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ppt. representacion de la figura humana en la historia del arte
 

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trabajo ppt sobre la representacion de la figura humana en la historia del arte, con obras representativas de cada estilo artistico a lo largo de la historia

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    ppt. representacion de la figura humana en la historia del arte ppt. representacion de la figura humana en la historia del arte Presentation Transcript

    • Complejo educacional Reino de Suecia
      Representación de la figura humana en la historia del arte
      Elba Saez Llancaleo
      2º medio “A”
    • introducción
      Existen muchas obras significativas de la Historia del Arte que reflejan modelos o paradigmas de lo masculino y lo femenino. Roles, actitudes y creencias que se manifiestan al respecto a través de la pintura, escultura y otras disciplinas más contemporáneas, como el cómic.
      Así por ejemplo, a la Mujer tradicionalmente se le asocia con su capacidad reproductiva, es decir, se le caracteriza con las cualidades de la fecundidad; pero también cada cultura representa a la Mujer no sólo en su papel de madre o amante, sino cumpliendo con los esquemas que cada sociedad le impone.
      Por su parte, al Hombre se le asocia con una actitud más guerrera y combativa, fuerte, protectora y a menudo indiferente.
    • PREHISTORIA
      Las primeras manifestaciones pictóricas que provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. Mientras las primeras esculturas de forma humana son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.
    • PREHISTORIA
      Obra representativa:
      La Venus de Willendorf:
      Es una estatuilla antropomorfa femenina de 20.000 ó 22.000 años de antigüedad. La obra lleva el nombre del sitio a la vera del Danubio donde fue descubierta en 1908 por el arqueólogo austriaco Josef Szombathy.
      Es una figura obesa, de vientre abultado y enormes senos.
      Esta imagen de la mujer gorda que esta completamente desnuda también era usual en las esculturas egipcias, griegas y babilónicas del Período Neolítico.
      Es la más conocida de las venus paleolíticas.
      • La figura de esta mujer desnuda, mide unos 11,1 centímetros de alto, 5,7 de ancho y 4,5 de espesor con 15 centímetros de circunferencia y regordeta.
      • Fue esculpida monolíticamente en piedra caliza oolítica, que no es local en la región, pintada con ocre rojo.
      • Parece ser una representación convencional, no realista, ya que su abdomen, vulva, nalgas y mamas son extremadamente voluminosos de donde muchos estudiosos han deducido una fuerte relación con el concepto de la fertilidad.
      • La Venus forma parte de la colección del Naturhistorisches Museum, en Viena. Esta es una de las "Venus" más famosas, junta con la Venus de Venus de Laussel y de Grimaldi.
      La Venus de Willendörf de perfil.
    • EGIPTO
      La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.  
    • EGIPTO
      Obra representativa:
      El inspector de escribas Raherka y su mujer Merséânkh'
      Hacia 2350 a.de C. V Dinastía.
      Esta estatua originalmente se encontraba en la capilla de la tumba de la pareja, se supone en Giza.
      Muchas estatuas fueron encontradas en las capillas de las tumbas donde servían para perpetuar la presencia del fallecido, que podrían recibir las ofrendas de comida traída por los familiares y los sacerdotes funerarios.
      Raherka y Meresanj están tan juntos que sus pelucas parece que se entrelazan, lo que indica la intimidad de la pareja.
    • * Esta estatua fue tallada en un solo bloque de piedra caliza y aún conserva los rastros de los colores originales. * El uso de la piedra - un material eterno - garantiza la perpetuidad de la obra. * Meresanj abraza a su esposo, de pie justo detrás de él en una posición que suaviza la actitud hierática de las figuras convencionales. * El marido se destaca en primer plano con sus tonos de piel color rojo, formando un hermoso contraste con el ocre amarillo de tez de su mujer, que se adapta bien a la dulce presencia a su lado. * El objetivo de la escultores no era crear retratos: los rostros no reproducían las características individuales, y las figuras estereotipadas eran hombres y mujeres en la flor de la vida, la escultura de acuerdo a la estética de la época.
    • GRECIA
      Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos.
      Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo.
      El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura. 
    • GRECIA
      Obra representativa:
      “Venus de Milo”
      130 a. C. - 100 a. C.
      La Afrodita de Milos más conocida como Venus de Milo, es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia.
      Se cree que representa a Afrodita (denominada Venus en la mitología romana), diosa del amor y la belleza; mide aproximadamente, 211 cm de alto.
      Esta estatua fue encontrada en Milo (Islas Cícladas) , desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820.
    • La escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural.
      Esta escultura posee un estilo característico del final de la época helenística,que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. El aspecto clasicista de sus formas hacen suponer que su autor, desconocido pese que en su base aparecía la firma de un escultor, se inspiró en la estatua del siglo IV a. C. de Lisipo, la Afrodita de Capua.
      La Venus de Milo es una escultura tridimensional, ya que además de tener volumen puede ser vista desde diferentes perspectivas. Un elemento fundamental que da mayor movimiento a la estatua es el contrapposto, pues de la base parte un desequilibrio que afecta a toda la estatua.
      La escultura, debido a la disposición del cuerpo, según el escritor Antonio Climent Carbó, «transmite una sensación de calma, realismo, naturalismo, tristeza, y una sensación táctil muy especial»
    • ROMA
      Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable.
      Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales.
      Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato.
      A partir del siglo I, se observan dos corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas.
      Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.  
    • ROMA
      Obra representativa:
      “Discóbolo”
      Estatua original de bronce atribuida a Mirón (Miró)
      Dimensiones: altura 1,60 m.
      Estilo: griego clásico,
      cronología aproximada: Siglo V aC. 460 aC. 
      Localización: Museo Nazionale Romano, Italia, y varias copias más en otros museos y lugares.
      Realizada por Mirón de Eleuteras en torno al 455 a. C., que representa a un atleta justo en el instante anterior a lanzar un disco.
      Hay quien interpreta que la figura representa al héroe «Hyakinthos» (Jacinto); amado por Apolo, el cual le habría matado de forma involuntaria con un disco.
      • El discóbolo (Lanzador de disco) fue en origen, como muchas otras obras griegas, una escultura de bronce, que sólo conocemos a través de copias romanas en mármol
      Mirón representa el cuerpo en el momento de su máxima tensión; ese esfuerzo no se refleja sin embargo en el rostro, que muestra solo una tenue concentración. La torsión del cuerpo, es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado hacia delante, para producir con el balanceo posterior el impulso necesario para poder lanzar el disco.
      Copia de “El Discóbolo” de Mirón en el Jardín Botánico de Copenhague, Dinamarca.
    • EDAD MEDIA
      El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte:
      Paleocristiano: cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc.
      Arte Bizantino: en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos.
      Románico: se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc.
      Arte o estilo gótico: La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas.
    • EDAD MEDIA
      Obra representativa:
      “Cristo como Pantocrátor”
      Mosaico bizantino del siglo VI
      Representa a Cristo Pantocrátor (el que todo lo gobierna)
      El nimbo crucífero y el gesto de la mano en bendición son representaciones convencionales de su divinidad.
      El fondo dorado expresa la eternidad.
    • Se limita a un color plano (dorado simbolizando la eternidad),sin buscar efectos de profundidad.
      No se utiliza la perspectiva geométrica.
      Este mosaico que representa la divinidad de Cristo se encuentra en la iglesia San Apolinar el nuevo en Rávena en la región de la Romaña, Italia.
      Las piezas que conforman esta obra medieval, probablemente son material de roca.
    • RENACIMIENTO
      Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza. 
    • RENACIMIENTO
      Obra representativa:
      “Alegoría de la primavera”
      Es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho.
      nos muestra la naturaleza y el cuerpo humano en toda su belleza y colorido.
      Esta obra fue pintada entre los años 1478 y 1482
    • Se presentan diversos personajes de la mitología grecorromana.
      De la unión de Céfiro y la diosa Flora surge la primavera. Las tres Gracias representan la armonía musical y la civilización humana.
      Mercurio disipa las nubes de las tinieblas y, al centro, Venus representa a la divinidad cuyos atributos son la belleza y el amor.
      Los vientres abultados de las mujeres simbolizan la continuidad de la vida y una humanidad que está renaciendo al igual que la tierra en cada primavera.
      Cupido
      Céfiro
      Flora
      Mercurio
      Venus
      Primavera
      Tres gracias
    • BARROCO
      Este fue un movimiento artístico que se extendió aproximadamente entre los años 1600 y 1750. Surgió en Italia y se difundió por muchos lugares, adquiriendo distintas modalidades.
      En términos estilísticos, el barroco prefirió el movimiento, la grandiosidad y el dramatismo, al contrario de la serenidad y simetría que buscaba el Renacimiento.
      Pretendió dar una sensación de movimiento a través de lineas curvas y oblicuas. Las personas o cosas eran representadas con gran realismo, se privilegiaba el color sobre el dibujo, el efecto del claro oscuro.
      Representaban figuras mitológicas, personajes históricos, así como santos y escenas religiosas.
    • BARROCO
      Obra representativa:
      “Anatomía”
      Obra del pintor holandés Rembrandt.
      Se trata en primer lugar de un retrato de grupo o retrato colectivo, muy frecuente en los Países Bajos, y de los que Rembrandt realizó varios. En este caso dispone a los retratados, ninguno de los cuales era cirujano, en una estructura piramidal, pero agrupados estrechamente en torno al maestro cirujano, consiguiendo de esta forma un gran efecto de unidad entre todos ellos.
    • también aquí la luz es protagonista. Y de nuevo una luz tenebrista, que crea contrastes violentos de luz y sombra. En este caso, parece que los rostros de los protagonistas se iluminen en medio de la penumbra del fondo y del negro de sus propias vestimentas, lo que acentúa sin duda la expresividad de todos los rostros.
      Este es otro de los elementos en los que Rembrandt mejor muestra su magisterio: la expresividad que inculcaba a sus rostros. En esta ocasión podemos observar cómo cada uno de ellos no sólo respeta la fisonomía peculiar de cada uno, sino que además cada cual mantiene una expresión y una posición distintas. Todos mostrando su curiosidad y una actitud reflexiva y atenta, transmitiendo en conjunto una atmósfera de serenidad, calma y orden.
      El cuadro, magnífico, es para muchos un símbolo de la medicina como ciencia.
    • NEOCLÁSICO
      Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano.
    • NEOCLÁSICO
      Obra representativa:
      El juramento de los Horacios
      Jacques-Louis David, 1784
      Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.
      En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo. El tema de la pintura tiene una perspectiva extrema patriótica y neoclásica; más tarde se convirtió en modelo a seguir por futuros pintores. Aumentó la fama de su autor, y le permitió mantener a sus propios estudiantes.
    • ROMANTICISMO
      Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
      CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES 
      SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. 
      LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra. 
      SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del contenido. 
    • ROMANTICISMO
      Obra representativa:
      Viajero frente al mar de niebla
      Caspar David Friedrich, 1818
      El caminante sobre el mar de nubes es un conocido cuadro del pintorrománticoalemánCaspar David Friedrich. Data del año 1818. Se trata de un óleo sobre tela que mide 74,8 centímetros de ancho por 94,8 centímetros de alto.
      La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich, que encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro
    • REALISMO
        El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.
    • REALISMO
      Obra representativa:
      Mujeres campesinas
      Esta obra retrata a las mujeres campesinas en sus labores del cultivo y cosecha.
      Pintura realista de Jean-François Millet.
    • NEOIMPRESIONISMO
      Tal como los impresionistas usan en su paleta colores puros, pero bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo, estos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendra la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones. Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-, los colores se mezclan en el ojo del espectador, si éste se coloca a la debida distancia. No hay otro medio para detener satisfactoriamente el juego y el choque de elementos contrastantes: la justa cantidad de rojo, por ejemplo, que se encuentra en la sombre de un verde, o el efecto de una luz naranja sobre un color local azul o bien, a la inversa, el de una sombra azul sobre un color local anaranjado. Si estos elementos se combinan de otra manera, y no por mezcla óptica, lo que se obtiene es un color sucio.
    • NEOIMPRESIONISMO
      Obra representativa:
      Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte
      es un cuadro del pintor neoimpresionista francés Georges Seurat, ejemplo de puntillismo considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX.
      Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera clara. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.
    • VANGUARDIA
      El vanguardismo se manifiesta a través de varios movimientos que, desde planteamientos divergentes, abordan la renovación del arte o la pregunta por su función social, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura o música, entre otros.
    • VANGUARDIA
      Obra representativa:
    • La pintura mas interesante para mi fue “Alegoría de la primavera” de Sandro Botticelli, porque representa muchas cosas, como la naturaleza y la continuidad de la vida. También dentro de ella se representan muchos personajes de la mitología grecorromana.