Catalogo Flecha 2014
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Presentamos el catálogo de los artistas que este año participan en la feria de arte contemporáneo FLECHA. Mas información en www.flecha.es ...

Presentamos el catálogo de los artistas que este año participan en la feria de arte contemporáneo FLECHA. Mas información en www.flecha.es

Charlotte Adde
Jælius Aguirre
Violeta Aguirre
Mar Alcón
Leandro Antolí
Javier Arcos Pitarque
Borja Barrajón Acedo
Sira Bee
María Blanco Cobaleda
Verónica Bustamante Loring
José Luis Casas
Chama
Lina Cofán
Müller-Franco Connection
Jesús Curiá
Michael de Coca Leicher
Enar de Dios Rodríguez
Raquel de la Cruz
Carlos Díaz de Bustamante
Leticia Felgueroso
María Fernández Armero
Damián Flores
Gorka García Herrera
Gema Goig
Piter
Carlos I. Faura
le frère
Toya Legido
Iñigo Lizarraga
Irene López de Castro
Irene Mala
Carlos Javier Márquez Martínez
Nacho Montero
Celia Muñoz
Ouka Leele
Silvia Papas
Carolina Pingarrón
Said Rajabi
Carlos Regueira
Roberto Reula
Gonzalo Rodríguez
Arún Roy
Marta Sánchez Luengo
Daniel Sanseviero
Ana Sanz Llorens
Markus Schroll
Fernando Suárez
Alberto Tejeda
Ube
Menchu Uroz
Ana Valenciano
Eduardo Vega de Seoane
Mercedes Vizcaíno

Galería online disponible en: http://www.flecha.es/Comprar-Arte-en-Tienda/

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    Catalogo Flecha 2014 Catalogo Flecha 2014 Presentation Transcript

    • Presentación ¡Agradecimientos a la vida, al Centro Comercial Arturo Soria Plaza, propietarios, comerciantes y plantilla, al público que lo visita y a los artistas que exponen su obra en FLECHA por cumplir un año más con esta cita con el ARTE! Según las ideas de Rène Guènon, esta curiosa palabra ARTE parece que viene de la palabra sánscrita RITA de la raíz RT, de donde viene “rito” que parece que equivale a orden. ARTE implica pues un acto o gesto de ordenar. Y esto es específicamente humano, es una actividad del alma. Las potencias del alma son intelecto y voluntad. La acción implica por lo menos voluntad. Anterior a ella es la contemplación y concepción de ideas que se implican en la acción. La contemplación intelectual, que sucede sobre todo en el corazón, es el primer paso, que provocará la visión y hará concebir en la mente la imagen, que será expresada y activada por medio de la voluntad. Y voluntad implica querer y querer es amar. Así inevitablemente el arte es también la expresión del amor a lo contemplado. Esperamos que la selección de artistas y obras presentes en FLECHA 2014 aporten algo de todo lo dicho a todos los que se acerquen a ellas. Que sea una experiencia positiva y enriquecedora para todos. Jælius Aguirre, enero 2014 5
    • Artistas Charlotte Adde 8 Jælius Aguirre 10 Violeta Aguirre 12 Mar Alcón 14 Leandro Antolí 16 Javier Arcos Pitarque   18 Borja Barrajón Acedo   20 Sira Bee 22 María Blanco Cobaleda 24 Verónica Bustamante Loring 26 José Luis Casas 28 Chama 30 Lina Cofán 32 Müller-Franco Connection 34 Jesús Curiá 36 Michael de Coca Leicher 38 Enar de Dios Rodríguez 40 Raquel de la Cruz 42 Carlos Díaz de Bustamante 44 Leticia Felgueroso 46 María Fernández Armero 48 Damián Flores 50 Gorka García Herrera 52 Gema Goig 54 Piter 56 Carlos I. Faura 58 le frère 60 Toya Legido 62 Iñigo Lizarraga 64 Irene López de Castro 66 Irene Mala 68 Carlos Javier Márquez Martínez 70 Nacho Montero 72 Celia Muñoz 74 Ouka Leele 76 Silvia Papas 78 Carolina Pingarrón 80 Said Rajabi 82 Carlos Regueira 84 Roberto Reula 86 Gonzalo Rodríguez 88 Arún Roy 90 Marta Sánchez Luengo 92 Daniel Sanseviero 94 Ana Sanz Llorens 96 Markus Schroll 98 Fernando Suárez 100 Alberto Tejeda 102 Ube 104 Menchu Uroz 106 Ana Valenciano 108 Eduardo Vega de Seoane 110 Mercedes Vizcaíno 112 7
    • Charlotte Adde Falun (Suecia), 1969 “ o que la oruga interpreta como L el fin del mundo es lo que el maestro denomina mariposa.” Richard Bach Mariposas, 2013 8 Técnica Mixta. 35 × 35 cm. 9
    • Esta representación plástico-geográfica de una historia de amor en la que los amantes son dos personajes geográficos, dos Mares, incluye como uno de sus resultados, el descubrimiento mutuo de las culturas (indo)europea y americana. Plantea otra visión más amorosa de la historia del “descubrimiento de América” que puede complementar los ángulos más duros en los que normalmente se incide: La violencia al servicio de la economía. Los dos personajes en esta historia son el Mare Nostrum, masculino o yang, conocido como el Mediterráneo y el Caribe, femenino o yin, conocido también como el Mediterráneo Americano. Comienza hace millones de años en el período Jurásico. Eurasia y América estaban unidas y los movimientos de la corteza terrestre los separaron. Desde entonces en mi historia, el Mediterráneo añoraba y tendía hacia el Caribe, y este presentía la llegada de aquel, como las almas platónicas que, como dos mitades de la misma naranja, anhelan reunificarse y están predestinadas a hacerlo. Cuando el desarrollo de la cultura y las técnicas aparejadas a ella conocen el suficiente desarrollo en el Mediterráneo, cuando está suficientemente “maduro”, parte un viaje iniciático, nupcial y fecundatorio desde la occidental salida del Mare Nostrum… al Mediterráneo Americano: El viaje de Colón. Jælius Aguirre Madrid, 1956 La cultura mediterránea fecunda América y ésta a su vez a la nuestra… la edad moderna no puede entenderse sin este apareamiento. Jælius Aguirre, Panamá-Madrid. 2013 Una Historia de Dos Mares, 2013 10 Esculturas de cobre patinado y dibujo de grafito sobre paneles de madera. Medidas variables. 11
    • Violeta Aguirre Madrid, 1993 Como persona intuitiva que soy, mi forma de trabajar también lo es. Veo como mi obra va encajando a medida que produzco y le doy un poco de tiempo o la veo con más perspectiva. Encontré un factor común muy fuerte entre las dos series que expongo: ‘Taj Mahal es un Mausoleo’ y ’Toreo’. Busco plasmar la esencia, ver lo invisible. Esas estelas representan almas. Estelas 01, 2013 12 Fotografía blanco y negro. Papel fotográfico mate. 100 × 70 cm. Edición de 20 ejemplares. 13
    • Al final, donde nadie encuentra poco de lo que busca, aparece el agua; y ella, como un cuento más de las mil y una noches, recuerda que el amor y nuestra propia existencia las tenemos muy cerca, tanto, que a veces apenas lo notamos. Mar Alcón Badajoz, 1963 La obra que este año expongo va dedicada a la pereza del alma para sentir su esencia. Mar Alcón Aguas, 2013 14 Cerámica de alta temperatura. 23 × 23 × 23 cm. Pieza única. 15
    • “Igual que sucedía, siendo niños, con las mágicas gotas de mercurio, que se multiplicaban imposibles en una perturbada geometría, al romperse el termómetro, y daban a la fiebre una pátina más de irrealidad, el clima incomprensible de los relojes blandos. Algo de ese fenómeno concierne a nuestra alma. En un sentido estricto, cada cual es obra de un sinfín de multiplicaciones, de errores de la especie, de conquistas contra la oscuridad. Un individuo es en su anonimato una obra de arte, un atávico mapa del tesoro tatuado en la piel de las genealogías y que lleva hasta él mismo a sangre y fuego. No hay nada que no hayamos recibido ni nada que no demos en herencia. Existe una razón para sentir orgullo en mitad de esta fiebre que no acaba. Somos custodios de un metal pesado, lujosas gotas de mercurio amante.” Leandro Antolí Madrid, 1962 Metales Pesados Carlos Marzal MB 12, 2012 16 Técnica mixta sobre papel alfa de grabado. 29 × 21 cm. 17
    • Escultura construida con piezas recicladas de coches, aparatos de medición eléctrica y radios antiguas. Estas partes cobran vida en forma de robot de las películas de Ciencia Ficción de los años 50. Cada robot es, según el autor, una pieza única e irrepetible elaborada de forma totalmente artesanal. “Detrás de estas pequeñas obras de arte se esconde una historia contada por las piezas antiguas y originales que he ido encontrando por todo el mundo”. Por su forma de trabajar, Javier Arcos defiende todos los preceptos de la corriente artística del objet trouvé, para la que los ‘objetos encontrados’ representan la capacidad del arte para dar significado a cosas comunes. “Los artistas emplean estos artículos cotidianos sin ninguna o apenas alguna modificación. En ocasiones solos o a veces incorporados en trabajos formados por un grupo de objetos de este tipo u otros elementos a los que se ha dado forma y color de manera deliberada.” Javier Arcos Pitarque Guayaquil (Ecuador), 1962 18 Publicitario de profesión, Arcos ha sido un apasionado de los robots desde pequeño. Lo que comenzó siendo un hobby para evitar el estrés le ha llevado a inaugurar su propio taller de autómatas, Pitarque Robots, donde trabaja en sus creaciones y desarrolla todos sus proyectos. Un espacio en Madrid donde conviven sus criaturas robóticas junto a piezas antiguas de radios, cámaras de fotos, piezas de coches de colección… “y todo tipo de objetos con una historia detrás preparados para convertirse en un ser vivo”. Salomón, 2013 Collage industrial. 32 × 12 × 8 cm. 19
    • Siempre ha sido la escultura el medio que durante toda mi trayectoria me ha permitido sumergirme en la búsqueda de nuevos conceptos, en donde poder mostrar mas cómodamente mis inquietudes como artista. Considero la piedra el material capaz de permitirme realizar reflexiones durante todo el desarrollo de la obra, su dureza, su propio ritmo, y el considerar el vacío como parte de la propia escultura, asientan en mi sentimientos sobre el orden que la materia debe ocupar en el espacio, alcanzando por tanto construcciones contenedoras de multitud  de sensaciones y nuevas formas de poder conectar con el observador. Realizo búsquedas de formas inesperadas, composiciones de carácter abstracto surgidas a través de la experimentación que conlleva el propio trabajo, cada paso en la ejecución de la escultura es un nuevo problema a resolver.     Borja Barrajón Acedo Madrid, 1985 A día de hoy me siento como un explorador inundado por las ansias de descubrir. Considero que la comprensión del espacio, la forma, la materia y el vacío es un terreno con infinidad de posibilidades e interpretaciones, donde poder seguir investigando y aportando mi visión sobre el orden que estos elementos han de ocupar, siempre por supuesto bajo mi perspectiva y entendimiento personal de los mismos.   Borja Barrajón Acedo Gravitación, 2012 20 Talla en mármol blanco Macael. 35 × 45 × 43 cm. 21
    • “Si el sueño fuera (como dicen) una tregua, un puro reposo de la mente, ¿por qué, si te despiertan bruscamente, sientes que te han robado una fortuna? ¿Por qué es tan triste madrugar? La hora nos despoja de un don inconcebible, tan íntimo que sólo es traducible en un sopor que la vigilia dora de sueños, que bien pueden ser reflejos truncos de los tesoros de la sombra, de un orbe intemporal que no se nombra y que el día deforma en sus espejos. ¿Quién serás esta noche en el oscuro sueño, del otro lado de su muro?” Sira Bee Madrid, 1985 El Sueño Jorge Luis Borges Las Tres, 2013 22 Autorretrato. Fotografía Digital. 40 × 41,49 cm. Edición de 20 ejemplares. 23
    • María Blanco Cobaleda Madrid, 1971 “Nadando en línea recta uno no puede llegar muy lejos...” Sin título, 2013 24 Fotografia pintada y digitalizada. 40 × 50 cm. Edición de 3 ejemplares. 25
    • Verónica Bustamante Loring Madrid, 1960 “ l oír del alma es ver con entendimiento.” E San Juan de la Cruz Conspiración, 2013 26 Oleo sobre lienzo. 100 × 81 cm 27
    • Mi camino comenzó indagando el exterior de la forma, conociendo táctilmente los orígenes de la materia: Transformándola, acariciándola, quemándola, cambiando su textura… Luego quise ahondar los bordes, traspasar esa frontera, vislumbrar el interior. He jugado con las construcciones, con las adiciones, con los contrarios, con los sometimientos de la forma, con los desalojos espaciales y geométricos. He tratado de abrazar los materiales, de abarcarlos, de reivindicar los vacios, de producir tensiones de elementos enfrentados, conjugados, retenidos. He querido, en cada piedra (en cada golpe) heredar su memoria, apresar el aire, detener el tiempo, encontrar una esencia… José Luis Casas León, 1979 Pero me he dado cuenta que he estado caminando en el límite. ”En el linde, entre el misterio y el mundo halla el hombre el recurso del sentido; por ello su inteligencia se provee de símbolos para rebasar (precariamente) ese límite, y para exponer (analógica e indirectamente) lo que trasciende“. Eugenio Trías Estela XIII, 2013 28 Piedra y acero inoxidable. 28 × 14 × 14 cm. 29
    • “Muchas nubes y sol, es la predicción meteorológica para estos días. Una columna de cedés, casi todos del mismo autor. En el equipo Michael Nyman y la Orquesta Andalusí de Tetuán. El fracaso y el triunfo tienen la misma puerta. !Atraviésala! A este lado ya sabes lo que hay. El fracaso es un triunfo si es tu fracaso. El sentido profundo de la vida es el viaje al principio del mundo. “Volver al origen no es retroceder”, dice la canción. Para entender a las nubes hay que ser nube. Qué locura para aquel que vive su secreto. Las rocas fueron nubes una vez, pero dudaron de sí mismas. Allí estaba yo, de pie, viéndolas pasar o soñándolas, no sé. Tú, envuelta en nubes. Nubes más altas que el cielo, nubes galopando sobre tus hombros y nubes sobre la mesa. Como si un trozo de cielo se te hubiera caído. Nubes llenas de amor, con pensamientos, nubes heridas, atadas y olvidadas. Nubes sin fronteras como el aire, como la música.” Chama J. Mugarza Tudela (Navarra), 1952 30 7 de Diciembre Miguel Reyes Nube, 2014 Porcelana y óxido silicatado. 14 × 5 × 64 cm. 31
    • “Mine eye and heart are at a mortal war, How to divide the conquest of thy sight; Mine eye my heart thy picture´s sight would bar, My heart mine eye the freedom of that right. My heart doth plead that thou in him dost lie, A closet never pierced with crystal eyes, But the defendant doth that plea deny, And says in him thy fair appearance lies. To ´cide this title is impanneled A quest of thoughts, all tenants to the heart; And by their verdict is determined The clear eye´s moiety and the dear heart´s part: As thus; mine eye´s due is thine outward part, And my heart´s right thine inward love of heart.” Sonnets Shakespeare “Mi ojo y mi corazón están en guerra mortal, por como repartirse la conquista de tu aspecto; mi ojo a mi corazón quisiera esconder tu imagen, mi corazón a mi ojo la libertad de aquel derecho. Mi corazón alega que en él tú resides, reducto nunca penetrado por ojos cristalinos, pero el adversario refuta el argumento, y dice que en él tu bella apariencia reside. Para resolver este litigio se convoca un jurado de pensamientos todos vasallos del corazón; y por su veredicto se determina que parte corresponde al límpido ojo y qué parte al querido corazón: y así, la deuda de mi ojo es tu parte exterior, y el derecho de mi corazón tu interior amor de corazón.” Lina Cofán Celanova (Orense), 1964 Sonetos Shakespeare Varios Cactus 32 Gres esmaltado. Medidas varias. 33
    • “Aquí tienen el resultado: una combinación de técnicas analógicas y digitales. Un inmenso collage cromático, donde la figura se confunde con la técnica; y ésta, con la intuición. Apuntes mitológicos de lo Universal se ocultan tras crines impecables, en una sucesiva combinación de soportes y motivos, en constante paradoja de ingenuidad y erudición. Müller-Franco Connection Peter Müller, Lima (Perú), 1953 Carlos Franco, Madrid, 1951 Imágenes que sugieren vinculaciones con realidades tan dispares como la moda, el mundo editorial, lo exquisito o lo primario. Coincidencia de dos artistas que comparten generación y proyección internacional, así como su pasión por el mito y lo plástico. Madurez que sugiere una vuelta a los orígenes. Tal vez a un pueblo junto al mar donde los caballos cabalguen junto a las olas.” Zahara Magazine 2012 Susana Mato Europa, 2012 34 Combinación de técnicas analógicas y digitales de pintura y fotografía. 200 × 98 cm. Edición de 7 ejemplares. 35
    • Ya en los sesenta McLuhan [I] desarrolló amplia y certeramente la idea de los medios como extensión de los sentidos y lo que se veía venir –desde Huxley la ciencia ficción ha contemplado prácticamente todas las distopías posibles–, la implantación de dispositivos de intercomunicación, la generalización del uso de prótesis radioeléctricas, la omnipresencia de los aparatos devídeovigilancia, etc..., fue brillantemente asimilado y superado en los años ochenta por una teórica posfeminista, Donna H. Haraway, quien en su famoso y vitriólico Manifiesto Cyborg [II] demostró que, en realidad, los medios –y muy especialmente la red– podían servir para deconstruir cierto número de entramados ideológicos perversos –especialmente, los “masculinos”– precisamente porque aquellos podían dejar de ser percibidos como las prótesis definidas por McLuhan y pasar a ser entendidos como un auténtico cuerpo trans o post genérico: “el cyborg es una criatura de un mundo posgenérico”. La lúcida creadora delMito Cyborg, que luego escribiría el canónico Testigo_Modesto@Segundo_Milenio.HombreHembra©_ Conoce_Oncoratón®[III], anticipó una realidad que hoy ya nos es familiar: los ciudadanos de esta segunda década del siglo XXI –y muy especialmente las mujeres- se nos aparecen siempre, en sus espacios de ocio o en los transportes públicos, provistos de una prótesis mecánica con la que se mantienen en contacto permanente con personas –a las que a veces no han visto jamás- situadas en lugares lejanos; pero además, tal como aseveraba Haraway (“¡La red es femenina!”, etc..), Internet es realmente el cuerpo mecánico –digámoslo claramente, el avatar– que la mujer tiende a emplear para relacionarse toda vez que su cuerpo biológico es, ya en la teoría feminista clásica, sospechoso de haber sido –y ser en todo momento– construido por la mirada del hombre: “La historia del arte lo demuestra: la imagen de la mujer es la imagen que el hombre tiene de ella” [IV]. Jesús Curiá Madrid, 1969 [I] Marshall McLuhan. Understanding media. 1964 [II] Donna H. Haraway. Manifiesto Cyborg. 1984 [III] Donna H. Haraway. Testigo_Modesto@Segundo_Milenio. HombreHembra©_ Conoce_Oncoratón®. Feminismo y tecnociencia. 1997 [IV] Mujer. La vanguardia feminista de los años 70. Obras de la Colección Sammlung Verbund, Viena. Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2013. Javier Rubio Nomblot Naranja, 2013 36 Mármol blanco y resina. 28 × 30 × 24 cm. 37
    • “Vor mir war keine Zeit, nach mir wird keine seyn. Mit mir gebiert sie sich, mit mir geht sie auch ein” “Antes de mí no había tiempo, después de mí tampoco habrá. Conmigo se genera, conmigo también se va” Sexcenta Monodisticha Sapientum, III. (1655) Daniel von Czepko Michael de Coca Leicher Madrid, 1968 “Almacenes, Archivos y Construcciones” son obras que hablan de lo efímero de la existencia, de la lucha por perdurar en el recuerdo y del anhelo por conseguir la inmortalidad. Obras que revelan mensajes y recuerdos imprecisos, resucitan momentos olvidados manipulando el tiempo para crear la ilusión de permanecer… Archivo de Recuerdos Perdidos I, 2013 38 Técnica mixta y serigrafía sobre lienzo. 130 × 97 cm. 39
    • Enar de Dios Rodríguez Ourense, 1986 El objetivo de esta serie es encontrar y capturar la única realidad que existe: la subjetiva. La fotografía, sin embargo, se proclamó objetiva desde sus inicios (el aparato, sí, el apparatus, siempre interponiéndose entre la realidad y el sujeto) y así la imagen técnica se convirtió en la más fuerte creadora de memoria visual histórica. Por suerte, con el tiempo, se condenó la verdad que deja al descubierto la fotografía, se condenó el resultado de sus verdades; se consideraron sus mentiras. El aparato, sin embargo, siempre presente, siguió arañando la posibilidad de una fotografía subjetiva. Solo a través del control total del elemento esencial de la imagen técnica, la luz, y solo cuando la cámara quede relegada a la simple restauración de la gesticulación del sujeto, se puede llegar a una imagen técnica subjetiva. Después de esta conclusión, el nacimiento de estas fotografías era irremediable. Portraits 1, 2013 40 Impresión digital sobre papel baritado, montada sobre dibond. 54 × 54 cm. Edición de 3 ejemplares. 41
    • “I am a searcher... I always was... and I still am... searching for the missing piece.” Raquel de la Cruz Madrid, 1991 42 “Soy un buscador... Siempre lo fui... y aún lo soy buscando la pieza que falta.” Louise Bourgeois 2013 Fotografía digital. 15 × 21 cm. Edición de 10 ejemplares. 43
    • Carlos Díaz de Bustamante Madrid, 1963 44 “… Carlos construye lugares para mirar el mundo. A veces, invita a mirar hacia dentro, a entrar en el lugar. Otras más secreto, ciega la visión, cierra las puertas. Y en algunas ocasiones son lugares los que, como ventanas, se asoman hacia nuestros lugares. Un juego de lugares, un juego fractal, en el cual lo de dentro y lo de fuera se funden y se confunden en su inquietante propuesta: lugares desde los que mirar el mundo. O los mundos, más bien, porque como entendieron los “exploradores” ilustrados, cada ventana puede abrir posibilidades infinitas.” Lugares desde los que Mirar el Mundo Estrella de Diego Pabellón de mi Recreo, 2012 Collage. Técnica Mixta. 35 × 70 × 29 cm. 45
    • “Decía Picasso que la naturaleza está llena de maravillas, que es necesario querer, saber, buscar, ver y encontrar, “atentos como el que monta un reloj, la invención parte de ahí”. Hace mucho tiempo, Leticia me enseñó a los Talking Heads (a los que por entonces prestaba yo poca atención) y también a Bruce Nauman (al que no prestaba atención alguna). Gracias. Al principio de Blue Velvet, la cámara se dedica a fisgonear por entre las hierbas de un jardín hasta que acaba topándose con una oreja humana. Esa oreja es el origen de toda la sucesión de alucinaciones por las que Lynch nos paseará todo el resto de la película. En su jardín, Leticia encuentra pequeños elementos casi anónimos, piezas que disecciona como un cirujano, cataloga y sistematiza y que luego cocina y reconstruye, para mostrarnos su investigación como un escaparate de visiones personales, sorprendentes e inquietantes, frutas extrañas, flores locas y bodegones barrocos e imposibles. Encontró, más allá, cosas mas grandes, medusas, peces, coliflores, edificios, y el relojero seguía allí montándolas, desmontándolas, prendiendo fuego, sumergiendo, vaciando, pintando y enseñándonoslas en sus fotos sistemáticamente. Ahora hurga en otros cuerpos, otras escalas, con más distancia, pescados, camas, repollos, puertas misteriosas, estrellas de mar, que sigue armando y ajustando con su paciencia y meticulosidad de artesano, devolviéndonos imágenes compuestas de paradojas y suposiciones inquietantes, escenarios insólitos y cajas inexplicables. Parece a veces, que se intuye el fantasma del mítico encuentro entre un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de operaciones: es normal, todo se andará. ¡No se la pierdan!” Leticia Felgueroso Madrid, 1991 Nota de Calle de Cristóbal Bordiú 40 en Madrid Rafael Roca Silla, 2013 46 Gelatina de plata sobre papel RC. 120 × 90 cm. Edición de 8 ejemplares. 47
    • “Cloro Ayer me asomé a la ventana, y me vi muerta en la piscina. Flotaba. Al verme ahogada pensé que no estaba mal para la edad que tenía. Mi pelo que de viva era muy desaliñado, ahora se veía bonito. Una medusa de tinta de calamar. Fuerte. Los muslos que de viva nunca me gustaron, parecían piernas de acriz de cine francés. Muerta, me encanta la vida.” María Fernández Armero Febrero, Gijón 48 Todo Flota Coloma Fdez. Armero Medusa Fotografía analógica en papel Hahnemühle, procesada en metacrilato en el laboratorio Fotosintesis. 74 × 100 cm. Edición de 4 ejemplares. 49
    • “Siempre me han interesado los estudios de los pintores. Esos lugares mágicos, de luz algodonosa y olores casi nutritivos: a trementina y óleo, disolvente y papel. Tengo la secreta certeza de que la creación, ese paradigma de la fragilidad, de lo azaroso, está de alguna manera vinculada al entorno, a esa geografía de lo propicio de la que cada pintor se rodea, y donde se encuentra a gusto. Así que visito el estudio de Damián Flores, en Madrid, de techos altos, cruzados de fluorescentes, paredes blancas y el suelo gris con rastros de pintura. Hay un sillón, un viejo caballete, una mesa con libros –veo a Claudio Rodríguez, a Pessoa, a José Ángel Valente– lápices, tubos de acuarela, avellanas y nueces. Y en medio, una columna donde tiene, colgado de una escarpia, un cartón con pequeños dibujos. Porque tiene la costumbre, Damián Flores, tal vez supersticiosa, de reproducir sus exposiciones en cartón: anota la forma y el tamaño, el título a veces, y hace un bosquejo de cada uno de los cuadros. De modo que mirando los dibujos uno puede recorrer la exposición a escala: escaleras de caracol, cristales y ventanas, edificios, columnas, sombras, luces y cielos de tormenta. Hay algo luminoso en su pintura. Algo de esa realidad insuficiente, casi metafórica, al tiempo fidedigna y también de algún modo imaginada. Un mundo que es poderosamente real, y al tiempo una invención posible. Incluso preferible, o deseable.” Damián Flores Azehúche (Cáceres), 1963 Pintar Metáforas Jesús Marchamalo Interior del Hipódromo de la Zarzuela, 2013 50 Óleo sobre tela. 30 cm de diámetro. 51
    • Gorka García Herrera Jerez de la Frontera (Cádiz), 1952 “Donde nada permanece, allí soy, allí fui, allí seré.” Seré, 2010-2013 52 Oleo sobre tabla. 195 × 130 cm. 53
    • La obra de Gema Goig nos sugiere dos niveles de interpretación: sencillo y sensitivo, profundo e intelectual. Ambos se complementan como la irrealidad y la realidad, la vigilia y el sueño, la evocación y el olvido, tener y ser. Obra pura, ligera de equipaje, sin ambages, sin efectos especiales, nunca confundida con lo simple o naïf. Sus fondos muy trabajados a base de distintas capas y técnicas que incorporan desde el grabado hasta la impresión con papeles, y que son capaces de evocar diferentes dimensiones y profundidades. Cuida sus composiciones con la difícil elección de ubicar el objeto para conseguir el equilibrio compositivo y sus formas. No nos habla del juego infantil sino del adulto, o mejor, del juego que el adulto recuerda, encuadrado bajo la fuerza de su propio marco, rememorado desde un pensamiento literario y silencioso. Hay una austeridad emocional inmersa en toda su producción, un silencio inquietante, tan solo roto por la irrupción de citas literarias a Dickinson o a Stevenson y la mejor inspiración de los grandes ilustradores ingleses. Gema Goig Valencia, 1960 Frente a la seriedad literaria de su obra, un sutil aire corrosivo late en el fondo de su juego creativo a la vez que una realidad pura se manifiesta tan vulnerable como un niño o un recuerdo de la infancia. En sus cuadros no se juega a ganar; la observación es puramente emocional, no parte de la propia obra sino de nuestro propio interior. Jesús Lázaro Docio A Golpe de Tambor, 2012 54 Acrílico sobre tabla, 50 × 50 cm. 55
    • “Un modisto debe ser un arquitecto para los planos, escultor para las formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida.” Cristóbal Balenciaga “Mi padre me enseñó que componer una sinfonía es como construir un edificio. Y vi que compositores y arquitectos utilizan el mismo pensamiento para componer o proyectar un edificio. Para inspirarme, me sentaba a escuchar a Beethoven. Él también fue un gran arquitecto. Ambos tipos de mente son bastante parecidos porque componen y construyen, dibujan y proyectan de la misma manera.” Frank Lloyd Wright Piter Madrid, 1982 “La Arquitectura no tiene presencia, la música no tiene presencia; me refiero al espíritu de la arquitectura y al espíritu de la música. Este espíritu se conoce como la Verdad. Esa atmósfera que va de la luz al silencio, del silencio a la luz, de modo que podamos verlo y entenderlo como un todo, no como una suma de detalles; y luego tal vez podamos tocar el piano de la composición que equivale, en cierto sentido, a la arquitectura del edificio. Un compositor entiende la música como algo que oye. La arquitectura debería leerse como un ámbito de espacio y luz. Deberíamos ser capaces de leer la luz que entra en esos espacios: es una música de espacios en la luz. Silencio y luz. La luz es la creadora de un material, y el material se creó para proyectar una sombra, y la sombra pertenecerá a la luz.” Louis Kahn (S)kels (S)onoros, 2014 56 Composición de 2 elementos. Madera y hierro. 29,7 × 29,7 × 29,7 cm cada uno. 57
    • “La obsesión por el orden externo tal vez sólo refleja un profundo desorden interior. El desorden externo y material tal vez sea reflejo del cansancio que produce ordenarse por dentro.” Carlos I. Faura Madrid, 1988 58 Cartografía del Laberinto, 2012 Orden Javier Bozalongo, 2011 Hierro oxidado. 100 × 100 × 100 cm. Edición de 8 ejemplares. 59
    • Como artista y como ciudadano me interesa lo que me ocurre y lo que ocurre a mi alrededor, lo que me afecta, transforma y condiciona como persona y como elemento que habita en un contexto social determinado. La obra que propongo es un díptico formado por los retratos del ministro de educación, José Ignacio Wert y el pintor Antonio López, ambos dibujados a bolígrafo sobre papel de baño. le frère Madrid, 1975 60 Con ello quiero lanzar una reflexión sobre el panorama institucional que se nos presenta y el papel que les corresponde, no solo a dichas instituciones responsables o a los personajes principales, también al nuestro como ciudadanos, como espectadores y como artistas en cuestión de educación arte y cultura. Retrato del Ministro de Educación José Ignacio Wert Sobre Papel de Baño, 2013 Bolígrafo negro sobre papel higiénico (doble capa). 90 × 140 cm. 61
    • Esta serie de imágenes se inspira en la botánica y hace una revisión del concepto clásico de naturaleza muerta mediante la re-organización de lo vegetal. Versa sobre el medio ambiente como fuente de inspiración pero también como materia prima de la obra de arte. Toya Legido Albacete, 1968 62 La idea principal partía de la construcción de una serie de esculturas naturales que fueran efímeras, cambiantes y ecológicas. Con ellas pretendía poner de manifiesto el paso del tiempo, y la imposibilidad de detenerlo. Quería alejarme de lo construido por el hombre, de la belleza de lo artificial y me interesaba señalar el potencial de lo banal como materia escultórica. Esculturas Naturales I (Amapolas V), 2013 Copia de pigmentos minerales sobre papel algodón. 70 × 100 cm. Edición de 5 ejemplares. 63
    • “Yo observaba la costa. Observar una costa que se desliza ante un barco equivale a pensar en un enigma. Está allí ante uno, sonriente, torva, atractiva, raquítica, insípida o salvaje, muda siempre, con el aire de murmurar: ‘Ven y me descubrirás’. Navegábamos a lo largo de la costa, nos deteníamos, desembarcábamos soldados, continuábamos, desembarcábamos empleados de aduana para recaudar impuestos en algo que parecía un páramo olvidado por Dios. Algunos, por lo que oí decir, se ahogaban en la rompiente, pero, fuera o no cierto, nadie parecía preocuparse demasiado. Eran arrojados a su destino y nosotros continuábamos nuestra marcha. La voz de las olas, oída de cuando en cuando, era un auténtico placer, como las palabras de un hermano. Era algo natural, que tenía razón de ser y un sentido.” Iñigo Lizarraga Madrid, 1966 El Corazón de las Tinieblas Joseph Conrad, 1899 La Costa, 2013 64 Acuarela sobre papel. 70 × 50 cm. 65
    • Innovar a veces es volver a los orígenes, como supone el trabajo sobre piedra de Irene López de Castro, pintora acostumbrada a viajar, tanto para inspirarse (Africa o La India), como para exponer sus lienzos, que llevan más de una década recorriendo Italia o Francia. No es la primera vez que expone en Flecha, en 1997 y 1998 ya lo hizo y de nuevo vuelve a Flecha para mostrar al público sus Litopinturas, probablemente una de sus creaciones más íntimas. Se trata de diferentes intervenciones sobre calizas, pizarras o sales del desierto del Sahara. Irene López de Castro Madrid, 1967 Piedras, muros, grutas... San Francisco de Asís dormía sobre la roca, porque decía que ahí se sentía más cerca de Dios... y sí, debe haber algo de sagrado en todo lo que está hecho de piedra; parece contener un potencial, una energía que inspira a esta pintora nómada y que supone un juego de intercambio, inspiración, equilibrio y fusión; las formas de las piedras llaman a los trazos y colores del pincel y más formas se definen, apareciendo finalmente, como si siempre hubieran estado ahí dentro, esperando. Litopinturas, 2013 66 Técnica mixta sobre piedra. Medidas varias. 67
    • “La obra de Irene Mala se caracteriza por acercar los sentimientos más profundos del ser humano a través de su particular mirada: unas veces popular, otras aparentemente inofensiva. En su pintura encontramos un desarrollo temático que nos habla de soledad, de la adversidad que nos rodea y nos nutre, y de la inconsistencia de nuestras emociones. Frente a estos temas, expresión de la fragilidad y extravagancia humanas, Mala responde con una forma detallista, expresada por una armonía de colores lustrosos. Su pintura remite a la tradición de la ilustración con una mirada donde manifiesta la fijación por lo grotesco y ridículo del ser humano, y a la que da forma con una técnica donde emergen el afecto y la empatía. En este sentido, en la poética pictórica de Irene Mala se produce un choque entre los temas desarrollados y la técnica pictórica. Del lado del contenido, en sus obras la artista hurga en entrañas emocionales, arrojándose a pasiones personales, la incomodidad con el mundo y la inconformidad con lo que se espera de cada uno. Del lado de la forma, su técnica es aguda, buscando la armonía en formas gráciles por las que es capaz de comunicar de manera universal esas grietas y amarguras. Del choque emerge la ternura como motor y resultado de su obra: cada pintura se manifiesta como un extraño divertimento o un exótico despropósito, mostrando esa capacidad de transmitir lo grotesco humano a partir de esa ternura técnica.” Irene Mala Sevilla, 1978 De una Grotesca Ternura Daniel López García Chica Mascando Chicle, 2013 68 Acrílico sobre papel. 35 × 28 cm. 69
    • Por un lado tablas, bastidores, imprimación, óleos, aceite de linaza, secativo de cobalto, esencia de trementina, pigmentos, temple de huevo, agua, pinceles, brochas, caballetes, ordenador, tubos fluorescentes, cámara fotográfica, barnices, lápiz… Del otro lado colores primarios, secundarios, grises coloreados, contrastes simultáneos, complementarios, fríos, cálidos, entonación, composición, pinceladas largas o cortas, secas o frescas, arrastradas o toques, espesas o disueltas, opacas o transparentes… Carlos Javier Márquez Martínez Granada, 1976 Lo juntas todo, le añades disciplina, paciencia, capacidad de observación, aprendizaje, exigencia y por supuesto, buena música… Y puede que tengas un buen trabajo. 12 Tarifa, 1976 70 Técnica mixta sobre tabla. 99 × 99 cm. 71
    • Plegar papel es un ejercicio curioso e hipnótico dónde lo frágil se combina con lo rotundo, lo flexible y noble. Manipular esta materia nos impregna de años de cultura y nos prepara para para la fascinante aventura de jugar con el volúmen y provocar que la luz invente sus caprichosas formas que modeladas por el tiempo ya nunca serán iguales. Hipnometrías es una etapa en el proceso infinito de abrir puertas y descubrir caminos. Nacho Montero Madrid, 1959 Hipnometría nº 6, 2013 72 Plegado de papel. 50 × 50 × 6 cm (marco vitrina). Ejemplares únicos firmados y sellados. 73
    • “Canaletto dormitaba pensando que el sueño era un poder fantástico. Dieron las nueve y cuarto, nuestro hombre se levantó, vistió, calzó, abrió la puerta de su casa y salió a la calle. Fue a una de las típicas plazas de Venecia, se acercó a un bar y, sentado en la terracita, contempló las magníficas torres blancas que se elevaban sobre la ‘ciudad flotante’, entonces, pensó que todos los pintores merecían muchedumbres en las exposiciones mundiales.” Celia Muñoz Madrid, 1972 Canaletto en Venecia y el Bar Flotante Lucía y Teresa Canaletto Proyectado I, 2012 74 Acrílico sobre tela. 92 × 92 cm. 75
    • “Pero qué es este disfraz que nos creemos que tanto amaríamos si supiéramos que tanto destruimos no sabiendo, que no es más que nuestro cuerpo. Al saber, honraríamos el milagro y alabaríamos, lo que es el privilegio de tenerlo. Por ignorar, o tal vez, por olvidar, no escuchamos cómo habla cómo pronuncia el primero de todos, el único verbo.” Ouka Leele Madrid, 1957 El Regalo de los Regalos 17 noviembre de 2013 El Misterio del Bolso, 2013 76 Carbón y carboncillo sobre papel. 65 × 50 cm. 77
    • “Her palette in the style of ‘The Red and the Black’, to quote Stendhal, draws from these two colours that same symbolism which in the novel is a metaphor for passion on the one hand, and grieving on the other. This dual color scheme is also used by Silvia Papas, almost as if her women were part of a game of chance in which the numbers have only two faces, and no half-measures.” Silvia Papas Padova (Italia), 1969 “Su paleta estilo ‘Rojo y Negro’, para citar a Stendhal, saca de estos dos colores ese mismo simbolismo que en la novela es una metáfora de la pasión por un lado y del sufrimiento por el otro. Este esquema dual de color es usado por Silvia Papas, casi como si sus mujeres formarán parte de un juego de azar en el que los números tienen sólo dos caras, sin medias tintas.” Luca Beatrice Venice Story, 2013 78 Acrílico sobre lienzo. 160 × 120 cm. 79
    • “El corazón de los hombres tiene un agujero a través del que, si tienes el coraje de asomarte, se ven esas últimas cosas. Ese lugar se encuentra entre la esquina de uno mismo, justo antes de llegar al siguiente encuentro, y que va con billete de ida hasta una estación no muy lejana. Carolina Pingarrón Madrid, 1980 80 Se hace un viaje a la soledad, a ese país donde cada uno tiene un lenguaje, una expresión, unos movimientos naturales, que se traducen en exterioridad con fronteras. Las maletas que nos llevamos a este país contienen los sueños y deseos íntimos, casi comunes a todos los hombres, sólo lo esencial, lo que tenemos que colmar, para llegar hasta el final.” Virginia Wollstein El País de las Últimas Cosas, 2013 Fotografía digital. 40 × 50 cm. Edición de 5 ejemplares. 81
    • Said Rajabi Teherán (Irán), 1963 “Cuando pinto una moto según un patrón fotográfico, pretendo pintar la moto, no la fotografía.” David Parrish DiBocca Restaurante 82 Óleo sobre tabla. 117 × 45 cm. 83
    • Carlos Regueira La Coruña, 1958 “Cualquier paisaje es un estado del espíritu.” Henri-Frédéric Amiel Horton Plains, 2013 84 Impresión con tintas pigmentadas Ultrachrome K3 en papel Fine Art German Etching de 310 g. 70 × 50 cm. Edición de 5 ejemplares. 85
    • Roberto Reula Madrid, 1970 86 “Fracasa lo antes posible, para dedicarte a lo que verdaderamente importa.” Roberto Reula Esperando tu Llamada, 2014 Madera, resina, bronce y un baúl. 30 × 30 × 18 cm. Pieza única. 87
    • “Para lograr entender realmente la naturaleza, necesito comprender lo efímero, todo aquello que no permanece, que se deteriora y cambia. […] Durante unos años me interesaron mucho las construcciones de hojas y el proceso de recolectarlas, de examinar su arquitectura.” Gonzalo Rodríguez Córdoba, 1984 Andy Goldsworthy, 2007. Entrevista realizada con motivo de su exposición en el Palacio de Cristal, Madrid. Jardines del Parque de María Luisa, 2012 88 Óleo sobre tela. 130 × 60 cm. 89
    • “Con una espátula apliqué rayas y manchas de colores sobre el lienzo y las hice cantar con toda la intensidad que pude...” Wassily Kandinsky Arún Roy Madrid, 1962 “¿Quién le ha dicho que uno pinta con colores? Uno hace uso del color, pero pinta con las emociones” Jean Siméon Chardin Fiordo V, 2013 90 Grabado. Aguafuerte y aguatinta. 52 × 54 cm. Edición de 10 ejemplares. 91
    • Marta Sánchez Luengo Madrid, 1972 “Los silencios del mundo permanecen mientras, los contemplo.” Callada Conversación, 2013 92 Resina epoxi policromada. Transfer sobre hierro. 29 × 70 × 19 cm. Obra original. 93
    • “La importante producción artística hiperrealista de Daniel Sanseviero atestigua de manera irrefutable una sensibilidad estética y una obra capaz de producir valores textuales y compositivos. En dichas composiciones impera un acrisolado esmero en la ejecución del dibujo. Ante el espectador se halla una cantidad de objetos que tienen sentido en su conjunto, encubiertos criptológicamente por el colorido, el humor, la armonía por contrastes, lo vivido de tonos y matices, traducidos y descubiertos por la inteligencia en disponerlos y colocarlos, forjando belleza, plasmando vivencias infantiles, tendiendo puentes de comprensión para interpretar pictóricamente objetos, peluches, juguetes y el mundo del niño. Su visión tiene la función de sublimar la tensión creada por la lucha perpetua entre el mundo del adulto y del niño que lo lleva a descubrir una pintura auténtica, comprendiendo con nuevos ojos el universo de los párvulos hasta llegar a saborear esos mundos. Sus cuadros están habitados por formas de utilería fantástica, artesanías del inconsciente o de museo de niños detrás de cuyos objetos mágicos están sus propios duendes listos para comenzar a mover los hilos del espectáculo de cada obra.” Daniel Sanseviero Caracas (Venezuela), 1978 Orlando Campos Curador y crítico de arte El Elefante Azul, 2013 94 Óleo sobre tela. 46 × 54 cm. 95
    • Ana Sanz Llorens Valencia, 1957 “Tornasol de culturas, espejismo de luces en el cristal de tan altas copas.” Ana Martínez Mongay La Mirada del Reflejo, 2013 96 Tintas Ultrachrome en papel Ilford Galerie Proffesional 290 g montado sobre dibond. 120 × 85 cm. Edición de 8 ejemplares. 97
    • “El interés de mis series fotográficas se centra en una particular forma de entender el binomio del mundo natural y artificial. Carreteras, bosques, trozos de césped, troncos de árboles aparecen de forma metafórica en mis composiciones fotográficas como los últimos fantasmas de un mundo real. Parto de elementos naturales que descontextualizo en un entorno artificial provocando situaciones inesperadas y extrañas. Las imágenes resultantes no son montajes fotográficos sino escenarios creados y preparados en el estudio. No existe una manipulación digital, la luz la escenografía, el instante se capta en el momento real, en el acto de tomar la fotografía. Markus Schroll Rüdesheim am Rhein (Alemania), 1961 El fotógrafo es sólo constructor casual que capta el azar de los materiales y que los aglutina en un escenario construido. En mi trabajo compagino la fotografía de estudio con reportajes realizados en viajes.” Statement Waldgesiter, 2012 98 Version null: zwei. (Fantasmas del bosque. Version cero: dos). Serie: anatomía del bosque. Impresión en metacrilato de 5 mm. Montado sobre dibond de aluminio. 135 × 90 cm. Edición de 5 ejemplares. 99
    • “Contemplar las esculturas de Fernando Suárez supone un viaje al descubrimiento, ese con el que cómics y tebeos sembraron de nuevos mundos nuestra adolescencia, a la vez que desde sus figuras se destila el sentir de un instante atrapado en su misma concepción. Bestiarios, ciudades de ficción galáctica, seres comprimidos en la atemporalidad, lenguajes sin palabras, reflexiones minerales cargadas de vaticinios. Un universo estático que nos absorberá a través de un agujero negro hasta la firme realidad del metal, un metal que no es frío sino que late en su plena dimensión para agudizar nuestros sentidos. Fernando Suárez Oviedo, 1966 100 El hierro, la resina o la cera son algunos de los instrumentos que Fernando utiliza para dar rienda suelta a sus fantasías y de paso a las nuestras. Posee la característica de los grandes artistas, ser reconocido por encima de tendencias y estilos. Por su trayectoria y proyección estamos ante un escultor honesto y comprometido con su tiempo.” Eugenio Mateo, escritor y comisario de exposiciones Entrepalos, 2013 Bronce y hierro. 47 × 55 × 32 cms. Pieza única. 101
    • Alberto Tejeda Aranda de Duero (Burgos), 1979 “Siempre buscando esa luz que buscan los castellanos, que está en el Madrid de Valle–Inclán, y que tan bien ha reflejado Antonio López y las generaciones de pintores que le han seguido. Es ahí donde está Alberto Tejeda, madrugando, recorriendo las calles trípode en mano, instalándose horas hasta conseguir encontrar esa luz tenue, de grises cálidos y pequeños matices saturados que te invitan a crear el color. Siempre vinculado con la naturaleza, sea en paisaje urbano o rural, la imagen se presenta de forma clásica, dando la importancia al objeto protagonista y permitiéndonos descansar la vista en puntos desdibujados a través de un cuidadoso trabajo analógico y digital. Este fotógrafo nos muestra un mundo racional marcado por un horizonte siempre presente, que aunque es roto por curvas y diagonales, siempre busca armonía. Si como dijo Hume, la belleza de las cosas existe en el espíritu de quien las observa, Tejeda la encuentra en la armonía presente en una mirada minuciosa.” Jorge Izquierdo Vera, Tudela (2013) Palacio de Oriente, 2013 102 Fotografía impresa en papel Canson Platine con tintas pigmentadas. 120 × 46 cm. Edición de 8 ejemplares. 103
    • Ube Guernika, 1961 “Hay hombres que luchan un día y son buenos Hay hombres que luchan un año y son muy buenos Hay mujeres que luchan toda una vida, esas son las imprescindibles...” Ube Ámame, 2013 104 Madera de roble, chapa galvanizada, acero inoxidable. 37 × 50 × 90 cm. 105
    • “Hasta que no hayas amado a un animal, parte de tu alma estará dormida.” (Anatole France) Menchu Uroz Les (Lleida), 1966 “Todo lo que una mujer quiere de verdad –un perro, un hombre, Dios, cualquier cosa– lo quiere como a un hijo.” (Antonio Gala) Amigos, 2013 106 Acrílico sobre tabla. 60 × 60 cm. 107
    • “Para el diccionario de la R.A.E. el infinitivo es la forma no personal del verbo. Pero me gusta lo que añade el WordReference: Forma no personal del verbo que no expresa número ni persona ni tiempo determinados. Se ve que no quiere expresar nada. Sin embargo, esa imprecisión hace del infinitivo un lugar lleno de posibilidades. Pienso en un verbo cualquiera, comer, y al sumar palabras… comer con la espalda recta… comer pipas… comer solo… apenas con unas letras vamos creando un mundo, definiendo una vida, situándonos en un escenario extensible, un descansillo con infinitas puertas tras las que se esconde una infinita sucesión de datos. El infinitivo apenas dice y tú te imaginas lo demás. Apenas impone y tú eliges. Es lo más parecido a la libertad. Ana Valenciano Madrid, 1951 Esta serie titulada INFINITIVOS era un modo de atrapar acciones y movimientos intrascendentes de la vida oculta, esa que transcurre silenciosamente por debajo del ruido de lo definido y añadirle una pista que uno pueda seguir.” Infinitivo viene de Infinito Regar la Aspidistra, 2013 108 Bronce. 11 × 11 × 12 cm apróx. Edición de 5 ejemplares y PA. 109
    • “A través de la noche urbana de piedra y sequía entra el campo a mi cuarto. Alarga brazos verdes con pulseras de pájaros, con pulseras de hojas. Lleva un río de la mano. El cielo del campo también entra, con su cesta de joyas acabadas de cortar. Y el mar se sienta junto a mi, extendiendo su cola blanquísima en el suelo. Del silencio brota un árbol de música. Del árbol cuelgan todas las palabras hermosas Que brillan, maduran, caen. En mi frente, cueva que habita un relámpago… Pero todo se ha poblado de alas.” Eduardo Vega de Seoane Madrid, 1955 Visitas Octavio Paz Blau Blau, 2013 110 Acrílico y óleo sobre lienzo. 130 × 81 cm 111
    • Mercedes Vizcaíno Guadalajara (España), 1968 “En el ir y venir de una ciudad loca procuro no perder el sentido obligatorio, la huida de la mediocridad.” Sentido Obligatorio, 2013 112 Fotografía analógica. Gelatino-bromuro de plata sobre papel baritado con virado de selenio. 50 × 50 cm. Edición de 10 ejemplares. 113
    • Agradecimientos A la vida por darme el privilegio de hacer FLECHA y a través de ella relacionarme con todos vosotros, personas que me emocionáis con vuestras personalidades y me hacéis crecer descubriendo cosas nuevas todo el rato. A los Propietarios y Comerciantes del Centro Comercial Arturo Soria Plaza, por la labor de mecenazgo que año tras año ha posibilitado la existencia de FLECHA y del premio “El Flechazo”. A AON Gil y Carvajal por los reaseguros y el segundo premio. A los Cocomisarios (que han ido variando algunos y otros no) por su ayuda para la selección de los artistas, labor no exenta de riesgos. A la plantilla de Lumimar (Lorena, Cristina, Alfonso, Enrique, Alfredo…) que me estarán escuchando. A Nicolás Yebes por los transportes. A todo el equipo del Centro Comercial (Dirección, Mantenimiento, Seguridad, Limpieza, etc), por su paciente colaboración con estos chalados que todos los años invadimos su territorio. A Tim y a Daniel que ayudan de 7 formas diferentes como mínimo. A Lorenzo de DDnet por su web-maestría. A los periodistas que encuentran huecos para FLECHA en los medios de comunicación en un mundo en el desgraciadamente las malas noticias, la política y el fútbol cada vez dejan menos espacio para todo lo demás. A Javier Cavero por idear FLECHA y tantas otras cosas. A los artistas por su fé en la providencia en general y en FLECHA en particular. Bueno claro, y cómo no, a la providencia misma que provee lo suyo a tope. Al público que tan cariñosamente nos acoge siempre. A los coleccionistas cuya a veces anónima labor es la auténtica madre del cordero. Centro Comercial Arturo Soria Plaza Arturo Soria, 126-128, 28043 Madrid Telf. 91 759 76 32 www.flecha.es Contacto FLECHA: jaelius@flecha.es
    • Este cátalogo se acabó de imprimir en Enero del 2014 en los talleres de C.G.A, Madrid. Diseño: Tim Simmons y a Daniel de Loyzaga Coordinación, traducción y cocorrección: Jaelius Aguirre Imagen cubierta: “Una Idea Genial”, de Menchu Uroz Maquetación y fotomecánica: Lumimar Impresión: C.G.A.