Identificacion de los elementos clasicos del estilo manierista

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Identificacion de los elementos clasicos del estilo manierista

  1. 1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA MINISTERIO PARA EL PODER POPULAR DE LA EDUCACION POLITECNICO SANTIAGO MARIÑO CARRERA ARQUITECTURA IDENTIFICACION DE LOS ELEMENTOS CLASICOS DEL ESTILO MANIERISTA REALIZADO POR: DEILY RODRIGUEZ C.I. 12.025.447 FECHA: Noviembre 2.013 CATEDRA: HISTORIA DEL ARTE II
  2. 2. EL MANIERISMO PINTURA DEL MANIERISMO La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento en 1530 y duró hasta alrededor del año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco, pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte de Europa1 hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas Julio II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa. Los pintores manieristas tienen obsesión por la profundidad, para que el espectador pueda profundizar a través de todos los espacios de la pintura. La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras. Ío y Zeus De Correggio. Correggio nos muestra a la joven y bella princesa desnuda, sobre un paño blanco que contrasta con los tonos grises de la niebla, que toma forma humana para abrazar y besar a Io. La figura de la joven resalta por sus atractivas proporciones, destacando gracias al potente foco de luz con el que ha sido bañada por el maestro. La sensación atmosférica que se crea y la gracia de la composición son elementos característicos de la pintura de Antonio Allegri. Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos scorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo. Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco.
  3. 3. PINTURA DEL MANIERISMO Madonna del cuello largo de PARMIGIANINO Es la obra más interesante de la producción del Parmigianino ya que recoge su manera de entender el Manierismo y resume su lenguaje pictórico, en el que emplea figuras alargadas al máximo debido al empleo de lentes aberrantes y lleva la anatomía al extremo de la verosimilitud Se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del color y las proporciones. La figura de la Virgen es más elegante y en ella destaca su alargada mano de finísimos dedos. El fondo parece sacado de una obra surrealista: una columna aislada a cuyos pies contemplamos a san Jerónimo, quien lleva en sus manos la traducción de las Sagradas Escrituras. La iluminación crea contrastes que refuerzan el volumen de los personajes, empleando la "técnica de los paños mojados" que pega las telas al cuerpo para mostrar su anatomía. El resultado es una elegante composición donde podemos encontrar algún elemento simbólico que ha permanecido oculto hasta hoy día. .
  4. 4. El Desendimiento de la Cruz De Pontormo, cuyo verdadero nombre era Jacopo Carrucci, fue uno de los pintores más representativos del manierismo florentino. La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura tremendamente escorzada que tiene su continuidad en los jóvenes que portan el pesado cuerpo. En un segundo plano se sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose en un esquema piramidal que se cierra con la mujer de la línea central. Las monumentales figuras se alargan de la misma manera que hará posteriormente Parmigianino y El Greco. Sus rostros llaman nuestra atención, desarrollando al máximo la expresividad de los gestos, creando una escena cargada de teatralidad. El empleo de una luz fría transforma los colores que se convierten en irreales.
  5. 5. ESCULTURA DEL MANIERISMO El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. Perceo De Benvenuto Cellini en 1553. Bronce. Altura 320 cm. Loggia dei Lanzi, plaza de la Señoría. Florencia. . Muestra un rostro tenso con una autoridad brutal, casi terrible, los ojos desorbitados, los labios apretados, las alas de la nariz hinchadas y los pómulos salientes. La coraza frontal se opone a la cabeza que gira debido a su decoración de orfebrería cincelada con festones, lambrequines, motivos vegetales y máscaras. Esta contraposición entre expresión y adorno vuelve a encontrarse en el Perseo, vaciado de forma dramática mientras el artista se veía acosado por la fiebre y las peripecias en 1549, mucho tiempo después de los primeros bocetos y modelos en pequeñas dimensiones, y del vaciado parcial del cuerpo de la Medusa.
  6. 6. El rapto de la Sabina. De Giambologna, 1582. Mármol blanco. 4.10 m. Logia dei Lanci (Florencia). Italia. La obra podemos situarla en la última etapa del Renacimiento italiano, durante el llamado "Manierismo", en el último tercio del s. XVI. Se trata de un momento de ruptura y distorsión de los ideales clasicista del primer Renacimiento y un anticipo de las nuevas formas de expresión del Barroco, estilo que le sucederá en el tiempo. Está realizado en un solo bloque de mármol blanco, mediante la técnica de la talla y, posteriormente, pulido. El grupo lo componen tres personajes desnudos: un hombre joven (un romano) que levanta por encima de su cabeza a una mujer (la sabina) que parece querer desprenderse de su secuestrador, mientras, atrapado entre las piernas del joven, se encuentra un hombre mayor, (el padre de la joven) con evidentes muestras de desesperación e impotencia. Las tres figuras se hallan profundamente entrelazadas, tanto por la acción que desarrollan individualmente como por la escena que componen entre ellas. Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio de Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a todo el Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a la forma serpentinata que ya había utilizado Miguel Ángel, pero Giambologna prescinde del punto de vista único y el grupo incita a multitud de perspectivas
  7. 7. Salero de oro de Francisco I de Francia con Neptuno y Anfitrite. Benvenuto Cellini. 1540-3. Los personajes simbolizan el Agua y la Tierra entrelazadas, como reflejan la posición de las piernas de ambos. La figura masculina con el tridente en la mano y los caballos de mar en la base permiten la identificación con Poseidón, dios del mar. La figura femenina está asentada sobre un cojín con la flor de lis, homenaje al rey francés que le encarga la pieza. Sobresale en su base un elefante blanco, también una preferencia del monarca. Está rodeado de figuras alegóricas, cuyas posturas copian las esculturas de Miguel Angel. Un pequeño recipiente que se pretende que guarde la sal está colocado cerca de la figura masculina.
  8. 8. ARQUITECTURA DEL MANIERISMO La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura renacentista que se extiende entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la arquitectura barroca. El término maniera, usado en el siglo XV para indicar el estilo de cada artista. El manierismo rechazó el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno. Villa Farnesia de Roma Construida por Baldassarre Peruzzi alrededor de 1509. Presenta una planta en U con dos alas que encierran una parte mediana en que, en el puso inferior, se abre un pórtico construido por cinco arcos de medio punto. En una sala del piso superior el propio Peruzzi pintó algunas columnas y paisajes, con el fin de dilatar el paisaje arquitectónico. La estructura se inserta en una planta de dimensiones irregulares. La fachada es curvilinea y presenta un pórtico aquitrabado con columnas libremente espaciadas. Insólitas son las cornisas que decoran las ventanas de los pisos superiores pegadas a una pared adornada con almohadillado plano. Inédita es, asimismo la conformación de los pórticos del patio: están conformados por dos logias sobrepuestas cerradas al techo con un tercer piso abierto por ventanas rectangulares tan largas como la columnata inferior.
  9. 9. Iglesia del Jesús o Il Gesu en Roma De el Arq. Japoco Vingola Tiene planta de cruz latina y el transepto apenas sobresale. Es de nave única con capillas laterales entre los contrafuertes con poca luminosidad (ideales para la meditación). Sobre éstas hay una tribuna. En el crucero hay una cúpula. La fachada la realiza Giacomo della Porta. Es similar a la de Santa María la Novella, típica de los Jesuitas. Hay dos cuerpos separados por entablamento, pero unidos por alerones. Tiene frontón con entrantes y salientes (antecedente del barroco). El interior es muy decorado. Su interior está revestido de mármol policromado que destacan gracias a los dorados; las bóvedas de cañón pintadas al fresco enriquecen la techumbre y retóricas esculturas de mármol y estuco blanco rompen su marco tectónico.
  10. 10. Hospital de las Cinco Llagas de Sevilla (hoy sede del Parlamento de Andalucía). Portada manierista de hacia 1618 atribuida a Asensio de Maeda. El edificio presenta largas fachadas que se dividen horizontalmente en tres cuerpos mediante molduraciones rematadas por una cornisa. Verticalmente se presentan sus huecos entre pedestales, en los que se apoyan órdenes apilastrados dóricos, y sobre éstos otros jónicos. Los balcones de la planta superior se flanquean entre órdenes abalaustrados, frontones y acróteras, en una ordenación continuada de marcado italianismo.
  11. 11. Villa Rotonda De Andrea Palladio Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI en el manierismo. Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro entradas del edificio. Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los elementos religiosos usados para ensalzar la vida en el campo. Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de cuatro pórticos laterales (uno por cada lado). Los pórticos presentan orden jónico más entablamento y frontón.

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