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El surrealismo en la Escultura.
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El surrealismo en la Escultura.

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Diapositivas de apoyo a la presentación "La escultura Surrealista".

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  • CRISTINA INTRODUCCIÓN HISTÓRICA Movimiento literario y artístico, definido en 1924 por André Breton, que preconizaba renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico. Antecedentes primordiales del Surrealismo fueron Giorgio de Chirico y su pintura metafísica, y el movimiento dadaísta fundado en Zurich en 1916, liderado por Tzara y que nació del horror de la destrucción de la I Guerra Mundial. El mismo Tzara afirmó "Los inicios del Dadá no fueron los inicios de un arte, sinó de un disgusto". La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926. Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos.
  • CRISTINA Breton efectuó la primera formulación definidora del movimiento en su manifiesto Surrealista (1924), que describió el surrealismo como “automatismo psíquico mediante el cual se propone expresar, sea verbalmente, o por escrito de otro modo, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón y al margen de toda preocupación estética o moral”. Entre los autores que Breton citaba como contribuyentes o precursores de su pensamiento figuran Freud, Lewis, Hugo etc., La producción surrealista se caracterizó por una vocación libertaria sin límites y por una exaltación de la imaginación, de los procesos oníricos, del humor corrosivo y de la pasión erótica (amour fou), utilizados como provocación o armas de lucha contra la tradición cultural burguesa y contra todas las formas represivas del orden moral establecido. Pero las ideas surrealistas no se expresaron únicamente a través de técnicas artísticas, sino como ruidosas tomas de posición pública. En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel Duchamp, Arp, Dalí, Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez y Meret Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo había producido en la fabricación de objetos. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y Arte Pop). Breton en EUA publicó “Prolégomènes à troisième manifeste du surréalisme ou non” (Nueva York 1942). Regresó a París en 1946, pero el movimiento estaba ya definitivamente deteriorado, aunque las premisas libertadoras y subversivas del surrealismo se han incorporado a la tradición cultural occidental y han seguido manifestándose de algún modo en todos los campos de la creación artística, a veces con intención lírica ajena a la moral revolucionaria del movimiento: poesía, pintura, escultura, teatro, cine, fotografía, danza e incluso en publicidad. Máximos exponentes en este movimiento fueron, entre otros, Bretón*, Giacometti*, Ernst*, Man Ray*, Jean Arp*, Joseph Cornell*, Marcel Jean* y René Magritte*.
  • CRISTINA En España, la generación del 27 fue sensible a la influencia del surrealismo, que también inspiró la revista catalana “L´amic de les arts”, si bien pocos artistas llegaron a adoptar posturas surrealistas oficiales radicales, siendo los más caracterizados Buñuel, S. Dalí*, J.Miró*, J. V. Foix*, J. Larrea, R. Gómez de la Serna*, Julio González* o Picasso*. El surrealismo influye a posteriori en el Expresionismo abstracto y el Informalismo a través del automatismo psíquico. CARACTERÍSTICAS El surrealismo se caracterizó por interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad. Era una conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio. Los objetos y formas sin su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado. Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia”). - Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso. - Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. Todo aquello estaba en contra de la moral, la tradición y la cultura burguesa.
  • PALOMA Artista polifacético, dominó tres grandes artes: la pintura, la escultura y la poesía. Fundador y participante muy activo del movimiento Dadá hasta el 1919. El paso de Arp del (Dadá , que hallaba su libertad en la práctica constante de la negación) , al SURREALISMO ( el paso de la negación a la afirmación), fue invisible. Arp recogerá la actitud surrealista del “azar”, disponiendo los elementos automáticamente, sin voluntad. Llamo a este proceso “según la ley del azar” , que solo se experimenta mediante la devoción absoluta del inconsciente. Como es su costumbre, deja que el automatismo guíe sus manos, la mente no ejerce ningún tipo de control. Considera el objeto artístico como una especie de objeto natural “ el arte es un fruto que crece en el hombre, como un fruto en una planta o el hijo en las entrañas de su madre ”. Las primeras esculturas en bulto redondeado reflejan su asociación con los surrealistas durante la década de los veinte, aunque comenzó la fascinación, hacia 1915, por las formas orgánicas y el orden de la renovación biomorfica que se interpreta en el óvalo.
  • PALOMA Dispone los elementos escultóricos en una superficie horizontal (como Giacometti en sus juegos de mesa) que invita al espectador a aproximarse, los objetos no parecen más que ocupantes modificados que nadan en corrientes opuestas. La obra de Arp en el surrealismo pierde todo lo informe y se concretiza en entidades contorneadas. ¿Alguna vez ha dejado Arp de ser surrealista? “ Campana y ombligo” – 1931- Madera Son tres objetos sobre una mesa circular dispuestos como su fueran frutas traídas a una mesa. Pero, como en el caso de los objetos surrealistas parecen realizadas por las proyecciones de la fantasía del espectador o del autor. “ Cabeza con objetos molestos” – 1930 Bronce Está compuesto por formas viscerales lisas que se combinan con una composición en la que la disposición de las figuras pueden colocarse según quiera el espectador, con lo que la escultura se hace al antojo de la persona que la contempla que es una concepción diferente a la del artista. Arp en esta composición quiere inducir la sensación de movimiento .
  • PALOMA Al igual que Jean Arp, MAN RAY, surrealista, intenta expresar en sus esculturas el funcionamiento real del pensamiento. No interviene la razón, y es ajeno a toda preocupación estética o moral. Pero nunca es abstracto. Siempre está comprometido en una representación.   “ Objeto para ser destruido” – Se trata de un metrónomo, en el extremo de su varilla pendular ha pegado con un clip la fotografía recortada de un ojo sin cuerpo que se mueve en el espacio al ritmo del tiempo real. Pero el tema no era el movimiento real, sino lo que podría llamarse la proliferación metafórica, la base de la operación creativa surrealista es la IMAGEN, pero no una imagen tradicional de similitud. Realmente sería lo contrario NO aproxima dos hechos o dos realidades que se parecen, sino dos realidades lo más lejanas posibles la una de la otra. Al dar vida a la imagen del metrónomo, viola las leyes del orden natural y social, acerca dos términos de la realidad que parece que no son conciliables y provoca en quien los mira un shock violento y pone en marcha su imaginación.
  • PALOMA “ Regalo” – 1921 – Plancha con clavos Dependiendo del espectador, la plancha con clavos puede dar una sensación de violencia o de dolor provocada por la fila de clavos dispuestos con la punta hacia fuera en la lisa parte inferior de una plancha. Las ficciones sugeridas por esta escultura surrealista son sádicas por naturaleza y recurre mucho al tema de la violencia .Las conexiones generadas entre los objetos (plancha y clavos) estimulan el inconsciente del espectador y sus efectos nunca se pueden anticipar.
  • AGUSTIN Giacometti escultor suizo afincado en Paris desde 1922 entro en contacto con el ambiente cubista y más tarde con el ambiente surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. En las obras de este periodo, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los objetos. Durante este periodo, además de realizar alguna de sus obras más señaladas crea, imbuido de las singularidades del surrealismo, una serie objetos evocadores y oníricos, equívocos y obscenos, pero también amenazantes, llamados Objetos desagradables . Más tarde abandonaría el surrealismo para volver al arte figurativo y llegar a un estilo más singular y personal que desarrolla a comienzos de la década de 1940. En esta etapa surrealista se convierte en uno de los mejores escultores del hierro de los años 30, junto con Picasso, Julio González, Calder y David Smith. En el caso de este Objeto desagradable ( 1931) realizado en madera 22x48.2 cm), de forma fálica y dotado de pequeños salientes puntiagudos. Había de colocarse como un objeto ordinario al que una deformación inexplicable le hace inquietante. Por un lado invita a ser tocado por su suave superficie pero que por otro es desagradable por sus amenazantes clavos.
  • AGUSTIN Bola suspendida (1930-1931) de yeso, hierro y cuerda de 60,4x36.5x34 cm. Fue muy admirada por los surrealistas por que objetivaba la energía libidinosa del inconsciente. Compuesta de una jaula abierta con una plataforma en su interior sobre la que reposa una pieza en forma de luna creciente y una bola con una muesca en forma de cuña en su parte inferior que esta colgada de una cuerda en lo alto de la jaula. A la izquierda esta la original en hierro y yeso (Museo de Arte Moderno de Paris) y a la derecha una copia para que se aprecia la muesca en su parte inferior ( Museo de Arte Moderno de New York ). El movimiento pendular de la bola y la relación de la muesca con el creciente implica la posible caricia mutua: una posibilidad frustrada por el hecho de que la cuerda que sostiene la bola es demasiado corta para permitir que los dos miembros de la obra se toquen. Según escribió Maurice Nadeau “a todos los que vieron este objeto en funcionamiento experimentan una fuerte pero indefinible emoción sexual relacionada con sus deseos inconscientes, como la que produce la irritante consciencia del un fracaso.
  • AGUSTIN En esta obra surrealista llamada El palacio a las cuatro de la madrugada (1932-1933) de madera, vidrio, alambre y cuerda de 73,5 cm. de altura ( Museo de Arte Moderno de New York). Dicen que esta es la obra surrealista más brillante que realizó. Se trata de una estructura arquitectónica que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad del ser humano en el tiempo y en el espacio. Esta representación de este teatrillo se le revelo lentamente sin quererlo como en un sueño, adoptando su forma exacta y su posición precisa en el conjunto. La ejecución no le llevo más de un día.
  • AGUSTIN En Mujer degollada (1932) de bronce de 87.6 cm. Se expresa supuestamente de una manera violenta: la mujer muerta está tendida en el suelo como un gigantesco insecto. Los brazos y las piernas, desproporcionadamente largos y delgados, recuerdan una araña; las enormes vértebras evocan el caparazón de un escarabajo y tanto el cuello, largo y acanalado, como la cabeza, que es pequeña, podrían ser de un gusano. Sólo los pechos arqueados sobre un talle esbelto forman parte de un cuerpo humano. ¿Alude Giacometti con esta compleja figura, que presenta formalmente a la víctima como agresora, al caso biológico de la mantis religiosa, mitificada por el surrealismo, que devora al macho tras el apareamiento? La construcción en el espacio de precisos mecanismos sin uso concreto, pero que, sin embargo, son profundamente perturbadores». No obstante, Giacometti abandonó el surrealismo en 1935. Se comenta que fue expulsado por André Breton de circulo surrealista por diferencias políticas que mantenían entre ellos.
  • AGUSTIN Bárbara hepworth fue con Henry Moore los representantes ingleses mas conocidos de la escultura abstracta y surrealista. Esta es la obra Madera con cuerdas. La cuerda material que empieza a utilizar a partir de 1938. La intuición fundamental de Hepworth es que toda forma tiene un interior y un exterior y el trabajo del escultor consiste en expresar el contraste y la armonía entre esos dos aspectos, anverso y reverso, convexo y cóncavo, de sus volúmenes.
  • AGUSTIN Groupe , 1951 en mármol. El sentimiento del paisaje y del espacio se plasma también tótems emparejados, que evocan los menhires neolíticos de Cornualles, unas figuras humanoides que parecen encontrarse en una explanada y que, según explicaba Hepworth, le habían sido inspirados estando sentada en la plaza de San Marcos de Venecia, al ver entrar a la gente en la plaza y disponerse en grupos en armonía con la arquitectura circundante, con el cielo y el agua. Mother and Child , 1934 en alabastro. El tema de la maternidad, una de las grandes constantes de su obra. Busca siempre ese punto donde se confunden el cuerpo y el paisaje. La escultura no puede ser desde luego un panorama, la visión exterior de un territorio, pero puede expresar la intimidad, la sensación de estar dentro del paisaje. Para explicarlo, Hepworth regresaba una y otra vez a sus primeros recuerdos de infancia; a sus viajes en coche con su padre, que era topógrafo, a través del paisaje de Yorkshire (Inglaterra).
  • BELEN Dalí no intervenía en las esculturas, pero se sabe que en la década de los años 70’ creo 44 esculturas originales que le había encargado su amigo y empresario Isidro Clot. Se cree que este sería el único conjunto de piezas escultóricas que Salvador Dalí habría ejecutado sin la ayuda de artesanos. Pero también se cree que habría tenido participación en otras obras. Lo seguro es que las 44 obras de Clot fueron forjadas por sus propias manos.   En las esculturas para Isidro Clot, Dalí utilizó la técnica del vaciado en bronce. Esta tradicional técnica que se basa en el rechazo del tallado directo y se dedica a modelar la figura original en cera es la más antigua que se conoce y lo ubica dentro del grupo de escultores modeladores. Se cree que estas pequeñas esculturas Dalí las trabajo en la estación veraniega y al mediodía, lo cual le permitía aprovechar el efecto del calor sobre la cera y lograr un moldeado más fácil y detallado.
  • BELEN En las esculturas de Dalí se puede observar simbólicas, literarias y mitológicas. Teléfono : Los teléfonos habían obsesionado a Dalí, que realizó varios diseños de teléfonos-langostas para la decoración del hogar del poeta Edward James. Surrealismo : El subconsciente y la relación de objetos aparentemente sin sentido son dos elementos arquetípicos del surrealismo. Así, una langosta sirve de auricular a un teléfono totalmente funcional. Dalí : Dalí siempre decía que el mundo cotidiano necesitaba más fantasía, que el subconsciente tenía que emerger, por lo que usó el diseño de objetos como plataforma para ello. El surrealismo supuso al diseño una gran revolución. Dalí llamaba a estos objetos “objetos con función simbólica”
  • BELEN Una de las obras es el Busto retrospectivo de mujer (1933) de Salvador Dalí, una escultura en la que una "larga y fálica barra de pan corona la cabeza de una mujer, dos mazorcas de maíz cuelgan de su cuello y un grupo de hormigas se reúne en su frente" Esta pieza de Dalí ha sido definida como "una mujer representada como un objeto de consumo" y se muestra en consonancia con obras del suizo Giacometti como Mujer con la garganta cortada (1932), ejemplo del "imaginario misógino frecuente en el surrealismo".
  • BELEN En los años 30´ la huella que dejaban en la escultura los surrealistas basada en la sexualidad y el dolor incorporaba un elemento psicológico que atrajo a otros escultores que nada tenían que ver con el grupo surrealista, como Julio Gonzales o Picasso. En La Cabeza , de Julio González, vemos una horrible mueca en torno a unos ojos pendulares.
  • BELEN Picasso estaba experimentando con la idea surrealista de la metáfora, introduciendo objetos ordinarios desde 1914. En esta escultura llamada “cabeza de mujer”, vemos como conecta los hemisferios con dos coladores. Utiliza una hoja plana de metal para sugerir el rostro como algo separado del resto de la cabeza. La mascara no tiene conexión lógica con el resto del soporte. Otra de sus escultura que representaba una cucharilla de café impulso a Breton a incluirla en la muestra de objetos surrealistas de 1936.
  • BELEN Oppenheim, una artista alemana que se trasladó a París con tan solo 18 años y que allí contactó con Picasso , quien le inspiró para realizar su aclamado Desayuno en piel (1936). Esta obra surgió por una conversación en una cafetería parisina entre la alemana y Picasso después de que el español admirase su brazalete forrado de piel y decidieran que casi cualquier cosa podría estar forrada de ese material, hasta la taza en la que tomaban café. Así surgió Desayuno en piel , una pieza compuesta por una taza de café, un platillo y una cuchara forrados de piel y que es, según los expertos, una "extraña combinación de materiales para crear un encuentro erótico".
  • MIRIAM Su obra abarca toda la tradición del arte. Su trabajo se puede vincular a otros estilos, puesto que no sitúa ningún estilo o material por encima de los demás. Su obra tiene un marcado carácter autobiográfico , hunde sus raíces en la teoría surrealista del arte y se desarrolla a lo largo del s. XX en la dirección del denominado ARTE DE IDENTIDAD . Aunque ha negado siempre la influencia del surrealismo. Durante la segunda guerra mundial, la escultora y su marido Robert Goldwater , tuvieron ocasión de frecuentar los círculos de los expatriados surrealistas que, como André Breton, Marcel Duchamp, etc , habían emigrado a Nueva York, huyendo de la ocupación alemana de Francia. Casi toda su obra se inspira en su propia experiencia psicoanalítica. Empezó a psicoanalizarse en 1951, año de la muerte de su padre y en el 52 comenzó su terapia con Henry Lowenfeld, discípulo de Freud en Viena. No sólo se psicoanalizó sino que se sumergió en la lectura de textos psicoanalíticos de Sigmund Freud, Anna Freud, etc. Se han encontrado en su casa otras dos cajas de escritos con material inédico, comparable a las cartas de Vincent Van Gogh , donde registra sus sueños, sus emociones y sus angustias, y sobre todo sus sentimientos conflictivos respecto de cómo ser artista, madre y esposa. La decisión de dedicarse a la escultura proviene de una especie de revelación. Una mañana al encontrarse sola en casa después de que se marchasen su marido y sus tres hijos, para alejar el sentimiento de soledad que se apoderaba de ella, empezó a recortar botellas de leche, a doblarlas y a colgarlas en la pared. Son sus primeras obras escultóricas, vinculada a la angustia que le produce la casa vacía. Utiliza la escultura como gesto de exorcismo , “Cuando los hombres se iban, me sumía en un caos total, es decir, en una soledad espantosa”. Hasta que se dio cuenta de que podía ejercer un control sobre otra forma de expresión. Podía crear esas formas, pintarlas de negro, lo que expresaba la tristeza. Podía colocarlas juntas, tirarlas al suelo y destruirlas. Ese sentimiento de poder le permitió controlar la nostalgia. La escultura le fue revelada como medio de expresión . Cuando estaba de buen humor le apetecía juntar y cuando estaba de mal humor, cortaba cosas. Entre los materiales que usa están el yeso, goma, látex, madera, bronce, mármol, tela, etc. El proceso artístico le permitía canalizar y transformar la agresión consigo misma y con los otros en formas simbólicas y a través de acciones simbólicas tales como cortar, perforar, esculpir y verter. Las formas huecas comenzaron a aparecer en su obra como elementos secundarios. Pero fueron adquiriendo importancia hasta que visitó las cuevas de Lascaux. Allí vio una forma negativa envolvente, producida por el torrente de agua que había dejado sus ondas sobre el techo. De sus obras DESTACAMOS2:
  • MIRIAM The destruction of the father , 1974, la mesa del comedor está puesta y se pueden ver todas las cosas que están sucediendo, el padre se jacta ante los presentes de lo importante que es, de las cosas maravillosas que ha hecho. Esta escena se repite día tras día, y llega el día en que los hijos se enfadan. Lo agarran, lo colocan encima de la mesa, el padre se convierte en comida, lo trocean y desmiembran y lo devoran, al final nada queda de él. Es un drama oral. La irritación provino de sus constantes ofensas verbales y por ello fue liquidado. La escultura representa ambas cosas, una cama y una mesa . Cuando uno entra en una habitación lo primero que encuentra es una mesa, pero en el piso superior, en el dormitorio de los padres está la cama. Ambos muebles forman parte de nuestra vida erótica. La mesa donde tus padres te hacen sufrir y la cama donde yaces con tu marido, donde nacen tus hijos y donde finalmente morirás. En esencia ambos son el mismo objeto, puesto que también representan el mismo tamaño. Todos esos productos de látex son moldes de miembros animales. Se fue al mercado de carne y compró paletillas de cordero y muslos de pollo, los echó dentro de un recipiente de escayola líquida, para después volcar el molde, abrirlo, tirar los trozos de carne y moldear las formas obtenidas en látex. Aquella pieza fue realizada bajo el impulso que uno experimenta cuando soporta demasiado estrés y se vuelve en contra de aquellos a los que más quiere.
  • MIRIAM She-Fox (zorra) , es una pieza de 179cm de altura de mármol negro, representa a un animal, que es una hembra. Muestra numerosos pechos por delante, cada uno de los cuales es más grande y duro que el anterior, (los animales poseen numerosos pechos). Está sentada en cuclillas, posee unas patas sólidas y fuertes y una preciosa cola con un pequeño penacho en el extremo. Tiene un gran corte en la garganta y le han sesgado la cabeza, una doble mutilación, por lo demás es perfecta. Espera, Nada le molesta, la gente le hace cosas pero ella las aguanta, es capaz de soportarlas. Bajo sus caderas hay una especie de refugio acogedor y allí es donde B. se coloca. Resulta evidente que es su madre. Le daba miedo pensar que su madre no la quisiera, la llama ZORRA porque considera a su madre alguien muy inteligente y paciente, una persona calculadora, capaz de soportar situaciones desafortunadas. Su madre señalaba su incapacidad para estar a la altura de las circunstancias, este era un aspecto que a B. la exasperaba y la conducía a la violencia. Así que trató de herirla, cortó su cabeza. Y aun así esperaba que la quisiera. La tragedia radica en saber si una persona a la que has tratado de ese modo es capaz de quererte. Es el retrato de una relación. (dice que esta escultura ha servido para eliminar su ansiedad y que lo ha conseguido) Cuando habla de sus obras nunca menciona la palabra sueño, dice que trabaja bajo un hechizo, donde es capaz de expresarse. ¿La idea de estar hechizado, no es una idea surrealista? Según B. el hechizo y el sueño no son lo mismo, el hechizo es más simpático que el sueño, no es un estado pasivo como le sucede al sueño. El sueño te ciega, el hechizo no. La fusión de lo masculino y lo femenino. En su obra siempre han existido sugerencias sexuales. A veces, toda su preocupación se centra en las formas femeninas, racimos de pechos como nubes, pero a menudo fusiona pechos fálicos, masculino femenino, activo y pasivo.

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