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Pintura barroca

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  • 1. PINTURA BARROCA
  • 2. CARACTERÍSTICAS GENERALES • S. XVII = siglo de oro de la pintura europea. – Rembrandt, Velázquez, Caravaggio, Rubens… – Producción rica y abundante, – Diversidad de tendencias y focos… pero con rasgos comunes. • Naturalismo (influencia de la ciencia). – Realismo: fidelidad al modelo. • Vejez, tristeza, lo popular, dolor. – Simbolismo: los objetos remiten a una realidad superior y revelan lo espiritual a través de los sentidos. • Ej. Bodegones = brevedad de la vida y la banalidad de las cosas. Ribera, San Andrés (arriba); Caravaggio, Bodegón (abajo
  • 3. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Espacio (¿infinito?) – Continuum espacial • Se rompe la barrera entre la obra de arte y el mundo real. • Tema representado en el mismo espacio que el del espectador. • Recursos: gestos, miradas, decoraciones ilusionistas, escorzos, juegos de luces, espejos... Rubens, Venus en el baño, 1613-14
  • 4. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Luz  definición del espacio. – Tenebrismo: luz que ilumina violentamente la parte más importante de la escena dejando el resto en la oscuridad. • Luz = presencia de lo divino. – Luz intensa y vibrante. – La luz se subordina a la forma. Velázquez, Las lanzas Caravaggio, El martirio de San Pedro
  • 5. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Movimiento – Escorzos violentos, diagonales, figuras inestables… – Captación del momento culminante de la acción. – Reflexión sobre la transitoriedad y fragilidad de la vida humana y de la felicidad. Rubens, El rapto de las hijas de Leucipo
  • 6. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Composiciones disimétricas y atectónicas. – Líneas diagonales y helicoidales que se proyectan hacia el infinito. – Composición atectónica: la escena continúa fuera del plano de representación. Rubens, El descendimiento Rubens, Narciso
  • 7. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Técnicas: – Preferentemente el óleo, sobre lienzo o tabla – Pintura mural al fresco en paredes, bóvedas y cúpulas.
  • 8. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Temática – Religiosa (Cristo, la Virgen y santos), según la Contrarreforma. • Experiencias místicas, martirios y muertes. – Mitológica, alegórica o hcos. Velázquez, La fragua de Vulcano Caravaggio, La muerte de la virgen
  • 9. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Temática – Retrato (individual, de grupo, autorretrato), con triple objetivo: • Muestra el rostro de la clientela. • «Doble» del retratado (se inmortaliza). • Retrato psicológico. – Paisajes. Vermeer, Vista de Delft Rubens, Retrato del duque de Lerma
  • 10. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Temática – Pintura de género (escenas de interior que narran acontecimientos cotidianos y sencillos). – Bodegones (naturaleza muerta). Para decorar interiores. • Riqueza: floreros, fruteros, instrumentos, cacharros, mesas con alimentos… • Vanitas: intención simbólica al hacernos reflexionar sobre la brevedad de la vida (calaveras, relojes, joyas…).
  • 11. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • Caravaggio (Milán, 1571- Porto Ercole, 1610). – Michelangelo Merisi, Caravaggio. – Interés por su extraordinario valor artístico y por algunos sucesos de su vida  prototipo de artista maldito, marginal e inadaptado. • Forma de vida escandalosa (burdeles, bajos fondos, peleas…). – Rechazado en su tiempo, hoy es valorado como merece. – Primeras obras: bodegones y pinturas de jóvenes de medio cuerpo con algún objeto.
  • 12. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • 1595: es acogido por el cardenal Francisco M. del Monte  fama. • Gran encargo: decoración de la capilla de la familia Contarelli para la iglesia de San Luis de los Franceses, de Roma, con escenas de la vida de San Mateo (San Mateo y el ángel, La vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo).
  • 13. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • Iglesia de Santa María del Popolo: La conversión de San Pablo y La crucifixión de San Pedro.
  • 14. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • A partir de estos momentos trabaja de manera ininterrumpida aunque no todas sus obras gozarán del mismo reconocimiento: El Santo Entierro, La Muerte de la Virgen…
  • 15. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • Características de la pintura de Caravaggio – Temática religiosa: • Ideas contrarreformistas (escenas sagradas de cotidiana sencillez). • Rechazadas por el clero oficial, se le acusará de falta de decoro. • Personajes sencillos, humildes, de los bajos fondos romanos, más cercanos a la gente del pueblo. – Pasión por lo real (enorme precisión en los detalles, p. ej. en sus naturalezas muertas).
  • 16. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • Características de la pintura de Caravaggio – Manejo de la luz revolucionario  tenebrismo. • Potente foco de luz que ilumina las figuras aislándolas en un espacio oscuro, como un gran vacío. • Luz, verdadera protagonista de sus cuadros: – Modela las figuras. – Define espacios. – Simbolismo: luz = divinidad.
  • 17. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO • Características de la pintura de Caravaggio. – Pinta directamente sobre el lienzo (“arrepentimientos”). – Estudio de rostros y emociones  gestualidad muy teatral. – Capta el momento de mayor intensidad emocional y dramática. – Composiciones abiertas y llenas de dinamismo.
  • 18. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600. CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.
  • 19. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600. CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA. • Pasaje evangélico de la conversión de San Mateo: – "Pasando Jesús por allí, vio a un hombre sentado en el despacho de impuestos, de nombre Mateo, y le dijo: Sígueme. Y él levantándose, le siguió" (San Mateo, 9; 9-10).
  • 20. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600. CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA. • Naturalismo: acercar las escenas sagradas a la gente sencilla. – Tipos humanos tomados de los barrios romanos que él frecuentaba. • Luz: papel fundamental al iluminar selectivamente la escena. – Dirigida. – Tenebrismo (luz de la Verdad). • Magnífico estudio de las reacciones de los personajes.
  • 21. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600. CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA. • Composición  aumenta el dramatismo. – La parte inferior, ocupada por las figuras. – La superior, casi vacía, intensifica el efecto dramático de la acción.
  • 22. ITALIA: EL BARROCO CLASICISTA • En Bolonia  reacción antimanierista e intelectualizada. – Arte noble y culto (recobra el arte mitológico o alegórico). • Principales representantes: Anibal Carracci y Guido Reni. – Estilo clasicista y ecléctico: terribilità de Miguel Ángel + dibujo sobrio de la escuela romana + color veneciano. – Crearán el “paisaje histórico/heróico/clasicista” (composiciones equilibradas, ruinas clásicas).
  • 23. ITALIA: EL BARROCO DECORATIVISTA • Basada en la quadratura y trampantojo. • Destaca Pietro da Cortona, Luca Giordano y Andrea Pozzo – Movimiento + abundancia de personajes.
  • 24. FRANCIA • Tendencia naturalista: – Georges La Tour: tenebrista, composición equilibrada. – Hermanos Le Nain: escenas campesinas de tono severo y austero.
  • 25. FRANCIA • Tendencia clasicista: Nicolas Poussin – Influenciado por clasicistas y venecianos, desarrolla un arte refinado y cortesano, en el que se muestra un claro interés por la naturaleza con una visión dinámica (filosofía estoica y panteístas).
  • 26. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640) • Éxito ininterrumpido hasta su muerte. • Enorme producción, con temas muy variados: religiosos, hcos, alegóricos, mitológicos, retratos, paisajes, costumbristas… • Hombre inmensamente culto.
  • 27. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640) • Influencias: – Venecia: color, pincelada amplia y gusto por la mitología. – Miguel Ángel: modelos anatómicos y dramatismo. – Tiziano: desnudo femenino. – Al principio: influencia del tenebrismo; desaparece después. • Magnífico intérprete del catolicismo contrarreformista. – Concepción aristocrática, lujosa y deslumbrante de la pintura.
  • 28. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640) • Composiciones complejas y fastuosas, de efecto escenográfico. – Esquemas compositivos abiertos: diagonales, elipsis… – Extraordinario dinamismo.
  • 29. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640) • Pintura luminosa y rica en color. – Paleta muy cálida, pincelada suelta y amplia. • Luz intensa que parece surgir de las propias figuras. • Maestro en la representación del cuerpo humano. • Enorme vitalidad y optimismo y magnífica captación de la materialidad.
  • 30. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20. RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH. • Papel destacado de la temática mitológica, • Tema: rapto de las hijas de Leucipo, rey de Tebas, por los Dioscuros, Cástor y Pólux. – Cástor levanta desde el caballo a Hilaria. – Pólux trata de vencer la resistencia de Febe. – Dos amorcillos completan la escena: uno se aferra al encabritado caballo de Pólux, mientras el otro retiene al caballo de Cástor por la brida.
  • 31. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20. RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH. • Composición – Gran dinamismo. – Líneas de composición curvas y diagonales. – Principal: brazo extendido de Hilaria. – Otras diagonales acentúan el ritmo dramático de la obra: • Línea por las cabezas de los tres personajes. • Líneas curvas dibujadas por los cuerpos de las mujeres • Todas las figuras se cierran en un claro círculo. • Punto de vista bajo  refuerza el dramatismo.
  • 32. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20. RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH. • Obra que ha abandonado el tenebrismo de sus inicios. • Influencia de la pintura veneciana. – Luz intensa, que emana de las figuras. – Colores brillantes y luminosos. • Destacan los tonos nacarados nórdicos de las anatomías femeninas, que reflejan el influjo de Miguel Ángel.
  • 33. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20. RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH. • Técnica: – Dibujo potente. – Pincelada más suelta y amplia – No pierde el gusto por el detalle propio de la tradición flamenca. • Trenzado del cabello y adornos de Febe • Paisaje • Reflejos de la armadura de Cástor.
  • 34. Pintura flamenca: Van Dyck (1599-1641) Van Dyck, Retrato de Carlos I de Inglaterra, 1635
  • 35. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Principal representante de la escuela holandesa. • Extensa obra. • Refleja la dimensión espiritual del hombre y la presencia del misterio en el mundo.
  • 36. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Extraordinario manejo de la luz. – Su claroscuro no presenta el nítido contraste luces/sombras del tenebrismo  múltiples intensidades en zonas de sombra. • Imágenes “misteriosas”. • Estallidos de luz brillante en un rincón  dimensión poética.
  • 37. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Composición – Renuncia a los efectos teatrales, diagonales y círculos. – Formas partidas (mesas o puertas) para enmarcar las escenas.
  • 38. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Color – Primer periodo: predominan los tonos fríos. – A partir de los años 40: su paleta se enriquece con tonos más cálidos (espléndidos dorados).
  • 39. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Pincelada – Muy audaz, de gruesos empastes (sucesivas capas de color), sorprendentes en su época. – Enigmáticos difuminados que prestan a sus personajes una apariencia especial.
  • 40. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Temática variada – Pintura religiosa • Muy abundante (850 obras) siendo un país calvinista. • Atmósfera de sosiego + ambientes misteriosos + encuentro interior del hombre con la divinidad.
  • 41. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Temática variada – Paisaje • Muy popular en la pintura holandesa. • Transparencia del aire (magistral dominio de la luz).
  • 42. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Temática variada – Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra). • Autorretratos (60 pinturas, 20 grabados y 10 dibujos). 28 años 34 años 50 años 55 años
  • 43. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Temática variada – Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra). • Individuales (Saskia, Hendrickje, Titus). Reflejan el interior de los personajes, destacando la mirada. • De grupo (manifestación singular de la pintura holandesa). Glorificaba el espíritu cívico de los burgueses holandeses.
  • 44. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69) • Temática variada – Otros: pinturas de género, mitología o historia. • Importancia de dibujos y grabados.
  • 45. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Obra bastante oscurecida por la suciedad  Ronda de noche. • Título original: La Compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruitenburch.
  • 46. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
  • 47. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
  • 48. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • 1715: recortada para ubicarla en el Ayuntamiento de Amsterdam.
  • 49. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Sufrió un ataque en 1975. • Hoy restaurada y en perfecto estado.
  • 50. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Encargo de un retrato de un grupo de milicianos civiles para el gran salón del Kloveniersloeden, sede de la sociedad de arcabuceros. – Desde finales de la Edad Media, Amsterdam contaba con milicias ciudadanas, formadas por burgueses. – Papel importante en el alzamiento contra la ocupación española.
  • 51. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Son 18 miembros de la compañía del capitán Banning Cocq, cuyos nombres figuran en el escudo superior. – Hecho verídico: ¿visita oficial de María de Medici a la ciudad en 1638? • No se ajusta a las convenciones del género: – Retratados en movimiento. – Momento en el que van a salir a hacer la ronda por Amsterdam.
  • 52. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
  • 53. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Composición Aparentemente desordenada… Pero modo racional con un eje horizontal (personajes) + diagonales (lanza y bandera) + centro luminoso (dos protagonistas).
  • 54. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Luz
  • 55. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam. • Color – Pinceladas densas, casi con relieve. – Destacan los tonos cálidos: tierras y ocres, rojo del echarpe del protagonista y del soldado. – Espléndido el amarillo oro del traje del lugarteniente y la niña.
  • 56. Pintura holandesa: Vermeer
  • 57. Pintura española • S. XVII = Siglo de Oro de la pintura española.
  • 58. Pintura española • Características generales: – Temática religiosa.
  • 59. Pintura española • Características generales: – Contrarreforma y al servicio del poder (escuela madrileña).
  • 60. Pintura española • Características generales: – Realismo (retratos, incluso de tipos populares y bodegones).
  • 61. Pintura española • Características generales: – Tenebrismo  pintura más colorista y luminosa.
  • 62. Pintura española • Focos: – Escuela madrileña: DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1559-1660).
  • 63. Pintura española • Evolución Etapa sevillana y 1ª madrileña (1610-28) 1º viaje a Italia y 2ª etapa madrileña (1628-49) 2º viaje a Italia y 3ª etapa madrileña (1649-60) Técnica Naturalismo tenebrista. Gran realismo Técnica más ligera, más libre, luminosa y moderna. Magistral dominio de la perspectiva aérea (atmósfera palpable). Paleta Tonos oscuros y ocres Más clara Enriquecida Pincelada Corta, escueta y compacta Muy suaves y ligeras (poco pastosa). Más suelta y libre (preimpresionista) Composición Gran sencillez y sobriedad Más complejas Muy rítmicas, con varios planos Luz Tenebrista: fuertes contrastes y “figuras- esculturas” Gana espacio la luz. Diversos focos de luz que iluminan escalonadamente la escena Ejemplos El aguador , La vieja friendo huevos Cuadros de caza: montes grises y encinares pardos "velazqueños” Meninas, Hilanderas
  • 64. Pintura española • Evolución Etapa sevillana y 1ª madrileña (1610-28) Técnica Naturalismo tenebrista. Gran realismo Paleta Tonos oscuros y ocres Pincelada Corta, escueta y compacta Composición Gran sencillez y sobriedad Luz Tenebrista: fuertes contrastes y “figuras-esculturas” Ejemplos El aguador , La vieja friendo huevos
  • 65. Pintura española • Evolución 1º viaje a Italia y 2ª etapa madrileña (1628-49) Técnica Técnica más ligera, más libre, luminosa y moderna. Paleta Más clara Pincelada Muy suaves y ligeras (poco pastosa). Composición Más complejas Luz Gana espacio . Ejemplos Cuadros de caza: montes grises y encinares pardos "velazqueños”
  • 66. Pintura española • Evolución 2º viaje a Italia y 3ª etapa madrileña (1649-60) Técnica Magistral dominio de la perspectiva aérea (atmósfera palpable). Paleta Enriquecida Pincelada Más suelta y libre (preimpresionista) Composición Muy rítmicas, con varios planos Luz Diversos focos de luz que iluminan escalonadamente la escena Ejemplos Meninas, Hilanderas
  • 67. Pintura española • Temática – Retratos. Excepcionales, captando la personalidad del retratado. • Retratos reales – Sin adulación, Felipe IV refleja cierta melancolía  respeto y distancia en el espectador.
  • 68. Pintura española • De corte – Modelos masculinos, con trajes muy severos, de pie o de perfil sobre fondos de color gris verdoso. Portan muy pocos accesorios. – Damas con trajes de gran riqueza y empaque, con compostura y gravedad, como correspondía a su altísimo rango. Pablo de Valladolid (1636-37), Góngora (1622), Autorretrato (h. 1640), Isabel de Borbón (1632)
  • 69. Pintura española • De corte Inocencio X (1649-51)
  • 70. Pintura española • De caza – Perros tan importantes para el pintor como sus dueños. – Aire de la sierra madrileña. • Ecuestres – Caballos, con cuerpos enormes, patas finas, cabezas nerviosas.
  • 71. Pintura española • De niños – Modelos preferidos: tonalidades ligeras, refinadas y luminosas; gran armonía y naturalidad. • De bufones. – Dignidad: comprensión y realismo, sin prejuicios. Trabaja con total libertad.
  • 72. Pintura española – Mitológicos, aunque con una visión muy personal. – Otros: • Bodegones y cuadros de género (en sus primeras obras). • Históricos (La rendición de Breda). • Paisajes. • Temática religiosa (poco importante).
  • 73. Retrato ecuestre del conde duque de Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39 m. Prado. • Gaspar de Guzmán, conde duque de Olivares, valido de Felipe IV. – Se inspira en el Retrato del Duque de Lerma, de Rubens. • Parte inferior izda.: papel en blanco. • Revela su fuerte personalidad y poderosa voluntad (= rey). – Ataviado de militar: armadura negra recamada en oro, banda carmesí de general y bastón de mando. – A caballo, de perfil, y mirando al frente, con un gesto orgulloso y desafiante. – Actitud briosa del caballo. – Humo del fondo.
  • 74. Retrato ecuestre del conde duque de Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39 m. Prado. • Composición muy dinámica: – Postura del caballo que dibuja una diagonal ascendente. – Diagonales marcadas por la espada, el bastón, el humo al fondo... • Paisaje típicamente velazqueño: – Gama de verdes y grises. – Cielo oscurecido con un humo gris azulado que se eleva de la ciudad en llamas.
  • 75. Las Meninas. 1656. Velázquez. Óleo sobre lienzo, 3'10 x 2'76 m. Prado, Madrid.
  • 76. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657. Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado. • Pintada para el montero mayor del rey, Pedro de Arce, en el s. XVIII llegó a las colecciones reales. • Afectada por el incendio del Alcázar en 1734, se le añadieron cuatro franjas en los bordes (p. e. el arco de la habitación).
  • 77. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657. Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado. • Tema: – Durante años se pensó que representaba una fábrica de tapices. – Diego Angulo descubrió su significado: el artista quiso ilustrar el mito de Atenea y Aracne, según nos cuenta Ovidio en Las Metamorfosis.
  • 78. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657. Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado. • En primer término – De manera contrapuesta, aparecen Atenea como una anciana (aunque la pierna es de una joven) y la joven Aracne compitiendo. • Al fondo – Aparecen tres damas, una de ellas mira hacia el espectador. – Tras ellas, Palas Atenea y Aracne que: • Para algunos autores son parte del tapiz en que se representa El Rapto de Europa de Tiziano (homenaje al pintor veneciano). • Para otros son personajes reales.
  • 79. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657. Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado. • Uso magistral de la perspectiva aérea – Capta a la perfección la luz y la sutil vibración del aire. • Detalles de modernidad: – Forma de pintar los dedos de la mujer que enrolla la lana. – Rostro emborronado de la hilandera en segundo término. – Rueda de la rueca en movimiento. – Representación de la mano que la ha impulsado como una mancha.
  • 80. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657. Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado. • Significado de la obra  diversas interpretaciones. – Una de las más aceptadas: alegato a favor de la nobleza de la pintura a la que se alude al fondo, frente a los oficios manuales, representados en primer término.
  • 81. Pintura española • Focos: – Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652) El patizambo Magdalena Ventura con su marido e hijo Arquímedes
  • 82. Pintura española • Focos: – Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652) Santa María MagdalenaEl sueño de Jacob San Onofre
  • 83. El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado. • Martirio de San Felipe (no el de San Bartolomé). – San Felipe, tras la muerte de Jesús, se desplazó a Frigia para predicar entre los paganos que le dieron muerte atándolo en una cruz. • Preparación del martirio: – Los verdugos alzando al santo que tiene los brazos atados. – Un grupo de personajes observan la escena, entre los que destaca la figura de una mujer con un niño en brazos y que mira al espectador.
  • 84. El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado. • Poderoso dibujo: – Realismo en la anatomía. • Composición compleja: – Cuerpo iluminado del santo marca una diagonal que es el eje de la composición. – Otras líneas refuerzan esta sensación de dinamismo vertical (cuerdas o palo horizontal). • Tensión dramática: • Esfuerzo de los verdugos para levantar al santo. – Rostro de San Felipe = sufrimiento y su mirada de súplica se dirige al cielo.
  • 85. El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado. • La obra no presenta ya el acusado tenebrismo. – Zonas oscuras pero un luminoso cielo azul y un rojo intenso del verdugo a la derecha. • Significación: – Martirios  despertar la compasión de los fieles y reflejar su importancia como vía de santidad.
  • 86. Pintura española • Focos: – Escuela sevillana: FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)
  • 87. Pintura española • Focos: – Escuela sevillana: FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)
  • 88. Pintura española • Focos: – Escuela sevillana: BARTOLOMÉ MURILLO (1617-1682)
  • 89. Pintura española • Focos: – Escuela sevillana: BARTOLOMÉ MURILLO (1617-1682)
  • 90. Pintura española • Focos: – Escuela sevillana: BARTOLOMÉ MURILLO (1617-1682)
  • 91. Pintura española • Focos: – Escuela sevillana: BARTOLOMÉ MURILLO (1617-1682)
  • 92. Sagrada Familia del pajarito. Anterior a 1650. Murillo. Óleo. 1'44 x 1'88 m. Prado.