Historia del arte melisa ibañez

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Historia del arte melisa ibañez

  1. 1. Arte Prehistórico. Pintura rupestre. (40.000 – 10.000 a.C) Asia y Europa. Características de la pintura rupestre, simbolismo, abstracción, estilización y esquematismo. Elementos: Sangre, piedras, carbón y sustancias vegetales. Colores: Negros, rojos, tierras y ocres. Bisonte de pie Pintura rupestre de la cueva de Niaux, Francia Venus Willendorf
  2. 2. Venus de Laussel Las características particulares de las venus paleolíticas, seno voluminoso, vientre hinchado y prominente, acentuadas hasta la exageración, componen una singular imagen femenina en la estatuita austríaca, que está animada de un vivo sentido de realidad. La cabeza, con un complejo peinado, distrae la atención del rostro, que ha sido dejado en la sombra; la desnudez típica de los idolillos paleolíticos queda así más evidente.
  3. 3. Arte Griego. S. VI – IV a.C Discóbolo Discóbolo realizado por Mirón de Eleuteras en torno al 455 a. C.. Representa a un atleta en un instante anterior al lanzamiento del disco y la fuerza del hombre. La venus de Milo La estatua de mármol pario de Afrodita se ha vuelto famosa, mereciendo ser considerada como el prototipo de la belleza femenina griega. Serenamente conocedora de su propia belleza, la diosa se yergue con sus formas admirables por sobre el manto que ha resbalado hasta los muslos.
  4. 4. Diosa de la serpiente Señora de la vida subterránea, la diosa empuña dos serpientes, símbolos de resurrección e inmortalidad. El aire de imperioso dominio, la riqueza de traje y la exquisita factura colocan esta fascinante figura entre las mejores creaciones del arte cretense. Acrópolis de Atenas Partenón de la acrópolis de Atenas (460- 4300a.C)
  5. 5. Las columnatas griegas Columnata dórica Columnata jónica Columnata corintia
  6. 6. Arte Romano. (750 - 476 a.C) Se caracteriza por lo grandioso de las edificaciones y su solidez. Construcciones civiles. Arquitectura. El coliseo El monumento más conocido del periodo Flavio y tal vez de toda la arquitectura romana, es el Coliseo, el gigantesco anfiteatro iniciado por el emperador Vespasiano e inaugurado por su hijo tito en el año 80 d.C. Aunque las semicolumnas y las pilastras adosadas en filas superpuestas al revestimiento exterior se inspiran en los tres típicos ordenes griegos, el Coliseo es ya una obra netamente romana. La línea curva, en la forma circular de ese mismo muro, en la disposición de las graderías y en las bóvedas. Acueducto romano Arco de Orange
  7. 7. Arte Románico. S. XI –XII Fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo. Características: Empleo del arco de medio punto, Piedra escuadrada pero no pulida, Cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas, Los templos se cubren con bóvedas pétreas de cañón y horno, Las naves son más amplias y elevadas, al menos en comparación con antiguos edificios prerrománicos, Se emplean los pilares como sustentación, No hay figuración escultórica. Basílica de San Ambrosio (S.XI) Iglesia de Santa María Magdalena (S. XII) Bóveda de cañón De arista románica
  8. 8. Arte Gótico. S. XII – XV Se desarrolla en Europa “El fin más importante, acercarse a Dios”. Pintura: Rosetones y vitrales. Colores: Amarillo, verde, azul y rojo. Temas: Religiosos. Arquitectura Catedral de Beauvais (1227 – 1548) Arco apuntado Arbotantes Bóveda de crucería Vidriera
  9. 9. Renacimiento. S. XV a XVI Nace en Florencia – Italia Pintura: Realista surge el “renacer del hombre y de todas las artes”. Es un especial interés por las artes, la política y la ciencia. Recursos en la pintura es el esfumado y el efecto vaporoso, utilizado para dar impresión de profundidad creado por Leonardo Da Vinci.Los representantes son: Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli. En arquitectura se da el nacimiento de la perspectiva lineal con Felipe Bruneleschi. Esculturas religiosas sobre mármol. ¿Qué es el esfumado? Es una técnica pictórica que se obtiene por aumentar varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de antigüedad y lejanía. Se utilizaba en los cuadros del Renacimiento para dar una impresión de profundidad. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci, que la describía como "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque. LEONARDO DA VINCI La ultima cena (1495 – 1498) Una de las pinturas más famosas de todos los tiempos, La ultima cena de Leonardo Da Vinci realizada entre 1495 y 1498, decora el refectorio de Santa María de la Gracia en Milán, Italia e ilustra el momento en que Jesús advierte que uno de sus discípulos va a traicionarlo.
  10. 10. La Gioconda (1503 -1506) El retrato de la Mona Lisa (1503 – 1506), más conocido como la Gioconda, era la obra preferida de Leonardo Da Vinci. Existen muchas teorías sobre la identidad de la modelo y el significado de su enigmática sonrisa. SANDRO BOTTICELLI La primavera (1478) El nacimiento de venus (1484)
  11. 11. MIGUEL ÁNGEL Bóveda de la capilla Sixtina (1518 – 1522) El juicio final (1537 - 1541) Capilla Sixtina
  12. 12. El David (1501 – 1504) Una de las obras más conocidas de Miguel Ángel, es una escultura en mármol de 4,34m de altura llamada “EL DAVID”. Aunque fue creada originalmente para la Piazza Della Signoria de Florencia, actualmente se encuentra en la Academia de Bellas Artes de esa ciudad. Moisés (1509)
  13. 13. Filippo Brunelleschi Cúpula de la catedral de Santa María del Fiore (1420 – 1436) Hospital de los inocentes (1419-1427) Basílica de San Lorenzo de Florencia (1421 -1428)
  14. 14. Arte Barroco. S. XVII – XVIII Europa Produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la danza y la música. Pintura: Realismo – Iluminación. Arquitectura: Recargada, excesiva, efectos de movimiento. Diego Velásquez (1599- 1660) Las Meninas (1656) museo del Prado La palabra menina es de origen portugués y es el equivalente a paje en femenino. Llamaban así a las hijas de personajes de la nobleza que entraban en Palacio como doncellas de honor de las Infantas y las acompañaban en su séquito a todas horas. Sólo recibían este apelativo hasta que les llegaba el momento de la puesta de largo, así pues eran unas personitas muy jóvenes. Las hilanderas (1667) museo del Prado
  15. 15. Gian Lorenzo Bernini (1598 -1680) Columnata de la plaza de San Pedro (1655) Impresionismo Fines del S. XIX Surge en Francia y se extiende por toda Europa. Objetivo: Causar una “impresión visual”. Pintura: Paisaje, surge el puntillismo, colores puros, mucha luz, pinceladas superpuestas, desaparecen los contornos en negro. EDGAR DEGAS Bailarina en escena (1878) El pintor fija siempre con una minuciosidad exacta con una extraordinaria habilidad en el dibujo y a los que, sin embargo, transfigura mágicamente mediante el complejo juego de luces y la perspectiva inédita y audaz de la escena, llena de colorido, siguiendo tenaz el ejemplo de la estampa japonesa.
  16. 16. EDUARD MANET (1832 – 1883) Almuerzo campestre 1863 museo orsay Paris. Moderna, de encantadora gracias, pero sobre todo es una obra maestra de armonía cromática, una gloriosa sinfonía de colores. CLAUDE MONET Impresión, sol naciente 1872 museo Marmottan - París Nenúfares (1920 – 1926)
  17. 17. PIERRE – AUGUSTE RENOIR (1841 – 1919) El baile en el Moulin de la gallete (1876) El almuerzo de los remeros (1880 – 1881) VINCENT VAN GOGH (1853 – 1890) Autorretrato (1889) Los girasoles (1880) Alemania Comedores de patatas (1885) museo Van Gogh Ámsterdam
  18. 18. HENRI TOULOSE- LAUTREC (1864 – 1901) Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Toulouse-Lautrec nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas aficionados amigos de la familia. Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon. Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Jane Avril (París, 1868 – 1943), nacida Jeanne Louise Beaudon, fue una bailarina de cancán del cabaret parisino Moulin Rouge que alcanzó la fama al ser inmortalizada por Henri de Toulouse-Lautrec. Surgen los carteles modernos. Jane Avril bailando en el “molino rojo” (1892) Detenida en el momento culminante de la danza, bajo los vestidos ligeros muévase con rapidez en el cuerpo de Juana, la pelirroja melancólica.
  19. 19. Jane Avril en el “jardín de Paris” (1893) Claramente se distingue en el cartel la composición y el dibujo expresivo, la influencia japonesa. Arte Nouveau (arte nueva) S. XIX países europeos. Arquitectura: Darle al arte una función social, el arquitecto diseña la decoración de las casas, muebles, objetos de uso práctico, arte gráfico. ANTONIO GAUDI (1852 – 1926) La sagrada familia (1892) Casa milá (1906 – 1910) Parque Guell (1906- 1914)
  20. 20. GUSTAVO EIFFEL (1832 – 1923) Torre Eiffel – París – Francia Objetos de decoración del Arte Nouveau
  21. 21. Cubismo (1907 – 1914) Surge en Francia, es una tendencia esencial que dio pie al resto de los vanguardistas europeos del S. XX. Es la ruptura definitiva con la pintura tradicional. No busca la copia ni la imitación de la realidad. Los puntos de vista se multiplican y se superponen fundiéndose entre sí. Descompone la forma en pequeños planos. Colores tierra y grises. Detalles de letras y números. Uso de collage. PABLO PICASSO Las Señoritas de Avignon (1907) Picasso no ponía casi nunca título a sus cuadros hasta bien pasado el tiempo, a veces hasta dos años después de ser pintado. En el caso de esta obra ocurrió lo mismo, cuando Picasso presentó la obra a sus amigos era una obra sin título. No hay datos fidedignos y escritos sobre esta cuestión pero se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de El burdel filosófico y después André Salmon lo llamó Les demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre de la ciudad francesa de Avignon. Cuando por fin el cuadro se presentó con título fue con el de Les demoiselles d’Avignon y así ha llegado hasta el tiempo actual. Todos aquellos amigos (un grupo muy reducido) a quienes Picasso enseñó el cuadro en privado coincidieron en sus comentarios sobre el gran impacto que les produjo. Hubo asombro y también burla. Picasso lo enseñó y lo guardó hasta que en 1916 (nueve años más tarde) fue expuesto. Trascurridos otros ocho años, Picasso lo vendió por un precio no muy elevado. Más tarde se escribió una obra de teatro también llamada así.
  22. 22. Juan Gris Guitarra y mandolina (1919) GEORGES BRAQUE (1882 – 1963) Guitarra y pipa (1913) Violín y jarra (1910)
  23. 23. Futurismo (1909) Surgió en Italia. Rompió con la tradición, el pasado y los signos convencionales. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonara el movimiento agresivo, el insomnio febril. Tenía como postulados: la adoración de la máquina y el retrato de la realidad en movimiento. HUMBERTO BOCCIONI (1882 – 1916) La ciudad se levanta (1910) Visiones simultáneas (1911)
  24. 24. GIACOMO BALLA (1871 – 1958) Dinamismo de un perro con cadena (1912) Muchacha en el balcón (1912) Pintura abstracta S.XX países europeos Deja de lado la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones, en relación a: formas, colores y líneas para crear una composición que puede existir con independencia absoluta. Pintura: prescinde de elementos concretos, fuerza expresiva, colores sin relación con la realidad, la obra de arte es autónoma. PIET MONDIRAN (1866 – 1940) Bodegón con jarra de jengibre II (1912) Cuadro n° 2 (1925)
  25. 25. WASSILY KANDINSKY (1866 – 1948) Crinolinas (1909) Amarillo, rojo y azul (1925) Surrealismo 1924 – 1940 Francia Pintura: Origen de la literatura a partir del inconsciente, prescinden de todo control nacional, utilizan nuevas técnicas de la pintura. La novela y el collage nunca utilizan un razonamiento lógico. Salvador Dalí (1904 – 1989) La persistencia de la memoria (1931) museo del arte de New York Leda atómica (1949)
  26. 26. Galatea de las esferas (1952) La cara de la guerra (1940) Premonición de la guerra civil española (1936) Canibalismo del otoño (1936) Aparición de un rostro y frutero en la playa (1938)
  27. 27. Fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y La fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica. Las mujeres en la vida de S. Dalí Salvador Dalí, desde siempre fue un tipo bastante extrovertido, como la mayoría de los genios de su calaña. Federico García Lorca, el poeta con mayor influencia y popularidad en la literatura española del siglo XX. El joven Dalí enseguida atrajo la atención por su carácter de excéntrico dandy. Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Fue en esta época que Salvador se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al del célebre pintor Diego Velázquez, y que se convertiría en un distintivo personal para el resto de su vida. Así, Federico García Lorca, seis años mayor que Dalí, enseguida que lo vio se enamoró de él. El carácter de ambos difería bastante, Lorca era tímido, y Dalí extrovertido, quizá por eso la atracción hacía él. En el año 1934 contrae matrimonio civil con Gala, quien lo inspiro en muchas de sus obras.
  28. 28. PABLO RUIZ PICASSO Guernica (1937) Los temas eternos de la existencia humana: el amor, la vida, la muerte estallan en estas obras con una fuerza inusitada. En la cumbre de esa turbulencia ascensión se coloca, la obra maestra que dedica en 1937 a GUERNICA, la pequeña ciudad española destruida durante la guerra. Las meninas (1957) Las meninas (1975)
  29. 29. Las mujeres en la vida de P. Picasso A Picasso le gustaba explorar los límites de la sexualidad. No sólo quería satisfacer sus deseos sexuales, sino elevarse entregándose a aquello que la cultura prohibía.Picasso descubría el sentimiento de violencia elemental que inflamaba cada manifestación erótica. Por esencia, el terreno del erotismo es el terreno de la violencia, de la violación.Dijo Picasso: "Las mujeres son máquinas para sufrir".Françoise Gilot es la única de las múltiples mujeres de Pablo Picasso que lo abandonó, llevándose a sus dos hijos, Paloma y Claude,con ella. Joan Miró Pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York. Corrida de toros (1945) El oro del azul (1967)
  30. 30. Artistas Argentinos y Latino Americanos Academisismo naturalista Genaro Perez (1839 -1900) Córdoba Retrato de sara Emilio Caraffa (1863 – 1939) Catamarca Desnudo Impresionismo Paisaje del sur (1905) (1901 – 1902) llega de la mano de Martín Malharro (1865-1911) Francia – Mendoza. Las parvas (1911)
  31. 31. Fernando Fader (1882 – 1935) Blancos (1921) Burritos de San Javier (1916) Posimpresionismo S. XIX – XX Benito Quinquela Martín (1890 – 1977) Bs. As Nació en Bs. As el 1 de marzo de 1890. Abandonado por sus padre, pasa sus seis primeros años en el Patronato de la Infancia, hasta que en 1896 es adoptado por Manuel Chinchella, genovés con carbonería en el barrio de la Boca. Tras abandonar sus estudios primarios, ingresó en 1907 a una academia de su barrio, donde cursó pintura con Alfredo Lázzari. Pío Collivadino conoce sus obras y apoya su labor.
  32. 32. Atardecer rosado (1969) Barcas en la boca (1938) Elevadores a pleno sol (1945) El grupo de París Primera vanguardia Argentina (cubismo) Emilio Pettoruti (1892 – 1971) La Plata El quinteto (1927) Pensierosa (1920)
  33. 33. Artistas Contemporaneos Renovación simple, autónoma e independiente, el color se usa con total libertad. Antonio Berni Fue un gran pintor argentino. Nació en Rosario el 14 de mayo de 1905, y murió en Bs. As el 13 de octubre de 1981. Sus padres eran de origem italiano. Berni fue un artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacaban Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajor y olvidados. Su obra estuvo influenciada por los acontecimientos históricos que vivió a lo largo de su vida. Manifestación (1934) Desocupados (1934)
  34. 34. Las vacaciones de Juanito Laguna (1972) Juanito dormido (1974)
  35. 35. El casamiento de Ramona Montiel (1959) La comunión de Ramona (1962)
  36. 36. Realismo social El realismo social es una corriente estética cuyo propósito es llevar las ideas del comunismo al terreno del arte. Ricardo Carpani (1930) Bs.As Fíguras desproporsionadas. Trabaja con acrilicos. Desocupados (1959) Amantes de pie (1968/1986) Molina Campos (1891- 1959) Bs.As Escuelita Criolla El pericón
  37. 37. Artistas Geométricos y Abtracción libre Formas subjetivas, animo frio, matemático y dinámico, texturas, graficos y signos. Rogelio Polesello (1939) Bs.As Contratiempo (1996) Ary Brizzi (1930) Avellaneda – Bs. As Penetrantes III (1974)
  38. 38. Peréz Celis (1939-2008) Bs.As Fue el autor que más pinturas vendio y siguen vendiendo sus obras. Mural en la cancha de Boca Ultimas tendencias Antonio Segui (1934) Córdoba Mujer Urbana (1999) Hombre urbano (1998)
  39. 39. Ernesto Bernati (1949) Bs.As Buenas ideas De corazón Al corazón Corazón de artista
  40. 40. Marta Minujin (1941) Bs.As Happening Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el acto a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación. El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los acontecimientos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. Partenon de libros (1941) Bs.As Venus de queso (1981)
  41. 41. Carlos Regazzoni (1943) Comodoro rivadavia El gato viejo Artistas Latinoamericanos Fernando Botero (1932) Colombia Mona Lisa (1977) Una familia (1989)
  42. 42. Romero Britto (1963) Brasil Tendencia cubista y pop art. Ángel (1994) Mona cat (2004) Cheryl desnuda
  43. 43. Ultimas Tendencias Dripping: Se deja chorrear la pintura mediante oscilaciones pendulares, desde un recipiente perforado sobre un lienzo extendido en el suelo. Autor: Jackson Pollock.
  44. 44. Land Art: Corriente que cubre las grandes formaciones paisajísticas con elementos que alteran las formas originales. Autor: Christo Javacheff.
  45. 45. Op Art: Pintado: tendencia que explota las posibilidades de la modulación dinámica luz/color, pintado sobre tela y se vale de la retina humana para mirar y conseguir una policromía irisada. Autor: Víctor Vasarely
  46. 46. Pop Art: Integra las modernas culturas de consumo en el cuadro, empleando la dimensión estética del glamour publicitario con efectos chillones. Autor: Andy Warhol.
  47. 47. Body Art: Corriente, en la que el cuerpo del artista sirve como medio expresivo y de manipulación. Puede ser ante un público o una actuación privada mediante video o cine. Autores: Emma Hack y Kim Joon.
  48. 48. Performance: se refiere al arte de acción teatral-gestual, en el que el público tan solo observa. Autores: Begoña Grande y Klaus Rinke.
  49. 49. Arte Eólico: El creador de estas bestias eólicas nació en Holanda y sus "animales de playa" andan por la arena con una casi total autonomía. A partir de las complejas observaciones de su creador sobre articulaciones, trabajos matemáticos y con caños de PVC como material principal, cosas tan raras van y vienen gracias al viento que las anima
  50. 50. Instalación: comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Se incorpora cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas por lo general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. Autor; Daniel Buren
  51. 51. Arte Pobre: tendencia dada a conocer a finales de los sesenta', cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Autor: Mario Merz (Milán, )

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