Expresionismo

5.2. La crisis social y la evasión del expresionismo abstracto, el arte informal y la generación de Ruptura en México. Análisis de sus propuestas formales e ideológicas

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
el primero de los grandes movimientos artísticos de posguerra, tuvo sus raíces en el surrealismo
la "especial filosofía“ estaba todavía bastante viva cuando el movimiento surrealista llegó a Nueva York.
Nueva York ofrecía un territorio fresco y desafiante para sus actividades y empezaron a reclutar conversos entre los artistas norteamericanos.

la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo .

Del surrealismo toman el automatismo , además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.
La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo.

La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno determina e influye de manera decisiva en el nacimiento de esta nueva corriente.
En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías:
la gestual o pintura de acción ( action painting ) y
la pintura de superficie-color ( color field-painting ).

En la pintura de acción
encontramos artistas como
Gorky ,
Pollock ,
de Kooning ,
Kline ,
Motherwell y
Hoffmann .
Estos artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo.

La pintura de superficie-color
centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones.
Aparecen vinculados a esta vía
Mark Rothko ,
Clifford Still y
Barnett Newman

Arshile Gorky (1904 – 1948) ARMENIA

En 1920 emigra a Estados Unidos y estudia arte en la Rhode Island School of Design.
En 1925 continua su formación en la Grand Central School of Art de Nueva York, donde más tarde será profesor.
Su obra está considerada como la mejor unión entre el surrealismo y el expresionismo abstracto .

Sus primeras pinturas, entre las que podemos citar las evocaciones de su tierra natal
El jardín de Sochi (1941) del Moma de Nueva York y
Mojave (1941-42).

A partir de 1943 empieza hacer unos dibujos de paisajes de Virginia dentro de la abstracción lírica , que acusan la influencia de las innovaciones de los grandes maestros del siglo XX: Picasso , Miró , Kandinsky y Cézanne .
Tras una etapa dentro del cubismo sintético , a partir de los años treinta su estilo cambia radicalmente.
Bajo su influencia y también la de Miró empieza a hacer unas pinturas abstractas con formas biomórficas

Desafortunadamente, despu é s de una larga serie de infortunios, se suicidó en 1948.
His studio barn burned down, he underwent a colostomy for cancer , his neck was broken and his painting arm temporarily paralyzed in a car accident, and his wife of seven years left him, taking their children with her.

Hans Hoffmann (1888 - 1966) Alemania - N Y

Se forma en Münich en contacto con el divisionismo , y en París, donde reside entre 1904 y 1914.
Allí contacta con Matisse , los cubistas y Delaunay , y adquiere un conocimiento profundo del fauvismo y del orfismo .
De Robert Delaunay aprende las ideas sobre la estructura del color, en lo que también se ve influido por Klee , Marc y Kandinsky .
De vuelta a Münich en 1915 funda una escuela de arte y permanece en esta ciudad hasta 1932, previa participación los dos años anteriores en cursos en distintas universidades americanas.

DIVISIONISMO
UMBERTO BOCCIONI

FAUVISMO VLAMINK 1925

ORFISMO
ROBERT DELAUNAY
Sun, Tower, Aeroplane: Simultaneous
1913

LA VOZ DEL
VIENTO

Desde entonces comparte la pintura y la enseñanza.
En 1932 se establece definitivamente en Nueva York y crea la Hofmann School of Fine Arts.
Los conocimientos adquiridos en París trascienden en su obra y en su actividad docente.

Ecstasy, 1947

Convencido del carácter bidimensional de la pintura, consigue sin embargo la sensación de profundidad mediante un estilo en el que le preocupa ante todo la composición conseguida por las formas geométricas, principalmente cuadrados, superpuestas y empastadas, como se pone de manifiesto en Catedral (1959).
Asimismo practica una pintura de carácter gestual, anticipo del expresionismo abstracto de Pollock .

Equinox, 1958

The Golden Wall, 1961

Nocturnal Splendor, 1963

ARTE INFORMAL
Hacia 1947 Pollock había alcanzado el estilo por el que es más conocido: abstracción informal, libre, basada sobre la técnica de chorrear y embardurnar pintura sobre la tela.

Jackson Pollock El pintor más importante del expresionismo abstracto americano (1912 – 1956) Wyoming

.
Estudia en el Manual Arts High School de Los Ángeles de 1928 a 1930 y en el Art Student´s League de Nueva York de 1930 a 1933.
Sus primeras pinturas están muy relacionadas con los muralistas mexicanos

“ Pollock sabía del trabajo de Siqueiros por lo menos desde 1932... la llegada de Siqueiros a Los Ángeles significó entonces, tanto como la llegada de los surrealistas a Nueva York en los cuarenta”
La pintura intitulada “ Bird ”, pintada por Pollock en 1941, es claro testimonio del impacto iniciático que había tenido Siqueiros sobre el estilo maduro del artista norteamericano

"Bird", 1938-41. Oild and sand on canuas. MOMA, NY, gift of Lee Krasner in memory of Jackson Pollock, 1980.

ALFARO SIQUEIROS (1896-1974) (DETALLE)

"The Flame", 1934-1938. Oil on canvas manted on composition board. MOMA, NY

HOMBRE Y MUJER
La influencia de Picasso , el surrealismo y el psicoanálisis se aprecia en el período en el que participa en el Federal Art Project.
1938 - 1942

Hacia 1946 - 47 inventa una nueva técnica: el dripping , con la que se convierte en el mejor exponente del expresionismo abstracto.
Pollock abandona el caballete y los pinceles tradicionales y coloca sus telas tensadas en el suelo, sobre las que deja gotear la pintura de un bote.

“ Cuando pinto, no soy consciente de lo que hago... la pintura tiene vida propia .”

Esta forma de pintar el gesto (la acción del cuerpo) y la teorías surrealistas del automatismo son decisivas, de ahí que fuera calificada esta pintura de gestos con el nombre de action painting (pintura de acción).
Este tipo de pintura crea un nuevo concepto de espacio, el all over , que invade toda la tela y que rechaza los puntos de énfasis y las partes identificables del lienzo.

Nuevo record en el mercado del arte Nueva York, 03/11/06
Una obra de Jackson Pollock alcanza el precio de 140 millones de dólares
según fuentes del New York Times , se ha anunciado que una obra de Jackson Pollock ha superado su precio en una transacción privada.
Se trata del lienzo Nº 5 (1948) que, según el periódico neoyorquino, ha sido vendido por el multimillonario David Geffen al magnate financiero mejicano David Martínez por 140 millones de dólares, superando así la cifra alcanzada por Klimt.
Retrato Adele Bloch-Bauer II , Gustave Klimt (1862 – 1918) en 1907. que hace tan sólo 5 meses fue adquirido por Ronald S. Lauder por la asombrosa cifra de 135 millones de dólares.

A principios de los años cincuenta realiza sus Black paintings , pinturas en blanco y negro semifigurativas; en otras ocasiones combina el dripping con el all over .
Muere alcoholizado y víctima de un accidente de coche en 1956
*Autumn Rhythm, by Jackson Pollock; 1950

LEE KRASNER (1908-1984)

Gouache number 4 (Study for Lavender) 1942

Noon , 1947 Oil on linen, 24 x 30 inches

"Bird Talk," oil, paper and canvas collage on cotton duck, 58 by 56 inches 1955, collection of Mr. and Mrs. Jerome Zimmerman

Willem d e Kooning 1904 – 1997 HOLANDA

Estudia en la Academie voor Beeldende Kunsten ed Technische Wetenschappen de Amsterdam entre 1916 y 1920.
En 1926 se traslada a Estados Unidos y se relaciona con pintores como Gorky , Rothko y J. Graham.
Siguiendo la línea de los primeros, empieza una serie de pinturas importantes que presentan siluetas masculinas y que le introducen directamente en la abstracción como demuestra un gran mural realizado para la Exposición Universal de Flushing (Nueva York) en 1939.
Con una fuerte influencia de Gorky y el surrealismo , a partir de 1948, y junto a Jackson Pollock , es uno de los artistas más representativos del expresionismo abstracto .

Durante los años cuarenta y cincuenta desarrolla el tema de la figura femenina que le hace famoso y que tratará durante su carrera desde diversas ópticas.
La mujer concebida como símbolo erótico, vampiresa o diosa, representada sin modelado y pincelada semiabstracta se sitúa en espacios ambiguos.
Comienza entonces su interés por la figura que se mantendrá a lo largo de su obra hasta los años setenta.

Woman, 1952

Island with bridge, 1958

The visit, 1967

De Kooning, tras la decadencia de la escuela de Nueva York a finales de los sesenta, continúa su producción pictórica y comienza a experimentar con la escultura.
Su estilo se vuelve cada vez más dramático y paisajístico, hasta su última etapa en los ochenta, donde el arabesco es el tema predominante y la pincelada se vuelve más transparente, en alta consonancia con la lección de Matisse , uno de sus artistas más admirados.

En los años ochenta de Kooning fue diagnosticado de Alzheimer , y un tribunal lo declaró incapaz para la administración de su patrimonio, estando bajo la tutela de su hija desde 1989.
Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby
Pink Lady (1944) alcanzó los tres millones seiscientos mil dólares en 1987
Interchange (1955) veinte millones seiscientos mil en 1989 .

Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón a los setenta años, en 1989.
Muere en 1997 en su casa de Spring.

Franz Kline (Pensilvania, 1910 – Nueva York, 1962)

Se forma en la Universidad de Boston (1931 – 1935) y en la Heatherley School of Art de Londres (1937 – 1938), volviendo a América en 1939.
En 1943 conoce a De Kooning , quien le pone en contacto con los pintores de la vanguardia neoyorquina, abandonando la pintura figurativa y optando por una radicalmente abstracta: sus obras, de grandes formatos monocromos, acogen pinceladas negras que recuerdan la caligrafía oriental y el dibujo estructura la superficie de la tela en una red de vacíos y llenos.

En sus últimos años incorpora, a veces, colores vivos, si bien es cierto que se mantiene fiel al estilo en blanco y negro, donde las zonas en blanco tienen la fuerza de una imagen independiente.
En 1950 realiza su primera exposición individual en la Charles Egan Gal. de Nueva York, causando gran impacto su cuadro Chief

SIN TITULO 1959

Blueberry Eyes 1959-1960

Robert Motherwell (Washington, 1915 - Provincetown, 1991) De una formación intelectual exquisita pronto se convierte en el portavoz y teórico más importante del expresionismo abstracto .

"No comienzo casi nunca con una visión precisa. Comienzo con una idea pictórica, un impulso que procede en general de mi mundo interior. Quizás, algunas veces, la imagen procede de un hecho lejano de mi inconsciente, como un sueño."

Estudia primero en el Otis Art Institute de Los Ángeles y pintura en la California Schooll of Fine Arts. Más tarde estudia Filosofía en la Universidad de Stanford y en la de Harvard.
En 1940 se va a Nueva York y continua estudiando en la Universidad de Columbia

En los años cuarenta realiza la edición de Documents of Modern Art ( Documentos de arte moderno ) que contribuye decisivamente a definir la nueva estética de la Escuela de Nueva York .
A partir de entonces empieza a estrechar sus contactos con los surrealistas asentados en Nueva York y a considerar que el automatismo es uno de los caminos más idóneos para llegar a la abstracción.
En 1951 se hace cargo de otra importante edición The Dada Painters and Poets: An Anthology

Ulises
1947

Painted on a piece of cardboard attached to part of a wooden crate, Ulysses dates from a period when Motherwell was attracted to Surrealism and experimented with various types of automatism .
This painting is named after James Joyce's modernist novel Ulysses , whose ‘stream of consciousness’ technique involved transcribing the free flow of an individual’s thoughts.
Joyce's style of writing had a profound effect on Motherwell, who believed that art should be an expression of the innermost thoughts and feelings of the artist.

En 1949 comienza una de sus series más importantes: Elegías a la República Española , composiciones en las que aparecen una o varias formas ovoidales junto a elementos verticales toscamente ejecutadas que son característicos de su estilo.
Realizadas con gran cantidad de materia pictórica, en ellas se produce un austero enfrentamiento entre el negro y el blanco.

Elegy to the Spanish Republic #34 , 1953-54 Oil on canvas, 80 x 100"

Robert Motherwell was only 21 years old when the Spanish Civil War broke out in 1936, but its atrocities made an indelible impression on him, and he later devoted a series of more than 200 paintings to the theme. Elegy to the Spanish Republic, 70 , 1961 Oil on canvas; 69 x 114 in. (175.3 x 289.6 cm) Elegy to the Spanish Republic No. 110, Easter Day, 1971. Acrylic with pencil and charcoal on canvas, 82 x 114 inches.

A finales de la década de los setenta realiza las llamadas Series Abiertas ( Opens ), pinturas construidas a base de composiciones rectangulares aisladas sobre campos monocromos dentro del estilo de la pintura de campos de color ( Colour Field Painting ).

La exuberancia cromática la practica en los collages que ocupan una importante parte de su trabajo.
Dyonisos sic et NON.

Blue Elegy 1987, colour relief, lithograph on TGL, handmade, hand-coloured paper, National Gallery of Australia, Canberra

Mark Rothko Dvinsk, 1903 - Nueva York, 1970 ruso-americano

Estudia en la Universidad de Yale entre 1921 y 1923 y comienza a pintar en 1925, instalado en Nueva York, casi de manera autodidacta.
Se da a conocer a principios de los años cuarenta con una pintura cercana al surrealismo y con formas biomórficas.

The Omen of the Eagle, 1942, National Gallery of Art, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc., 1986.43.107

A partir de 1947 empieza a pintar simples y grandes dimensiones de finísimas capas de color.

Untitled, 1948, Collection of Kate Rothko Prizel

Con los años las superficies pictóricas de sus obras se componen por dos grandes formas rectangulares dispuestas frontalmente cuyos contornos se esfuman y reverberan como si flotasen sobre un mar de luz, gracias al uso de finas veladuras.
A menudo pinta lienzos a gran escala con el fin de que el espectador se sienta inmerso en una experiencia casi mística, en relación con la visión religiosa que tenía de la pintura y la alusión al infinito de sus grandes masas.

Untitled, 1949, National Gallery of Art, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc.,

Una depresión, que le lleva al suicidio al final de su vida, determina la elección de una paleta cromática más oscura con negros, marrones y burdeos.
Uno de su trabajos más importantes es el que realiza para la capilla de la familia Ménil en Houston, en la que el artista llega a una utilización tan prodigiosa y sutil del color que el espectador parece sentirse arrastrado y envuelto por las catorce telas dispuestas en el espacio octogonal.

Rothko se convierte en el artista contemporáneo más caro de la historia comprado en subasta
White Center ,1950
pertenecía al conocido banquero David Rockefeller y representa una de las piezas más emblemáticas del artista estadounidense.
fue adquira por la cantidad de 54 millones de euros.

Nueva York, 16/05/07 SOTHEBY'S
Si bien el pasado noviembre Willem de Kooning rompía todos los records, al comprarse una pintura suya por 21 millones de euros y el mismo mes una Jackson Pollock por 109 millones, ambas transacciones fueron a nivel privado.
Adquirida por un comprador anónimo y vía telefónica, esta pieza de Rothko superó con creces su precio de salida en una venta de lote de arte contemporáneo que alcanzó una suma total de 187 millones de euros.

Clifford Still

BARNETT NEWMAN (1905-1970)

Estudia en el Art Students´ League (1922 – 26) y en el City College de Nueva York, dedicando los años treinta a la enseñanza de arte en escuelas de bachillerato superior.
En busca de un estilo propio orientado a un lenguaje de abstracción mística, pinta en 1948 una de sus obras decisivas: Onement , lienzo monocromo en rojo cadmio, atravesado por una raya en cadmio claro.
Este mismo año colabora con Rothko , Baziotes y Motherwell en la creación de la escuela Subject of the Artist, colaborando asimismo en la revista Tiger´s Eye .
Precursor de la pintura monocromática de colour field painting , en su obra se puede apreciar la influencia de los artistas indígenas: símbolos y formas orgánicas de gran alcance metafísico que no reparan en reproducir la apariencia de las cosas.

Es uno de los primeros en recurrir a los lienzos de grandes extensiones, lienzos que abarcan la totalidad del campo visual del espectador y que muchos juzgan como origen de los “Shaped Canvas” de los sesenta (obras pictóricas de soportes planos pero de formas diversas).
Su obra ejerce gran influencia en artistas como Larry Poons y Frank Stella , siendo ésta objeto de una exposición retrospectiva, organizada en 1969 por el MOMA

dyonisius 1949, oil on canvas, (170.2 x 124.5 cm)

Stations of the Cross 1 (1958) ©The Estate of Barnett Newman Magna on canvas 197.8 x 153.7 cm National Gallery of Art, Washington DC, USA

Achilles

Broken Obelisk . 1963-69. Cor-Ten steel, (749.9 x 318.8 x 318.8 cm).

AD REINHARDT (1913-1967) Pintor americano ligado al expresionismo abstracto , en los años treinta su pintura se sirve de un estilo marcadamente geométrico que parece tener en el cubismo y en el neoplasticismo su fuente de inspiración.

Estudia en la Universidad de Columbia, en la National Academy of Design y en la American Artists´ School, asistiendo años más tarde al Institute of Fine Arts de la Universidad de Nueva York.
En los años cuarenta, y tras una fase de pintura All – Over, acude a los lienzos con manchas de color y redes caligráficas que sitúa en un espacio atmosférico logrado gracias a sus aguadas.
Es en los años cincuenta cuando su obra alcanza la madurez estilística; madurez ligada a la forma desnuda, a la geometría más rígida, y a la separación de arte y vida.
Inspirándose en Malevitch , produce obras en las que juega con diseños geométricos que contrapone mediante pequeñas variaciones de tonos,

Red - 1950

An artist, a fine-artist or free-artist,
An artist-as-artist,
Has always nothing to say,
And he must say this over and over again.
Especially in his work
What else is there to say?
In work or words
What in hell, on earth, or in heaven, is an artist up to
when he says he has something to say?
All artists-as artists say the same thing
The post- historic artist is the timeless artist-as artist.
The artist-as-artist is the post-historic artist.
The post-historic artist is the
artist aware of himself as artist,
aware of art-as-art,
aware of everything that is not art in art,
inside or outside art.

The only way to say what an artistas - artist is
is to say what an artistas - artist is not.
A fine artist by definition is not a commercial
or industrial or fashion
or applied or useful artist.
A fine, free or liberal or abstract artist
is by definition not a servile
or professional or meaningful artist.
A fine artist has no use for use,
no meaning for meaning,
no need for any need.
A fine artist has nothing to use,
has no need for any meaning,
and would not use himself or his work for anything
A fine artist by definition
does not use or need any ideas or images,
does not use or need any help,
cannot use or help anyone or anything.
Only a bad artist thinks he has a good idea.
A good artist does not need anything.

JOSEF ALBERS (1888-1976) painter, poet, sculptor, teacher, and theoretician of art, important as an innovator of such styles as Colour Field painting and Op art. 1948

Untitled Glass Assemblage by Josef Albers

Homage to the Square"

"...I see colour as motion…To put two colour together side by side really excites me. They breathe together. It's like a pulse beat… I like to take a very weak colour and make it rich and beautiful or work on its neighbours. I can kill the most brilliant red by putting it with violet. I can make the dullest grey in the world dance by setting it against black…
Josef Albers, 1973

Expresionismo

by Blancalicia Martínez

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