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Trabajo de 1º de Magisterio (UHU).

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  • 1. 40 ARTISTAS Pintores, escultores, fotógrafos y otros.
  • 2. PINTORES
  • 3. Jan Van Eyck Jan van Eyck nació posiblemente en Masseik, cerca de Mastrique en 1390. Fue pintor de la escuela flamenca y trabajó principalmente en la ciudad de Brujas. Está considerado uno de los mejores pintores del Norte de Europa del siglo XV y el más importante de los pintores flamencos. Sobre su formación como artista poco se sabe, excepto que en ella debió desarrollar el gusto por los detalles diminutos y por el uso de una técnica refinada. Murió hacia 1441 en Brujas.
  • 4. El matrimonio Arnolfini (1432). Es una alegoría al matrimonio y la fertilidad representados mediante una pareja flamenca de alta posición económica. Muchísimos detalles de esta obra reflejan dicha temática. Retrato de un orfebre (1429-1430). Van Eyck retrató a un hombre por encargo, añadiendo detalles representativos de su profesión como el anillo que sostiene en la mano o su gorro. Pretendía transmitir la seriedad del retratado. Virgen del canciller Rolin (1435). Este cuadro de temática religiosa representa tanto la adoración a la Virgen como la personalidad altiva y arrogante del canciller Rolin, político importante de la época.
  • 5. El Bosco Hieronymus Bosch, conocido también como El Bosco, nació hacia 1450 en Hertogenbosch, situado en el sur de los países bajos. Procede de una familia de pintores y aunque no se sabe nada de su formación artística podemos suponer que se inició en un taller familiar dedicado a la pintura al fresco y a la elaboración de objetos sacrados, trabajando especialmente para la catedral de la ciudad. Ascendió hasta la alta burguesía urbana, lo que le permitió elegir el tema de sus obras. En 1486 ingresó en la Vrouwe broederschap “cofradía religiosa de Nuestra Señora”, corporación de gran prestigio e influencia en la que pudo cultivarse artística y culturalmente. Hacia el 1500 viajó posiblemente a Venecia, donde existen varias obras hechas por él. Durante su estancia en Venecia el estilo artístico de El Bosco cambia hacia algo más renacentista con figuras monumentales encuadradas en espléndidos paisajes. El pintor muere en 1516 en los países bajos.
  • 6. El carro de heno (1500-1516 aproximadamente). Simboliza la lujuria, el pecado, la vanidad, la herejía… La escena intenta mostrar cómo todos los hombres de cualquier clase social pretenden alcanzar el placer y el pecado que se encuentra en el carro. Está basado en un texto bíblico de Isaac. El jardín de las delicias (1480-1490). La obra más importante de El Bosco, cargada de misterio, se supone que pretende reflejar el Génesis (el día de la creación), el Paraíso y el Infierno. Es como la historia de los hombres desde su inicio hasta su final, pero pasando por una situación llena de pecados que se sitúa en la parte central de la obra y que desemboca en el infierno, acompañados por el demonio. La nave de los locos (1503-1504). Muestra la locura de la humanidad y su perdición en los placeres y pecados que ofrece la vida, así como su camino hasta la muerte. Es una crítica a los vicios y la ausencia de moral.
  • 7. Fray Angélico Guido di Pietro da Mugello, pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico". Nació en Florencia en 1390 y se cree que comenzó su carrera artística como iluminador de misales y libros religiosos. Murió en Roma hacia 1455.
  • 8. La natividad (1445). Transmite un mensaje cristianizante y de adoración a los símbolos sagrados de esta religión. La anunciación (1430-1435). Pretende reflejar el pasaje bíblico de la anunciación, y también la bondad y la dulzura de la Virgen por la forma en la que aparece representada. San Benito de Nursia (1437-1446). Pretende reflejar la grandeza y bondad de San Benito de Nursia, fundador de la orden de los benedictinos.
  • 9. Piero de la Francesca Piero Della Francesca. Fue el pintor más importante de mediados del quattroccento por ser el primero en implementar la perspectiva en sus obras. Nació en La Toscana hacia 1420. Recibió una fuerte influencia tanto de Masaccio como de Domenico Veneziano. Casi todas sus obras son de carácter religioso. El indiscutible punto culminante de su carrera fue la serie de grandes frescos La leyenda de la Vera Cruz para la Iglesia de San Francesco en Arezzo, en los que presenta escenas de sorprendente belleza. Los últimos trabajos de Piero della Francesca muestran una probable influencia del arte flamenco, que supo asimilar sin traicionar con ello su personal estilo monumental. Murió en 1492 en Sansepolcro, Italia.
  • 10. La flagelación (1452-1470). Aquí el autor trata de expresar un concepto religioso que es la fuerza de voluntad de Cristo ante su flagelación. Para ello coloca esa escena en segundo plano, como restándole importancia. La resurrección (1483). Refleja la resurrección de Cristo e intenta transmitir la importancia de ese nuevo milagro y la fe de los que esperaban a que él volviera de entre los muertos. Virgen con el Niño y santos (1472). Lo importante de esta obra es la relevancia de la Virgen, que está rodeada de gente que la observa con serenidad, y la transmisión del sentimiento religioso.
  • 11. Botticelli Sandro di Mariano Filippepi, nacido en 1455 en Florencia. Pertenece a la última generación del Quattrocento. Empezó siendo orfebre a los 17 años y lo dejó por la pintura. Trabajó en el taller de Filipo Lippi y posteriormente en el de Verrochio. Mientras los demás artistas de su época eran muy matemáticos, Botticelli era más poético y no tan científico. Sus personajes eran idealizados y buscaba la belleza ideal, perfecta, espiritual e inalcanzable. En 1481, el Papa Sixto IV llamó a toda una serie de artistas prominentes florentinos, entre ellos a Botticelli, para que pintasen frescos en las paredes de la Capilla Sixtina. En sus últimos años Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo cierto es que sigue produciendo obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad mística, consideradas sus últimas obras. Murió en 1510 en Florencia.
  • 12. La primavera (1477-1482). Hay un gran debate sobre lo que el autor pretendía representar en este cuadro, pero lo cierto es que transmite un aire de fábula mitológica, una especie de celebración con tintes renacentistas. El nacimiento de Venus (1482-1482). Con este retrato de Venus, Botticelli pretendía plasmar los cánones de belleza ideal renacentistas, pintando a una mujer no solo guapa sino también de una gran inteligencia y con reminiscencias platónicas. Venus y Marte (1483). Representa la fuerza amor neoplatónico, ya que Venus contempla a Marte mientras este duerme desnudo, lo cual significa que el amor vence a la guerra.
  • 13. Leonardo da vinci Leonardo da Vinci, realmente llamado Leonardo di ser Piero da Vinci, nació en 1452 en Florencia. Comenzó su formación en el taller de Verrochio. Realizó diversos trabajos allí, en Milán al servicio de Ludovico el Moro, en Roma atraído por el mecenazgo del Papa y finalmente acabó en Amboise (Francia) al servicio de Francisco I. Se le considera el primer gran maestro del Cinquecento. Fue un humanista universal, uno de los grandes genios de la humanidad que abarcó todos los campos del saber. Con inquietud y curiosidad inagotables, fue pintor, escultor, músico, arquitecto, ingeniero, botánico, médico… Pensaba que el arte no debía imitar a la naturaleza, sino recrearla, y para ello había que conocer sus leyes y teorías. Su arte era matemático y científico. Murió en 1519 en Francia.
  • 14. La Gioconda (1503-1506). Es un cuadro que, ante todo, transmite misterio. Se desconoce con seguridad quién era la modelo, su sonrisa es enigmática, el paisaje del fondo no se corresponde una parte con la otra, incluso el nombre está sometido a debate. Da Vinci creó uno de los misterios artísticos más importantes de la historia de la pintura. La última cena (1495-1497). Aquí, Da Vinci intenta representar las reacciones humanas de los apóstoles cuando Jesucristo les comunica que uno de ellos le traicionará. La obra está centrada en estas expresiones, que dotan al cuadro de un gran realismo. Virgen de las rocas (1483-1486). Es una pintura religiosa que trata de plasmar la grandeza de espíritu y la bondad de la Virgen, quien acoge a un grupo de niños y ángeles con aspecto maternal.
  • 15. Rafael Sanzio Rafael Sanzio. Nació en 1483 en Urbino, estudió pintura con su padre hasta la muerte de este. Tras esto se instruyó en el taller de Perugino, donde aprendió un arte refinado, dulce, delicado y con gracia poética. Viajó a Florencia donde se vio fuertemente influenciado por la obra de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Aquí el Papa Julio II, le encargo la decoración de algunas habitaciones del Vaticano. Fue considerado uno de los grandes pintores de Cinquecento aunque también destacó como arquitecto. Murió en 1520 en Florencia.
  • 16. La escuela de Atenas (1510-1511). Muestra a los filósofos, matemáticos y pensadores de la época clásica, muchos de ellos representados con los rostros de artistas famosos del Renacimiento (Miguel Ángel es Heráclito, Da Vinci es Platón…). Es una alusión a la importancia de las humanidades y está realizada en honor a dichos pensadores. Los desposorios de la Virgen (1504). En este cuadro se introduce el concepto de los pretendientes rechazados, ya que muestra el matrimonio de la Virgen con José mientras un grupo de hombres decepcionados está alrededor. Tiene una cierta simbología amorosa y terrenal que choca con la temática religiosa de la obra. Madonna del gran duque (1505). Como en todos sus cuadros de Madonnas, Rafael quiere reflejar la dulzura, la belleza y la bondad de la Virgen.
  • 17. Tiziano Nació en el año 1476/77 en Pieve di Cadore. Perteneciente a una familia de alto estatus social viajó a Venecia acompañado de su hermano a la edad de 10 años para ingresar en el taller de Sebastiano Zuccato. Debido a su incipiente talento, en el transcurso de tres o cuatro años, entró en el estudio del venerable pintor Giovanni Bellini, que en ese momento era el artista más reconocido de la ciudad. Allí se encontró con un grupo de jóvenes que conformarían la primera generación de pintores de la Escuela veneciana. Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. El conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso. Trabajó para las cortes de Carlos V y para Felipe II. Falleció en 1576 en Venecia, víctima de la
  • 18. Amor sacro y amor profano (1515). Simboliza el contraste entre el amor divino y espiritual (concepto neoplatonista) con el amor vulgar y terrenal de los hombres, aunque es un misterio si la intención era moralizante o una alusión a que se disfrutase de los placeres mundanos. El castigo de Marsias (1570-1576). Trata el tema mitológico del castigo de Marsias, y pretende transmitir el dramatismo y la tensión de la escena, así como el sufrimiento del sátiro. El rapto de Europa (1559-1562). Otro tema mitológico, en el que se plasma la angustia de Europa ante su secuestro y el movimiento de los esbirros de Zeus, que se la llevaban.
  • 19. Caravaggio Michelangelo Merisi da Caravaggio Nació en Milán en 1571. es uno de los exponentes más destacados de la escuela naturalista que surgió en Italia y se le supone uno de los primeros artistas del estilo barroco. Por su excéntrica personalidad Caravaggio fue considerado enigmático, fascinante, rebelde y peligroso. fue expulsado de Roma en 1606 por matar a un hombre durante una pelea. Caravaggio después marchó a Malta, ingresando en la Orden de Malta, ya que tenía una formación religiosa notable, en la cual solo estuvo tres meses, ya que de nuevo fue expulsado por asesinato, esta vez de un compañero de la orden. Caravaggio luego se desplazó hacia Nápoles y Sicilia en donde siguió cosechando enemigos hasta su muerte en 1610. En pintura Caravaggio hizo gran uso del claroscuro y sus pinturas trataban generalmente el tema religioso. No dudó nunca en fijarse como modelos para sus trabajos en prostitutas o mendigos.
  • 20. Judith y Holofernes (1599). Es una obra que muestra la crueldad y la impasibilidad de Judith mientras asesina al general Holofernes. Caravaggio le dio un gran realismo porque pretendía transmitir, ante todo, crudeza. La crucifixión de San Pedro (1600-1601). Caravaggio pintó a San Pedro de una forma antiheroica y casi humillante para ensalzar las virtudes del santo. La incredulidad de Santo Tomás (1602). Cuadro que representa el momento en el que Cristo le pide a Santo Tomás que meta los dedos en sus llagas para que compruebe que es cierto que ha vuelto. Intenta plasmar la fuerte sorpresa del santo y quienes lo rodean.
  • 21. Velazquez Diego de Silva Velázquez nació en Sevilla en 1599. Fue uno de los grandes maestros del barroco. A los 11 años entró en el taller de Francisco Pacheco. Es el pintor más grande que ha habido en España. Mientras estuvo en Sevilla tuvo una serie de características distintas a las de su época madrileña. La etapa Sevillana se caracteriza por el tenebrismo, gran realismo, no es naturalista pero sí retrata a la gente de pueblo. Una característica de Velázquez que mantiene hasta el final de su obra es que lo que aparentemente es una temática cotidiana y normal, encierra otra mucho más trascendental. Pintura reposada y serena cierto clasicismo y gran elegancia, nada de recargamiento. Pincelada cada vez más suelta y desenvuelta, pintaba a base de manchas de color. Murió en Madrid en 1660.
  • 22. Las meninas (1656). Trata de reflejar una escena cotidiana en el palacio y la corte de Felipe IV, pero está cargada de simbolismo barroco. Velázquez defiende la pintura como un arte noble y no como un oficio incluyéndose a sí mismo en el retrato real. Hay mucha discusión sobre sus diferentes interpretaciones. La fragua de Vulcano (1630). Es un símbolo de la humanización de los dioses, ya que recoge un tema mitológico pero los presenta como si fueran personas normales, con actividades mundanas. Esto se debe a la decadencia barroca de los valores sociales y religiosos, que pueden verse reflejados en este cuadro. Vieja friendo huevos (1618 aproximadamente). Trata de plasmar la decadente sociedad barroca y sus penurias, retratando a una mujer pobre y vieja que cocina de forma humilde.
  • 23. Goya Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, un pueblecito de la provincia de Zaragoza. Se formó en el taller de José Luzán y posteriormente viajó a Roma, donde estudió el barroco italiano. En 1785 se convierte en pintor del rey Carlos III y en 1799 en pintor de cámara del rey Carlos IV. Inicia grandes retratos, La marquesa de Solana o La Duquesa de Alba, que culminarán en La familia de Carlos IV. Todas estas obras, aunque siempre de compromiso por las exigencias de su clientela, revelan los cambios estilísticos de Goya. Hacia 1790 Goya sufre una enfermedad que le deja sordo. La sordera lo lleva al aislamiento y a la introspección, deja de contemplar la sociedad como un conjunto de costumbres amables y empieza a considerar el lado negativo donde destacan claramente cuatro temas principales: la corrupción de las costumbres, en las que tienen un gran papel la prostitución y el celestinaje; la superstición y la brujería; el anticlericalismo. Goya vivió entre dos épocas históricas, el Antiguo Régimen, con las monarquías absolutas y los estamentos privilegiados y el Régimen Liberal, nacido de los principios revolucionarios franceses, con la exaltación de las clases medias y la soberanía popular, y es enormemente realista en cuanto a los hechos y se sitúa al lado del pueblo que es quien padece los acontecimientos. La vuelta de Fernando VII y la instalación del absolutismo en el país hacen que Goya se exilie a Burdeos. Sus últimos años los pasó allí, donde falleció en 1828.
  • 24. Los fusilamientos del 3 de mayo (1814). Intenta transmitir la violencia y la crueldad de la invasión francesa en España, el sentimiento patriótico del autor y la defensa de la libertad de los que se alzaron contra los napoleónicos. Es una de las obras maestras de la pintura española en cuanto a expresividad y dramatismo. Saturno devorando a un hijo (1819). Pretende mostrar la atrocidad, la mutilación del cuerpo humano, la violencia y la locura. Este cuadro es de los últimos de Goya, enmarcado en la etapa en la que fue perdiendo la cabeza y sus temas eran cada vez más macabros. Viejos comiendo sopa (1819). Transmite ironía y un ambiente lúgubre y deprimente en el que un viejo come sopa mientras parece hablar o reírse con un cadáver.
  • 25. El Greco Doménikos Theotokópoulos, originario de Candía (actual Heraclion), capital de la isla de Creta, Grecia, donde nació en 1541. Respecto a los primeros años de su vida no se conocen demasiados datos, sólo que procedía de una próspera familia burguesa, y que recibió una amplia formación humanística. Fue uno de los artistas que mejor supo entender y desarrollar el Manierismo. En 1566 se trasladó a Venecia donde asimiló la pintura renacentista. En 1570 Doménikos se fue a Roma, donde vivió siete años. Allí pudo admirar las obras de Miguel ángel, Rafael y Correggio. Asimismo en esa ciudad abrió su propio taller y enseguida logró una sólida reputación como retratista, lo que le permitió frecuentar los ambientes más relevantes de la sociedad e intelectualidad italiana y española. Fue en 1576 cuando Doménikos decidió marcharse a España, con la esperanza de ser contratado para la decoración del Monasterio de El Escorial. en Toledo, la ciudad donde sí pudo triunfar, contó con la protección de varios personajes cultos e influyentes que le encargaban sus obras más espectaculares, estableciendo con la mayoría de ellos una amistad. El Greco estableció su hogar en la Ciudad Imperial, donde formó su taller, dedicándose a la elaboración de cuadros, diseño de retablos y escultura.
  • 26. El entierro del conde de Orgaz (1586-1587). El Greco intentó reflejar las dos dimensiones de la vida de los hombres. En la parte interior se simboliza lo terrenal, la muerte; mientras que en la superior vemos el cielo y la vida eterna. Es un cuadro de fuerte carácter religioso. El expolio (1577-1579). Ensalza la serenidad de Cristo cuando lo llevan para ser crucificado, y hay un gran contraste entre la gente, que está en posiciones caóticas y “en movimiento”, y la imagen de Cristo, que espera tranquilo mirando hacia arriba. Martirio de San Mauricio (1580-1582). Aunque el martirio esté en segundo plano, se dibuja el sufrimiento de San Mauricio y cómo el cielo se abre para recibirlo. Conlleva un mensaje espiritual.
  • 27. Rubens Pedro Pablo Rubens nació en Sieges, Alemania, en 1577. Cuando su padre murió siendo él un niño se fue a vivir a Amberes con su madre y hermanos. Su primer aprendizaje artístico fue con Tobias Verhaecht, un pintor flamenco de paisajes. Después, se formó en el taller de Adam van Noort y en el de Otto van Veen, todos pintores flamencos. A los 21 años, concluye su formación superando el examen de maestro ante la Guilda de San Lucas de Amberes y viaja a Italia para ampliar su formación artística estudiando las obras del Renacimiento. Regresa a Amberes siendo considerado el pintor más importante de Flandes y requerido como pintor de corte del archiduque austriaco Alberto y de su esposa, la infanta española Isabel. La fama de Rubens se extendió a todas las cortes europeas y recibió tantos encargos que tuvo que crear en su casa un gran taller, en el que él sólo realizaba el boceto inicial y los toques finales, mientras que sus aprendices se encargaban de las fases intermedias. Finalmente, falleció el 30 de Mayo de 1640 en su casa de Amberes.
  • 28. El jardín del amor (1630). Rubens hace un homenaje a su esposa, con quien se casó poco antes de pintar el cuadro, ya que este es una alegoría al matrimonio, al amor y a lo bucólico. Refleja además el ideal de belleza femenina, representado en la figura de su mujer (quien aparece en el cuadro). El juicio de Paris (1638-1639). Temática mitológica que trata el asunto del soborno. En el cuadro, Paris le ofrece una manzana a una tríada de diosas como forma de escapar a su juicio. Las tres gracias (1636-1639). Es una alegoría a la sensualidad de la mujer, su belleza carnal y los cánones de esa época (que son muy distintos a los actuales). Se cree también que el pintor intentó representar la armonía, ya que las tres Gracias aparecen agarradas por los brazos.
  • 29. Rembrandt Rembrandt nació en Leiden, Holanda, 1606. Hijo de un molinero y de una panadera Su primer maestro es Jacob Van Svanenburgh, con quien estudia tres años antes de marcharse a Amsterdam donde es discípulo de Peter Lastman y permanece hasta su muerte. Se casa con Saskia Van Uylen Borch, con la cual tiene cuatro hijos, de los cuales el único sobreviviente es Tito. Parece ser que la única etapa de felicidad que tiene es la de su vida matrimonial. Su estilo parte del tenebrismo, aunque la combinación de luces y sombras lo asemejan un poco a Caravaggio con la diferencia de los misteriosos rayos dorados que sólo éste sabe intercalar como hilos de oro. Trabaja todos los géneros, desde los bíblicos hasta paisajes y bodegones. Trabaja también como retratista y son inmejorables los autorretratos que realiza desde su juventud hasta su vejez. Para acentuar la caracterización, Rembrandt utiliza un profundo colorido y una luz brillante. Después de la muerte de su esposa convive con el ama de llaves, quien cuida de su hijo Tito y hace las veces de modelo. Muere en Amsterdam en 1669.
  • 30. El hijo pródigo (1669). Simboliza el perdón, lo cual puede tener relación con que esta obra fue realizada al final de la vida de Rembrandt. Ronda de noche (1642). Rembrandt intenta captar el momento en el que una milicia de vigilancia sale a hacer una ronda, una tradición holandesa muy de moda en ese tiempo. Lección de anatomía (1632). El cuadro representa el afán por el conocimiento, ejemplificando la curiosidad del cuerpo humano y la anatomía.
  • 31. José de Ribera José de Ribera Pintor barroco español. Nació en Valencia en 1591 y casi no se conocen datos sobre su primera formación artística, aunque aparece en documentado en Italia, concretamente en Parma en 1611. Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o claroscuro del pintor italiano Caravaggio. La mayor parte de sus temas pictóricos presentan una iconografía religiosa; el artista plasma de una forma muy explícita e intensamente emocional escenas de martirios. Sin embargo, realizó también obras de carácter profano, como figuras de filósofos, temáticas mitológicas y algunos retratos. dentro de su evolución estilística debemos destacar un segundo momento en el que Ribera, a partir de la década de 1630, abandona en parte ese tenebrismo caravaggesco tan férreo y se abre a un concepto pictórico más luminista. Al final de la década de 1640, Ribera va a experimentar un nuevo cambio estilístico que le vuelve a acercar en cierta medida a las composiciones tenebristas de su primer momento pictórico sin abandonar los avances de su segunda etapa; las causas fueron sus desgraciadas circunstancias personales. Muere en Nápoles en 1652.
  • 32. La mujer barbuda (1631). Pretende causar impacto en el espectador al mostrar algo antinatural, algo que en esa época se veía como una aberración de la naturaleza. De Ribera pretendía con esta obra retratar el gusto barroco por lo deforme, lo raro, lo que era opuesto al equilibrio y al buen gusto estético. Martirio de San Felipe (1639). Un cuadro de temática religiosa con el que Ribera pretendía expresar el sufrimiento y la angustia del santo ante el martirio al que iba a ser sometido. San Andrés apóstol (1630). Otro cuadro religioso con el que Ribera quería transmitir la serenidad del santo, que aparece en una escena lúgubre y tenebrosa. El hecho de que aparezca abrazado a la cruz donde lo martirizaron refleja su valentía.
  • 33. Miró Joan Miró, Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Miró nació en 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Galí. En 1920 se trasladó a París, encontrándose con Pablo Picasso, donde, bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, fue madurando su estilo. Miró arranca de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. tras el inicio de la II Guerra Mundial volvió a España en 1940, donde llevó una vida retirada durante toda la dictadura franquista. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido una mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró en Barcelona, inaugurada en 1975. Murió en 1983 en Mayorca.
  • 34. Bodegón del zapato viejo (1937). Con este cuadro surrealista, Miró pretendía contar los horrores de la Guerra Civil y la pobreza de la población, que tenía muchas carencias. Interior holandés (1928). Está influenciado por un viaje que Miró realizó a Holanda, y por ello en este cuadro intenta dar su particular visión sobre la vida en Holanda y los detalles que más le marcaron en su estancia. Retrato de bailarina española (1928). Simboliza el papel de la mujer en la sociedad y la idea que Miró tiene de ella, simplificando la figura humana pero colocándole un llamativo corazón rojo a modo de tronco que alaba su naturaleza bondadosa.
  • 35. Monet Monet Nace el 14 de noviembre de 1840 en el 45 de la rue Lafitte, en el seno de una familia de comerciantes. Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. En 1861 le toca hacer el servicio militar en Argelia, en la legión africana. En el otoño de 1862 Monet regresaba a París, acudiendo al taller de Auguste Toulmouche. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Paulatinamente va abandonando su pintura de figuras para dedicarse al paisaje puro y a los estudios de luz y atmósfera, interesándose por captar la luz a diferentes horas del día en un punto determinado. Murió en Giverny, Francia, en 1926.
  • 36. Mujeres en el jardín (1867). Pretende plasmar la naturalidad de las mujeres y una sensación bucólica y de tranquilidad. Nenúfares (1920-1926). La interpretación de este cuadro no está clara. Monet pintó cerca de ocho cuadros de nenúfares de forma casi obsesiva al final de su vida, pero se desconoce qué pretendía simbolizar con la obra. Sol naciente (1872-1873). Se pretende sugerir el paisaje, la escena en la que los barcos navegan por el río mientras sale el sol, pero de forma discreta y dejando mucho a la imaginación, como era típico en el Impresionismo.
  • 37. Picasso Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1881. Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos. Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte en.
  • 38. Autorretrato (1906). Picasso intentó dar su visión sobre cómo se veía a sí mismo y plasmarlo en un cuadro. El Guernica (1937). Es un símbolo del sufrimiento que padecen los que viven una guerra, en este caso, la Guerra Civil española. Picasso sostenía que el arte no era para estar colgado en una pared, sino para servir como arma y defensa ante el enemigo, y por ello realizó este cuadro, para dar “publicidad” al padecimiento español. Los tres músicos (1921). Representa el caótico mundo del arte, que aparece en los símbolos del desorden, la partitura musical, los instrumentos que tocan los distintos personajes del cuadro, etc.
  • 39. Dalí Eugenio Salvador Dalí i Doménech nace en Figueras en 1904. Pintor y escultor, se integra en el grupo de poetas y artistas conocido posteriormente por la generación del 27. Se convirtió en la figura más brillante del surrealismo pictórico. En 1939 se traslada a los EEUU cuyo paisaje se convirtió en el motivo principal de su obra. A su regreso a España en 1948 siguió, según él, la tradición espiritual de Zurbarán, Murillo, Valdés Leal y los grandes místicos de la literatura castellana. Su interés por los efectos visuales lo lleva al uso de la holografía y a la realización de pinturas estereoscópicas. Creó la escenografía y los figurines de muchos ballets, y en teatro colabora con Visconti y con Luis Escobar. Ilustra libros y diseña joyas, esculturas y objetos diversos. Tras la muerte de su esposa Gala en 1982, constituye la fundación Gala-Salvador Dalí que administra su legado. Muere el 23 de enero de 1989 en Figueras.
  • 40. El gran masturbador (1929). La obra de Dalí está llena de un complicado simbolismo. En este caso, el cuadro representa el temor de Dalí a caer por completo en la locura, su obsesión por el sexo y el miedo a la represión de su forma de vida. La persistencia de la memoria (1931). Habla del paso del tiempo, de la fugacidad de la vida y de cómo los recuerdos persisten por mucho tiempo que pase. Muchacha asomada a la ventana (1925). Pretende introducirnos al paisaje que se ve por la ventana gracias a la intervención de la chica que mira a través de ella. Quiere transmitir sencillez.
  • 41. Sorolla Joaquín Sorolla, Pintor español nacido en Valencia en 1863. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. Un viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Sin embargo, fue un artista muy activo, que realizó también numerosos retratos de personalidades españolas y algunas obras de denuncia social. Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una desahogada posición social. Su fama rebasó las fronteras españolas para extenderse por toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias ocasiones. En el estilo más característico de Sorolla, el de técnica y concepción impresionista, destaca la representación de la figura humana sobre un fondo de playa o de paisaje, donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan valor a temas en sí mismo intrascendentes. Murió en Cercedilla, España, en 1923.
  • 42. Ayamonte. Pesca del atún (1929). Quiere dejar constancia de una escena cotidiana en la vida del pueblo de Ayamonte, que es el mercado de pescado cuando los marineros vuelven de trabajar. A Sorolla le gustaba plasmar situaciones cotidianas. Marina (1880). Su intención era transmitir la fuerza del mar y su importancia para los pueblos pesqueros. Refleja un día cualquiera en el puerto, con los barcos esperando para salir al mar o recién llegados.
  • 43. Mirón Fue el principal escultor griego de su tiempo, exponente del llamado estilo severo y precursor de los grandes maestros del clasicismo pleno. Nació en Beocia, pero desarrolló su actividad, entre el 470 y el 440 a.C. aproximadamente, en Atenas. Las fuentes literarias le atribuyen numerosos obras, en particular estatuas de atletas y héroes. Sin embargo, sólo se le han podido asignar con certeza tres, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos. Las dos primeras, sobre todo, son emblemáticas del estilo de Mirón, centrado en la plasmación del movimiento a través de las tensiones del cuerpo. El Discóbolo, que está captado en el instante anterior a la realización de un movimiento violento, constituye un ejemplo magistral de equilibrio dinámico, de desnudo juvenil ágil y vivo.
  • 44. Discóbolo (alrededor del 455 a.C.). Mirón trató de representar la fuerza del atleta, el momento en el que se dispone a lanzar el disco y por lo tanto su cuerpo está en máxima tensión. Es una referencia también a la importancia del potencial físico. Minotauro (fecha desconocida). Perteneciente a un grupo escultórico, representa a una figura clásica de la mitología griega a la vez que refleja la potencia física y la fuerza, características a las que se le daba importancia en su época. Atenea y Marsias (alrededor del 450-460 a.C.). Representa a la diosa Atenea lanzando una flauta al suelo y convirtiendo a un sátiro que la observa en un virtuoso de la música. Mirón se centraba más en la forma escultórica que en el significado, ya que su objetivo era el de transmitir movimiento en sus obras.
  • 45. Fidias fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, nacido posiblemente hacia el 490 a.c, pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas (Atenea Partenos dentro del Partenón y Atenea Promacos) y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia. Las obras atenienses fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle, si bien esto no es seguro. Se conocen pocos detalles de la vida de Fidias. Se sabe que nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Se tienen diversos relatos sobre su formación. Hegias de Atenas, Agéladas de Argos, y el pintor de Tasos Polignoto, han sido todos ellos considerados maestros suyos. Algunas de sus obras sobreviven presuntamente a través de copias romanas, y de fragmento originales atribuídos a ellas, o son en base conjeturales. De la misma manera, su muerte es centro de controversia y no se saben las causas que la pudieron haber provocado. A pesar de la casi total ausencia de datos concretos sobre su vida, Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido unánimemente como uno de los escultores más importantes de Occidente. Murió cerca del 431 a.c
  • 46. Atenea Partenos (440 a.C. aproximadamente). Estatua de la diosa Atenea que simboliza su belleza y su poder en el Partenón. Atenea Lemnia (fecha desconocida). Busto de la diosa Atenea, que aquí no es representada de una forma tan poderosa como la de Atenea Partenos, sino que intenta expresar su lado humano y su belleza. Relieve de los dioses (440 a.C. aproximadamente). Muestra a los dioses como seres solemnes y tranquilos, este relieve es un símbolo de su poder en la tierra.
  • 47. Praxíteles, escultor griego. Se cree que era hijo de Cefisodoto el Viejo. Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a. C. en Atenas y se sitúa casi al mismo nivel de fama y prestigio que la de Fidias en el siglo anterior. Se alejó de la tradición anterior al preferir como material el mármol, más que el bronce, pero se mantuvo en la línea de sus antecesores por su elección como modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada. Desde este punto de partida, evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los sentimientos. Sus obras se conocen a través de copias romanas. La que gozó de mayor renombre en la Antigüedad fue la Afrodita de Cnido, estatua de tamaño natural de la diosa en la que por primera vez se la representa desnuda.
  • 48. Afrodita de Cnido (o Afrodita saliendo del baño, 360 a.C.). Es el primer desnudo total de una mujer que se conserva, y con él el autor pretendió transmitir la sensualidad y la fertilidad femenina de la diosa Afrodita. Apolo Sauróctono (siglo IV a. C., fecha sin determinar). Representa al dios Apolo en condición de pastor, relajado y en actitud infantil. Esto simboliza la creencia religiosa de los griegos de que los dioses podían caminar por el mundo terrenal en múltiples representaciones. Hermes y Dionisios (entre 350 y 330 a.C.). Es una alegoría a la paz y la convivencia, ya que Hermes (patrón de la región griega de Elis) aparece protegiendo a Dionisio (patrón de Arcadia), y en esa época ambos estaban enfrentados. Transmite además el canon de belleza griego.
  • 49. Miguel Ángel Bounarrotti, escultor, pintor y arquitecto Florentino nacido en 1475. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. Recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos. Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Falleció en Roma en 1564.
  • 50. David (1501-1504). Presenta a David a punto de comenzar la lucha contra Goliat, y podemos encontrar dos características relevantes que el autor transmite: por un lado, la belleza ideal del David y sus proporciones perfectas, y por otro su expresión de odio y tensión hacia su enemigo. Moisés (1513-1515). Esta escultura tiene un fuerte contenido psicológico, que es lo que Miguel Ángel intenta transmitir por todos los medios. El personaje se encuentra tenso, en un momento de ira, y todo su cuerpo es un claro ejemplo de la fuerza y la potencia, no solo física, sino también espiritual. La piedad (1498-1499). Con esta escultura de la Virgen, el autor refleja sentimientos de ternura, piedad y bondad mientras esta sostiene a Cristo entre sus brazos. Es también un modelo de belleza renacentista, ya que la Virgen aparece joven y bella.
  • 51. Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles, Italia, en 1598. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo XVII. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como mecenas a los papas Pablo V , Urbano VIII. Emigró a Roma junto a su padre donde estudios de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Angel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas. Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista contaba con 69 años de edad. La técnica de Bernini, cuando trabaja en marmol, es de un realismo impresionante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su época, apartándose de la manera de Miguel Ángel e influenciando para siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura. Murió en 1680 en Roma.
  • 52. Apolo y Dafne (1621-1624). Recoge el tema mitológico de la conversión de la ninfa Dafne en laurel mientras Apolo la perseguía por haberse encaprichado con ella. Bernini pretendía representar el movimiento de la escena en el momento de la transformación, así como la sorpresa de Dafne y la resignación de Apolo, que no sabe cómo actuar. Éxtasis de Santa Teresa (1647-1651). Representa una alucinación de santa Teresa en la que un ángel iba a atravesarle el pecho con una daga, plasmando el misticismo y el éxtasis de la santa en ese momento, pero también la pena ante la muerte. Fuente de los cuatro ríos (1651). Es una estatua que personifica en cuatro gigantes a los cuatro grandes ríos de los continentes conocidos en esa época. Busca expresar la grandeza y el poderío, así como suscitar admiración.
  • 53. Alonso Berruguete Hijo del también pintor Pedro Berruguete, bajo cuya tutela comenzará su aprendizaje artístico antes de su marcha en 1507 a Italia, se sabe que nació en la localidad de Paredes de Nava, acontecimiento que debió producirse hacia 1490. Formado en Roma y Florencia, tendrá la ocasión de poder entrar en contacto con jóvenes artistas manieristas, así como de conocer las composiciones de la Antigüedad clásica y estudiar la obra de Leonardo, Donatello, Rafael y Miguel Ángel, antes de regresar a España alrededor de 1517. Será el año de 1523 el momento clave a partir del cual comience a desarrollar su actividad como escultor, fijando su residencia y taller en Valladolid. Murió en Toledo en 1561.
  • 54. Sacrificio de Isaac (1527-1532). Berruguete está representando una escena bíblica en la que Abraham está a punto de degollar a su hijo Isaac, antes de ser detenido por la mano de un ángel. El escultor intenta transmitir el sufrimiento de un padre a punto de matar a su hijo. San Sebastián (1527). El autor plasma la angustia de San Sebastián mientras está siendo martirizado, lo cual se ve en la expresión del santo.
  • 55. Donato di Niccolò di Betto Bardi nacido en Florencia alrededor del año de 1386, ya desde joven es posible encontrarle ejerciendo el oficio de escultor. Habitualmente se ha establecido este periodo inicial como el de formación, considerándose su producción a partir de 1425,fecha en la que comienza a trabajar con Michelozzo, propiamente clasicista. En la capital romana, ciudad a la que se trasladará con su nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado una estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando el legado de la Antigüedad, dejará constancia de su maestría en piezas como El entierro de Cristo. Magnífico será el David en bronce realizado hacia 1435 para el palacio que los Médici poseían en la Vía Larga florentina y que inaugurará una relación de colaboración con dicha familia. En esta obra se puede apreciar toda la madurez y el dominio de Donatello a la hora de representar la anatomía humana. A partir de 1443 va a entrar en contacto con la corriente artística que se estaba desarrollando en Padua, hecho que resultará decisivo en el giro que tomará su escultura durante la segunda mitad del siglo. Fallece en Florencia en 1466.
  • 56. David (1440). Representa la figura de David de una manera más afeminada y natural, expresando serenidad y tranquilidad en la figura. Es un modelo plenamente renacentista. María Magdalena penitente (1455). Magdalena está representada de una forma demacrada y como inacabada, lo cual rompe con los cánones renacentistas para tratar de transmitir más dramatismo ante la desgracia del personaje. San Marcos (1411-1413). Está enfocada a representar la integridad moral y espiritual del santo, que aparece con un gran aire de serenidad y sabiduría.
  • 57. Juan Martínez Montañes, escultor español nacido en Alcalá la Real en 1568. Es una figura sobresaliente de la escultura en madera policromada, la técnica escultórica que alcanzó mayor desarrollo en la España de los siglos XVI- XVII. Llevó a cabo una producción vastísima, religiosa en su totalidad con la única excepción de un busto de Felipe IV. Su obra influyó en escultores como Alonso Cano y Juan de Mesa, de quienes fue maestro, y también en los principales pintores de la escuela sevillana del siglo XVII, entre ellos Velázquez y Zurbarán. Murió en Sevilla en 1649.
  • 58. Clemencia (1603-1604). Transmite una gran religiosidad y el sufrimiento de Cristo en la cruz, como la mayoría de las esculturas que tratan el tema de la crucifixión. Niño Jesús (1606-1607). Pretende transmitir la inocencia del Niño Jesús y representarlo solo, tendiendo la mano como animando al que lo ve a acercarse a él. Santo Domingo penitente (1605). Representa el éxtasis espiritual en el que se encontraba el santo mientras hacía penitencia y su misticismo.
  • 59. Juan de Mesa y Velasco nació en 1583 en Córdoba. Fue uno de los escultores más relevantes del barroco andaluz. Pertenece a la primera generación de discípulos de Martínez Montañés. Ingresó en su taller de Sevilla a los veintitrés años, llegando, incluso, a superar al maestro. En la actualidad, Juan de Mesa está considerado como uno de los representantes más importantes del realismo sevillano. Se dedicó casi en exclusividad a las imágenes procesionales, realizando numerosos estudios anatómicos de figuras humanas reales, vivas y muertas, para luego plasmarlas en sus obras con gran realismo. Destaca la serie de crucificados que realizó a partir de los modelos de Montañés. En ellos refleja distintos momentos de la Crucifixión, donde expresa con gran dramatismo el proceso y la muerte de Jesús. Murió en Sevilla en 1627.
  • 60. Cristo de la Buena Muerte (1620). De temática religiosa, como todas sus obras, esta escultura representa el momento de la crucifixión de Cristo y transmite su resignación mientras pendía de la cruz. San Juan Bautista (1623). Se centra en transmitir la angustia del santo, poniéndole un rostro cansado y preocupado lleno de expresividad. Virgen de las Angustias (1627). Llevando a Cristo muerto en sus brazos, esta escultura está centrada en la expresión de la virgen, con la que Juan de Mesa intentó captar angustia y dolor.
  • 61. Antonio Canova, escultor italiano nacido en Italia en 1757. A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma, donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman y Milizia. todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. No fue Canova un escultor nato y de cincel fácil, sino que se forjó a través del estudio y el trabajo. Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la que se ha perpetuado su figura en la historia del arte. El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Murió en Venecia en 1822.
  • 62. Eros y Psique (1787-1793). Representa un momento mitológico en el que Eros, dios del amor, despierta a Psique (personificación del alma) dándole un beso. Es una escultura que intenta transmitir una idea platónica del amor y la pasión. Las tres gracias (1816). Canova usó esta escultura para transmitir el canon de belleza ideal de su época. Paulina Bonaparte (1807). Pretendía representar la sensualidad y el poder de Paulina Bonaparte, hermana de Napoleón, a quien se representa como si fuera Venus.
  • 63. FOTÓGRAFOS
  • 64. Alfred Stieglitz Alfred Stieglitz Fotógrafo y marchante de arte nació en 1864 en Hoboken, Estados Unidos. Fue uno de los impulsores y principales representantes de la corriente fotográfica pictorealista, que promocionó desde la dirección del grupo Photo-Secession (1900) y de la revista Camera work (1902), ambos fundados por él mismo y, en el caso de esta última, la primera del mundo en su estilo. ejerció una gran influencia en la evolución del arte de su país, a la que también contribuyó con su apoyo a artistas jóvenes que cultivaban tendencias avanzadas. A partir de 1925 regentó las galerías Intimate y An American Place y editó numerosas publicaciones dedicadas a la fotografía y al arte en general. Murió en 1946 en Nueva York
  • 65. Invierno en la quinta avenida (1892). Stieglitz pretendía que la fotografía fuera considerada como un medio artístico igual a la pintura. Se dedicó a retratar la gran ciudad de Nueva York; en este caso, ilustrando la dureza del invierno. La ciudad de la ambición (1910). Otra de las características de este fotógrafo es que se dedicó a plasmar la acción del hombre en las ciudades, la industrialización y el avance tecnológico. Con esta imagen de fábricas echando humo, trataba de transmitir esa idea, además de una cierta crítica hacia este fenómeno que avanzaba a pasos agigantados. La mano del hombre (1902). Al igual que en la fotografía anterior, en esta se nos muestra otro efecto de la industrialización: la máquina de vapor, que simboliza el avance tecnológico.
  • 66. INGO ARND Ingo Arnd nació en Frankfurt en 1968. Pasó toda su infancia rodeado de naturaleza y al aire libre. Pronto se dio cuenta de que la fotografía era un medio efectivo para la protección del medio ambiente por lo que después de acabar sus estudios Ingo se sumergió en la vida aventurera de un fotógrafo profesional. Desde entonces ha viajado por todo el mundo como fotógrafo de vida silvestre. Ha recibido multitud de premios por sus fotografías que se publican anualmente en diversas revistas internacionales.
  • 67. Guanacos en la Patagonia (1992-2010). Con todas sus fotografías, lo que Ingo Arndt pretende es acercar el mundo natural a los demás, mostrar detalles increíbles de la naturaleza para intentar concienciar a la gente de la importancia de la naturaleza y su cuidado. En esta foto nos muestra a un guanaco que se apoya sobre otro con aspecto relajado, casi como si fueran dos seres humanos. Medusa transparente (1992-2010). La foto de esta extraña medusa prácticamente desconocida hasta ahora nos intenta mostrar que lo que sabemos sobre la naturaleza es una gota en un océano, y que aún queda mucho por descubrir. Camaleón (1992-2010). Al igual que la fotografía “Guanacos en la Patagonia”, nos acerca una divertida imagen de un camaleón sacándole la lengua a la cámara, proporcionándonos una perspectiva nueva del animal.
  • 68. ALEXANDER RODCHENKO Alexander Rodchenko nació en San Petesburgo, Rusia en 1891. Se mudó con su familia a Kazán, el este de Rusia. Estudió en la Escuela de Arte de Kazán instruido por Nikolai Feshin y Georgii Medvedev, y en el Instituto Stroganov de Moscú. En 1920 el Gobierno Bolshevike lo nombró director del Departamento de Museos, cargo desde el cual realizó una importante reorganización de escuelas de arte y museos. Fue profesor en la Escuela de Estudios Superiores de Arte entre 1920 y 1930.Se hizo miembro del grupo Productivista en el año 1921, este grupo abogaba por la incorporación del arte a la vida cotidiana. Rodchenko renunció a la pintura para concentrar sus esfuerzos en el diseño de posters, libros y afiches para cine. Recibió una gran influencia del cineasta Dziga Vertov, con quien trabajó intensamente en el año 1922. Entre 1923 y 1928 Rodchenko colaboró con Mayakovski (de quien tomó varios impactantes retratos) en el diseño de LEF y Novy LEF, publicaciones de artistas constructivistas. Muchas de sus fotografías aparecieron dentro de la publicación y también fueron portada. Continuó organizando exposiciones de fotografía para el gobierno durante esos años. Murió en Moscú en el año 1956.
  • 69. Club de dinamo (1935). Representa la masificación y cómo la gente es capaz de organizarse hasta convertirse en uno, aunque con un cierto toque crítico hacia la sociedad. Rodchenko era un fotógrafo con una fuerte carga social en todas sus obras, y trataba de plasmar las situaciones que vivían los hombres de las ciudades modernas. Mujer (entre 1930 y 1935). En ella vemos a una joven mujer obrera que se ríe y grita con energía, como un símbolo de la nueva fuerza que iban tomando las mujeres en esa época. Rodchenko intentó captar cómo la mujer comenzaba a desenvolverse en el mundo moderno. Sin título (fecha desconocida). De esta foto se desconoce tanto el título como la fecha, y es un reflejo de lo que se ve también en la obra “Club de dinamo”: la masificación y esa sensación de ir todos hacia un mismo sitio porque así está impuesto, mientras un guardia vigila a los caminantes.
  • 70. MICHEL MARTIN Michael Martin nació en Munich en 1963. Estudió Geografía, Etnología y Ciencias Políticas en Munich. Brillante fotógrafo y cualificado geógrafo alemán. Amante de los desiertos. Lleva veinte años explorando los más remotos lugares del mundo. Ha publicado 15 libros de fotografía. Sus más recientes publicaciones fueron sobre los desiertos de África. En 1999 comenzó el último de sus proyectos: "Desiertos de la Tierra", publicado en cinco idiomas.
  • 71. Montañas (fecha desconocida). En ella se ve al propio Michael Martin hacienda una fotografía con unas montañas de fondo. El autor pretende transmitir su imagen al lado de la inmensidad del paisaje, haciendo una comparación contrastiva entre lo grande que es la naturaleza y lo pequeño que parece él. Dunas y Desierto del Sahara (fecha desconocida). Retratan dos partes del Sahara para demostrar la belleza del desierto y la diversidad de paisajes que pueden encontrarse en él, para acercarle al espectador un mundo visual desconocido.
  • 72. Nacido en Zaragoza en 1972, Kike Calvo demuestra una gran sensibilidad en sus imágenes de la naturaleza. Autodidacta, comenzó con la fotografía luego de un viaje a Nicaragua en que contaba con una cámara prestada por su tío para retratar la realidad de ese país. Tras haber estudiado Economía en la Universidad de Zaragoza, dedicarse a la fotografía le llevó a formarse en escuelas como la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas, y lleva ganados varios premios en su especialidad. Ha exhibido su trabajo innumerables veces, en la oficina central de las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de la Nueva York, de Chicago o de Manila (Filipinas) y en el Museo Pablo Serrano (España).
  • 73. Beduinos (1995-2010). Muestra a unos beduinos caminando por el Sáhara, como un símbolo de la diversidad cultural y la gran cantidad de estilos de vida del planeta. El mayor de los felinos (1995-2010). Calvo trata, como todos los fotógrafos que retratan el mundo natural, mostrar escenas curiosas o impactantes sobre la belleza de la naturaleza. En este caso, con un primer plano de un imponente jaguar. Ojos de búho (1995-2010). Aquí nos presenta una fotografía de unos búhos que parecen tener expresiones casi humanas de enfado y sorpresa. Calvo está muy involucrado en la conservación del medio ambiente, y de ahí ese paralelismo entre búhos y personas.
  • 74. LIBRES
  • 75. CLINT EASTWOOD Clinton Eastwood Jr. nació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Debutó en el cine en 1955. En los comienzos de su carrera intervino en once películas como actor contratado para Universal Pictures. Consiguió su primera gran oportunidad en la serie de televisión Rawhide, en la que interpretó al cowboy Rowdy Yates durante seis temporadas. De vuelta en el cine, Clint trabajó durante los años 60 en westerns como Por un puñado de dólares y, sobre todo, El bueno, el feo y el malo, un éxito de taquilla que le convirtió en estrella internacional. En las décadas siguientes, Eastwood consolidó su status como uno de los actores más respetados de Hollywood. Su debut en la dirección tuvo lugar en 1971 con el thriller Escalofrío en la noche, y desde entonces no ha abandonado esa faceta. Aunque su gran momento como cineasta llegó en 1992, cuando consiguió el Oscar al mejor director
  • 76. Cartas desde Iwo Jima(2006). Narra la vida diaria de los soldados nipones que se encontraban en la isla de Iwo Jima durante el enfrentamiento bélico entre EE.UU y Japón. Durante el desarrollo de la película vemos los ideales radicales del Japón de la época y los soldados que allí se encuentran sufren a causa de esta mentalidad, basada en el honor, el valor y la devoción hacia la patria y su protección aunque les vaya la vida. Million Dolar Baby(2004). En ella, una joven chica atrapada en un empleo sin futuro, de clase baja y sin mayores aspiraciones que llegar a fin de mes decide comenzar a practicar boxeo llegando a ser una profesional reconocida. Esto nos transmite la variedad de situaciones que nos presenta la vida y como con esfuerzo todo es posible. Por otra parte trata otros temas trascendentales como la eutanasia ante el mal sin retorno. Gran Torino(2009). Se sitúa en unos Estados Unidos contemporáneos, donde en algunos barrios donde la inmigración es tan grande que el nativo pasa a ser el extranjero. La película trata de transmitir las dos caras de la inmigración. Por un lado la inmigración que viene a degradar y a malvivir al país y por otro la familia que intenta aportar a la comunidad a la que se ha trasladado.
  • 77. RIDLEY SCOTT Ridley Scott estudió arte y cine antes de iniciarse como diseñador de escenarios para la BBC. Fue en esta misma cadena de televisión donde comenzó su carrera como director, encargándose de varios capítulos de series y programas. Poco después abandonó ese trabajo para montar su propia productora, con la que realizó multitud de spots comerciales antes de emprender su primer proyecto en el cine, en 1977, con Los duelistas. En primer lugar, el thriller fantástico Alien, el octavo pasajero, un auténtico éxito de taquilla con el que el realizador británico se metió en el bolsillo a los amantes del terror y la ciencia ficción. Y en segundo lugar, el film futurista Blade Runner, que no tardó en convertirse en cinta de culto y punto de referencia para la estética del cine fantástico posterior. Sus últimos trabajos han tenido un éxito considerable, especialmente Gladiator, uno de los films triunfadores en los Oscar 2000.
  • 78. Alien, el octavo pasajero (1979). Scott trata aquí una de las temáticas más vistas en ciencia ficción y terror. Una nave llega a un planetoide donde habitan unos seres carnívoros e inteligentes, y los tripulantes comienzan su lucha por la supervivencia. El mensaje que se transmite es lo desconocido del universo, la posibilidad científica de que haya otro tipo de seres en el espacio, así como el fuerte instinto de supervivencia de los humanos. Blade Runner (1982). Ambientada en una ciudad futurista donde los humanos han creado una especie de seres idénticos a ellos para servirles, la película muestra la rebelión de estos seres, llamados replicantes. Aquí se ven reflejados valores como las ansias de vivir, la lucha por la libertad y la dignidad de los replicantes y es una crítica a la esclavización. Gladiator (2000). Trata de la venganza de un general romano cuya familia es asesinada, quien se convierte en gladiador para llegar hasta el nuevo emperador, causante de su desgracia. Se aprecia la fuerza de la corrupción política, la continua lucha del personaje por vengar la memoria de sus seres queridos y valores como el honor y la justicia.
  • 79. STEVEN SPIELBERG Steven Spielberg Director, productor y guionista cinematográfico estadounidense. Tras iniciar estudios de filología en la California State University, abandonó la universidad al ser contratado por la división televisiva de la productora Universal. La Universal depositó en él la confianza suficiente como para rodar Tiburón (1975), película de gran presupuesto y rodaje extremadamente accidentado que se convirtió en uno de los títulos más taquilleros de la historia. Con En busca del arca perdida (1981) revitalizó el género tradicional de aventuras, y E.T. el extraterrestre (1982), se convertiría en la película más taquillera de todos los tiempos. Tras rodar dos títulos más de la serie iniciada con En busca del arca perdida, alternó diversos éxitos y fracasos hasta recibir el reconocimiento de la Academia de Hollywood con los seis Oscar otorgados a La lista de Schindler, drama en blanco y negro sobre el genocidio judío. En 1997 rodó Salvar al soldado Ryan, filme bélico de extremado realismo y otro éxito de taquilla.
  • 80. Tiburón (1975). En ella se cuenta la historia de un inmenso tiburón que vive en una turística playa y que comienza a causar estragos entre los bañistas. Es una película en la que se muestra ante todo el terror colectivo y cómo reaccionan las masas humanas ante una amenaza determinada, centrándose en el aspecto psicológico del miedo hacia lo que puede hacernos daño. La lista de Schindler (1993). Se nos narra la dramática historia de Oscar Schindler, un empresario afiliado al partido nazi que consiguió salvar a un millar de judíos polacos durante el holocausto nazi. Transmite la barbarie y crudeza de los soldados de Hitler, el sufrimiento del pueblo judío, y sobre todo, la idea de que la bondad humana no tiene color político y está más allá de las creencias (representada en la figura de Schindler). E.T. el extraterrestre (1982). Película en la que un alien es abandonado por error en la Tierra y encuentra refugio en la casa de un niño, que hará todo lo posible por salvarlo de los estudios científicos a los que el gobierno quiere someterlo. El mensaje transmitido es que los lazos de amistad pueden ser insólitos, que muchas veces lo raro no tiene por qué ser malo, y se hace un gran contraste entre la deshumanización de las fuerzas políticas y la inocencia del extraterrestre.
  • 81. JAMES CAMERON James cameron Nacido en Ontario, Canada, el 16 de agosto de 1954, Cameron y su familia se mudaron a California en 1971, donde el futuro director decidió estudiar física. Luego de graduarse de la Universidad Estatal de California, James se sumergió en el mundo del cine. Cameron aprendía rápido, y pronto comenzó a crecer en la industria. En 1981 ya había escrito y dirigido su primera película, “Piranha II: The Spawning”. Su próxima película le permitió que la carrera de Cameron diera el gran salto. Era una historia de ciencia ficción escrita por Cameron llamada “The Terminator” (1984). En 1989 dirigió “The Abyss”, otra película de ciencia ficción, en la cual trabajaron los talentosos Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio. La película consiguió muchos seguidores, y la edición especial de la película que fue lanzada hace unos pocos años fue casi tan popular como la original. alcanzó el pináculo de su professión con “Titanic”, en 1997. Su relato del final del trasatlántico le valieron 14 nominaciones a los Oscar, ganando 11 de ellas. En 2009 estrenó “Avatar” que consiguió varias nominaciones a los Oscar y fue la película más taquillera

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