Ultimas tendencias

2,761 views
2,656 views

Published on

0 Comments
1 Like
Statistics
Notes
  • Be the first to comment

No Downloads
Views
Total views
2,761
On SlideShare
0
From Embeds
0
Number of Embeds
511
Actions
Shares
0
Downloads
42
Comments
0
Likes
1
Embeds 0
No embeds

No notes for slide

Ultimas tendencias

  1. 1. Ultimas tendencias: El arte desde 1945EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANODécadas de 1940 y 1950. Trasvase cultural de Europa a América, durante los años de laII Guerra Mundial. Ambiente cultural y artístico derivado de la presencia de los grandesmaestros surrealistas, y del influjo de la tendencia abstraccionista de Masson y Miró.Promoción del arte contemporáneo en USA, gracias al apoyo estatal, al mecenazgoprivado y a la creación de museos específicos (los Guggenheim). Los movimientosfilosóficos que influyen en este movimiento son el marxismo y el existencialismo. Elexpresionismo abstracto es el movimiento que lanza a la supremacía del mercadoartístico a la Escuela de Nueva York, ante la decadencia de la Escuela de París.Se trata de una pintura gestual, derivada de los teorías de Breton sobre el automatismopsíquico: la libre inspiración desligada de lo figurativo, en la que el artista actúadejándose llevar pasivamente por sus impulsos y el lienzo, más que el resultado de unacomposición formal, es el encuentro entre el material y la mediación del artista. Elcuadro adquiere vida propia, en torno a una poderosa imagen central, con carácterheráldico y vida propia. Los antecedentes de este tipo de pintura, pintura de acción oaction painting, deben buscarse en el magisterio surrealista, en la práctica muralistaamericana de los años 30 y en la pintura sobre arena indígena.Principales artistas: H. Hofmann, puente entre Europa y América, por haber trabajadoen París a principios de la centuria y conocer a los grandes maestros. A. Gorky: entre elsurrealismo jungiano y la dinámica continua americana (un cuadro es un proceso nuncaacabado), es otro artista bisagra entre ambos continentes. Jackson Pollock: actionpainting en estado puro, el cuadro es un residuo de esa acción que usa técnicas notradicionales, como el dripping. C. Still y B. Newmann: tendencia hacia la sublimacióny el abstraccionismo espacial. W. De Kooning o la ambigüedad de lo indeterminado,entre lo abtracto y lo figurativo. R. Motherwell o el compromiso político-artístico (seriesobre la elegía de la república española). Mark Rothko o la sensibilidad metafísica, elmisticismo del color. Mark Tobey, Franz Line y Sam Francis: influjo del misticismooriental, de la caligrafía japonesa y el decorativismo cromático.INFORMALISMO EUROPEODécadas de 1950 y 1960. Intentos de superación de la crisis cultural y artística de laguerra (emigración a USA), con múltiples tendencias que, por un lado, asumen laherencia artística de la vanguardia histórica, como forma clásica y asentada, y, por otro,reciben nueva savia a través del conocimiento directo y exposición de las obras de losartistas americanos. Hay un fuerte predominio de las tesis existencialistas de Sartre.Diversas corrientes y denominaciones: abstracción lírica, tachismo, pintura sígnica,pintura gestual, informalismo matérico. Dos centros fundamentales: el áreamediterránea (París, Italia, España) y el grupo nórdico COBRA (Copenhague, Bruselas,Amsterdam).
  2. 2. Principales artistas: Wols y Fautrier, pioneros en Europa de la abstracción gestual, conénfasis, respectivamente, en la experiencia trágica postsurrealista y e la expresividad dela materia pictórica. G. Mathieu o el carácter festivo del lienzo, cercano a la actionpainting de Pollock. H. Hartung o el automatiosmo caligráfico, de inpiración oriental..N. De Stäel o el decorativismo ambiguo entre abstracción-figuración, como resultado dela visión historicista de las vanguardias. J. Dubuffet o el “art brut”, inspirado en lotorpe, lo grotesco, lo trivial e incontaminado. Fontana o las implicacionessupramateriales del espacio. El culto a la materia como vía de superación de la polémicaabstracción-figuración: Burri y Tapies.LAS OPCIONES DE LA GEOMETRÍA: DÉCADAS 1950-1970.La vuelta a la geometría abstracta como vía de superación del expresionismo abstracto yel arte informal, llegados a un punto muerto una vez que se lleva al punto límite lainvestigación sobre los principios de la libre inspiración, sin conexión con hechosculturales, formales, técnicos o sociales. El magisterio del abstraccionismo formalista delas vanguardias reaparece con los más diversos planteamientos: geometría comopromesa de un futuro progresista, como fuente simbólica o contemplativa, comorepercusión estética del acercamiento a la tecnología y la ciencia. Estas corrientesnormativas se proclaman herederas de la época de la Bauhaus, siendo importante elmagisterio de artistas en ella formados, como Joseph Albers y Max Bill. Diversascorrientes:- La abstracción geométrica y pospictórica americana. Replanteamiento de laabstracción geométrica de las vanguardias: del arte abstracto al arte concreto, quesubraya el carácter objetual de la obra de arte y evidencia el carácter plano, específico,del lenguaje pictórico: los Campos de Color (The Colour Fields). Su origen se debe altrasvase americano de Albers, que desarrolla en USA su larga serie Homenaje alCuadrado. Entre los máximos representantes de esta tendencia se encuentran: MorrisLouis, que representa el paso del expresionismo abstracto a la abstracción pospictórica,al supeditar la expresión “sublime” de Newmann, Rothko o Reinhardt a una pragmáticaformal que entiende el color en criterios de pura visibilidad y de rentabilidadperceptiva. E. Kelly, y su discurso monumentalista del color, K. Nolland o el descartede la emocionalidad metafísica, y F. Stella, con su reduccionismo formalista,desarrollan la modalidad del Shaped canvas, que identifica el formato del cuadro y lafigura con la forma de sus bordes: objetos pictóricos que comienzan a plantear ladeslegitimación de la separación tradicional entre escultura y pintura.- El arte normativo europeo: op art y arte cinético. Magisterio de Max Bill, que pretendecrear una segunda Bauhaus en Ulm. Fusión de arte, ciencia y tecnología, a través deformulaciones matemáticas de las relaciones formales y cromáticas, de la geometríaortodoxa y de las implicaciones psíquicas del cuadro en el espectador. Ello implica laparticipación activa del espectador, en obras no concebidas para la mente científica, sinopara la percepción directa y el goce: acercamiento de la experimentación formal devanguardia al gran público. Tres formas de actuación:
  3. 3. - Creación de tensión dinámica por la propia composición intrínseca, formasópticamente inestables: Op art de Vasarely, Riley.- Ciertas dosis de intervención por parte del espectador en movimiento: Agam, Cruz-Díez.- Verdaderas máquinas o estructuras móviles (arte cinético), con dos variantes: elmovimiento espacial de Calder o Tinguely (éste, con ciertas dosis neodadadaístas en susmáquinas autodestructivas) y el movimiento lumínico asociado al movimiento espacialde Schöffer.ENSAMBLAJES Y NEODADÁEl neodadaísmo supone el abandono definitivo, durante la década de 1950, de la estéticade lo sublime de expresionistas abstractos como Rothko y Newmann y el revisionismode los aspectos más conflictivos de la vanguardia histórica, pero con una visiónsosegada y centrada en el objeto. Reinterpreta el nihilismo dadaísta en sentidoesteticista, como apertura de los límites tradicionales de la estética. El objeto artístico,como potencia expresiva, toma nuevos valores al desprenderse del contexto ysignificados histórico-artísticos habituales. En última instancia, se propone unaidentificación entre arte y vida: Duchamp se pregunta: ¿pueden hacerse obras que nosean de arte?- En Estados Unidos el neodadá es una fuerte recación ante el agotamiento delexpresionismo abstracto, repetitivo y normativo ya a pesar de suponerse que se trata deuna visión subjetiva del mundo. Destacan dos autores: Jasper Johns, que con susbanderas y mapas coloreados y dianas lleva el ready made duchampiano al terreno de lopictórico con temas y objetos banales.Y Robert Rauschenberg, con sus assemblages ocombine paintings, que subrayan la naturaleza objetual de la obra artística al fundirpintura, objetos y esculturas integrados en el espacio real del espectador. El neodadá esun puente hacia el pop art, una vez limado su carácter áspero y crítico.- En Europa, las posibilidades del ready made son explotadas por el grupo, de la décadade 1960, del Nouveau Realisme francés o Nuevo Realismo. No se reproducen, sino quese manipulan los objetos de la realidad para cerrar un nuevo vocabulario expresivo. Losprincipales artistas de tradición neodadaísta en Eurpoa son: Y. Klein, que pasa de loobjetual a la estética de lo ilimitado en sus cuadros y actos monócromos (azul Klein),Arman o el lenguaje de la acumulación de objetos, con referencias a Schwitters, Christoo la inquietud de lo empaquetado, César o los automóviles comprimidos que hablan dela valoración del proceso, Tinguely y sus máquinas autodestructivas, Spoerri, con suscambios de punto de vista, que replantean el funcionamiento del museo.ARTE POPLas formulaciones críticas de la generación neodadá de la década de 1950, una vezneutralizadas, amansadas o consumidas por la cultura oficial, desembocan en el pop artde la década siguiente. Las primeras manifestaciones pop surgieron de Londres, del
  4. 4. Independent Group en torno a E. Paolozzi y R. Hamilton, como inetno de superación dela inmovilidad artística británica. Sus principal característica fue la unión de la alta y labaja cultura, el arte de los museos y los subproductos de la cultura urbana y la sociedadconsumista. Corriente que da gran importancia a la cultura de masas y a la importanciade la publicidad, reconociendo el valor de la imagen popular y de los nuevos iconosindustriales.Se trata de un arte comercial, con imágenes del gran público, pero con unafuerte contradicción entre su proyección popular y el sentido elitista de una produccióndirigida al museo. La pretensión de relacionar íntimamente el arte, la sociedad y la vidaposibilitó el paso natural, en U.S.A., de la aspereza del neodadaísmo a nuevas imágenesque subrayaban la banalidad de la sociedad contemporánea en las primerasmanifestaciones Pop: Rauschenberg, Jasper Johns, Kienholz.La generación madura del pop norteamericano, más conservadora, y representativa delamerican dream, está integrada, entre otros, por: Lichtenstein, o la sublimaciónmonumental de la imagen del comic; A. Warhol o el reflejo puntual de la sociedadconusmista y el star system americanos, con sus contradicciones; C. Oldenburg o lamonumentalidad de las costumbres populares. En Inglaterra debe destacarse a Hamilton,Blake, Hocney.LA TRADICIÓN REALISTA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XXComo en el arte de las vanguardias históricas de la primera mitad de la centuria, tras elepisodio dramático de una conflagración mundial se producen movimientos de vuelta ala figuración tradicional, en sentido conservadurista, unas veces, o por consisderarse elfigurativismo como el medio idóneo para representar mensajes expresivos emanados dela angustia de la guerra. La figuración no ha encontrado un eco oficial de apoyo, en lasegunda mitad de siglo, como otras corrientes más complejas técnica oconceptualmente, toda vez que la cultura contemporánea ha apostado de forma cada vezmás evidnete por estéticas “propias” del mundo contemporáneo, herederas del furorexperimentalista o proivocador de las vanguardias. Sin embargo, los movimientosrealistas han encontrado suficiente espacio para su desarrollo en la sociedad actual.Algunos de estos realismos serían los siguientes:- El expresionismo de posguerra, como vehículo de expresión de la angustiaexistencialista: F. Bacon, A. Giacometti, J. Buffet, E. Guttuso.- El hiperrealismo o la idea de cnfundir el arte con el objeto real, como derivación delarte pop y contra la sequedad extrema del arte conceptual. Competencia con lafotografía, adopción de la mirada mecánica de la cámara, que permite adentarse enaspectos inéditos de la realidad o aislar a la imagen, como icono contemporáneo: R.Estes. C. Close, D. Hanson, J. de Andrea.- El realismo social. El caso español, con Genovés, Canogar, Equipo Crónica. Tambiénse ha producido un hiperrealismo hispano, en clave lírica: Antonio López.MINIMAL ART
  5. 5. Surge en U.S.A. a principios de los Sesenta., en el contexto difícil de apostar por lacontinuidad de la tradición geométrica americana o por el predominio del arte pop y lasimágenes realistas en la cultura del museo. No obstante, minimal y pop comparten suinterés por la naturaleza objetual del arte, la repetición de un motivo o la neutralidadsocial de la presentación. El minimal hereda el reduccionismo formal de Malevitch yMondrian para conseguir objetos (no escultura ni pintura) con máximo nivel deabstracción, geometrismo estricto, simplicidad, claridad y acabado industrial. Estecomponente de literalidad (el objeto es el objeto) es lo que liga al minimal a lascorrientes conceptuales posteriores, también empeñadas en una elaboración tautológicade la obra de arte. Se prefieren los objetos tridimensionales, que eliminan cualquiersensación de ilusionismo propia del plano pictórico. La principal consigna delminimalismo es “menos es más”. Se desnuda al objeto de todo lo accesorio, para tenerun máximo de legibilidad y mínimo de retórica, con la mayor economía de mediosposible.La importancia del Minimal Art se debe también al hecho de que constituyó una de lasvías de acceso al arte conceptual. La presentación de objetos como imagen parcial de unorden implica la reducción de la actividad del artista y el aumento de la del espectador,que debe completar la secuencia: un estímulo intelectual. También el ambinete o elespacio, más que el marco del cuadro, es objeto de nuevo interés. Otra herencia delMinimal es la importancia que se le concede a los aspectos teóricos de la actividadartística: arte como herramienta del conocimiento que interacciona con otros procesosde la mente humana. Finalmente, planteó una formalización radical del objeto artístico,desde su construcción matemática, su estrucrtura serial su construcción metódica y suacabado pulido. Desde los Sesenta emergen corrientes opuestas que valoran ladesaparición de la estructura y la atención en los procesos de configuración del material:postminimalismos y arte povera.Artistas principales: Sol Lewitt o la reglamentación sistemática del arte como cosamental, con desprecio al proceso creador. Dan Flavin o el homenjae al constructivismocon los nuevos materiales tecnológicos, como la luz, en su fiunción de génesis del color.Sonnier o la caligrafía gestual del neón. Robert Morris y Donald Judd, en los límites delminimalismo, por su insistencia en el carácter tautológico del arte, la búqueda de unorden en el propio material (anti-form de las obras de fieltro de Morris) y el rechazo delos materiales tradicionales.ART POVERAMovimiento europeo de las décadas de 1960-70 que plantea a su modo, como elMinimal, el final o la crisis de las vanguardias.No es la forma, sino la nueva relacióncon los materiales, lo que inspira a este ismo surgido en Italia. Basa su estética en lasrelaciones entre el objeto y su configuración, haciendo hincapié en dos aspectos: losprocedimientos, entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, ylos materiales, analizando sus cualidades específicas. Contrariamente a los materialesindustriales pulidos del Minimal americano se valora el material industrial en estadobruto y la materia natural. Los desechos son sólo algo circunstancial, pues de lo que se
  6. 6. trata es de un reduccionismo lingüístico (cercano al minimal), empobreciendo los signosy reduciéndolos a arquetipos. Hay una carga importante de crítica hacia la caraconsumista de la sociedad industrializada y la mercantilización del objeto artístico. Sevalora el proceso más que la obra acabada. Y, en fin, se produce una simbiosis entre elconceptualismo del minimal y el fisicalismo del neodadá valorando la complejidad delos sencillo. Principales representantes: Pistoletto, Merz, Kounellis. En U.S.A., losartistas como R. Serra, R. Morris (sus fieltros) o E. Hesse, en los límites delminimalismo, presnetan pautas similares a los poveras europeos.EL ARTE CONCEPTUAL Y SU AMPLIO HORIZONTEEl Minimal, como sistema de depuración económica y radical de la forma, había llegadoal límite de sus investigaciones a mediados de los sesenta y conducido a la prácticaartística a una situación de crisis. En este contexto se producirá una situaciónintelectualista, de valoración de los procesos cognoscitivos de la obra de arte. Obrasconcebidas en el estudio, pero ejecutadas en otro lugar, lo que evidencia alejamiento odesinterés por el objeto artístico y los materiales tradicionales: abandono del caballete ydel cincel. Estas tendencias conducen a una desmaterialización de la obra de arteconcebida como objeto: la utopía de un arte sin objeto, una obra basada exclusivamenteen la idea que la ha generado, que funciona no sólo como definición del arte, sino comointerrogación sobre su propia naturaleza.En las actitudes conceptuales se dan la mano dos estrategias que viene de camposdiferenets: el arte como idea y el arte como acción. De ahí dos formas de entenderlo: ensentido estricto, por su valoración de los conceptos y negación de lo material, o por suvaloración de la materia, transformada en energía y movimiento del artista sobre elespacio real. Todas estas corrientes han dado lugar a una alternativa radical y polémicacontra el arte del museo, por su naturaleza antiobjetual, su énfasis en lo intelectual, sudesdén hacia las experiencias plásticas y el deleite de los sentidos, y su interés pornuevos objetos artísticos (fotografías -sólo así se explica el papel de la fotografía en losaños 80-, documentos, planos, mapas, videos).Hay una gran complejidad de manifestaciones y actitudes:I.- Corrientes más interesadas en la acción y el espacio real:- Happening y Fluxus: Unión entre arte y vida, arte y acción. El Happening surge en elcontexto del arte neodadaísta de los años 50: A. Kaprow lleva al campo de la acción laoperación objetual duchampiana. Desde los inicios de la vanguardia hay tendencias eneste sentido, que valoran la autoconsicencia del valor específico del artista. Se destronaal objeto artístico de su tiránica presencia y se conduce al arte a un contacto más directocon la vida. Kaprow o J. Beuys no se esconden tras su obra, sino que sacan al artista a laescena.. También, el grupo japonés Gutai investiga sobre las relaciones entre pintura yacción. El público interviene activamente. Fluxus es un movimiento de recuperación deldadaísmo, entre 1958 y 1963. Combina música, teatro y artes plásticas y, a diferenciadel happening, el espectador no actúa, sino que asiste a una actuación simbólica en
  7. 7. sentido receptivo. Beuys y W. Vostell son los más destacados integrantes, con unaconciencia crítica bastante radical. Happening y Fluxus son anteriores al desarrollo delarte conceptual, pero aportan a este movimiento el desintéres de la obra final, comodesecho no conservable, y su plasmación en nuevos sistemas de documentación que, ala postre, se convierten en el objeto artístico original.- Land Art y Arte Ambiental: El espacio natural como soporte de la obra, llevando acabo una serie de manifestaciones o manipulaciones, con obras que adquierendimensiones monumentales. Su presencia en las galerías se lleva a cabo mediantemecanismos de documentación. Algunas corrientes usan elementos naturales en elinterior de la galería: earthworks, cercano al arte povera. Destacan M Heizer, R.Smithson, D Oppenheim, R. Long.- Body Art: El artista usa su propio cuerpo, manipulado para generar mensajes estéticos.Trata temas como la violencia, la sexualidad, el exhibicionismo, la resistencia física.Ciertas diferencias entre la corriente analítica americana, que pone su acento en lasposibilidades del cuerpo humano (C. Burden o D. Oppenheim) y la europea, centrada enla reelaboración de arquetipos junto a aspectos relativos al travestismo, el dandysmo ola sublimación del dolor (Gilbert & George, H. Nitsch). Otros artistas (R. Horn, K.Rinke) ponen el cuerpo en relación con objetos escultóricos que evocan recuerdosvividos. El Body Art, relacionado con el Happening de los 50, las perfomances, el teatroy la danza, a menudo se vuelve introspectivo e íntimo, rehuyendo el espacio abierto oacentuadno el carácter exhibicionista en un entorno privado.- Process art o arte procesual. Pone el énfasis no en el objeto artístico, sino en el procesode elaboración del mismo. Es una reflexión tautológica sobre el propio proceso deconstrucción de la obra de arte. R. Morris, H. Haacke.II. Corrientes interesadas en el concepto o idea.- Conceptual lingüístico y tautológico: Supresión del objeto artístico y prioridad casiabsoluta de la idea sobre la realización. Énfasis en la investigación filosófica sobre lanaturaleza de la obra de arte. Es una forma reduccionista que propone una identificaciónentre los mecanismos del arte y los del lenguaje. J. Kosuth, On Kawara, el grupo inglésArt & Language.- Conceptual empírico-medial. Reivindica la relevancia alcanzada por la imagen y por lapercepción como forma de conocimiento. Interesa la investigación sobre lafenomenología de la percepción la dimensión semiótica de la obra de artey losdesarrollos de ésta en los diferentes medios de transmisión. Sol Lewitt, Dibbets, R.Long. Cercanos a esta corriente que plantea un análisis crítico de las imágenes de losmedios de masas están el mail art o arte de correo, copy art o exploración del uso noconvencional de la fotografía.OPCIONES DE LOS AÑOS OCHENTA
  8. 8. Frente a las décadas anteriores, en los Ochenta se vive la idea de ruptura delvanguardismo en sentido de innovación. Frente a esta dinámica, movimientos como elposmodernismo hablan de la crisis de las vanguardias y reflejan una nueva forma depensar que se niega a esa continua huida hacia adelante, a esa búsqueda apasionante denovedades, y que, en cambio, opta por una operación revisionista para agotar los filoesno totalmente explotados. Esta visión introspectiva es en definitiva un momento dereposo o de tregua. Frente al carácter generalista de movimientos anteriores, se planteauna producción basada en los criterios de diversidad y fragmentación, la especificidaddel “genius loci”, el subjetivismo, el espectáculo local. Otro carácter propio de losocehnta es la coexistencia pacífica de las tendencias: la sobras de pintura o esculturaconviven con los nuevos medios de diseño, video, fotografúia, performance.: fin delexclusivismo y tendencia sectaria de las vanguardias. Ello esconde otro fenómeno: larevitalización del mercado artístico, que ya no sólo ansía artistas de posguerra, sino queinvierte también especulativamente en jóvenes valores: arte de temporada o demoda. Varias tendencias tendencias:- El redescubrimiento de la pintura pintura. En la primera mitad de la década, ante laprogresiva desmaterialización del oficio artístico de experiencia anteriores. Tres centrosfundamentales: la transvanguardia italiana, que se hunde en las actitudes de principiosde siglo y en la explotación del mito mediterráneo (Chia, Cucchi, Clemente, Paladino);la Nueva Pintura Alemana, neoexpresionista, radical, individualista, que recupera lastendencias del grupo Die Brucke (Baselitz, Kiefer, Immendorf); La Nueva PinturaNeoyorkina, posmoderna, centrada en la tradición americana de principios de siglo (J.Schnabel, D. Salle, E. Fischl).- El Arte de Frontera. Movimiento posmoderno, ubicado en la “frontera”, laindefinición, el límite, los territorios imprecisos entre la baja y alta cultura (high andlow culture). Es un Pop diluido, que trabaja tan vulgarmente como se trabaja en losmedios de masas y se imitan las imágenes urbanas como los grafitti (Basquiat, Cutroneo Haring). Hay también tendencias revisionistas del surrealismo, como en la obra de M.Kostabi o H. Schmalix.- Anacronismo y “Pintura Culta”. Rememoración de la historia barroca y neclásica. Eltema de las citas históricas no como elemento añadido, sino como centro y justificaciónde la obra. Es una tendencia hipermanierista. C. mariani o A. Abate.- Nueva escultura inglesa. Vuelta a la escultura como objeto, a menudo cargado dehumor y juegos visuales (escultura más visual que táctil, contra la esterilidad de laspropuestas conceptuales y el academicismo de la escultura abstracta. A. Kapoor, T.Cragg, R. Wentworth.- Pattern Painting o Neodecorativismo: Recuperación de la decoración, tan denostadapor la vanguardia por su vacío de significación. Es la expresión más acabada de lavuelta a la pintura, del placer de pintar y del placer de ver pintura. A. Garutti, P. Halley.
  9. 9. - Nuevo Futurismo: continuación expresiva de objetos ligados al mundo de latecnología, pero no con el optimismo utópico de los primeros futuristas, sino con ironía,distanciamiento y sentido lúdico: U. Postal, L. Palmieri.- Apropiacionismo y Arte Débil. El artista no dice nada, no añade proposiciones. Frutodel colapso conceptual, parate del distanciamiento y la simulación, de la ausencia decreatividad, y manifiesta una profunda insatisfacción del artista: J. Koons, R. Gober, H.Steinbach. S. Levine. La idea de originalidad ha sido trasladada desde el objeto, que sepresenta como no original, apropiado, a las intenciones del artista, que busca nuevocontexto en que poder expresarse.: neoconceptualismo. Precisamente, la relectura delarte radical del periodo de 1965-1975 es una de las claves principales del desarrollo delarte de los 90, en un momento de reflujo de la especulación de los mercados, deasentamiento del arte contemporáneo en la gran cantidad de museos fundados en laúltima década y de ampliación de la base social del arte contemporáneo que contribuyea generar la imagen moderna del arte como organizador del ocio sin renunciar a ningunacorriente, sino practicando el entrecruzamiento de tendencias.

×