Composicion de la imagen: encuadres y formatos

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Composición de la imagen : encuadres y formatos bloque 3

Has pensado , ¿cuántas formas puede tener una pintura ?

casi siempre son rectangulares James Abbott Mac Neill Whistler, Composición en gris y negro (Retrato de la madre del pintor) , 1871, óleo sobre tela, Museo d’Orsay,París.

aunque también las hay cuadradas,
André Derain, Arlequín y Pierrot , c. 1924, óleo sobre tela, Museo de l’Orangerie, París

redondas ...
Sandro Botticelli, Virgen del Magnificat , c. 1485, témpera sobre madera, Galería de los Oficios, Florencia.

e incluso irregulares.

En este bloque aprenderemos cómo influye el formato sobre la composición de una imagen .

Pero,¿qué es el formato?

Formato = la forma del espacio en que está plasmada una imagen;
Formato = al tamaño absoluto o real de la imagen.

Las primeras imágenes fueron pintadas en cuevas,

o sobre muros de palacios, tumbas, templos, etc.

Así, la forma de estas imágenes se adaptaba al lugar donde eran pintadas.

Más tarde, las
pinturas formaron parte de retablos y altares

Y, finalmente, se hicieron en soportes independientes a fin de transportarlas y poder colocarlas en cualquier sitio.

¿Qué funciones tiene el formato ?
Separa a la imagen de lo que le rodea, es decir, la “ encuadra ”.
Permite controlar la composición.

A continuación haremos un recorrido al interior de varias pinturas,para ver qué sucede en su interior.

rectángulos horizontales

Cuando se realiza una imagen de formato rectangular hay que tener en cuenta dos aspectos:
Su orientación
Sus proporciones

Por orientación se entiende si el lado más largo del rectángulo está colocado en el sentido horizontal o vertical .

Ambas orientaciones tienen efectos muy distintos sobre la manera en que vemos una imagen.
Analicemos algunos ejemplos.

Francisco de Goya (español), La maja vestida , 1800-05 óleo sobre tela, 95 x 188 cm, Museo del Prado, Madrid. GOYA es considerado hoy en día como un artista innovador, cuyo personal estilo influenció a varios pintores posteriores. Este retrato es uno de los más célebres y misteriosos de toda su producción, y asimismo, uno de los más originales. El formato de la pintura está formado por dos cuadrados unidos, no obstante, vemos que la composición es asimétrica, pues el peso visual está cargado en el extremo derecho, mientras que el vacío de la izquierda lo compensa y equilibra. El cuerpo de la modelo impone un sentido diagonal a la mirada, que después de recorrer la anatomía queda fijada en el rostro enmarcado por los brazos, dispuestos en forma de triángulo. La maja vestida

DEGAS fue un admirador de las jóvenes bailarinas del Ballet de la Ópera de París, a quienes pintó en cientos de obras, ya fuera mientras ensayaban o bien arriba del escenario. En la clase de danza capta tres momentos de la actividad que se vive al interior del salón. A la izquierda, en primer plano, una joven reposa extenuada sobre el piso, al centro, dos bailarinas conversan, y al fondo, el resto de la compañía ensaya algunos movimientos. Edgar Degas (francés), La clase de danza , hacia 1879, óleo sobre tela, Galería Nacional de Arte, Washington. A su vez, estos tres momentos conforman un ritmo visual de figuras y espacios vacíos vistos en perspectiva. Desde el ángulo inferior izquierdo, vemos cómo asciende una línea diagonal hasta el extremo superior derecho. Esto contribuye a generar la ilusión de profundidad espacial, la cual es aún más patente por la disminución de la escala o del tamaño aparente de las bailarinas. La clase de danza

Paul Gauguin (francés), ¿ De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos?, 1897-99, óleo sobre tela, 139.1 x 374.6 cm, Museo de Bellas Artes, Boston. GAUGUIN concibió este lienzo como un largo fresco cuya lectura va de derecha a izquierda. En éste se distribuyen 12 figuras situadas en distintos planos. Se inicia con el niño dormido junto a un grupo de mujeres “que se dejan llevar por la alegría de vivir”, y concluye al otro extremo con la anciana que llora “cerca de la muerte”. En el centro, la figura de un joven se extiende a todo lo largo para tomar un fruto del árbol del conocimiento. A su lado, dos figuras representan a los infelices que no pueden evitar pensar en lo misterios de la vida, mientras que a la izquierda, el “Más Allá” está representado en la forma de un ídolo azul. ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A donde vamos? El artista consideraba a esta pintura su obra maestra y la suma de su pensamiento, por lo que está llena de simbolismos y alusiones metafísicas. La escena se localiza en la isla de Tahití, donde llegó en 1891 en busca de una sociedad más simple y elemental que la de Francia, y a la que retrató innumerables veces.

HERRÁN se inspiró en la tradicional celebración de muertos para realizar este cuadro, quizás el más importante de toda su producción pictórica, que se caracteriza por su dibujo refinado y elaboradas composiciones. En el primer plano de esta imagen observamos a una familia campesina que lleva flores a bordo de su trajinera en el lago de Xochimilco. Los seis personajes superpuestos forman un conjunto compacto y estático; en el cual están representadas las edades de la vida, un tema que era afín a la sensibilidad estética de finales del siglo XIX e inicios del XX en México. Saturnino Herrán (mexicano), La ofrenda , 1913, óleo sobre tela, 182 x 210 cm, Museo Nacional de Arte, INBA/CONACULTA, México D.F. La triste expresividad de los rostros y posturas dan a la obra un carácter solemne. La vista sesgada en diagonal deja ver al fondo el resto de la procesión que se pierde en el horizonte, donde también se divisa el cerro de La Estrella. Llama la atención el abrupto cierre del encuadre sobre la escena central, que satura el espacio pictórico al punto de quedar encerrada, dejándose al espectador la tarea de completar imaginariamente las figuras más allá de los márgenes. La ofrenda

HOPPER recreó en sus pinturas la vida citadina y rural de los Estados Unidos de América con una visión que podríamos calificar de realista y poética. Casi siempre, el protagonista de sus obras es el ciudadano común, cuya imagen es atrapada mientras lee, trabaja, platica o toma café. En este cuadro el espectador se hace parte de la imagen al observar desde afuera, como si se tratase de un transeúnte, lo que ocurre al interior de un restaurante nocturno situado en la confluencia de dos calles de Nueva York. La gran vidriera del lugar hace las veces de un escaparate en el que quedan expuestos los clientes y el camarero. Edward Hopper (norteamericano, Noctámbulos , 1942, óleo sobre tela, 84.1 x 152.4 cm, Instituto de Arte de Chicago. Hopper cuidaba mucho los detalles, iluminación y composición de cada una de sus obras. En ésta vemos cómo han sido dibujados hasta los pequeños saleros que están sobre la barra, e igualmente cómo se transparenta hacia el exterior la luz neón del restaurante. Asimismo, la distribución de cada elemento representado ha sido proyectada auxiliándose en la sección áurea. Noctámbulos

NICHOLSON desarrolló en su madurez artística un estilo caracterizado por el uso de formas geométricas puras, pocos colores aplicados en una gama amplia de tonalidades y por cierto lirismo, expresado a través de composiciones equilibradas y armónicas. Lo anterior se constata en esta obra concebida como un friso, en la que establece una tensión formal entre figuras cuadrangulares y círculos que se superponen unas con otras. Ben Nicholson (inglés), Sirius March , 1964, óleo sobre tela, 109.5 x 221 cm, Museo de Arte Moderno, Teherán. Sirius March El artista decía que “cada movimiento de la vida humana se ve afectado por la forma y el color; (...) de manera que cuando un artista puede utilizar estos elementos libre y creativamente, puede convertirse en una influencia tremendamente potente en nuestras vidas”.

rectángulos verticales

Ma Yuan (chino), Cantando y bailando en primavera , siglo XIII, tinta sobre papel, 193 x 111 cm, Museo del Palacio de Pekín. La pintura china antigua estuvo normada por principios filosóficos y artísticos muy distintos de los occidentales. La tradición del paisaje se remonta a la dinastía Tang (618- 907) y en ésta se observan cambios sutiles, ya que no se le consideraba un arte inventivo, sino más bien interpretativo y expresivo. Uno de dichos principios de composición se denomina sze o “pensamiento”, el cual implicaba penetrar mentalmente en la estructura de una escena para poder representarla. Asimismo, se buscaba captar el impulso vital de las cosas, o ch’i , bajo una visión armoniosa. MA YUAN realizó este paisaje en un rollo vertical de papel y en él despliega varias cualidades del arte pictórico chino: equilibrio entre lleno y vacío, dominio en el manejo del pincel y la tinta, localización de varios puntos de vista, pero sobre todo, la búsqueda de la consonancia a través de la repetición. Así, vemos cómo las montañas, rocas, árboles, templos y personas, se unifican visualmente por medio de delicados ritmos de líneas y manchas,lo cual se lograba gracias a una cuidadosa observación de lo similar en lo diferente. Cantando y bailando en primavera

CORREGGIO representó en esta pintura el momento en que Ganímedes es sorprendido por Zeus en forma de águila, mientras su perro ladra la partida del amo. El formato estrecho y alargado fue bien aprovechado por el artista para transmitirnos una sensación de amplitud y espacialidad extraordinaria. El ángulo en contrapicada nos permite divisar desde arriba el escarpado horizonte, mientras que en la parte superior del lienzo, el escorzo genera la ilusión de movimiento y ligereza. Antonio Allegri, Correggio, (italiano), El rapto de Ganímedes , 1530, óleo sobre tela, 163.5 x 74 cm, Museo de Historia del Arte, Viena. En la mitología griega, Ganímedes era un joven de la estirpe real de Troya, a quien algunos consideraban el más hermoso de los mortales. Un día, mientras cuidaba los rebaños de su padre, apareció Zeus en la forma de una enorme águila que lo atrapó para llevarlo al Olimpo, hogar de los dioses. El rapto de Ganímedes

Caspar David Friederich (alemán), Viajero mirando por encima de la niebla , 1818, óleo sobre tela, 94.8 x 74.8 cm, Kunsthalle, Hamburgo. FRIEDRICH intentó simbolizar en esta pintura el anhelo del hombre por alcanzar la vida eterna y la semejanza con Dios. Ello explica que el pintor le haya dado una fuerza visual inusitada, basada en una composición depurada. En el centro de la pintura vemos a un hombre de espaldas que ha alcanzado la cima de una montaña, desde la que domina el paisaje matinal, con sus espesos bancos de niebla. En su figura convergen todas las líneas diagonales de la obra, resaltando al hombre que ha logrado llegar a la meta última de su vida. Frente a él se levanta la gran figura cónica de otra montaña, a la cual observa. Podemos notar cómo la forma de ésta última es anticipada por el contorno de los hombros del viajero, mientras que las demás rocas vistas a contraluz guardan semejanza con su abrigo. Asimismo, su cabeza recuerda la forma de la extraña roca que surge a su derecha. Viajero mirando por encima de la niebla

RIVERA pintó este retrato de su colega y amigo en el balcón de su estudio en Mont- parnasse, París. La alargada figura, vista de tres cuartos, está ligeramente descentrada, lo que nos permite ver al fondo la estación de trenes y la gran noria construida para celebrar la Exposición Universal de 1900. De hecho, la rueda pareciera tener como eje la mano del modelo, mientras que su forma curvada es emulada por el vapor que despide la locomotora. El juego de planos, estructuras geométricas y direcciones, sugeridas por los contornos bien definidos del barandal, el tren y el abrigo, así como la pincelada fragmentada, revelan la influencia cubista, no obstante Rivera ha conservado en esta obra la perspectiva y un dibujo realista. Diego Rivera (mexicano), R etrato de Adolfo Best Maugard , 1913, óleo sobre tela, 227 x 162 cm, Museo Nacional de Arte, CONACULTA/INBA, México D.F. Retrato de Adolfo Best Maugard Rivera formó parte de una comunidad de artistas jóvenes y vanguardistas como Picasso,Delaunay y Mondrian, que hacia 1912 experimentaban con el cubismo. En esta misma época otro pintor mexicano, Adolfo Best Maugard se instala también en el barrio artístico de la ciudad y, al poco tiempo, Rivera le dedica este gran retrato de elegante composición.

PECHSTEIN fue uno de los miembros del grupo de artistas alemanes Die Brûke . Su obra es figurativa, aunque no académica, y muestra la influencia de pintores franceses como Matisse y Gauguin. En 1913 el pintor visitó las islas Palau, situadas en el Pacífico, donde pintó esta escena poco realista de los pescadores. Destaca el uso de fuertes diagonales que forman un ritmo ascendente, lo que otorga gran movimiento y vivacidad a esta imagen. Además, observamos el aprovechamiento de la distorsión como medio de representación. Max Pechstein (alemán), Barco de pescadores , 1913, óleo sobre tela, 190 x 96 cm, Museo Brücke, Berlín. En 1905 se formó Die Brücke ( El Puente) en la ciudad de Dresde, Alemania, el cual tuvo una influencia fundamental en el desarrollo del expresionismo alemán. A él pertenecieron varios pintores jóvenes, algunos autodidactas, quienes pensaban que el arte debía reflejar de manera directa el impulso creador y expresar de forma honesta los ideales de una nueva sociedad. Barco de pescadores

O`KEEFFE recreó una y otra vez el tema de la naturaleza: el paisaje de Nuevo México, esqueletos de animales y sobre todo flores, casi siempre vistas desde su interior o en grandes acercamientos. En 1930 pintó una serie de seis lienzos donde representa una flor característica de Norteamérica llamada popularmente Gato-en-el-púlpito. Esta es la cuarta versión de dicha serie, una abstracción de colores y formas que se generan en el interior de la planta. Al centro, el pistilo consiste en un aura que se levanta sobre un fondo negro, gris y púrpura. Arriba, los pétalos y hojas de la flor se revelan a través de tonalidades iridiscentes de verde. Georgia O’Keeffe (norteamericana), Jack-en-el-Púlpito IV , 1930 óleo sobre tela, 101.6 x 76.2 cm, Galería Nacional de Arte, Washington. Los contornos y colores son la base compositiva de esta pintura, en la que O’Keeffe manifiesta su idea de la inmanencia de la naturaleza revelada a través del refinamiento de la forma Jack-en-el-Púlpito IV

cuadrados

El cuadrado es una figura estable , debido a que la longitud de su base y altura son idénticas .

Asimismo, cuando se divide un formato cuadrado a través de una línea diagonal , se establece su eje de simetría.

METSYS retrató en esta obra a un prestamista de la ciudad de Amberes, que en ese momento era la más rica de Europa, pesando cuidadosamente su oro y joyas. Junto a él está su esposa, quien voltea la mirada a la vez que se distrae de la lectura de un libro de oraciones. El soporte, formado por dos tablas unidas, sirvió al artista para realizar un composición simétrica, a la que le imprimió cierto dinamismo al inscribir a los personajes dentro de un triángulo. La balanza, las perlas, el espejo y la fruta, son tan sólo algunos de los varios símbolos de esta pintura. Quentin Metsys (flamenco), El prestamista y su mujer, 1514, óleo sobre tabla, 71 x 68 cm, Museo del Louvre, París. A mediados del siglo XV era común que los pintores del norte de Europa retrataran escenas de la vida cotidiana en las cuales mostraban los vicios del ser humano a través de múltiples simbolismos. El prestamista y su mujer

OGATA KORIN desarrolló un estilo pictórico muy personal, caracterizado por su idealización de la naturaleza y por el alejamiento del realismo que habían seguido sus predecesores. En esta imagen, se observa más que una representación fiel de las olas del mar, la idea que de ellas tiene el pintor. Divididas en dos amplios planos, se trasponen una serie de líneas, que a su vez, configuran ritmos expansivos. La estilización del dibujo da gran dinamismo a las olas, e incluso un sentido amenazante. Ogata K ō rin (japonés), Olas, Periodo Edo 1658-1716, Biombo de dos hojas,hoja de oro, tinta y color sobre papel, 147 x 165.4 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Los biombos se cuentan entre las creaciones más refinadas del arte japonés. Su doble función, ornamental y como delimitadores de espacios, los hicieron muy apreciados entre la elite del Japón imperial. Olas

KLIMT realizó en su juventud esta pintura poco común, que a primera vista se confunde con una fotografía desenfocada. En el formato cuadrado domina un manto de hierba jaspeado por pequeñas flores silvestres, el cual termina muy arriba, sobre la línea del horizonte. A ambos lados, irrumpen como líneas los delgados troncos de cuatro árboles situados a diferentes distancias y en perfecto equilibrio visual. La pincelada “impresionista” y el cierre del campo visual que sólo nos permite ver fragmentos, ayudan a crear un efecto difuso y una atmósfera de serenidad. Gustav Klimt (austriaco), Finca con abedules , 1900, óleo sobre tela, 80 x 80 cm, Galería Austriaca, Viena. Finca con abedules Así, esta imagen revela más una visión interior de la naturaleza que su representación fiel.

MUNCH utilizó poco el formato cuadrado, el cual organiza en esta composición a partir de una diagonal ascendente que separa el cuerpo de la niña del de su madre. Vemos a una joven de perfil apoyada sobre una gran almohada blanca, que observa impasible a su madre. Las manos cerradas de la mujer, situadas en el centro mismo de la imagen, muestran su desesperación; y junto a la pincelada nerviosa, dan un aire pesimista a la imagen . La escena se sitúa en la esquina de una habitación cuya estrechez está dada por la cómoda y la mesa que flanquean a los personajes. Edvard Munch (noruego), Niña enferma , 1907, óleo sobre tela, 118,7 x 121 cm, Galería Tate, Londres. El pintor expresó en esta obra la experiencia de la enfermedad, después de que su hermana muriera de tuberculosis a los quince años de edad. Niña enferma

GONTCHAROVA ideó en 1911 un gran políptico integrado por nueve pinturas, destellantes en colorido y alegría; de formas simples y atrevidas. La paleta de colores que utilizó para realizarlo incluyó violeta, amarillo, ultramarino y bermellón de vibrantes tonalidades, con acentos de color blanco. Aquí nos muestra un interesante acercamiento de la vista que tendríamos desde atrás del proceso de extracción del mosto. Una serie de líneas curvas y contornos sólidos dan a la imagen gran movimiento, no obstante que las figuras y el color son planos. Natalia Gontcharova (rusa), Pies prensando la uva , 1911, óleo sobre tela, 99.5 x 92.5 cm, Centro Georges Pompidou, París. El título del políptico es Cosecha y está inspirado en las tradiciones populares rusas y en la pintura de iconos. No obstante, cada pintura que lo integra fue concebida como una obra en sí misma. Pies prensando la uva

TAMAYO era aún un pintor joven cuando realizó, entre los 20 y 30 del siglo pasado, varias naturalezas muertas caracterizadas por una paleta de colores sobria. En esta obra reúne una serie de objetos: una cabeza de maniquí, una bocina, dos huevos y una tela, y los acomoda muy juntos y en distintas direcciones, de tal manera que formen un conjunto compacto y estático, que sigue el perímetro del formato Blanco, grises y ocres aplicados con una pincelada gruesa acentúan la solidez de los objetos, lo que da gran plasticidad al conjunto. Rufino Tamayo (mexicano), Naturaleza muerta , 1930, óleo sobre tela, 125,7 x 123,2 cm, Galería Enrique Guerrero, México D.F. Naturaleza muerta La expresividad de la cabeza, con una sonrisa apenas esbozada por una línea, sugiere una atmósfera teatral y metafórica.

círculos

Si el centro es importante para el cuadrado, lo es aún más para el círculo , ya que todos los puntos de la imagen son equidistantes al mismo.

En diversas culturas, el círculo se ha asociado con la idea de perfección y la infinitud

MALOUEL adaptó la disposición de las figuras a la forma de panel de madera que le sirvió de soporte. Así, podemos notar cómo los personajes aparecen sutilmente curvados hacia el centro, a fin de enfatizar la presencia de la Trinidad. Asimismo, la distribución de los colores responde a ese mismo esquema compositivo, pues el bermellón se localiza a los extremos de la pintura, mientras que el azul profundo aparece equilibrado en el sentido diagonal. La descripción de cada uno de los rostros da gran riqueza expresiva a la obra, pues en éstos se observan diferentes emociones. Atribuido a Jean Malouel (francés), Gran Piedad redonda , hacia 1400, tempera sobre tabla, 64,4 cm, Museo de Louvre, París. Gran Piedad redonda Jean Malouel realizó esta pintura para el duque de Borgoña, quien la utilizaba como imagen devocional.

MIGUEL ÁNGEL representó en el primer plano a María, José y Jesús conformando un conjunto en forma de pirámide. El ángulo de visión los hace parecer monumentales, como si fuesen una escultura con gran movimiento. En segundo plano, atrás de un muro bajo, está Juan el Bautista niño; mientras que al fondo, observamos varios desnudos masculinos que reposan sobre un edificio en construcción. Michelangelo Buonarroti (italiano), Sagrada familia con Juan el Bautista niño , hacia 1506, tempera sobre madera, 120 cm, Galería Uffizi, Florencia. Este cuadro le fue encargado al artista por uno de los matrimonios más acaudalados de Florencia, para celebrar el bautizo de su hija. La figura y posición del Bautista simboliza un puente entre el mundo pagano que vemos al fondo y el cristianismo. Sagrada Familia con Juan el Bautista Niño

“ EL CARAVAGGIO” retomó el mito griego de Medusa a la que representó en el momento mismo en que es decapitada, al tiempo que grita horrorizada al ver su reflejo. El realismo con que el artista representa la expresión del rostro y las serpientes dan a esta imagen-objeto gran fuerza y dramatismo. Michelangelo Merisi “el Caravaggio” (italiano), Cabeza de Medusa , 1598-99, óleo sobre madera, 60 x 55 cm, Galería Uffizi, Florencia. En ocasiones, la elección del formato para realizar una pintura tiene que ver más con el tema que con cuestiones estéticas. Tal es el caso de esta imponente imagen que fue realizada sobre un escudo de madera. Medusa era un monstruo con cabellera de serpientes, cuya mirada tenía el poder de petrificar a cualquier ser vivo. La Gorgona fue decapitada por el héroe Perseo, quien entregó la cabeza a Atenea, diosa de la sabiduría y la guerra, para que la colocara en su escudo. Cabeza de Medusa

AVERCAMP pintó en este cuadro a personas de todas las edades y condiciones sociales que pasean sobre un canal congelado. Algunos van en tobogán, otros patinan e incluso hay otros que juegan. La composición de la imagen converge en el velero varado al centro, mientras que el horizonte está situado justo en medio del formato. Al dividir las imagen nos percatamos que las figuras del frente ocupan una cuarta parte de la circunferencia. El color apagado del cielo y el hielo hacen que la pintura sea casi monocromática, algo poco común en las obras de este artista. Hendrick Avercamp (holandés), Paisaje de invierno con patinadores , s. XVII, óleo sobre tabla, 30.5 cm, Museo de Bellas Artes, Budapest. “ El sordo de Kampen” - como le llamaban al pintor a causa de ser sordomudo- fue un artista singular en su época, que se especializó en paisajes invernales pintados de forma realista y detallada. Paisaje de invierno con patinadores

Robert Delaunay (francés), Contraste simultáneo: Sol y Luna , 1913, óleo sobre tela, 134.5 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York. El estilo pictórico denominado Orfismo, al que pertenece esta composición, surgió como una derivación del cubismo, sólo a que diferencia de éste hacía del color el principal elemento expresivo. Su nombre deriva del mito griego de Orfeo y manifiesta el deseo de sus seguidores por dar un carácter lírico a la pintura de su época. DELAUNAY realizó cerca de 22 pinturas en las que exploró las posibilidades de combinación simultánea del contraste de colores. Esta fue la primera de dicha serie, en la que ya no aparecen elementos figurativos sino únicamente manchas de colores moduladas. Esta obra fue improvisada directamente sobre el lienzo y en ella predomina una estructura circular, generada por la yuxtaposición de colores complementarios que dan la sensación de movimiento. Contrastes simultáneos: Sol y Luna

OROZCO se inspiró en el mito de Prometeo para crear el mural de la cúpula del Hospicio Cabañas, punto culminante de su obra maestra. Enmarcado por los brazos de varios hombres, aparece la figura del héroe que se eleva hacia las llamas, como símbolo de su conquista. Los planos concénctricos y el escorzo de la figura dan una majestuosa sensación de profundidad y dimensión a esta composición circular, cuyo cierre abrupto, distorsiona y fragmenta el primer plano. José Clemente Orozco (mexicano), El hombre en llamas , 1936-39, fresco, Hospicio Cabañas, Guadalajara. El hombre en llamas

óvalos

El formato oval permite hacer composiciones más libres , ya que sus extremos se estrechan en los márgenes.

BOUCHER recreó en esta elegante escena a una pareja de campesinos jóvenes que, absortos el uno en el otro, entrelazan sus brazos para beber vino. El género pastoril al que pertenece esta obra llegó a ser muy popular, debido a que se inspiraba en el ideal de una vida sencilla, de feliz contacto con la naturaleza, en contraposición a la artificialidad de la vida cortesana. Este cuadro tuvo una finalidad decorativa, lo que le permitió al artista jugar libremente con la forma y la composición de la misma. Este tipo de formato ovalado, también llamado tondo ovato , se obtiene trazando dos círculos entrelazados a partir de su centro. Fran ç ois Boucher (francés), Escena pastoral , principios de 1730, óleo sobre tela,61 x 75 cm, Museo del Hermitage, San Petesburgo. El estilo rococó floreció en las cortes europeas del siglo XVIII y se caracteriza por el abigarramiento de sus formas y el carácter teatral y fantasioso de sus composiciones. Uno de los pintores preferidos de esta época fue Boucher. Escena pastoril

TIEPOLO ejecutó esta obra como parte de la decoración de un techo, de ahí que la composición ovalada fuese concebida para apreciarse desde abajo. En ella hace un fastuoso despliegue de técnica pictórica, presente en la vista en perspectiva, en el modelado de los cuerpos y el brillante colorido, así como en el dinamismo de la composición en diagonal ascendente. La imagen hace una a legoría de la Primavera como la unión de Céfiro, dios de los vientos primaverales, y de Flora, diosa de los capullos, mientras viajan en una nube. Giovanni Battista Tiepolo (italiano), El triunfo de Céfiro y Flora , 1734-35, óleo, sobre tela, 395 x 225 cm, Museo del Settecento Veneziano, Ca’Rezzonico, Venecia . El triunfo de Céfiro y Flora Los dioses van acompañados de querubines, mientras que en el extremo inferior se ve a Cupido, dios del amor, que les muestra el camino.

DELAUNAY pensaba que la abstracción era el medio ideal para expresar la realidad. En esta pintura de un formato inusualmente elíptico, se propuso experimentar con la transparencia de la luz y los colores. No hay un motivo concreto que representar sino únicamente fragmentos de colores, que pare el artista constituye una razón en sí misma de la pintura. La organización del color es compleja y armoniosa. Vemos cómo se establece un juego entre matices y tonalidades con el fin de aparentar diferentes planos y profundidad. El ojo se mueve de manera continua de una forma a otra, estableciendo ritmos infinitamente variados. Robert Delaunay (francés), Ventanas abiertas simultáneamente, primera parte, tercer motivo, 1912, óleo sobre tela, 57 x 123 cm, Colección Peggy Guggenheim, Venecia. Ventanas abiertas simultáneamente, primera parte, tercer motivo.

PICASSO sugiere en esta naturaleza muerta las formas de un violín, una guitarra, una mandolina, un metrónomo, así como unas partituras y un papel tapiz. En apariencia, las formas semejan estar pegadas unas sobre otras, algo que no es casual dado que en ese entonces el artista también realizó varias obras utilizando la técnica del collage . Pablo Picasso (español), Instrumentos musicales , 1912, óleo, yeso y aserrín sobre lienzo, 90 x 80 cm, Museo del Hermitage, San Petesburgo. Instrumentos musicales Picasso comenzó a experimentar con una nueva vertiente del cubismo a partir de 1912, en la cual los objetos ya no eran representados con volumen, sino sólo a través de líneas y planos de color superpuestos. A esta segunda fase se le conoce como cubismo sintético, que a diferencia del cubismo analítico es más decorativo y abstracto.

ERNST pintó figuras de pájaros en muchas de su obras surrealistas. Hacia 1928 inició una s erie de obras donde aparecen extrañas figuras de aves y embriones cuyos cuerpos transparentes se entrelazan. El significado de esta imagen puede remitir al dilema del huevo y la gallina, ya que los contornos de las aves se encuentran contenidos en un huevo, mientras que otras parecieran engullirlo. El artista aprovechó bien el color para establecer una ambigüedad entre la forma y el fondo, tanto al interior del ovoide como en su exterior, ya que el fondo verde actúa también como marco de la pintura. Max Ernst (alemán), Al interior de la vista , 1929, óleo sobre tela, 100 x 81 cm, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Estrasburgo. Al interior de la vista Para los surrealistas, el subconsciente era una inmensa fuente de inspiración que les permitía socavar la lógica y el razonamiento, a través de la creación de imágenes relacionados con los sueños y la imaginación.

Formatos irregulares

“ EL VERONÉS” fue el sobrenombre de Paolo Caliari, uno de los artistas venecianos más importantes del siglo XVI. En esta composición representó a la diosa romana de la agricultura, Ceres, haciendo un homenaje a la ciudad-estado de Venecia. El formato respondió a un diseño previo del plafón y está constituido por un cuadrado y cuatro círculos; sin embargo, la imagen privilegia el centro, donde observamos a una mujer que personifica a Venecia, que está sentada sobre un estrado con un león a sus pies, símbolo de la ciudad. A su derecha se encuentra Heracles, y a su izquierda, Ceres rodeada de niños que portan espigas de trigo. Paolo Caliari “el Veronés” (italiano), C eres rinde homenaje a Venecia, 1575, óleo sobre tela, 309 x 328 cm,Galería de la Academia, Venecia. Ceres rinde homenaje a Venecia La elección del tema no fue casual, pues la imagen estaba destinada a decorar la oficina del Magistrado de los alimentos en el Palacio del Dux, quien era el responsable de todo lo relacionado con los granos y cereales.

JEAN ARP participó en varios de los movimientos artísticos más importantes de principios del siglo XX. Siendo un joven se unió al movimiento Dada, al interior del cual produjo varios relieves de madera pintada de diferentes colores y montados a manera de collage. Las formas que utilizaba nos recuerdan a microorganismos. El extravagante título de la obra no guarda relación con su forma, tan solo pretende llamar la atención sobre la misma. Jean Arp (francés), Zapato azul de dos talones volcado sobre una bóveda negra , c. 1925, madera pintada, 75.3 x 104.6 x 5 cm, Colección Peggy Guggenheim, Venecia. Zapato azul con dos tacones dado la vuelta y puesto debajo de una bóveda negra Dada fue un movimiento de espíritu anárquico que iba en contra de los valores tradicionales del arte. A los dadaístas les gustaba ser irracionales, absurdos y provocativos. Con el tiempo, dichas actitudes cambiaron para siempre la noción de arte.

MONDRIAN buscaba la armonía entre forma y espíritu a través de la pintura. Su lenguaje pictórico se reducía a líneas rectas escrupulosamente dispuestas en el plano pictórico y a planos de colores primarios, siempre en equilibrio. En esta obra hace rotar el eje de un cuadrado para convertirlo en un rombo, más dinámico y abierto, que contiene en su interior los vestigios de otras figuras similares. Piet Mondrian (holandés),Composición 1, 1925, óleo sobre tela,112 x 112 cm Kunsthaus, Zurich. Composición 1

1400 1514 1598 1660 1734 1817 1899 1907 1912 1925 1930 1942 s.XIII 1506 1530 1610 1730 1800 1879 1900 1911 1913 1929 1936 1964 LAS OBRAS EN EL TIEMPO También puedes estudiar las imágenes en orden cronológico y por estilo o tendencia artística. Observa los cambios y similitudes entre ellas. También compara aquellas que fueron creadas en el mismo año. Pintura china Pintura medieval Renacimiento italiano Renacimiento norte de Europa Manierismo Barroco italiano Barroco centroeuropeo Pintura japonesa Rococó Rococó Impresionismo Postimpresionismo Romanticismo Secesión Cubismo Expresionismo Cubismo Dadaísmo Surrealismo Neoplasticismo Realismo Muralismo Abstraccionismo Romanticismo Orfismo Orfismo Rayonismo Simbolismo Modernismo Simbolismo Surrealismo

Programa de Artes Visuales de secundaria Composición de la imagen: encuadres y formatos Material didáctico para el profesor. Realización de diseño y contenidos: José Antonio Espinosa

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by elprofeleo on Jan 30, 2009

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