El Impresionismo

Manuel A. Torremocha Jiménez I.E.S. Las Musas EL IMPRESIONISMO

Orígenes del Impresionismo
En los años sesenta se fue conformando un grupo de pintores que compartían amistad y experiencias, y se reunían en lugares habituales, como el café Guerbois de París.
Tras la experiencia del Salón de los Rechazados de 1863, decidieron realizar en 1874 una exposición colectiva e independiente en la galería del fotógrafo Nadar.
El título del cuadro de Monet “Impression, soleil lévant” fue utilizado por el crítico Louis Leroy en su crónica del Charivari para designar las pinturas de la exposición: a partir de ahora todas ellas llevarán el calificativo de impresionistas.

Claude Monet. Impresión: soleil levant . 1872–1873
“ Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés ..., ¡Impresión! , desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado embrionario tiene más terminación que esta marina”
Louis Leroy

Los antecedentes e influencias del Impresionismo
Preocupación por la luz. Los grandes maestros del Renacimiento (Leonardo, Tiziano), del Barroco (Velázquez, Rembrandt), y hasta los grandes paisajistas románticos ( Constable, Turner, Corot ) han contribuido anticipando la técnica y preocupándose por la luz y la captación del viento, la lluvia y el sol. Serán el antecedente más directo.
La consolidación de la nueva técnica fotográfica. Las primeras realizaciones de la fotografía se remontan a principios de siglo, pero se popularizó a partir de los años cincuenta, revolucionando los planteamientos tradicionales del dibujo y la pintura. La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores.
Fotografía de Leonard Dakin 1887 Constable. El carro de heno

Los antecedentes e influencias del Impresionismo
Influencia del grabado japonés. La instalación de un pabellón dedicado a Japón en la Exposición Universal de 1867 en donde se exhibieron grabados de ese país que ofrecían una visión más poética del paisaje o la vida cotidiana, con encuadres y ángulos de visión inusuales que proponían otra forma de mirar la realidad.
Impacto del ferrocarril. Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una “realidad distorsionada”.
- Los nuevos pigmentos. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.
Ferrocarril Grabado japonés

Características generales del Impresionismo
Es una pintura generalmente al óleo sobre lienzo ; algunos pintores relacionados con el grupo impresionista emplean otras, como el pastel sobre papel.
La pincelada es muy característica, suelta, corta, en forma de “coma” y rápida, pues se pretende captar un momento concreto que al instante siguiente ya será distinto, de ahí la necesidad de una cierta rapidez a la hora de pintar. Casi siempre es rica en pasta por lo que la superficie del cuadro resulta rugosa y, normalmente, mate.

La línea es un valor en claro retroceso -en lo que podríamos llamar impresionistas puros realmente desaparece-, son la pincelada y el color los valores dominantes; ni la composición ni las figuras deben nada al dibujo -sólo en Renoir se ve una huella dibujística en la manera de cerrar sus figuras-. Predomina el color sobre el dibujo.
El modelado planteado al modo tradicional no existe, no se estudian las gradaciones de color o luz en función de modelar o dar volumen a las figuras. Es más, el Impresionismo con el tiempo acabará disolviendo las formas y volúmenes en impactos luminosos y cromáticos.
C. Monet, Estación de Saint-Lazare

La luz es elemento esencial. Los impresionistas pretendían captar la luz del natural -alguna vez la artificial- lo que les obligó a pintar al aire libre –”plein air”- y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Observaron que la luz es la responsable de los efectos cromáticos, de modo que la más mínima alteración lumínica producía cambios en los colores. Los cuadros van a ser bastante luminosos y claros.
C. Monet, Mujer con sombrilla

El color está en relación directa con la luz. Utilizan colores claros, vivos, y puros; se prescinde bastante de las mezclas en la paleta y prefieren aplicar colores puros yuxtapuestos y que la mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica -así la proximidad en el lienzo de azules y amarillos produciría el efecto del verde-; con este recurso se gana viveza cromática. Aprovechan también el saber que la percepción de la intensidad de un color depende de los colores que le rodeen, se potencia cuando está próximo su complementario; según esto el rojo y el verde se potencian mutuamente porque son complementarios. El negro no se utiliza porque no existe en la naturaleza.
C. Monet, La catedral de Rouen

No hay interés por la representación del espacio que finja profundidad, se valora más el plano y el impacto lumínico; desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea algo vivo, un trozo de naturaleza, lo que supone que se huye de la perspectiva y la composición tradicionales, y se mira la realidad con un “ojo” parecido al objetivo de una cámara fotográfica. En muchos casos lo realmente llamativo es el encuadre, que corta figuras y fracciona el campo visual.
C. Monet, Nenúfares

En cuanto a los temas hay una marcada preferencia por los paisajes rurales
como urbanos; interesa la captación de lo fugaz, como el agua, el humo, el aire…
Pisarro, El huerto en Eragny C. Monet, Rue Montorgueil

Son paisajes reales, modernos, en donde aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones…
C. Monet, Estación de Saint Lazare

Son paisajes reales, modernos, en donde aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones…
También hay escenas intrascendentes, de ocio -baile, tabernas…-. Se renuncia a temes “importantes”, con mensaje, tanto religioso como político o social; son la negación del tema.
Renoir, Le moulin de la Gelette

El precursor del Impresionismo: E. Manet
Edouard Manet recibió una formación tradicional y estudió a fondo a los antiguos maestros, en especial a Velázquez y Goya, cuyas influencias son evidentes en algunas de sus obras. Aunque no formó parte del círculo de pintores impresionistas, está considerado como el precursor del Impresionismo.
Su pintura es bastante antiacadémica, tanto en los temas, escandalosos, como en la manera de aplicar el color mediante grandes superficies, buscando a veces contrastes bruscos, y otras, armonías de claros sobre claros. Desplazó el ángulo visual sobrealzando la línea del horizonte, lo que favorecía la potenciación del propio plano pictórico y la sensación de que el espacio se comprimía.

Olimpia Su exposición en el Salón de 1865 provocó un escándalo de enormes proporciones. La crítica y el público lo tacharon de inmoral y de mal gusto. Lejos de ello, la Olimpia es un cuadro bellísimo y precursor de la evolución posterior de la pintura. El tratamiento de las sombras (limitadas a un engrosamiento de los contornos), la simplificación de las formas en grandes planos, y la aplicación de la luz y el color ( tonos claros y oscuros sobre oscuros), son la mejor muestra de su genialidad como pintor.

Almuerzo en la hierba Desde el mismo momento en que se presentó al público resultó evidente que estaba inspirado en el Concierto campestre de Giorgione y Tiziano. Sin embargo, el almuerzo cen la hierba fue rechazado por la Academia y convertido en el centro de todas las críticas. No se podía admitir una pintura sin modelado, en la que los cuerpos, las ramas de los árboles..., se resuelven mediante grandes pinceladas de colores planos. Además, toda la escena está resuelta de una forma radicalmente nueva como una yuxtaposición de zonas claras y oscuras, en donde las figuras en el espacio no parecen obedecer a ninguna regla de perspectiva, pues el espacio es plano y la mujer parece suspendida en el aire. Tiziano/Giorgione, Concierto campestre

Almuerzo en la hierba Su exposición en el Salón de 1865 provocó un escándalo de enormes proporciones. La crítica y el público lo tacharon de inmoral y de mal gusto. Lejos de ello, la Olimpia es un cuadro bellísimo y precursor de la evolución posterior de la pintura. El tratamiento de las sombras (limitadas a un engrosamiento de los contornos), la simplificación de las formas en grandes planos, y la aplicación de la luz y el color ( tonos claros y oscuros sobre oscuros), son la mejor muestra de su genialidad como pintor.

El pífano

La ejecución del emperador Maximiliano de Habsburgo en México

El Bar del Folies Bergeres

Los pintores impresionistas: Claude Monet
Siempre se ha considerado a Monet como el máximo representante del Impresionismo.
Indudablemente, Monet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plamar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral.
Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada.

A partir de los años 70 se inicia la madurez de Monet como pintor, coincidiendo con la aparición de un nuevo concepto en sus obras: las series. Con ellas trata de captar las diversas situaciones de luz y color sobre un mismo objeto a lo largo de las horas del día y las estaciones del año. Para ello Monet llegó a trabajar sobre varios lienzos a la vez, pasando de uno a otro en función de las variaciones atmosféricas. Las series más famosas fueron las de la catedral de Rouen, la estación de Saint-Lazare y las de su jardín en Giverny. En estos cuadros, Monet supo captar a lo largo de varios meses, toda la riqueza de colores, brillos y texturas, que se materializan en la naturaleza. Lo de menos son los objetos. Monet llega a desintegrarlos con sus pinceladas cortas, cargadas de pasta, de colores puros y yuxtapuestos.

La catedral de Rouen

La estación de Saint-Lazare

C. Monet, Nenúfares

El estanque de las ninfeas, armonía en verde

Claude Monet. Impresión: soleil levant.

Mujer con la sombrilla girada sobre la derecha

Poppies Blooming

Auguste Renoir
Renoir es uno de los impresionistas más reconocidos por los temas que cultiva: flores, escenas dulces de niños y mujeres. El desnudo femenino es un tema que le obsesionó, sus formas gruesas pueden recordar a Rubens y su pincelada suelta y de gran cromatismo a Tiziano.
La principal aportación al movimiento impresionista fue la plasmación de la luz sobre el cuerpo humano, en escenas llenas de vitalidad y alegría. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy personal.

El Molino de la Galette Un antiguo molino convertido en establecimiento de diversión en el barrio parisino de Montmatre, al que acudían gentes sencillas a bailar las tardes del domingo. El cuadro representa uno de estos bailes en un día de verano. Con una pincelada rápida de vivo colorido, Renoir capta los efectos del sol que se filtra entre las hojas produciendo una combinación vibrante de luces y sombras.

Au concert dans une loge à l'Opéra El columpio

Edgar Degas
Degas es un impresionista de la forma más que del color. Aunque participó en siete de las ocho exposiciones impresionistas, su arte se mantiene al margen, porque Degas encarna la vena del clasicismo.
Degas es un hábil dibujante, le preocupó captar el movimiento con fidelidad, de ahí que le obsesionaran temas como las bailarinas y las carreras de caballos. Trabaja los mismos temas que Lautrec, pero no desde la óptica expresionista como éste, sino desde la clásica. Degas es un observador nato de la mujer. Le gusta captar las posturas más insólitas, las poses naturales e instantáneas. Muchas de sus composiciones presentan asimetrías y los bordes cortados. Ello se debe al influjo de la fotografía y de los grabados del arte japonés. En él, la luz vibrante de las atmósferas de Monet se convierten el luz pálida de candilejas. Podría decirse que Degas representa el "Impresionismo de Interior".

La clase de danza

Bailarina basculando En las carreras

El postimpresionismo
El impresionismo con su afán por captar la luz del natural había ido disolviendo las formas en su ambiente, todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del siglo XIX y primeros del XX nos encontramos con unos pintores que, habiendo partido del impresionismo, derivaron hacia una pintura personal que anuncia algunos de los movimientos pictóricos del siglo XX.

Paul Cézanne
Con Cézanne la pintura recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo ello sin renunciar al color cuya intensidad prima mediante los contrastes y las sombras coloreadas.
En sus cuadros se potencia el primer plano resultando comprimidos los demás y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura ha sido el punto de arranque del Cubismo y ha influido en grandes coloristas como Matisse .

Los jugadores de cartas

Manzanas y naranjas

Cinco bañistas

Paul Gaugin
Destaca por el uso tan expresivo que hace del color, aplicando con bastante economía de pasta. Se trata de colores fuertes, vivos, planos y muchas veces arbitrarios, que no responden a la realidad: por eso también se les denomina descriptivos.
Los dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos; el resultado son cuadros carentes de profundidad dominados por colores ricos muy atractivos.
Tiene dos repertorios temáticos preferentes: el mundo exótico e ingenuo de Tahití y el “primitivismo” de Bretaña. Su obra es precedente inmediato del simbolismo y de la pintura de los nabis ; su sentido del color influirá mucho en los fauvistas y expresionistas .

¿Cuándo de casas?

Area Area

El cristo amarillo

Vincent Van Gogh
Apasionado del color, en su caso es el principal vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pintura cuenta además con una pincelada muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos en contrastes no frecuentes (amarillo sobre naranja…).
Abre las puertas de los movimientos expresionistas del siglo XX.

La habitación de Van Gogh en Arlés

Noche estrellada

Los lirios

Los girasoles La iglesia de Auvers-sur-Oise

Henri de Toulouse-Lautrec
Destaca por la agilidad de un dibujo expresivo especialmente interesante en sus carteles. Su capacidad para el apunte rápido, la captación del movimiento, la esencialidad de las formas expresada con pocos trazos, y la carga irónica y caricaturesca, es enorme.

Baile en el Moulin Rouge

Ambassadeurs - Aristide Bruant Moulin Rouge - La Goulue

El puntillismo
También se le conoce como divisionismo o neoimpresionismo. Se desarrolla entre 1880 y 1905, aproximadamente. Esta tendencia aplica de modo riguroso los principios de las teorías de los colores de Chevreul, por lo que emplean puntos de color puro yuxtapuestos para conseguir el efecto de contraste simultáneo; de ahí nace lo de “divisionismo” porque con los puntos pretenden dividir el tono, de modo que a distancia se perciba como vibración luminosa.
Sin embargo, a diferencia de los impresionistas, tienen bastante interés por el volumen y, en el caso de Seurat, también por la estructura geométrica de la composición de los cuadros y de las figuras. El resultado es una pintura serena, muy pensada, con figuras inmóviles que ocupan un espacio real

Georges Seurat
Fue el impulsor del movimiento, era de carácter metódico. Quizá su inquietud en el campo de lo intelectual le lleva a la práctica de este estilo. Le interesó mucho el color, de ahí que estudiara tratados de luz y color.

Según Seurat toda la práctica debía estar regida por la observación. Es necesaria la utilización de colores puros y complementarios. Al observar una obra puntillista, la retina procede a fundir los puntos de color.
El Puntillismo fue el punto de partida para el siglo XX. Es una pintura entendida como elaboración mental, por encima de la mera ejecución. De ahí que la crítica parisina hablara por un lado de "Impresionismo romántico e intuitivo" referido al primer Impresionismo, y por otro de "Impresionismo científico" referido al Puntillismo .

Bañistas en Asnières

Grande Jette

Paul Signac
Paul Signac busca siempre el "resultado más armonioso, más luminoso y más coloreado".
Las formas se conciben como una geometría de masas puras con una síntesis perfecta de luz y color. Los cuadros puntillistas son un modelo de orden, claridad y planificación cuidadosa. No obstante, las personas aparecen estáticas e inmóviles.
La pincelada es la base del puntillismo y, al dividir los tonos, hace que los cuadros se asemejen a mosaicos. Viajero y navegante, Signac pinta puertos, costas y orillas de ríos, aquí te ofrecemos un ejemplo de cada.

Puerto

El Impresionismo es España: Joaquín Sorolla
Nace en Valencia en 1863. Recibe una formación académica en la Escuela de Bellas Artes. En 1889 viaja a París para ver la Exposición Universal: allí descubre a los pintores nórdicos y su peculiar tratamiento de la luz, en el que él basará su propia versión del luminismo: se abre su etapa de consolidación. Su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz. Surgen nuevas temáticas, como el costumbrismo marinero, el que trata de las gentes del mar, o el realismo social, demandado en los certámenes oficiales.
En 1900 inicia su etapa de culminación, la del Sorolla más brillante, cuyas grandes dotes perceptivas y veloz ejecución producen sus mejores obras, donde la luz es el interés dominante. Sus constantes desplazamientos a París le hacen conocer las distintas vanguardias, que experimenta en sus obras. Sigue cultivando su costumbrismo marinero, del que derivan desde 1904 sus temas de playa.

Niños en la playa

Niña en la playa

Escultura impresionista: Auguste Rodin
A finales del siglo XIX, el Impresionismo, que era un movimiento fundamentalmente pictórico, ejerció una profunda influencia en la escultura. Aunque no parecía la más idónea para traducir las vibraciones atmosféricas, algunos escultores introdujeron las sensaciones lumínicas a través de la renovación de las técnicas, explotando las posibilidades del material y estudiando los efectos de lo inacabado, técnica que ya había iniciado Miguel Ángel. Se proponen renovar los ideales de la escultura, alejándola de los modelos clásicos y de las inclinaciones exageradas del Naturalismo.
La escultura era un instrumento para su personal interpretación de la naturaleza. Funde la técnica impresionista, que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos, obtiene efectos de luz y de vida profunda de las figuras

Las puertas del infierno El pensador

El beso

FIN
Bibliografía
Argan, G.C: El arte moderno. Akal. Madrid 1991
Callen, A.: Técnica de los impresionistas. Blume. Madrid 1983
Morante, F.: Análisis y comentario de una obra de arte. Edinumen. Madrid 1994
Reward, J.: Historia del Impresionismo. Seix Barral. Barcelona 1981.
Reynolds, D.M.: El siglo XIX, Introducción a la Historia del Arte. G. G. Barcelona 1985.

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El Impresionismo

by IES Las Musas de Madrid on May 09, 2010

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