrato con Frohman, actuó en cafés, circos y espectáculos de
music-hall de forma exitosa

8. EL CINE SONORO
 El CINE SONORO es aquél en que la película incorpora sonido
sincronizado, o sonido tecnológicamente aparejado con imagen, a
diferencia del cine mudo. La primera exhibición pública conocida
de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900, pero sería
décadas antes de que la sincronización fiable fuera hecha
comercialmente. La primera proyección comercial de películas con
sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva
York en abril de 1923.
Cuando el cine mudo había alcanzado su madurez y la industria y
el negocio habían confirmado su dimensión artística, los avances
tecnológicos del cine facilitaron el rodaje de películas sonoras.
Fueron los hermanos Warner quienes se plantearon recurrir a
alguna novedad con el fin de animar su propio negocio.
Rara vez se exhibían las películas en silencio. Los hermanos
Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que
acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París
y hubo compositores de valía, como Saint-Sáenz que compusieron
partituras para acompañar la proyección de una película.
. En el caso del cine, hay ciertos problemas que no se conseguirán

9.  Sincronización – La imagen y el sonido se grababan y
reproducían por aparatos separados, que eran difíciles de
comenzar y mantenerlos en sincronización.
 Volumen de reproducción – Mientras que los proyectores de
imágenes en movimiento pronto permitieron que el cine se
mostrara a audiencias más grandes de teatro, la tecnología de
audio antes del desarrollo de la amplificación eléctrica no podía
sobresalir para llenar satisfactoriamente grandes espacios.
 Fidelidad de la grabación – Los sistemas primitivos de la era
producían sonido de muy baja calidad a no ser que los
intérpretes estuvieran colocados directamente en frente de los
voluminosos aparatos de grabación
 "The Jazz Singer", la 1º película sonora de la historia.
Desde que en 1927 nace el cine sonoro, la música se convierte
poco a poco en uno de los principales aderezos de un film. Fue
en 1927 en que Al Jolson se destaca en la 1º película sonora.
The Jazz Singer (El Cantante de Jazz). A partir de ese momento
las producciones musicales tendrán esta nueva plataforma, el
cine. La música es el ingrediente preciso para permitir "vivir" una
película. Existe música para momentos de terror, momentos de
suspenso y música para todo tipo de escenas. La música y el
cine son elementos que se unieron, produciendo una amalgama
que difícilmente podrá ser separada algún día.

10. Inicios de Hollywood
 En el caso de Estados Unidos, desde el principio el cine se entendió como un espectáculo dirigido a
un extenso sector de población, como una industria que podía aportar grandes beneficios
económicos. Por tanto, hacer la película atractiva al público era fundamental. En Estados Unidos
interesaba era que la cinta, contara una historia creíble, atractiva y entretenida para el público. Esto
comenzó a interesar a las productoras, que rápidamente se pusieron manos a la obra con sus
inversiones.
En los primeros años el centro de producción de películas se instaló en la costa Este, en torno a
Nueva York. Pero el clima de aquella zona, lluvioso y con largos inviernos hacía perder muchas
horas de rodaje de exteriores, por lo que los cineastas se trasladaron al otro extremo del país, a
Hollywood.
La historia de la meca del cine parte de 1903, cuanto una pareja tejana se establecieron en la
periferia de los Ángeles, en un terreno plagado de acebos. De ahí vendría el nombre, que significa
“bosque de acebos”. Cuatro meses después llegaron los primeros cineastas procedentes de
Chicago y en 1906 ya estaban allí los grandes del cine.
Durante las tres primeras décadas del cine, hasta los años 30, se comenzaron a forjar aspectos que
configurarían la personalidad del cine Hollywoodiense. El star system o el cine de géneros
respondía a lo que el público reclamaba, historias fácilmente reconocibles, atractivas y con el
magnetismo que aportaban las glamorosas estrellas cinematográficas. Era necesario crear estrellas
para atraer al público a las salas.
Además, en el cine norteamericano de los años treinta se empezaron a forjar diferentes géneros: el
musical, el cine negro, el cine de aventuras, el cine de terror, etc.

11. AÑOS CUARENTA Y
POSGUERRA
 La década de los 40 estuvo marcada por la II Guerra Mundial, que alteró el normal desarrollo económico
y cultural de los pueblos. La economía de paz se transformó en economía de guerra, y la industria del cine
se vio sometida a los imperativos derivados de la contienda.
Antes de la guerra, en 1940, George Cukor realizó una de las comedias más sublimes del cine, Historias
de Filadelfia (The Philadelphia Story) . Pero el panorama cinematográfico cambió con el ataque de la
aviación japonesa a Pearl Harbour en 1941, que determinó la entrada de Estados Unidos en el conflicto.
Hasta esa fecha la Comisión Clark-Nye vigilaba las películas excesivamente antifascistas, para
salvaguardar la neutralidad del país, y de ahí las dificultades de Chaplin con El gran dictador en 1940.
Con la entrada de EE.UU. en la guerra se creó en 1942 la Office of War Information (OWI) que produjo
documentales y películas de propaganda. La OWI amplió las restricciones que imponía el Código Hays y
llegó a supervisar los guiones de Hollywood para orientar los argumentos evitando la crítica a los valores
familiares o militares. Muchos grandes realizadores como John Ford, Frank Capra, William Wyler, Billy
Wilder o John Huston participaron en films de propaganda, explicando al país, a través de sus
documentales, las razones de la lucha y los métodos estratégicos que habrán de conducir a la victoria.
Los años de la guerra cierran el período de esplendor de una excepcional generación de
Hollywood.También comienza a extinguirse la estrella de los hermanos Marx. Un ambiente negativo en el
que aparece el genio excepcional de Orson Welles, una joven promesa procedente del teatro y de la
radio, que llegó a Hollywood cuando la guerra está a punto de estallar.
En la etapa de posguerra, el cine vive una época de esplendor en diversos países como Italia
(neorrealismo), Francia (cinèma de qualité), Estados Unidos o Gran Bretaña, mientras que el cine español
quedará marcado por la dictadura franquista establecida tras la Guerra Civil.

12. ITALIA Y EL NEORREALISMO
 Con la caída del fascismo, el cine italiano inició una nueva era libre de la censura oficial
a la que había estado sometido. Entre los autores rebeldes y personales
destacaba Luchino Visconti (Vd. Autores), que había iniciado su carrera
con Ossessione , una película que iba contra la corriente retórica e insustancial del cine
oficial del fascismo. De hecho era una adaptación libre (para no pagar derechos) de la
novela negra de James Cain El cartero siempre llama dos veces, de la que Hollywood
hará dos versiones. El retrato que hace Visconti de ambientes vulgares habitados por
gentes comunes, rodados en los propios escenarios naturales, dota a esta obra de una
veracidad que choca con todos los tabúes establecidos, por lo que será prohibida por la
censura.
 En 1943, el director Vittorio De Sica, realizó I bambini ci guardano, retrato de un drama
familiar visto a través de la sensibilidad de un niño y Michelangelo Antonioni el
documental Gente del Po, dos obras que se sumaron a la corriente realista que iba en
contra del cine oficial. El Neorrealismo se inició oficialmente en 1945, cuando Roberto
Rossellini realizó Roma, ciudad abierta , en la que narraba los últimos días de la
ocupación alemana en Roma y Camarada, donde narra la lucha de la Resistencia,
acontecimientos tremendamente recientes, retratados con un vigor y un aire de
autenticidad que dará pie a un movimiento que aportará a la historia del cine algunas de
sus más grandes obras.

13. ORSON WELLES
 Poco antes de que estallase la II Guerra Mundial, el 30 de octubre de 1938, Orson
Welles (1915-1985) llevó a cabo una interesante experiencia de consecuencias imprevisibles,
consistente en la adaptación radiofónica deLa guerra de los mundos de H. G. Wells. La emisión
provocó tal impacto que Welles fue fichado por la R.K.O. con un contrato sin precedentes para
un actor y director teatral sin experiencia en cine.
A partir de ahí, este insigne director, uno de los grandes del cine, vio marcada su vida por el
éxito de sus obras y por la polémica que suscitaban sus enfrentamientos con la industria de
Hollywood. Welles contribuyó considerablemente, con sus películas de hondo calado
psicológico, a la renovación y consolidación del lenguaje cinematográfico.
Su Filmografía
En 1941, y con tan sólo 25 años, culminó su primera película, Ciudadano Kane (Citizen Kane)
(1), auténtico mito cinematográfico por lo atrevido de su argumento, pero sobre todo por su
lucidez narrativa. La película está marcada desde el punto de vista de la realización por una
impronta cuasi revolucionaria, nunca vista en Hollywood desde que en 1914 D.W. Griffith diera a
la luz El nacimiento de una nación.
En 1942 rodó El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons), retrato social de una
América con profundos arraigos clasistas. Esta nueva incursión en la polémica, sumada a los
proyectos inacabados de It's All True (1942) y Estambul (1942), le enfrentó con la industria y le
obligó a abandonar Estados Unidos, una decisión en la que también influyó el clima de la "caza
de brujas", no sin antes rodar Macbeth (1948). Como actor, Welles trabajó infatigablemente,
interpretando muchas varias películas por año. Algunas de sus actuaciones, como la de El
tercer hombre (1949), son memorables. Sus interpretaciones de Otelo, Kane, Falstaff y otras
muchas en las que se dirigía a sí mismo, hacen ver que su talento como actor es tan grande
como el que manifestó en otras muchas facetas.

14. CINE MODERNO
 El cine moderno es la época cinematográfica que comienza en los años 70 y termina en los 80
con la introducción del cine posmoderno. A diferencia del cine clásico, el cine moderno busca
separarse de las películas con una trama y un mensaje claro y constante.
El cine moderno comienza tras el declive del sistema de estudios de Hollywood y el fin
del código Hays a finales de los años 60. Debido a esto, durante los 70 los cineastas
comenzaron a incluir en sus películas contenido sexualmente explícito y escenas de violencia
muy gráfica. Podemos apreciar las características del cine moderno en las historias del cine
negro de los años 40 y 50 en las que se observa el uso de finales inesperados, personajes con
una moralidad oscura y enigmática y diferencias muy difusas entre el protagonista y el
antagonista. En 1971 salieron Perros de paja y The French Connection, las primeras películas
que causaron controversia debido al aumento de la violencia en el cine.
En los años 70 surgió un grupo de cineastas como Francis Ford Coppola, Steven
Spielberg o George Lucas que consiguieron mucho más control sobre sus proyectos de lo que
les habría sido posible conseguir anteriormente. Esto dio lugar a unas películas muy exitosas
como El padrino, Star Wars y Encuentros en la tercera fase. El éxito de películas como Star
Wars y Tiburón dieron lugar a la creación de los Blockbusters, películas con un alto presupuesto
e inmensas campañas publicitarias.
También surgió en los 70 un gran incremento el género de artes marciales, gracias a Bruce
Lee y su renovado estilo Jeet Kune Do, que le daba un mayor realismo a las escenas de acción.
De este modo el cine de acción de Hong Kong comenzó a recibir fama con estas películas que
cambiarían a un tono más cómico con Jackie Chan en los años 80 tras una pérdida de
popularidad.

15. Avances tecnológicos S.XXI
 A través del tiempo el hombre ha buscado diversas formas de comunicarse, por esta razón los
avances tecnológicos en las comunicaciones como la internet, la telefonía móvil, y demás nos
permite estar más cerca de los que amamos, además de ello son herramientas útiles para las
actividades diarias. Con el tiempo la tecnología se ha vuelto indispensable para nuestro vivir,
Los avances tecnológicos se han mejorado a través del tiempo, siempre buscando facilitar la
vida diaria del ser humano, creando nuevas tecnologías ante cada necesidad.
 El internet es una herramienta que ha permitida que las personas acorten distancias,
la tecnología es indispensable para el trabajo .Muchas personas han podido perder la timidez
con el uso de la Internet.
 La tecnología es importante para la humanidad, ya a medida que pasa el tiempo todo va
cambiando y tenemos que ir avanzando con todas las cosas que hasta el día de hoy
conocemos, veamos como es de genial la tecnología recordemos aquellas épocas en donde
para poder comunicarnos con otras persona o con nuestros familiares teníamos que hacerlo
por teléfonos fijos.
 Así, como los avances que las comunicaciones han tenido también tenemos una gran cantidad
de avances tecnológicos y científicos que en realidad nos impresionan cada vez que leemos
un artículo de un nuevo avance científico nos damos cuenta de que los seres humanos
tenemos una capacidad infinita de crear e innovar en los inventos y avances que
cada día estamos necesitando. es tal la cantidad de invenciones que hay actualmente que
no llegaríamos a enumerarlos,.