El Arte Después De Las Vanguardias
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El arte después de las Vanguardias

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    El Arte Después De Las Vanguardias El Arte Después De Las Vanguardias Presentation Transcript

    • EL ARTE DESPUÉS DE LAS VANGUARDIAS
    • EL ESCENARIO ARTÍSTICO DE NUEVA YORK EN LOS AÑOS CINCUENTA
      • Tras la segunda guerra mundial la situación en Estados Unidos era muy diferente a la europea.
      • Sus ciudades no habían quedado devastadas y la vida cultural no se había interrumpido.
      • América empieza a recibir migración de intelectuales tras la guerra, trasladándose de París a Nueva York el liderazgo como capital artística.
    • Los expresionistas abstractos eran el reflejo de todas las vanguardias;
      • la interacción del color
      • la abstracción geométrica
      • la expresividad del gesto
      • la intención de fusionar arte y vida
      A. Gorky, Cascada, 1943
    • NEODADAISMO
      • Sucesores de los expresionistas abstractos
      • Valoran los materiales asumiendo su forma, color, dureza …
      • Estaban mucho más vinculados a la realidad inmediata.
      • Con ellos surge la práctica del assemblage; presentan los objetos en sus obras como lo que son, fragmentos de la realidad escogidos por sus cualidades matéricas.
      • basura y azar son los elementos fundamentales para restablecer un vínculo entre arte y sociedad.
      R.Rauchemberg, Monogram, 1955-59
      • El acto creativo se convierte para ellos en la necesidad de interpretar la realidad , hecho que les va acercando a los artistas del Pop.
      • la obra de Jasper Johns es uno de los primeros pasos hacia el Pop-art. Emplea los símbolos más comunes de la sociedad en la que vive y los convierte en protagonistas de sus cuadros.
      J. Johns, Mapa, 1961
    • POP-ART
      • El término Pop-Art significa arte popular, un arte pensado para el pueblo.
      • Fue una reacción de violento rechazo ante un arte que se había convertido en algo inteligible para el ciudadano de a pie.
      • El paradigma de arte elevado y moderno ya no eran las Vanguardias que se habían alejado cada vez más de la realidad inmediata, sino de un arte que recuperó la figuración apropiándose de imágenes reproducidas masivamente por los medios de comunicación.
      A.Warhol, Marylin, 1962
      • Al igual que los impresionistas el Pop “pinta aquello que ve”
      Escaparate de Londres en los 60 Pop; E. Paolozzi, sin título, 1955 Pop; E. Paolozzi, sin título, 1955 Escaparate de Londres en los 60 Edificios del parlamento de Londres Impresionismo ; C. Monet, Parlamento de Londres, 1904
      • Esta obra recogía imágenes que más tarde constituyeron a la iconografía del Pop; un cuerpo ideal, paisaje de rótulos y carteles, electrodomésticos que anuncian los avances tecnológicos, tebeos, una lata de jamón convertida en escultura al igual que Warhol hizo con sus embases de detergente, e incluso la misma palabra Pop escrita sobre una piruleta.
      Hamilton, “Exactamente ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy en día sean tan diferentes, tan atrayentes? (1956)
    • Algunos Artistas del Pop
      • Roy Lichtenstein (1923-1996); apropiación del lenguaje de los cómics
      R. Lichtenstein, Varoom, 1965 R. Lichtenstein , pincelada , 1964
      • Claes Oldenburg (1929); representa la desmesura y el sentido espectacular de la cultura americana.
      C. Oldenburg, hamburguesa, 1962 C. Oldenburg, Pinza, 1976
      • Andy Warhol (1928-1987); se apropiaba de cualquier imagen fetiche que se hubiera convertido en un icono del momento y la reproducía masivamente
      A.Warhol, Marylin, 1962 A.Warhol, Sopa Campbell, 1967
    • CINETISMO ÓPTICO
      • Durante las primeras vanguardias ya se había introducido el valor de la dimensión espacio-temporal.
      • Los futuristas querían producir movimiento y ruido. Intonarrumori (1914).
      • Duchamp también construyó sus Rotarrelieves (1920).
      • Gabo realizó la primera escultura cinética (1920) con una varilla dotada de motor que la hacía vibrar originando volúmenes virtuales.
      • Calder había centrado su interés en la búsqueda de una escultura dotada de dinamismo, sus móviles (1932).
      • Moholy-Nagy construyó el Modulador-luz-espacio (1930)
      • El arte cinético crea imágenes provistas de movimiento aparente.
      • Se produce la introducción de materiales “inmateriales”; espacio, tiempo y luz.
      • La obra es un proceso, donde la configuración del movimiento es más relevante que la forma del objeto.
      V Vasarely, Boo, 1978 J. R. Soto, doble transparencia, 1956 J.R. Soto, Penetrables, 1990
    • MINIMAL ART
      • Interés prioritario por el orden, la claridad estructural y la pureza plástica.
      • Formas geométricas básicas.
      • Valoran la relación del conjunto por encima de la singularidad.
      • La vinculación de la obra con el espacio expositivo.
      • La implicación activa del espectador.
      • El despojamiento de toda subjetividad provinente del artista
    • Algunos artistas del arte cinético
      • Carl Andre (1935); homogeneidad formal en la que las piezas llega un momento que se confunden con la arquitectura.
      C. Andre, 144 Silencios de grafito, 144 Cubos de grafito , 2005 Carl Andre, Glarus Delta de acero , 2006
      • Donald Judd 1928); resaltaba las cualidades plásticas de sus esculturas alejándolas de la función representativa. La repetición modular era su mayor aliada.
      Donald Judd, untitled , 1987 Donald Judd, untitled
      • Sol Le Witt (1928); sus obras tienen como protagonista formas geométricas simples que encierran operaciones matemáticas, principalmente el cubo. Sus trabajos adoptan tanto la forma pictórica, escultórica como el dibujo
      LeWitt, madera pintada, 1991 Sol Le Witt, mural, 1980
    • EL ARTE COMO VIVENCIA
      • Las diversas tendencias que hemos ido estudiando pretenden en el fondo superar el arte tradicional declarando que la realidad es arte, los objetos de la realidad son arte, los ambientes de la realidad son arte, las acciones de la realidad también son arte.
      • Con esta imperante necesidad del arte surge el “happening”.
    • El Happening;
      • Los happenings son acciones colectivas en las que artistas y público comparten protagonismo artístico, el happening quiere apropiarse directamente de la vida a través de una acción.
      • Su estructura es una forma abierta con un proyecto previo, un guión donde se formula la idea de la acción dejando los detalles al azar de la evolución del evento.
      • La materialidad podría ser cualquier cosa, objeto, fragmento o momento de la acción.
      • La composición se desarrolla como un collage de acontecimientos con ciertos tramos temporales y en ciertos espacios.
    • Algunos artistas del arte de acción
      • Allan Kaprov (1927); Su primer happening fue en 1958 con el título de “el legado de Pollock” con él aseguraba el fin de la pintura y el nacimiento de un arte de participación en el que estarían involucrados todos los sentidos y en cuya formación intervendrían todo tipo de materiales.
      • El movimiento Fluxus; Su nombre está asociado a la idea de cambio, de fluir constante, de oposición a cualquier tipo de norma. Pretendían la destrucción del arte como actividad profesional cuestionando los conceptos de belleza y bellas artes. Su precursor fue Duchamp.
      Fluxus, musica goteando , 1963 Fluxus, pianomundo
      • Tanto la Maleta de Duchamp como la caja de Fluxus, muestran una desvinculación del soporte tradicional.
      Duchamp, maleta Fluxus, Fluskit , 1964
      • Joseph Beuys; elaboró una teoría artística muy personal. Su obra, su vida y su pensamiento era un todo indivisible, de esta manera proclamaba a gritos la fusión arte vida.
      J. Beuys, Cómo explicarles los cuadros a una liebre muerta , 1965
      • Una de sus mayores representaciones fue la de coyote 1974 , en la que convivió durante tres días con un coyote, animal sagrado para los indios. Con esta acción denunciaba la destrucción de la cultura india americana.
    • LAND ART
      • A lo largo de la historia del arte se ha representado el paisaje desde diferentes puntos de vista;
      • Con el arte clásico se buscaba un ideal poético de belleza.
      • Los impresionistas buscaban la representación de la luz de una manera más científica inaugurando así la exploración del paisaje en la pintura moderna.
      • Tras el desarrollo industrial, la máquina se vuelve protagonista y las vanguardias pierden interés por la naturaleza.
      • A finales de los años sesenta con el minimalismo y su concepción del espacio y la escultura se preparaba el camino del land art.
    • Vermeer de Delft, 1660-61 C, Monet, impresión atardecer , 1872 Robert Morris, Sin título (cubos de espejo ), 1965 R. Smithson, muelle en espiral , 1970
      • El Land art hace que los espacios del paisaje se conviertan en obra de arte tras alguna intervención sobre su estado natural.
      • Las obras de land art son dadas a conocer al público a través de la fotografía, de films, videos y TV. Por tanto el documento que nos queda del momento efímero de la obra de arte pasaría a ser la obra en sí.
    • Algunos artistas del Land art
      • Robert Smithson (1938-1973); sus obras minimalistas basadas en apilamiento de objetos y repetición modular. Poco a poco los objetos que apilaba pasaron a tener relación con la naturaleza; piedras, conchas, arena…
      R. Smithson , Un no lugar, New Jersey , 1968 R. Smithson, Yucatan desplazamiento de espejos , 1969
      • Christo Javacheff (1935); su principal interés era crear focos de atención sobre fragmentos del paisaje natural.
      Christo Javacheff, Bulgaria 1935 Christo Javacheff. “Isla rodeada” 1980-83
      • Richard Long (1945); Long adopta en sus obras el papel de profundo mediador entre el hombre y su entorno. Explora a pie parajes deshabitados y documenta los recorridos para dar fe de su existencia.
      R. Long, campamento de piedras , Sierra Nevada, España, 1985 R. Long, una línea en Irlanda , 1974
    • EL ARTE CONCEPTUAL
      • El arte conceptual, surge de la reacción violenta contra el mercado del arte, la mitificación del artista, y la materialidad de la obra en sí.
      • Aspectos que ya abarcaban movimientos artísticos anteriores como el pop, el land art, el arte de acción, etc., pero que todavía tenían como referente el objeto como obra artística.
    • Las aportaciones del arte Conceptual son;
      • Tiene más interés en el proceso que en la obra acabada, valorando mucho más el proyecto artístico en sí.
      • Refuerza la importancia del lenguaje escrito en el arte ya que todo proyecto artístico necesita unas bases teóricas.
      • Valora la reflexión dentro de la práctica artística.
      • Enfatiza la eliminación del objeto artístico en sus modalidades tradicionales.
      • No le interesa la estética formal en el sentido tradicional de una pintura o escultura.
      • Exige nuevos métodos de elaboración.
    • Algunos artistas del arte conceptual
      • Joseph Kosuth (1945); fue el primero en construir un manual teórico para el arte conceptual “El arte después de la filosofía” , en este afirma que la idea del arte y el arte son una misma cosa.
      Joseph Kosuth “Una y tres sillas” 1965 Esta obra consta de la reunión del objeto real con sus dos formas de representación; icónica y lingüística. Kosuth crea una comparación entre las tres realidades poniendo en tela de juicio cual de las tres opciones se acerca más a la realidad.
      • On Kawara (1933); La obra de Kawara es una documentación de su vida, un registro de algunas de sus actividades cotidianas.
      Una de sus obras más importantes fueron los cuadros de fechas que comenzó a pintar en 1966, se trata de pequeñas superficies monocromas sobre las que Kawara escribe la fecha en la que está realizada.
      • Antoni Muntadas; Este artista catalán perteneció a un grupo de conceptuales que tuvieron gran relevancia en España “Grup de treball”. En España el conceptual se entendió como las nuevas formas artísticas alternativas a los soportes tradicionales que se oponían al mercado.
      • Uno de los trabajos más importantes fue unos anuncios publicados en La Vanguardia camuflados dentro de la sección de ofertas de empleo que pretendía por una parte una interferencia en el ámbito de la prensa y, por otra, una especie de irónica parodia de la censura.
    • Antoni Muntadas ; Por temporal ausencia del país interesa información directa sobre la realidad del mismo. Fransesc Abad ; Persona buena presencia desea trabajo responsable, serio y bien remunerado. Posee excelente formación sobre problemas de arte contemporáneo, trabajo permanente todo el año.
    • EL ARTE FINISECULAR
      • La identidad femenina
      • Incorporación masiva de la mujer como sujeto activo en el ámbito de la creación.
      • El cuestionamiento de los códigos de representación ; rechazo de estereotipos que son el reflejo de una estructura social patriarcal (dominada por el hombre).
      • Una nueva concepción del cuerpo ; Se oponen a la idealización del cuerpo femenino como arquetipo tradicional, enfocándolo desde una visión más objetiva, desde la naturaleza de este y entendiéndolo como el soporte de una identidad propia.
      • La autobiografía como expresión de subjetividad ; Muchas de las artistas de este género, recurren a la autobiografía como tema para narrar desde su experiencia aspectos que aluden a la mujer.
    • Algunas artistas que trabajan la identidad femenina
      • Orlan 1947; es una artista francesa que trabaja la intervención artística en su propio cuerpo. Su trayectoria artística comenzó en 1964 con algunas operaciones estéticas.
      • Una de sus obras más conocidas es “La reencarnación de Santa Orlan”, una serie de operaciones quirúrgicas a las que se somete, defendiendo la transformación del cuerpo femenino. Con esta obra pretendía cambiar su estética para formar parte de modelos clásicos de la belleza como el caso de Venus, Monna Lisa..., y a su vez cuestionarlos.
      Bernini, “el éxtasis de Santa Teresa” 1642-1645
      • Cindy Sherman 1954; Sherman utiliza el medio fotográfico. En sus fotos nunca aparece como ella misma, se convierte en una mujer anónima y neutra en la que la gente reconoce algo de sí misma. Sus temas más frecuentes son el enfrentamiento con la pintura por medio de la fotografía y el interés por la imagen social de la mujer.
      Cindy Sherman, 1990-91, sin titulo Cindy Sherman, 1995, abused Cindy Sherman fotografiandose como un cuadro de Botticelli
      • Jana Sterbak (1955); Utiliza el cuerpo como metáfora para establecer relaciones entre sus experiencias personales y problemática social.
      Vanitas: vestido de carne para una anoréxica 1987. Es un vestido confeccionado con filetes de carne fresca El vestido (1984-85). Es un vestido construido de malla de alambre espinoso y tubo de neón, a la escultura le acompaña una voz que comienza diciendo: Quiero que sientas como yo, un alambre de púas rodea mi cabeza
    • EL ARTE FINISECULAR
      • El arte como crítica social
      • La novedad de este arte crítico de finales de siglo toca temas como;
      • la crítica social y económica.
      • el consumismo
      • el sexismo
      • la propaganda política
      • la publicidad comercial
      • los estereotipos de los mass media
      • los clichés del pensamiento legitimados como verdades
    • Algunos artistas que trabajan la crítica social
      • Barbara Kruger (1945); La materia prima de sus trabajos son fotografías obtenidas de los medios de comunicación a las que yuxtapone textos con frases contundentes, a menudo agresivas y provocativas.
      Barbara Kruger, no necesitamos otro héroe, 1987 Tu confort es mi silencio, 1981
      • Kristof Wodiczko (1943); Las obras de Wodiczko hacen referencia a cuestiones de política internacional. Se trata imágenes manipuladas mediante fotomontaje, con el valor añadido de la espectacularidad visual que consigue al proyectarlas a gran escala sobre el exterior de edificios o monumentos públicos.
      En cada uno de los lados de El arco de la Victoria (Madrid 1990) las manos de un esqueleto sostienen, respectivamente, una metralleta y la manguera de una gasolinera, refiriéndose al verdadero móvil de la guerra del Golfo, el petróleo, que por aquellos días ocupaba los titulares de las noticias.
    • Otro de sus mayores eventos fueron las proyecciones que realizó en Nueva York bajo el título de Proyección de los sin hogar (1986). Con ellas convirtió las esculturas de los padres de la patria y los grandes pensadores del idealismo democrático (Lafayette, George Washington, Abraham Lincoln) en indigentes.
      • Jenny Holzer (1950); Al igual que Barbara Kruger, Holzer utiliza las estructuras de los medios de comunicación y de la estética del entorno para meter de contrabando sus mensajes en la opinión pública. Frases fáciles de retener se han convertido en su señal de identidad
      Holzer, Living (viviendo), 1980-1982 Holzer, truism (banalidades), 1979