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Resumen historia del arte.
 

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Orden cronológico de la asignatura "Conceptos de Historia del Arte" de primero de Grado en Bellas Artes en Ces Felipe II.

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    • ARTE PRIMITIVO<br />Mantienen el tipo de tallas y estructuras ancestrales. Las distintas culturas se diferenciaban por características muy concretas en su arte. Las técnicas artísticas más primitivas dependen más de la memoria que de la historia. La antropología) como disciplina se inventó en el S. XIX. Empezó siendo “etnografía” (estudio de las etnias) en el S.XVII-XVIII, pero fracasó porque era una versión colonialista de la ciencia, que intentaba demostrar la supremacía del hombre blanco. Los primitivos tenían necesidad del arte que une lo espiritual (metafísica) con lo corporal (física: alimentación, reproducción,…). Relación directa con la naturaleza. Todo ello perdido en arte e S. XIX. No tenía autor específico (normalmente chamanes).<br />Esta es la raíz de los expresionistas alemanes no figurativos, más abstractos (con necesidad de espiritualidad), no como los franceses, que seguían pintando cuerpos desnudos.<br />Manos imprimadas en cuevas= expresiones más básicas y primitivas, prueba de la propia existencia (no cuerpos dibujados,…sólo manos). Solían apreciarse en movimiento al realizarlas porque eran alumbradas con fuego (restos y manchas de humo cerca de ellas), efecto que en la actualidad, con luz continua, no vemos. Solía ser la convocatoria de las fuerzas del cielo. El zig-zag ascendente simbolizaba al rayo. El horizontal a la serpiente. Conviven geometrías, abstracciones, imprimaciones de manos. Bastones con perforaciones para lanzar flechas, y con ornamento para convocar la caza o protegerse de animales.<br />Las culturas primitivas entienden que la noche es muy peligrosa, que el desierto está lleno de peligros. La serpiente es la representación del rayo en la tierra.<br />GRECIA<br />Pinacotecas: donde se guardaban las esculturas en oscuro como ofrenda a dioses.<br />Vasijas griegas y grabados en los que aparecían vasijas. En las decoraciones de estas aparecen geometrías con figuras de ilustraciones de textos clásicos como OMERO etc. Conviven geometría y escenas de batallas. Surge el mito de que en el arte griego la línea servía para convocar el volumen de un cuerpo.<br />-ARQUITECTURA<br />Templos protegían a los dioses. Guardaban a oscuras obras de arte nunca exhibidas. Cella=caja oscura. Geometría: lenguaje de los dioses. Podium: elevación (estética idealista). Relación de la arquitectura con su lugar (templo en lugar elevado, por encima de la naturaleza). Correcciones curvas responden a la necesidad de templar la geometría y adaptarla a la percepción humana (cóncava por la forma del ojo). Equilibrio entre vertical y horizontal. Capiteles en forma de cuña como unión suavizada de columna y techo donde se plasmaba la tradición artística. Muchos dioses=muchos puntos de fuga (según Rielg, profesor de Mies). Partenón íntegramente policromado (sólo queda el peristilo que deja intuir la presencia y la solidez de lo que existía antes en ese interior). <br />“Apadana Persépolis” (conjunto de palacios reales en capital) distinto a la acrópolis de Grecia.<br />La cultura persa y la política era de dominio (a todos los pueblos circundantes que cada año tenían que hacer un simpósium o tributo a Persia). Apadana era el recorrido por el que tenían que desfilar todas esas naciones.<br />Hipóstiles: salas llenas de columnas. Estas columnas no eran talladas por los persas, sino los griegos obligados a hacerlas después de su sometimiento.<br />El arte griego clásico surge a raíz de la derrota de sus pueblos ante los persas. Grecia reunió los ejércitos que les quedaban después de la derrota y así se enfrentaron. Empezó ahí la reconstrucción en dimensiones más grandes que las originales del Partenón (promotor de la reconstrucción del Partenón fue Fidias).<br />Los guerreros griegos eran hombres libres, los persas eran los propios prisioneros de guerra.<br />Para los egipcios la geometría era sagrada porqué dividía las tierras (significaba repartición del poder, ayudaban a controlar las cosechas a base de riegos...). Era tan sagrada que en las esquinas de los templos se hacían ofrendas, sacrificios de animales... para los dioses.<br />Los templos griegos gozan de esa templanza entre robusto y ligereza, conseguidos a través de las dimensiones de sus columnas y los espacios entre ellas (las proporciones que generan el tamaño del templo). Según las diferentes relaciones de esos espacios se dividen los templos en dóricos, jónicos o corintios. Esto es más importante que la decoración de sus capiteles, etc. Cada vez es más vertical, columnas más altas y menos espacio entre ellas.<br />-PINTURA: no quedan.<br />-ESCULTURA<br />En el arte persa todas las imagenes de personas son iguales, con los mismos atributos, mismos rostros... representando a los ejércitos de las diferentes naciones sometidas. Tenían ligeras diferencias según la categoría del pueblo sometido (los griegos ya no). Las formas de las estatuas griegas iniciales se les nota que vienen de esas formas geométricas (cilindro...). Poco a poco va humanizándose el arte, hay una liberación del cuerpo y la arquitectura redondeando formas. Coincide este cambio de la Grecia arcaica a la Grecia clásica con el resurgimiento de esta después de su derrota y reconstrucción del Partenón. Las estatuas ya no tienen esas figuras geométricas tan visibles.<br />La gran baza del arte griego clásico es el equilibrio entre la geometría y el naturalismo (equilibrio entre apariencia de los dioses y de los hombres). Cada vez se parecen más a los humanos pero siguen con ciertas relaciones de geometría de los cuerpos celestes.<br />A los griegos les fascinaba el estudio de los cuerpos leves (que no pesaban), física cósmica (el cosmos es igual a la totalidad de lo existente). Preferían esto a los cuerpos graves (física de lo grave) que consideraban corruptos. Las esculturas clásicas eran construidas en bronce mayoritariamente porque era muy rico en oro, no por su apariencia sino por su perdurabilidad.<br />Sólo cuerpos reales de 3 atletas olímpicos y un solo rostro.<br />Policromadas.<br />Las vasijas, aparte de diferenciarse en su forma dependiendo de lo que debían contener, se diferenciaban por las figuras geométricas y de dioses que aparecían en ellas (según a quien se consagraban simbólicamente convocando la abundancia de lo que debían contener). Así, con el arte griego clásico, también se funde la forma y función del arte.<br />ROMA<br />El concepto de que el arte puede ser un gozo personal se esboza en Grecia y se consolida en Roma.<br />-ARQUITECTURA<br />Se copian las formas griegas. Apariencia estructural igual, pero realmente moderna. Los templos romanos para empezar no tenían la ubicación precisa y seleccionada de los griegos. Los teatros griegos eran abiertos a la naturaleza y las representaciones no evocaban un lugar concreto, con personajes concretos. Simplemente leían textos reclamando y con máscara. Los romanos lo cierran, se caracterizan haciéndose únicos y sitúan la escena en un lugar concreto.<br />-PINTURA<br />-ESCULTURA<br />Importancia rostros. Blancas. Mármol. Cuerpos dioses cabeza emperadores idealizadas.<br />MEDIEVAL<br />-ARQUITECTURA<br />-PINTURA<br />-ESCULTURA<br />GÓTICO<br />-ARQUITECTURA<br />Se desarrolla desde el S. XII hasta el XVI. En España se desarrolla de forma tardía por la reconquista (algunas catedrales son del S. XV-XVI).<br />La gran catedral gótica es el testimonio de la gran ciudad. Con esto surgen los órdenes mendicantes, para proteger a los más desfavorecidos, porque en las ciudades se desarrolla la riqueza y se desarrolla la pobreza.<br />El desarrollo del gótico está influenciado por Abad Suger.<br />-“Saint Chapelle” (dentro del palacio real de París). Su sistema de contrafuertes son los distintos muros del propio palacio. Estaba policromada en el interior (banderas,…). Con la decadencia del gótico llegó la decadencia de la conservación de esta policromía. Sensación de bóveda celeste (transparencia, geometría del reino de Dios). Fue promocionada también por Abad Suger.<br />En el gótico se combina la figuración (personajes religiosos, imágenes sagradas,…) y la abstracción (geometría,…)<br /> El maestro, constructor o arquitecto de estas catedrales, era el conocedor de las geometrías secretas de estas construcciones (llamado “conocimiento hermético”). Antes de morir, el maestro confesaba estos secretos a uno de sus discípulos. Sus proporciones están basadas en la proporción áurea y las estructuras pentagonales.<br />El gótico se inicia en Francia. A lo largo del S. XII se traslada a Inglaterra y Alemania, donde en sus inicios había mucha influencia del francés pero poco a poco fue cambiando. En Inglaterra una de las cosas que antes se abolieron fueron las 5 naves tan típicas del gótico, se redujeron a 3 incluso a 1, convirtiéndolo en “Gótico perpendicular” (Ej.: Catedral de Lincoln). Otra variedad inglesa fueron las “salas capitulares”, salas pequeñas anexas donde se leían capítulos. Los paños (ventanas) cada vez son mayores y más abiertos en los muros, así entraba más luz. Este desarrollo y estilización del gótico inglés fue tomado como referencia para el arte moderno.<br />Gran relación de la industria textil en las ciudades con la construcción de catedrales (las decoraban,…).<br />Formas octogonales: son la transición entre el círculo (símbolo de lo celestial) y el cuadrado (construcciones más terrenales).<br />-“El Palacio de Haeken”: arquitectura que elevará al espectador desde lo material a lo inmaterial.<br />-“Catedral Wells”.<br />-“Iglesia de Saint Denise”: pequeña abadía de los benedictinos. En el S. XIX la restaura Eugene Violet de Duc.<br />-“Notre Dame”: reconstruída en el S. XIX.<br />-“La Cripta de Saint Chapelle”.<br />-“Iglesia Dominica de Toulouse”: contiene una columna denominada “la palmera”.<br />-“Capilla de King´s ollege”. Año 1466. Gótico estrictamente inglés. Bóvedas perpendiculares. Grandes vanos (vidrieras, paños)---fragmentos de cristales unidos con plomo. Cuando había aire pasaba por las grietas y se movían ligeramente, así era flexible y se evitaba que se rompieran. También esto hacía que la luz de colores que se proyectaba en el interior se moviera.<br />En Alemania las catedrales son muchísimo más altas ( más estilización).<br />-“catedral de Strasburgo”.<br />-“Catedral de Colonia”.<br />-“Capilla de Santa María de Lübeck”<br />-“Iglesia de Santa Ana”, acabada en 1525.<br />El Renacimiento en Italia fue un rechazo directo a este tipo de construcciones, y se negaban a que vinieran maestros del norte de Europa a construir sus catedrales (llamado el “Gótico Internacional”).<br />-“Catedral de Asís”: estructura completamente gótica y totalmente policromada en su interior.<br />“Duomo de Siena” (“Duomo” =capilla en Italia): bóveda hemiésférica-- equilibrio entre lo vertical y lo horizontal=> ruptura de la construcción gótica donde impera lo vertical ante lo horizontal. Este tipo de bóveda hace que si se quiere agrandar en altitud se debe agrandar obligatoriamente a lo ancho también. Las franjas horizontales combinadas de diferentes mármoles rompen también la sensación de verticalidad. Utiliza el arco de medio punto en lugar del ojival. El campanario y baptisterio están fuera de la iglesia.<br />-“Duomo de Florencia”. Año 1294-1421.: presidida por una gran bóveda. Su fachada no se erigió hasta el S. XIX.<br />La construcción gótica fue esencial en la arquitectura neo-historicista (lo reproduce) y en el arte modernista (que lo reinventa y lo reinterpreta).<br />-“Vestíbulo del hotel Van Eetvelde”: inspiración gótica con materiales y aire moderno.<br />Las catedrales góticas, construidas con arcos apuntalados u ojivales, necesitaban de una estructura externa fuerte para soportar las tensiones laterales. Por eso el interior formado por sombras, luces y colores, es más importante que el exterior, que solo sirve como soporte. Es una metáfora del ser humano.<br />-PINTURA<br />-ESCULTURA<br />RENACIMIENTO<br />Vesalio: estudia anatomía.<br />Vasari: 1er escritor de historia de arte. 1er director de museo (obras de los Medici). <br />Winckelman: escribe tradición artística a través de la filosofía, los clásicos,…<br />-ARQUITECTURA<br />El Renacimiento en Italia fue un rechazo directo a este tipo de construcciones, y se negaban a que vinieran maestros del norte de Europa a construir sus catedrales (llamado el “Gótico Internacional”).<br />-PINTURA<br />rostros (psicología, identidad), fisionomía (medidas, estructura).<br />cuerpos ideales, encarnación, teoría del color, proporción.<br />espacio: ilusionismo--- sfumato, tratados de perspectiva, atmósfera, representación de aire.<br />Situación de figuras en el cuadro muy estudiadas para equilibrio (permanencia).<br />-ESCULTURA<br />BARROCO<br />-ARQUITECTURA<br />-PINTURA (Canaletto).<br />-ESCULTURA<br />NEOCLASICISMO<br />-ARQUITECTURA<br />-PINTURA<br />-ESCULTURA<br />ROMANTICISMO<br />-ARQUITECTURA<br />-PINTURA<br />-ESCULTURA<br />Neogótico: construcciones con materiales modernos pero estructuras góticas. Violet le Duc principal teórico. Referente en Inglaterra: William Morris.<br />REALISMO<br />-ARQUITECTURA<br />-PINTURA<br />Empleo de fotos para copiar. <br />Representación carnal a través de veladuras.<br />Proceso pictórico secreto y lento (no se reconoce).<br />-ESCULTURA<br />Exposiciones universales: 1ª: Londres, 1851 (príncipe Alberto), “Exposición de las industrias de todas las naciones”. Antecedente: Napoleón (objetos egipcios expoliados). Tipología invernaderos (Kew Gardens) con plantas exóticas en mitad de jardines --paraíso en la tierra (Winckelman). Construcción final de 000000hierro, cristal y cedro (semejanza catedrales góticas, pero más anchas que altas=símbolo del capitalismo). Mostraban antigüedades (arte primitivo. 1a expo de máscaras africanas) e innovaciones tecnológicas. Vidrieras góticas (experiencia estética, no religiosa) delante de pabellón de máquinas. Mayor fuente de vidrio soplado. Ganador del concurso Paxton con el edificio.<br />La más importante la de París (1889, centenario de revolución). Edificación con mayor luz (distancia entre columnas), pabellón más ancho (máquinas) estructura más alta (Torre Eiffel). Ingeniero Ferdinand Dutert (arquitectos sólo decoración cerca de la entrada). Jardines diseñados por ingenieros ferroviarios. Distintos pabellones para distintas disciplinas. Ornamentos de yeso (imitando a piedra) para duración corta. Bertholdi (mayor arquitecto de la época, Estatua de la Libertad) crea escultura del “progreso” (4 caballos en distintas direcciones). Generadores de vapor en exterior para energía de la expo (a través de un eje que recorría el pabellón de las máquinas). Puentes rulantes (los burgueses lo veían todo desde ahí). En 1899 se reutilizó ampliando pabellones nacionales (ej.: Japón especie de templo). En Trocadero se expusieron muestras de arte primitivo. Sala de máquinas con estructura interna nueva (se redujo y perdieron los puentes rulantes). Demolición en 1909, sólo se conserva la Torre Eiffel.<br />IMPRESIONISMO (sensación instantánea y efímera, no profunda y detallada, sí intensa y breve)<br />Centro artístico se traslada a París (ya no Roma)<br />Importancia puentes, ferrocarril, fábricas (industria) y catedrales.<br />-ARQUITECTURA<br />-PINTURA (Goya, Velazquez, Rembrandt, Sorolla, Monet,…) <br />Tendencia obras menores (no monumentales como anteriormente para entrar en la Academia).<br />Referentes orientales (Ukiyo-e: Hokusai, Hiroshige, Hutamaro): naturaleza, momentos efímeros. También caligrafías y representaciones sagradas.<br />Se reconoce la técnica pictórica , contrario al Renacimiento (trucos, veladuras,…).<br />Se crea la Sociedad de Artistas Independientes (en oposición a las grandes academias).<br />Nadar (fotógrafo) cede su estudio para expo.<br />Sorolla representante español.<br />Monet: 1er artista moderno. Cambios en el trato al rostro, cuerpo y espacio. No pretende permanencia del objeto a través de contornos y líneas concretas (permanencia), sino la fugacidad de su percepción (Catedral de Rouen). Pinta lo mismo en diferentes momentos del día, por ejemplo. Ropajes modernos, actitud cotidiana, no miran al pintor (semejanza a foto). Personas al servicio de la naturaleza, cada vez más pequeñas, con rostros no tan definidos (lo importante es la naturaleza). Tendencia al horizonte. Representa atmósferas (sensación de meterse en la acción del cuadro). A los 60 no más paisajes, sino su jardín.<br />POST-IMPRESIONISMO<br />-PINTURA<br />Gauguin (1848-1903): uno de los máximos ejemplos de lo original, lo primitivo, menos academizado...<br />Genera un tipo de literatura ("Los escritos de un salvaje" Ed. Idsmo). Se fue a vivir a la bretaña francesa porque era el lugar menos industrializado, más rural, más puro (no llegaba el tren, había que ir en carreta).<br />“Biografia de un salvaje" de David Sweetman, cotejando el libro de Gauguin con los datos reales históricos (ejemplo: no era corredor de bolsa sino asesor de un corredor). Murió de sífilis.<br />Se funda el mito del artista buscando lo esencial. El oro era representación de lo sagrado, así que intenta reproducirlo en sus pinturas. Se rodea de los impresionistas. Intenta hacer algo parecido pero con figuración, por eso se llama post-impresionismo. De esta manera mezcla impresionismo con academicismo. En sus pinturas hay un aplanamiento. Se intenta reproducir infinitamente menos los volumenes y la distancia que en Monet. No hay sensación de planitud porque el color reverbera y vibra. Es plano así que hace que todo el lienzo venga al frente. Ejemplo: "Tres niñas bretonas" de 1888. Para pintarlas se basa en una foto (las niñas están bailando, en movimiento). No retrata específicamente a las niñas, sus caras parecen máscaras y sus ojos empotrados, no hay sensación de suavidad. Retrata más bien a la infancia.<br />"Madelleine Bernard".<br /> Gauguin intenta revivir las situaciones típicas de Ingres (mujeres retratadas normalmente de la aristocracia, reconocidas por la calidad de sus telas, representando su nobleza y riqueza), pero con lenguaje más rápido e inmediato (mujeres ya no de la aristocracia).Trabajaba con óleo.<br />En estos retratos se basa también Picasso en su etapa azul y rosa.<br />En sus retratos a mujeres el punto de vista del pintor está casi encima del retratado. Las mujeres ya no tienen porqué ser aristócratas. Cuerpos patentes y contundentes. Rostros casi despersonificados (ejemplo "????" con fondo bodegón Cezanne.<br />-"El Cristo amarillo": colores muy saturados y crudos (viene de los grabados japoneses. Dibujos a línea y luego cubiertos de color). Los rostros se van convirtiendo casi en máscaras.<br />-"Autorretrato con cristo amarillo" aún lado cristo (el héroe) y al otro una escultura africana.<br />ESCULTURA<br />-ESCULTURA<br />Medardo Rosso: “Señora x”. 1896. Escultor italiano, transforma del retrato de la cabeza por mascaras. Fue el primero que comenzó a representar las cabezas sin ser retratos. 20 años después todo el artista representa las cabezas igual que Medardo (Antoin Peusner) que se cambio de nombre a NAUM GABO (Nombre primitivo) , hizo una máscara de metacrilato o plexiglás. La pieza era transparente y se volvió marrón. Realizo una escultura primitiva con materiales más modernos en el año 1923. Influye a escultores posteriores como Brancusi.<br />Brancusi: inicia el desarrollo de la escultura moderna (es el más revolucionario). Influenciado por Rodin. También tiene como referente a Medardo Rosso. Muy dado a lenguaje académico. Fue el primero en inspirarse en el arte primitivo que veía en las Expos. Luego fueron Giacometti y Modigliani. Depura las formas y cambia materiales o pedestal para crear sus series (Ej.: “El origen del mundo”). Se reconoce el proceso escultórico en sus obras. A veces pone un pivote de hierro, así la escultura gira evitando que sea el espectador quien lo hace. También talla madera para algunas de sus esculturas. Primera máscara viene de cultura gelede (sin pedestal ni torso). Inspiración también en máscaras de Ife. Destacó por mezcla entre primitivo (aúna practicidad y espiritualidad) y moderno (materiales,…). Ej.: “Columna sin fin” (rascacielos (elementos que unen con el cielo) + rito funerario de Transilvania (pájaro lleva alma al celo)).<br />Julio Gonzalez: familia de orfebres y herreros (trabajaban metales en pequeño y gran formato). En contacto con Brancusi y Picasso. Trabajó con soldadoras modernas en Citroen en la I G.M.= condición mecánica en sus obras, escultura condicionada por herramienta, parecen dibujos en el espacio, se ve empleo de la soldadura. Trabaja hierro (condición agraria, de la tierra) por ser el material con el que se edificaba (representa era industrial). Reduce la masa escultórica y enfatiza los signos, la estructura. Todas sus obras de “Montserrat” iban a ir a la gran expo de París como denuncia de la situación política española (Guerra Civil). A su muerte la familia vacía sus obras en bronce quedando más suaves y redondeadas, menos cortantes (su sensación cambia).<br />Giacometti: Realizó “El gran viaje” y su compañero murió repentinamente (esto le marcó). Le influyó mucho la figura relicario de la cultura Kota (máscara cóncava). Dibuja figuras clásicas pero no respondiendo a las normas de la academia (medir antes de encajar,…). Más directos, estructurales, dinámicos y activos. Empezó a hacer esculturas del tamaño que veía, normalmente a lo lejos (pequeñas). Decidió hacerlas más grandes dándoles más altura pero no anchura. Coleccionaba enciclopedias ilustradas de la historia del arte y dibujaba las ilustraciones o fotografías (animales, máscaras primitivas de fertilidad,…). Muy asiduo al Trocadero Objeto con fusión de lo práctico y lo simbólico). “Mujeres cuchara” primitivas: a parte de utensilio convoca a los alimentos a ingerir . “Mujeres cuchara” de Giacometti= mujeres son recipiente a parte de utensilio (cuchara). También se inspira en grabados de Okusai. Comienzo de incorporación de movimiento en escultura. Grandes pedestales en sus obras= grandes raíces, más peso. Figuras masculinas como pinchos, femeninas como cucharas.<br />Max Ernst: inspirado en muñecas kachinas de los indios Hopi, máscaras africanas y tótems (metafísica del aire).<br />Henry Moore: también en contacto e influído por Brancusi. Le influyen las máscaras africanas (Mumuye,…) y las culturas esquimales. Emplea características del arte clásico griego. Sus esculturas son de gran solidez pero huecas por dentro.<br />VANGUARDIAS<br />Bourgeois (Surrealista): última representante de vanguardias. Escultora, pintora, grabados, instalaciones. Formada en la Academia pero rompe con estas enseñanzas basándose en lo aprendido en la Grand Chumiere. Familia restauradora de tapices. En la infancia arreglaba los agujeros de bala de las estatuas de los jardines. Vivió uno de los principales fenómenos artísticos: el traslado de la capital cultural de París a Nueva York alrededor de 1930.<br />1ª mujer expo monográfica retrospectiva en Moma. Robert Goldwater (historiador de arte primitivo) fue su marido. En contacto con surrealistas que se mudaron de París a N.Y. huyendo de los nazis. Relación estrecha con Miró. Hasta los ´70 (ciudadanía) vivió 6 meses en París, 6 en N.Y. Con 56 años aprende a tallar en Pietra Santa (mármol y bronce). Referencias arte primitivo. “Mujeres cuchillo” opuestas a “Mujeres cuchara” de Giacometti. Psicoanálisis. Concepto de mostrar interior para deshacerse de traumas en sus obras (padre mujeriego, família asfixiante,…). En las grandes exposiciones crea pequeñas “habitaciones” (instalaciones). “Todo el que te quiere te priva de libertad”. “Flatness” (aplanamiento) en sus obras a través de planchas de acero. Rendijas entre ellas=sensación de ser observada y privada de libertad (quizás por los críticos). Edad avanzada desarrolla agorafobia.<br />Walter Benjamin: escribe sobre los pasajes de París (1927-1939), crean la historia (diferencia a Bourgeois que recrean su memoria). Inicio galerías y grandes almacenes.<br />Rosalind Krauss: concepto diferente de pasaje. Escultura ya no es cuerpo, sino sitio por donde se pasa.<br />Informalismo <br />Desarrollo plástico del planteamiento de los surrealistas, aunque para éstos, publicaban cosas referentes a arte primitivo, pre-histórico, arte hecho por locos,...Trata de construir arte a raíz de determinadas cosas existentes, no creadas por los artistas (ej.: niños que encuentran agujeros en las paredes de balas de guerra y dibujan una cara con ellas). Se reconocen formas concretas a raíz de elementos ya existentes. Todo ello se publica en los artículos de "Art Brut" (Jean Dubuffet).<br />Jean Dubuffet: es el máximo exponente de lo que se denomina "informalismo". Hizo sus propias revistas de "Art Brut". No quiere competir con sus referencias anteriores, sino desarrollar los que venía habiendo con el surrealismo. Louis Bourgeois le llamaba FAUX NAIF tendencia a dibujo no especializado o ligero, aperturas artísticas ingenuas y menos cultivadas, no quería ser culto pero estudio mucho los dibujos de los locos. Quería parecer un loco e ingenuo aunque era culto (rechazo al abandono de su padre entre libros siempre). Hizo unos cuadros magníficos. Estudiaba a los locos y psiquiatras. Abandona su vida burguesa, a su mujer y se lía con Lilí y la dibuja a la manera ART DECO. Pintura FAUVE (precursor: Matisse): salvaje, primitiva, esculturas esquimales, queriendo imitar los modos de representación de las culturas menos desarrolladas y más salvajes , etc. filiformes etc…Estos cuadros los hizo en el año 42 , en plena guerra mucho después de los de Picasso (a quien reinterpreta con “Los músicos”) y Matisse. Viaja al desierto y convive con los beduinos y le fascina la imagen de la arena. Imagen del espectador flotando, mirando desde el cielo y los antecedentes son la imagen microscópica (vemos un mundo flotando , ni grande ni pequeño , no te imaginas cuál es tu posición con respecto a lo que ves). No hay proximidad con los cuerpos representados sino que hay una distancia. Pasa a realizar cuadros con capas de óleo y después las araña (como en las cuevas primitivas donde se veían las manos rayadas)- “Los músicos en el desierto” .<br /> Acumulación de colores tratando de acercarse a la tradición primitiva, pero con un material tan moderno como el óleo. Lo que más le fascina son los estudios sobre la materia o textura (es una relación entre lo que vemos y tocamos).<br />Materiología (series enteras de pinturas, dibujos y grabados).<br />La textura viene de tejido y son los distintos tactos asociados a la vista (relación entre lo que vemos y lo que tocamos).<br />“La alegría de la tierra” – papel mache, crear campos de textura como hacíamos en el colegio. Para un niño el mundo es esférico y se trabaja con texturas. Parece que está hecho con materiales vegetales, ofrece sensaciones e interpretaciones. Lejos de la facticidad de Greenberg y habla del gozo de la tierra.<br />Dubuffet dedica parte de sus obras a Bachelard. Tiene soporte en sus libros.<br />“Topografía dorada” o “El transito del sol”. El gozo de meter las manos en la tierra, se imaginaba los paisajes desde el cielo. Grandes paneles “Texturologia “(ensoñaciones de la tierra). Esta puesto en el lugar del sol.<br />GLOBALMENTE SE LLAMAN TEXTUROLOGIA <br />Pasa a “El violinista del perro”, con estos cuadros quiere dar a entender que en las imágenes de la tierra siempre hay imágenes. Nos cuenta la potencia generadora de imágenes. (Lo que dice Gastón Batchelard, que dice que en la tierra las imágenes están dormidas, hay que soñar que en todo lo informe de la tierra y del barro hay imágenes) . Son las poéticas que sirven de sustrato al INFORMALISMO.<br />El informalismo es global para todos los artistas de los años 50 europeos que desarrollan la poética de la tierra, el agua, el fuego etc... donde hay figuras. El americano dice “la pintura es pintura y me gusta reconocer como estas hechos los cuadros y reconocer el color” y los franceses quieren soñar y dar rienda a sus interpretaciones de las sustancias y de las imágenes.<br />Si queremos hacer un trabajo de Dubuffet hay que remitirse siempre a Gastón Bachelard.<br />Esta considerado un pintor de ART BRUT, que junto al Arte popviar y el Naif comparten ciertos elementos.<br />Dibuja grandes barbas “Las barba de las soledades”. Se fascina por las barbas que tiene posibilidades infinitas. Dedica muchos cuadros a sus barbudos, cuando vemos los ojos nos recuerda al arte rupestre/urbano. La paradoja es que el sentido inmediato del tipo de grafitti es la inmediatez no utilizar un lienzo.<br />Pasa los estudios de Texturologia para hacer figuras en las que se ve la materia.<br />En los años 60 hace una serie “imagina a nos niños viajando por Paris”(dibujos hechos con cera). Imita los dibujos de los niños y su mundo “paseando con la mano en el bolsillo”, como no está muy seguro le pone nombre a sus dibujos como harían los niños.<br />Hace GRANDES SERIES, por ejemplo en los almacenes La Fayette.<br />Sigue haciendo figuras desde la potencia ensoñadora de la materia.<br />“Desorden sobre la mesa” (reconocemos la vinculación cubista , surrealismo francés , con nuevas técnicas plásticas) , ha cubierto de pintura negra , luego roja y luego amarilla y luego blanca, agita los colores como técnicas similares al arte infantil.<br />Escultura con papel de plata “El comendador”. “La vivacidad del plegado” – realiza figuras de estropajo “Gygotón” donde utiliza materiales para la fabricación de imágenes. Tiene una potencia imaginadora de las materias informes (como un estropajo) .<br />Desarrolla las leyes de la Gestalt – en cualquier masa informe hay figuras.<br />TODA MATERIA DENSA PERMITE EVOCAR IMÁGENES, ES LA POÉTICA FUNDAMENTAL DE DUBUFFET.<br />Cambia a colores puros y a “más POP” en los años 60 con iconografías específicamente infantiles con colores más saturados y mas infantiles. “Boveryn Bum” como Peter Pan que son dibujos automáticos de cuentos infantiles. El color es mucho más anímico y parecido a los CUT OUT DE POLLOCK.<br />“VENUS patata” son dos cuerpos enormes que están basados en los DIBUJOS PARIETALES, cuerpos deformes, representaciones de los dibujos parietales, paredes en las que reconocíamos figuras.<br />En una pared arruinada o vieja tiene una sensación geológica (sensación de carne) desarrolla las potencias que en cualquier pared destruida podemos reconocer como figuras. Si esta nueva la pared es neutra, sin imágenes.<br />Dice que nuestra materialidad es TELÚRICA, recupera las densidades no como en los modos de representación del cuerpo femenino en la tradición, como cuerpos purísimos y levísimos, nos olvidamos de la pasta terrenal.<br />El falo de Brancusi, inocente y pulido y pulido para que no se recociese su textura y el de Bourjois que era especialmente carnal con latex imitando las formas y texturas de la carne. El paso intermedio de esto Dubuffet, trabaja las tierras y ver las imágenes propias que generan las tierras.<br />“La pintura de las gaseadas” – matar de forma sofisticada.<br />El cuadro esta hecho de alas de mariposa de las que les sobraban a su amigo Roger Calois. La potencia de la materialidad, algo que puede ser vegetal y es animal, algo inanimado pero que parece animado.<br />Luego le da por pintar vacas, las que se encuentran entre Suiza y Francia.<br />Gaston Bachelard: téorico que ha influido directamente en muchos artistas. ("Las poéticas del espacio"). Físico y matemático. Estudió a fondo la teoría de la relatividad. Divulgó las repercusiones de las relaciones entre espacio-tiempo para gente no especializada en el tema. Muy dado también al psicoanálisis.<br />Brassa: era un fotógrafo surrealista que ilustraba los textos de Psico-análisis,...de la época.<br />Paul Klee: amo de casa. Pinturas ágiles, menos condicionadas por la especialización de la academia. Profesor de Bauhaus. Coincide con Picasso. Uno de los mejores vanguardistas centroeuropeos. Cubría el lienzo con pequeños trozos de papel de periódico (medio imprimaba el lienzo) y pintaba. Casos típicos del uso de la máscara en el año 24 y del ensayo de ciertas técnicas pictóricas que se utilizaban en algunos colegios. Capas de pintura de cera y luego rallarlas. Uno de los primeros en Alemania que se metió en la pintura Naif. Mascara de la cultura KIFWEBE (Zaire). En Alemania (países de potencias coloniales) tenían museos etnográficos y todos los impresionistas alemanes colgaban mascaras africanas y se identificaban como pintores primitivos, pero el nuevo modo de hace de Paul Klee es mucho más silencioso, formato pequeño y expresividad comprimida, más parecido a la expresividad de un niño. Trabaja con el lienzo en crudo y le pone pintura para teñir el tejido (tiene que ver con los tejidos que venían en las mascaras). Famosos las mascaras de los indios OPI, podemos reconocerlas por los colores, usos etc... Copiaban los atuendos y las decoraciones también. Pinta como imagina un niño un cuerpo o una casa, sus representaciones no tienen un arriba o un abajo, siempre llenos de símbolos geométricos que obedecen a las animas o fuerzas que mueven a la naturaleza. La cultura del grafiti obedece mucho a las obras de Paul Klee, la voluntad de llenarlo todo de signos. Las culturas primitivas lo llenan todo de signos porque entienden que lo que nosotros vemos como transparente como material y vacío (perspectiva) para ellos está lleno de energía. El hombre moderno distingue entre lo que funciona y lo que significa, el mundo de lo útil y de lo simbólico. Lo que quieren recuperar los artistas son las latencias sagradas que no han separado una cosa de otra (soldados americanos poniéndose los pelos como los indios y dándole nombre a los misiles – tomahou)<br /> Los dibujos de Paul Klee también evocan los circos, signos que vienen directamente de los tatuajes y decoración tiendas de los indios, un estado anímico que cree que está lleno de monstruos. Otro cuadro con signos de la cultura MANGBETU (Zaire) . Todos los artistas de los años 20,30, 40 y 50 han utilizado las mascaras y lo que está relacionado con las culturas primitivas.<br />Gustav Klimt.<br />Ives Klein: le fascinaba el color azul y el aire y el vacío. Era inmaterialista (dejaba las galerías vacías y perfectamente pintadas de blanco). Considera al éter como quinto elemento. Le fascinaba el oro. Buscó a Batchelard para entender la estética. Para Klein las cosas se desmaterializan y suben al cielo. El oro = sol y eternidad.<br />Picasso y el arte primitivo: (1881-1973) 92 años. Culturas reconocidas por sus esculturas. Relación con la naturaleza amable pero realmente atemoriza al hombre (lluvias – muerte, las sequias-muerte y los animales-muerte). Tuvo una infancia infeliz. Búsqueda hacia el clasicismo es dándole densidad a los cuerpos. Etapa azul= melancólica y depresiva en “Ciencia y Caridad” vive la bohemia francesa. Utiliza como soportes cartones y colores azules. Rostros insanos copiados de Toulouse Lautrec (tintas planas) propios del grabado japonés que pintan en azules con temperamento melancólico. Cambia a temperamento de corte expresionista con su autorretrato en 1901. Apolinaire (amigo poeta) le explica el cubismo (conviven). Muere Apolinaire y los poetas deciden hacer un monumento al poeta llevado a las máximas claves de representación y se lo encargan a Picasso. Toda su obra abstracta invoca constelaciones, la calavera, fue la que dedico a la muerte de Julio González. Las tensiones entre lo primitivo y lo moderno es lo que va a marcar la trayectoria de PICASSO. Esculturas basadas en el uso de las mascaras africanas (tenía una pequeña colección de mascaras originales). El primitivismo está directamente relacionado con el modernismo.<br />Sr. William Hamilton coleccionaba vasijas griegas y grabados en los que aparecían vasijas. En las decoraciones de estas aparecen geometrías con figuras de ilustraciones de textos clásicos como OMERO etc. Conviven geometría y escenas de batallas. Surge el mito de que en el arte griego la línea servía para convocar un volumen de cuerpo. Junto a Hamilton hay que conocer a un grabador FLAXMAN que tenía la idea de que un buen contorno es suficiente.<br />WINCKELMAN, FLAXMAN, HAMILTON, INGRESS se reunían a deleitarse con los cuerpos clásicos de Grecia. De ahí surgen los grabados de Picasso de la línea. Una de las metáforas obvias de las montañas es la representación del cuerpo de una mujer. Suite Vollard fue el marchante de Picasso. En un mismo grabado puede haber tratamientos diferentes. Todas las supuestas etapas de Picasso conviven a la vez en una misma obra, a Picasso le fascinaba el minotauro (Laberinto del Minotauro, Teseo entra a matar el Mino tauro con una cuerda que le da Ariadna), los toros y las pulsiones animales.<br /> Las cronologías NO SON CIERTAS porque hay latencias de surrealismo en el clasicismo y porque puede hacer grabados clásicos por la mañana y por la tarde esculturas de hierro y figuras en una supuesta etapa de clasicismo. Esculturas de hojalata basadas en mascaras de culturas primitivas. Representación de la guitarra = cultura GREBO (Coleccionaba piezas de la cultura Dogón). Hace mascaras para teatro basadas en las de la cultura BAULE (forma de animales) y diseña vestuario para teatros.<br />Autorretrato de 1906 elige los contornos rigurosos para producir una enorme solidez. Acude a la máscara para evitar la representación de un rostro.<br />Como antecedente de las Srtas. de Avignon fue el retrato de HERTRUT STEIN, donde cuesta reconocer el rostro , el corte radical y cobertura rígida como una máscara. Cezanne también utiliza las mascaras y los ojos como embutidos.<br />Un antecedente del cubismo es la pintura de Cezanne (sólidos de revolución, o sea la esfera, el cono y el cilindro) Hay solidez y rigor. Picasso trata el cuerpo violentamente y en su obra conviven dos personalidades, tiene una mente partida (esquizofrenia) que es la imagen propia del clasicismo. Utiliza los sólidos de revolución con un contorno, cuadritos preparatorios de las Srtas. de Avignon (1907), vivifica la pintura impresionista con el color y el tratamiento del espacio violento. Todo esto lo hace al mismo tiempo que las mascaras. Modernidad y tradición juntas.<br /> Ingres – Marie Marcoz 1814<br /> Picasso – Retrato de Olga 1929<br /> Ingres – Inés de Moitessier 1856<br /> Picasso – Retrato de Marie Therese Walter 1932<br />Hace una FRACTURA “El sueño” es una mujer desnuda en un sillón rojo (1932) con reminiscencias de la obra de INGRES.<br />Lo mas sorprendente es que en el 300 aniversario de Las Meninas hace una revisión del cuadro de Picasso. Uno de los motivos que hizo a Picasso dedicarse a Las Meninas fue su estudio “La Californie” .<br />A la vez que las Meninas (cubistas) realiza la mujer desnuda acostada en 1955. Con sus trazados convoca un cuerpo robusto. En 1955 transforma el cuerpo y sigue fracturándolo.<br />No hay etapas en Picasso (como dicen los libros), lo desarrolla todo a la vez. Hay mucho clasicismo en Picasso . Cuando viaja a Roma e imita esas formas de pintura y quiso recuperar la monumentalidad de los cuerpos clásicos en “Dos mujeres corriendo por la playa” . Mar cercano y en calma , mar entre tierras. Surgen dibujos de tanteos con líneas contundentes que nos enseñan cuerpos contundentes como vasijas convocando un contorno. Hacemos cuerpos maravillosos, cuerpos serenamente tendidos y cuerpos trazando con RIGATINO. Cuerpo sano=contundente. Exageración en el volumen de las extremidades, sentarse en cubo como lo hacían en la academia. El clasicismo de Picasso siempre tiene al Mediterráneo de fondo.<br />En 1905 viaja a Holanda y se queda fascinado por Rembrant (que no era pintor académico, un cafre , directo, inmediato y directo en su concepción pictórica).<br />Cezanne: dijo “Hay que hacer con el impresionismo un arte como el de los museos” ya que hay una cierta simetría. No hay sensación de prisa mirando un Cezanne, que decía que no se puede pintar mirando un reloj. En los museos hay sensación de permanencia, del clasicismo no quedan pinturas solo los cuerpos hechos en piedra o mármol, no existen cuadros.<br />El modo de componer de Cezane es clásico, estudios preparatorios de las grandes bañistas. Se va a Paris y se dedica a desarrollar durante 15 años a los bañistas. Ensaya otras posibilidades de cuerpos, enfatiza los colores de la tierra, lo hace a través de un contorno pero no académico. Construye escenarios permanentes. Esto es el gran proyecto de Cezanne, quiere mantener ciertos rasgos del clasicismo como Matisse y Picasso. Los cuerpos trazados con contorno evoca la convocación de cuerpos potentes y modelados. “Los juegadores de bolos” eran muy cercanas a los cuerpos de Cezanne. “Los estudios para el lujo” coinciden con el tiempo con las Srtas de Avignon. Están tallados como esculturas africanas (precarios como cuerpos de un árbol).<br /> Man Ray – Fotografió a Picasso como un hombre vigoroso y era muy pequeño.<br /> <br />Modernismo<br />Arquitectura historicista (recuperar elementos clásicos) + ciencias naturales + innovaciones estructurales + orientalismos = modernismo (Gaudí y Klimpt).<br />Quitarlo todo = arquitectura moderna.<br />El primitivismo está directamente relacionado con el modernismo. El modernismo era una reacción al academicismo, pero seguían entendiendo que había una continuidad. El arte moderno pretende romper esto de manera brusca. Una de las cosas que más gustaba a los modernistas eran los salones universales porque les permitía crear una especie de palacetes pero con materiales falsos (escayola, etc). Para el modernismo fueron fundamentales las artes decorativas orientales, con sus formas orgánicas, etc… Haeckel (estudió microbiología) publicó el libro "Formas artísticas de la naturaleza". Así los referentes ya no son solo las trayectorias arquitectónicas sino que se nutre de cosas muy distintas como la ciencia moderna.<br />Binet era el primero que empieza a hacer catálogos ornamentales a partir de 1902 basándose en las estructuras orgánicas de Haeckel (eran estructuras con colores muy intensos y saturados, resultantes de los líquidos echados en los pequeños invertebrados para su estudio). Se empleaban en ornamentos como cúpulas, botones para timbres, capiteles, lámparas... Hizo "puerta monumental" para la exposición universal de Paris en 1900.<br />La imagen microscópica es fundamental en el desarrollo del arte moderno porque hace replantearse la escala objetual. Ramón y Cajal también influyo mucho con sus estudios en España, era un gran dibujante de sus experimentos microscópicos de biología.<br />Es fundamental Karl Blossfeld (profesor de artes decorativas de Berlín). Fotógrafo. Se fijaba en la naturaleza para sus creaciones.<br />-ARQUITECTURA<br />Gaudí: <br />Probablemente también se inspiró, a parte de en microbiología, en geología (modo de cristalización de los minerales).<br />Los proyectos de final de carrera de Gaudí eran embarcaderos, palacetes suspendidos en el agua (como la gran expo de Chicago, "La colombina", con los pabellones flotando en el lago).<br />Gaudí sustituyo a un arquitecto para la sagrada familia que la estaba haciendo con estilo neogótico (construir edificios de estilo gótico con materiales modernos).<br />A lo largo del siglo XIX Arts&Craft recupera el valor artesanal de los objetos en Inglaterra. Se valora más la producción manual frente a la mecánica.<br />Gaudí rechaza lo académico, el historicismo y lo neogótico. El es modernista.<br /> Gaudí no opinaba lo mismo que en el gótico (importancia al interior), el creía que se nutrían exterior e interior mutuamente (continuidad entre alma y físico). La estructura y la forma deben estar vinculadas. Gaudí quería unificar esos dos componentes. Decía "quiero quitar las muletas al gótico".<br />La catenaria es la forma en la que la gravedad influye en los cuerpos (los huesos humanos, las plantas...). Viene de cadena. Es la forma que se genera en las cadenas, imposible de trazar con un compás.<br />Gaudí construía las maquetas funiculares, las invertía y las miraba con espejos, porque creía que si la construcción, hecha bajo los efectos de la gravedad, se invertía, resistiría más y lucharía contra esa fuerza. Así las formas no necesitan contrafuertes. Construye arcos catenarios, son autoportantes (aquello que se mantiene a sí mismo). En lugar de privilegiar las geometrías le da más importancia a las formas naturales. Los pilares exteriores no son verticales sino inclinados (soportan y contrarrestan mejor la fuerza que empuja hacia fuera). Sin embargo, a parte de la invención técnica, la sensación se invierte (en las catedrales góticas te elevas por la altura... en la sagrada familia es lo contrario, parece que te hundes).<br />-"Palacio de Güell" (empresario textil). Situado en una calle estrecha, nou de la rambla, basada en palacios venecianos pero con ornamentaciones novedosas. El respiradero con formas de Haeckel. Perforaciones en el techo (lucernarios) como en los templos egipcios. Capiteles en el interior románicos. Empleo del hierro en el ornamento. Lógica estructural como "estética del espacio" de Bachelard o estadios "ello, yo, súper-yo" (abajo lo animal, en medio lo social, arriba lo espiritual).<br /> El proyecto de la "colonia GÜell" era tener un eje espiritual (iglesia), un eje económico (una fabrica al lado) y una especie de colonia cercana donde los trabajadores pudieran cultivar sus propios alimentos, estando en contacto con la naturaleza y realizando una actividad totalmente distinta a la mecánica de las fábricas (teorias de Fournier o Morris, muy extendidas en el siglo XIX). Güell los leía y se lo transmitió a Gaudí. La iglesia de la colonia (en dibujo porque no llegó a construirse) parece una arquitectura que brota "del suelo". Toda la estructura está inclinada (catenaria). Lo único que llego a construirse fue la cripta, compuesta prácticamente con escombros. Las columnas torcidas se ensanchan abajo pareciendo árboles. Las bóvedas parecen esqueletos (no geometrías simétricas medievales). En elementos como sillas se estaba en contra de la producción en cadena, buscaban algo más artesanal (típicamente barroco). Gaudí cuando visitaba los talleres siempre realizaba pequeños cambios en los elementos por ello todos tienen pequeñas diferencias (ejemplos sillas de la cripta). Cada columna es ligeramente distinta (como los seres humanos, decía Gaudí). Los ventanales son en forma de lágrima (no templadas puras, equilibradas e ideales), tienen en cuenta la gravedad.<br /> Más adelante se diseño el proyecto del parque Güell. Pretendía ser una urbanización de lujo. Tiene un teatro griego cuyo perímetro tenía intención de autoabastecer de agua a los habitantes de la urbanización. Tiene una sala hipóstila, con columnas aparentemente griegas en la parte media pero su parte baja, capitel y bóvedas no. La técnica empleada es el "trencadís" por usar fragmentos de azulejo en su decoración. La parcelación que hizo eran triángulos con una zona común para socializar (parte de arriba del teatro griego donde abajo esta la sala hipóstila). Buena parte del edificio se construyó con materiales de desecho (cascotes del propio solar ligados con cemento).<br />-"Casa Batlló". Dejó la fachada de la casa existente y puso masa para crear forma (acuática). Su tejado parece un reptil. Continuidad entre interior y exterior. Tiene grandes miradores por ventanas (mas grandes cuanto más abajo para que entre más luz natural = lógica natural).<br />Antiguamente las casas no tenían ascensor. En la primera planta vivían los propietarios y arriba los empleados (de ahí también el tamaño de las ventanas). Esto desapareció y se invirtió con el ascensor, los propietarios estaban más arriba porque había menos ruido).<br />Las escaleras recuerdan a una columna vertebral (mundo vegetal o acuático en apariencia). Las sensaciones según los estadios de los edificios de Gaudí son cambiantes (abajo subterráneo, en medio vegetal / acuático, arriba elevado).<br />Gaudí no diseñaba de manera técnica y detallada sus proyectos, iba dando instrucciones y aproximaciones, daba bastante manga ancha a los artesanos pero no paraba de hacer retoques.<br />-"Casa Milá". Para vivificar la ensoñación y contrarrestar el haber quitado una parcela a la naturaleza en la parte superior creaba elementos con formas naturales e imaginativas.<br />-"La sagrada familia". Gaudí empezó a trabajar como ayudante de Paula y Billar (la iglesia de los pobres). Más tarde el se hizo cargo. Era un proyecto neogótico. Quedan ocho torres de las doce programadas. No quería que económicamente dependiera de las grandes aportaciones de familias ricas catalanas, sino de la parte media-baja de Cataluña con sus pequeñas aportaciones (el mismo iba pidiéndolas). En el interior hay campanas cilíndricas. Las escaleras para subir a las torres eran de caracol. Tiene un ciprés de piedra en las torres (árbol símbolo de longevidad con hoja perenne) y un puente mirador entre las torres.<br /> Como se dio cuenta de que los obreros pasaban allí mucho tiempo y se separaban de sus familias, diseño y construyó una escuela para que los hijos de los obreros estuvieran cerca. El techo de la escuela es lo que se ve desde el que puente mirador. Tiene escenas religiosas talladas en piedra.<br />-"Palacio episcopal de Astorga". Estructura medievalista pero con bóvedas catenarias.<br />-PINTURA <br />Klimt: La sensación acuática e invertebrada llega a la pintura hasta en el dibujo de las manos (que parecen invertebradas) y las telas de los retratos parecen acuosas.<br />Paul Klee<br />Wassily Kandinsky<br />-ESCULTURA<br />Expresionismo abstracto norteamericano. (Después de Vanguardias)<br />Querían conciliar todas las características de las vanguardias europeas (que veían en fotos) y hacer un arte propio. Cogían una característica y la sobredesarrollaban.<br />Willem de Kooning: (el único figurativo. expresionismo gestual) obras muy similares a las de Picasso pero en grande (Picasso hacía mujeres rotas por 80 partes------> Kooning hacía mujeres rotas por 200 partes). Hacía "mujeres tiburón".<br />David Smith hacía las "Tank Totem", obras similares a las "mujeres cactus" de Julio González pero en grande.<br /> Clifford Still: pinta cuadros rojos dejando pequeñas franjas blancas en medio. Admite la influencia de los cuadros de Matisse donde los fondos, con tonalidades muy intensas, devoraban la figura.<br />Mark Rothko dibujaba horizontes (un gran campo de color arriba y un gran campo de color rojo abajo). No se veían nubes, soles,...ninguna figura. Hacían abismos de luz, pintando rayas de un color en un sentido, de otro color en otro, de otro color en otro,... Creaban un negro con profundidad, no plano. Sus obras se tienen que ver con poquita luz y en silencio.<br />Robert Motherwell.<br />Clement Greenberg ("Arte y cultura". Ed. Síntesis o Anagrama) fue el crítico del expresionismo norteamericano. Se usa el término "factness", lo que de hecho sucede, cómo está realizada la pintura.<br />Jakson Pollock: creador de “Dripping” (gotear). 1º en monográfico en N.Y. Familia de granjeros. Formación de dibujo. Le formó , uno de los representantes de los muralistas americanos. Muy influido por el último Monet (se ve la pincelada, la gestualidad pictórica, la materia). Desarrollo en grabados sobre los ´40 (en ellos evita mejor la verticalidad y así la figuración al ir girando las planchas metálicas). Obras sin título (con número) para evitar connotaciones. Al trasladarse a los Hamptons llega el cambio significativo-- sus cuadros comienzan a ser isótropos (los pinta en el suelo) librándose de la figuración por completo (Influencia de indios Hopi que pintan en el suelo). Referencias a la visión microscópica. Muchos de ellos llamados “Catedrales” en homenaje a Monet. Según Greenberg “absolutamente Factness” (Lo que de hecho se ve, la pintura como materia). Daba capas y capas de goteo hasta resaltar la isotropía, a veces con materiales de carga. Su “serie negra” es la de menos color (deja de competir con Monet). En sus últimas obras (aunque en los libros no aparezca) se entreve de nuevo a Picasso o Matisse. Murió en accidente de furgoneta.<br />ARTE MODERNO<br />-ARQUITECTURA<br />William Morris: 1er arquitecto moderno. Referente en Inglaterra de arquitectura neogótica.<br />"Panóptico": se ve todo. Construcciones de finales del siglo XVIII, sobretodo inicialmente para hospitales, cárceles y psiquiátricos. Luego esa construcción se paso a las fábricas (así se controlaba el trabajador y no podía perder tiempo siendo así más productivo).<br />Mies Van Der Rohe: profesor de la Bauhaus. Quiere desacralizar el templo clásico (emplea todos los elementos de construcción clásica pero invirtiendo los elementos simbólicos). POr ejemplo: Cellas luminosas, transparentes, que dejen ver lo que hay en el interior. Evita la verticalidad (y en sillas hace por ejemplo). Juego entre lo vacío y lo lleno es fundamental para él. Uno de sus referentes es Frank Lloyd Wright (centro de una casa era la chimenea=asociado a columna vertical, por donde la casa se abre al cielo, alrededor de la cual se genera la actividad de la casa, la comida, el calor,...).Mies intentará por contra hacer chimeneas anchas y que no sobresalgan demasiado por el techo (no quiere su simbolismo y religiosidad=ascenso al cielo). Supremacía de lo horizontal (no como construcciones clásicas con equilibrio). Para ello a veces pone el techo a la misma altura de los ojos que el suelo o los pinta del mismo color. Invierte la forma de cuña de los capiteles en columnas (hunde la unión columna/techo) casi eliminándolos (reconoce las formas clásicas para hacer lo contrario). En la unión entre pared y techo también hace hendiduras. Realiza maquetas donde la pared es papel=movible en sus construcciones está esa misma sensación de poca estabilidad (contrario a clásicos). Su profesor fue Rielg, difusor de ideas de Niestche, especialista en villas romanas, que le enseña el simbolismo en arquitectura que él pervertirá, deformará y hará su opuesto. “Pabellón de Alemania” en Barcelona se le encargó por su reconocimiento en pabellones en ferias de telas y cristales. Se quiso cambiar imagen de Alemania después de la G.M. (conocida por producir acero y carbón, quería dar imagen moderna pasándose a los suministros eléctricos). El pabellón se desmontó cuando acabo la exposición en 1929. En el centenario de la muerte de Mies se reconstruyó con alguno de los materiales originales. Este tipo de arquitectura Mies la extrapoló a la familia Tugendhat (la casa Tugendhat, 1928-1930). Para evitar la solidez de los pilares cogían cuatro vigas en forma de L unidas y la reviste de acero inoxidable (todo se refleja, espejismo. El interior se funde con el exterior. Parece que está insertado en la naturaleza.<br />Mies también hizo la vivienda Farnsworth. Evita visiblemente la verticalidad. Columnas (vigas) por fuera de la estructura = elementos del templo pervertido. Uno de los inconvenientes de que sea toda de cristal es que está cerca de un arroyo y en el interior se condensa el agua. No tiene ventanas. Perversiones de templos griegos: podium vacio, peristilo con columnas por fuera, la cella no oculta nada, es transparente.<br />Walter Gropius: fabrica Bauhaus. Fábrica Fagus?<br />Warren & Wetmore: estación de ferrocarril de NY. Año 1910-1920. Estilo neoclásico (columnas sin función estructural, sino que traen la tradición a la actualidad).<br />MC Kim, Meat & White: es otro despacho de arquitectos con inmensidad de construcciones historicistas (ornamentación, decoración, capiteles, cornisas...). Fachadas de piedra pero estructuras de acero. Muchos de estos edificios neoclásicos fueron construidos por constructores valencianos, Guastavino & Co. Eran edificios modernos con materiales modernos pero que querían parecer construcciones clásicas.<br />Breuer: el maestro en diseño de muebles de la Bauhaus. Las sillas con tubos de acero y cuero provenian de las sillas de hospital. Parecen el esqueleto, la estructura (no albergan secretos como los antiguos sofas, es todo visible, Louise Bourgeois). Igual que en la arquitectura del momento. No hay adorno, ni ornamento, pero no con el fin de orden, sino perverso, de sentirse perdido, que no haya un centro que te facilite la ubicación.<br />-PINTURA<br />Diferencias con la clásica: Los materiales no son necesariamente especializados, se compran en ferreterías muchas veces, son pinturas de radiadores, de coches, pinceles bastos,... Los lienzos no se impriman necesariamente. No se buscan colores que intenten imitar lo que vemos, no se intenta templar el color. Cada una de las partes tiene un significado simbólico. Antecedente: visión microscópica.<br />Barnet Newman: veía las fotos de las obras de Giacometti en revistas europeas y decidió reducirlas a líneas en lienzos rectangulares gigantes (las líneas abarcaban desde arriba hasta abajo del todo del lienzo para evitar que se intuyeran figuras---abstracto). Para ellos es sublimar. Newman fue maestro de muchos otros sobre los años ´60.<br />-ESCULTURA<br />Land Art (arte de la tierra): se dejan de un lado las máscaras primitivas y se toma como referencia las construcciones megalíticas (grandes piedras) que indican masa de población que cultivaban la tierra. Normalmente representaban la fertilidad, pedían buenas cosechas,… A partir de los ´50 se estudian y los artistas, sobretodo norteamericanos, los toman como referencia. Cabecilla Morris. Inspiración en líneas de Nazca (Perú) al fotografiar desde el cielo extensiones de tierra. Se solía hacer en terrenos inhóspitos y desolados como desiertos (cerca de cementerios de armas nucleares, fábricas de armas,…) para evitar que fueran obras “bellas” estéticamente.<br />Richard Serra<br />Holt: “Túneles solares”: tubos de hormigón con perforaciones y en su interior se ve la luz que entra por éstas (representando constelaciones). A través de ellos no se ve ningún tipo de figura---- el máximo del abstracto.<br />Heizer: hizo un “anti-objeto”. Construyó un gran agujero rectangular en el suelo parecido a una trinchera gigante.<br />Smithson: espiral en Utah, en el Lago Sagrado. El agua que la rodea es roja por la cantidad de sal y contaminación. Es el mayor anti-objeto existente. Tan sólo se aprecia en su totalidad si se ve desde el aire.<br />De María: “El desierto quemado” (1 Km X 1 milla): alrededor de 1000 palos de acero en una zona con alta probabilidad de tormenta de rayos. Podría estar inspirada en los indios Hopi, que hacen que sus adolescentes vayan a vivir fuera de la comunidad y si les cae un rayo y sobreviven se convierten en el nuevo chamán.<br />Todas estas obras están protegidas por la Dia Fundation.<br /> <br />