1. HISTORIA DE EL ARTE: PORTAFOLIO
JUDITH FLORES
ALFONSO GONZALEZ HERNANDEZ (129170)

2. INTRODUCCION:
• ESTE PORTAFOLIO ABARCA DOS TEMAS LOS CUALES
SON :
• ESCULTURA GRIEGA Y PINTURA GOTICA
• ABARCA LAS ETAPAS DE LA ESCULTURA GRIEGA Y SE
ANALISAN LAS POSTURAS Y QUE FILOSOFIA TENIAN
LOS GRIEGOS ASIA ESTE TIPO DE ARTE DESDE
SIMPLEMENTE ESTETICA A FILOSOFIA HE INSPIRACION
PARA LOS CIUDADANOS COMO MODELOS A SEGUIR.
• EN LA PINTURA Y ESCULTURA GOTICA SE ANALISA EL
PORQUE LA MAYORIA DE LAS OBRAS ERAN RELIGIOSAS
YA QUE ERAN FABRICADAS PARA ESPARCIR LA PALABRA
DE DIOS A LA GENTE QUE NO SABIA LEER.

3. ESCULTURA GIRIEGA
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SE DIVIDE EN 3 ETAPAS

Arcaico

Clásica

Helenística
ETAPA ARCAICA
LA MAYORIA DE LAS ESCULTURAS DEESTA EPOCA SON Los kuroi son esculturas de carácter votivo de atletas
triunfadores.
CARACTERISTICAS

Perfección del cuerpo humano

Atletas

Geometrismo
siglo VII–VI a. C

Frontalidad

Rigidez.
GEOMETRISMO

Se caracterizan por un tratamiento de la anatomía corporal, en el que zonas como el cabello o la
musculatura se disponen como figuras geométricas o en torno a ejes, verticales y horizontales, que definen partes
simétricas.

En general, se distinguen por un tórax excesivamente abombado y un abdomen muy reducido, lo que
resulta desproporcionado. La representación de la rodilla se solventa dándole forma de trapecio invertido. El
cabello se geometriza y otros rasgos característicos son los ojos almendrados y labios cerrados o, a lo sumo, el
labio superior levantado, intentando una sonrisa mecánica que se denomina «sonrisa arcaica».

4. 
Este tipo de escultura está pensada para ser vista de frente siguiendo el modelo egipcio y
acusa el principio de simetría. Hasta la época clásica no comenzaron a realizarse esculturas
para ser miradas desde cualquier punto de vista. Sin embargo, algunas de las esculturas
clásicas seguían contando con esta característica ya que se esculpían para estar situadas
en nichos o ábsides.
RIGIDEZ

La obra se disponía siempre siguiendo determinados convencionalismos. Se situaban los
brazos pegados a lo largo del cuerpo con los puños cerrados y una pierna algo adelantada
aunque plantada en el suelo en un tímido intento de reflejar el movimiento.
INEXPRESIVIDAD

Las figuras no aparecen mostrando sentimiento alguno, esgrimiendo únicamente la típica
«sonrisa arcaica» anacrónica, que parece tener objetivos formales de reforzamiento de la
boca. Esto es debido a que el objetivo de la escultura era transmitir la sensación de
fortaleza y plenitud física del joven triunfador.

5. KUROS

7. CLASICO
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Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y posturas menos forzadas.
Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores se afanaron en la búsqueda de la perfección y la belleza ideal,
aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias, Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.

Expresividad y realismo
la Escultura griega clásica ha sido considerada durante mucho tiempo la cima del desarrollo del arte escultórico en
la Antigua Grecia. Se suele tomar como un punto de partida aproximado para describir esta escultura clásica el
año 450 a. C. que fue cuando apareció un tratado sobre las proporciones del cuerpo humano escrito por Policleto;
su final está marcado por la conquista macedónica sobre Grecia en el 338 a. C., momento en el que el arte griego
comienza una gran difusión hacia el oriente, de donde recibió influencias, cambió su carácter y se convirtió en
cosmopolita, en la etapa conocida como el periodo helenístico. Es en ese momento cuando se consolida la
tradición del clasicismo griego, tomando al hombre como la nueva medida del universo, y cuyo reflejo en la
escultura es la primacía absoluta de la representación del cuerpo humano desnudo. La escultura clásica desarrolló
una estética que combinaba los valores idealistas con una representación fidedigna de la naturaleza, pero evitó la
caracterización y la interpretación excesivamente realista de las sensaciones emocionales y permaneció por lo
general en un ambiente formal de equilibrio y armonía. Incluso cuando los personajes se encontraban
representados en escenas de batalla, su expresión no reflejaba la violencia de los hechos.
POLICLETO

Policleto fue, el primero en sistematizar estos valores y conceptos aplicados a la escultura en un tratado,
El Kanon —norma en griego—, en el que el artista realiza un modelo de representación ideal de la belleza y la
realidad, libre de características o variaciones individuales. La belleza del cuerpo se encontraba en la
proporcionalidad de todas sus partes entre sí: la cabeza debía ser la séptima parte de la altura total, el pie dos
veces la longitud de la palma de la mano.

9. FIDIAS
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
En cuanto a Fidias, fue quizás el escultor más célebre de los griegos. Su obra
heredada de la austeridad del estilo severo, la combinó con los logros de Policleto,
y fue apreciada por el alto idealismo y el ethos que expresaba. Como director de la
decoración del Partenón, supervisó un grupo de artistas con preparación y
tendencias diversas, que hizo que el resultado general fuese bastante
heterogéneo, mostrando señales del estilo severo y otros más avanzados,
naturalistas, y con una calidad siempre de primer orden. Este conjunto, a pesar de
que fue la realización escultórica más ambiciosa del Alto clasicismo, no se puede
tomar como una medida de su talento y estilo personal. Su éxito entre sus
contemporáneos y su permanente recuerdo derivan, principalmente, de sus
colosales estatuas de culto de Atenea y Zeus, instaladas respectivamente en la
Acrópolis de Atenas y en el Templo de Zeus Olímpico (Olimpia). Ambas eran
esculturas criselefantinas o sea que estaban cubiertas de oro y marfil; causaron un
gran impacto en su época y en la actualidad están desaparecidas. La Estatua de
Zeus en Olimpia, está considerada como una de las siete maravillas del mundo
antiguo; lo único que permanece son descripciones literarias e imágenes grabadas
en las monedas de la época, pero de la Atenea Partenos, realizada en el año 438 a.
C., sobrevive una copia romana del siglo II a. C. llamada Atenea Varvakeion, la que
puede, por lo menos, dar una idea sobre lo que pudo ser la original.

11. De la escuela de Fidias
venus de milo

12. HELENISTICA
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
Usualmente se considera como período helenístico el comprendido entre la muerte de
Alejandro Magno, en el 323 a. C., y la conquista del Antiguo Egipto por los romanos en 30 a. C.2 o
más exactamente en 31 a. C.

Formalmente las características generales de la escultura helenística derivan principalmente
de la obra de tres grandes artistas: Escopas, Praxíteles y Lisipo, que lideraron la transición de la
escultura griega clásica al periodo helenístico, a mediados del siglo IV a. C.26 En términos de la
expresividad y su carácter narrativo, su producción tiene mucha más relación con el helenismo que
con el Alto clasicismo que lo precedió, aunque en el terreno del estilo, dicho origen clásico
permaneció evidente. Se inició el proceso de abandonar la idealización para trazar la
representación a nivel humano, incluso cuando se trataba de imágenes de divinidades.

preocupación obsesiva por el destino y su carácter imprevisible y cambiante, visible en la
proliferación de escritos filosóficos

Un sentido de la teatralidad de la vida, que se refleja en el gusto por el espectáculo, las
grandes manifestaciones públicas de la pompa real, discursos dramáticos y apasionados por los
oradores, las fiestas profanas y religiosas suntuosas y estimulantes para los sentidos,30 y esculturas
donde el sentido del drama, emoción, movimiento, agitación o éxtasis, fue buscado
intencionalmente en un estilo con contenido narrativo y retórico.

Pulen todo de la etapa del clasismo esforzándose por una perfección

13. LOACOONTE Y SUS HIJOS
• En los mitos griegos se relata que, durante el
asedio de Troya, dos serpientes fueron enviadas
por Apolo, Poseidón o Atenea,y atacaron a
Laocoonte, sacerdote troyano de Apolo, y a sus
dos hijos. Las versiones que relatan este episodio
son numerosas y se discute si el grupo escultórico
debió haberse basado en el relato de Virgilio en la
Eneida, en el que morían Laocoonte y sus dos
hijos, o en una versión anterior narrada en un
poema perdido del ciclo troyano, la Iliupersis,
donde morían Laocoonte y solo uno de los hijos.

14. Gálata moribundo

15. ESCULTURA Y PINTURA GOTICA
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ANTECEDENTES DE EL ESTILO GOTICO
El estilo gótico fue, en gran parte, el resultado de establecer un nuevo vocabulario visual para la
representación de imágenes, y del debate que se produjo en torno a algunos conceptos de la
religión cristiana. Uno de los puntos más importantes de este debate fue la validez de la
representación de las imágenes sagradas, un problema que databa desde el propio origen del
cristianismo. El cristianismo primitivo tenía una aversión hacia la figuración de personajes sagrados,
una reserva que había sido heredada de la religión judía que prohibía la creación de imágenes de
culto, por temor de caer en la idolatría. Una orden explícita contra este tipo de representación
provenía de los Diez mandamientos, ya que el tercero de ellos determina: No tendrás otros dioses
delante de mí. Por otra parte, la antigua tradición clásica pagana, que proporcionaba los elementos
esenciales para la formulación de la nueva fe, estaba completamente a favor de la representación
de los dioses. Estas dos tendencias se mantuvieron en fricción constante durante toda la Edad
Media. Una de las primeras declaraciones a favor de la representación cristiana vino del papa
Gregorio Magno quien, hacia el año 600, en cartas al obispo de Marsella definió los principios a
seguir. El papa decía que, al igual que en las cosas materiales, las imágenes no debían ser adoradas
pero tampoco destruidas, porque la representación de escenas de la historia sagrada y de
personajes bíblicos eran útiles para la enseñanza de la doctrina a la masa analfabeta, «que podían
leer en ellas lo que no son capaces de leer en los libros», y su contemplación podía conducir a la
contemplación de Dios.

16. ESCULTURA GOTICA
• Comienza siendo tan dependiente del marco
arquitectónico como en el periodo románico, con
paulatinos cambios: el abandono de los capiteles para
los relieves narrativos que pasan a ser soportes
decorativos. la mayoría de las veces muestran fauna y
flora de la región; las arquivoltas de los pórticos pasan
de ser decoradas en sentido radial para serlo en el
sentido de los arcos (ahora apuntados); el altar mayor
dispondrá de retablos cada vez más complejos, que
pueden ser pictóricos o escultóricos habitualmente de
madera policromada.

18. •  La expresividad cambia, haciéndose menos hierática y más
emotiva, reflejando sentimientos (dolor, ternura, simpatía),
acentuando la tendencia del último románico (por ejemplo el
Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela), y en
el contexto de una nueva mentalidad, más urbana y próxima a los
conceptos filosóficos de hombre y naturaleza en la filosofía
escolástica y la renovación de la espiritualidad —herejías
medievales, San Francisco de Asís—. Por ello la representación de
las escenas de la vida de Cristo se hacen desde una perspectiva más
humana, con el fin de acercarlo a la experiencia vital de cada fiel:
desde el Nacimiento hasta la Crucifixión de Cristo se reflejan
sentimientos y emociones. El Cristo crucificado pierde la rigidez y se
representa un cuerpo más pesado y que sufre.

20. GOTICO PRIMITIVO
•  La prueba del éxito de la escultura es la gran
proliferación de representaciones sagradas que
se produjeron durante la fase final del románico.
Entre los siglos XI y XII, se establecieron un
conjunto de motivos temáticos y unas formas que
eran las más adecuadas para transmitir la
doctrina religiosa. Ya en el siglo XII, la aparición
de la principal iconografía románica, la de la
decoración de los tímpanos, coincidió con la
llegada de los primeros ejemplos del gótico, junto
con la introducción del arco apuntado y el
arbotante en la parte arquitectónica.

21.  Tímpano de la Basílica de SaintDenis

22. Portada central del pórtico oeste de la
catedral de Laon.

24. GOTICO CLASICO
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
Hacia el 1200, el estilo original se transformó impulsado por el creciente
interés por el naturalismo, es la segunda etapa de la evolución del gótico, llamada
gótico clásico, pleno o protogótic.En esta transición tuvieron un papel importante
los artistas del valle del Mosa, y de forma especial Nicolás de Verdún y Renier de
Huy, los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gótica, que
destacaron por sus trabajos de orfebrería y bronce.

En las catedrales de Reims, Amiens y Notre-Dame de París, el estilo gótico
quedó fuera de la influencia románica y sus estatuas presentan un naturalismo
bastante avanzado; las esculturas son independientes de las columnas. En este
periodo de la Edad Media apareció por primera vez el uso del contrapposto; este
recurso técnico pretendía dar más gracia y movimiento a las imágenes, que eran
presentadas en actitudes más dinámicas y se realizaba un tratamiento de los
volúmenes anatómicos que, en muchos casos, ya no quedaban ocultos por la ropa.
El contrapposto gótico, visto desde el exterior, difería del clásico por una
apariencia más pronunciada que no era el resultado del tratamiento anatómico;
era más ornamental.

25. NOTRE DAME

26. PINTURA GOTICA
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
La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del
año 1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La
transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los
comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios
del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia
septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se
extendió durante más de doscientos años.

Caracteristicas:

Naturalismo cada vez mayor comparado con la simplicidad del romanico

La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del
renacimiento.

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos.
Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población
analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones.
Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también
crearon figuras persuasivas, con perspectiva. En efecto, se produjeron lentos avances en el uso de la
perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que
permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.

27. TECNICAS
•  Pintura mural:
•  La pintura mural o frescos siguieron usándose
como el principal medio para la narración
pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur
de Europa, especialmente en Italia, como una
continuación de las tradiciones cristiana y
románica anteriores. Fuera de Italia no se
cultivaron mucho. Italia, apegada a la forma
basilical de las iglesias, conservó mayor extensión
en los muros para las pinturas y mosaicos que
narrasen historias religiosas.

28. Madonna con ángeles y San Francisco, obra de Cimabue, hacia 1280, pintura al fresco
ejecutada en la iglesia inferior de Asís

29. VIDRIERAS
•  Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de
Europa, las vidrieras fueron el arte preferido
hasta el siglo XV. El desarrollo de la Arquitectura
gótica con la progresiva sustitución del muro por
grandes ventanales con vitrales de colores que
permiten el paso hacia el espacio interior de una
luz polícroma y matizada, implicó, en las grandes
catedrales góticas de Francia, a la prálctica
desaparición de la pintura mural que se había
desarrollado ampliamente en los muros de las
iglesias románicas.

30. Vitral de la cabecera de la Iglesia de San Pedro de Caen (Siglo
XIII). Normandía, Francia.

31. MINIATURISMO HE ILUSTRACION DE
LIBROS
•  Los manuscritos iluminados representaron la más
completa documentación de la pintura gótica, registrando
en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos en
lugares donde no han sobrevivido otras obras
monumentales. En la pintura de los códices (o miniaturas),
sobre todo en Francia, buscando la realidad y delicadeza en
las figuras, todavía les faltaba mucho a éstas para ser
modelos en dibujo y perspectiva.
•  Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones :
pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras
iniciales o en diversos compartimentos como medallones,
arabescos etc. Se llamaban miniaturas porque se realizaban
con minio, u óxido de hierro, mezclado con colorantes
naturales.

33. PINTURA SOBRE TABLA
•  Aunque se ha dicho que la pintura gótica tiene su espacio
propio en los grandes vitrales de las Catedrales y en las miniaturas
polícromas de los libros, lo cierto es que la pintura propiamente
dicha donde subsistió fue en los retablos, las tablas pintadas que
forman los frontales o los laterales de los altares y en los muros de
las capillas laterales. Puede diferenciarse, además, entre los
retablos, que son tablas pintadas o esculpidas que ornamentan los
altares de las iglesias, y las tablas de devoción, individuales, de
menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares.
•  Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo
o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la
última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando
así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular
hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte
renacentista.

34. Maestá del Duomo de Siena, obra de Duccio di Buoninsegna, una de las obras más famosas de la
pintura italiana; temple sobre madera, 214 x 412 cm Museo dell'Opera Metropolitana del
Duomo, Siena
.

35. CONCLUSION:
• ES MUY INTERESANTE NO SIMPLEMENTE VER
LAS OBRAS DE ARTE DE OTRAS EPOCAS SINO
ESTUDIAR EL CONTEXTO HISTORICO SEBER
PORQUE LASOBRAS SON ASI PARA LAS
PERSONAS DE LA EPCOCA ERA FILOSOFIA Y
CONOSIMIETROS RELIGIOSOS TRASMITIDOS A
TRAVES DE EL LA PINTURA Y ESCULTURA , Y
HAORASBIENDO TODO LO QUE VI EN EL
SEMESTRE CREO QUE HAORA APRECIARE DE
OTRA MANERA EL ARTE.,