Musicaaaaaaaaaaaaaaaaa

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Musicaaaaaaaaaaaaaaaaa

  1. 1. La Historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y suordenación en el tiempo.Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, lahistoria de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venidosiendo habitual, a Occidente, donde se ha utilizado la expresión «historia de la música»para referirse a la historia de la música europea y su evolución en el mundo occidental.La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de la cultura,como la organización económica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y surelación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad, la visiónacerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes biográficas de cadaautor.En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, segúnalgunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de50 000 años.1 Es por tanto una manifestación cultural universal. oMúica en la Prehistoria (50.000 a.C. - 5.000 a.C)Artículo principal:Música en la prehistoria.Danza de Cogul (provincia de Lérida). En esta pintura rupestre varias mujeres danzanalrededor de un hombre desnudo. Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eranhabituales en casi todas las culturas prehistóricas.Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras quealgunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectualesvinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidadsupersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales deapareamiento y con el trabajo colectivo.2Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida ymuerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble
  2. 2. clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vidamientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. Tambiénaprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) paraproducir sonidos.Hay constancia de que hacia el 3000 a. C. en Sumeria ya contaban con instrumentos depercusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentacionessobre textos poéticos.En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde,alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmenteen ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones musicales delhombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado desu propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otrosseres.Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre quepodían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:a)Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que estánconstruidos, son instrumentos de percusión, hueso contra piedra por ejemplo.b)Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre.Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipientecualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.c)Cordófonos: de cuerda, el arpa.d)Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno delos primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso con agujeros.Mundo antiguo (5000 a. C.-476 d. C.)Artículo principal:Música en la Antigüedad.Antiguo Egipto y MesopotamiaLa música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para lossacerdotes, en el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contócon instrumentario rico y variado, algunos de los más representativos son el arpa comoinstrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En Mesopotamia losmúsicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca no solo enlos actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El
  3. 3. arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia. La expresión musical deMesopotamia es considerada origen de la cultura musical occidental.Antigua GreciaEscena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de la culturaindogriega. Era habitual encontrar a un músico tocando una siringa o similar. AncientOriental Museum de Tokio.En la Antigua Grecia, la música se vio influenciada por todas las civilizaciones que larodeaban, dada su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica,etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en susmúsicas como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia alvalor educativo y moral de la música. Por ello está muy relacionada con el poema épico.Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblomendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fueentonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía. Los sabios de laépoca resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras la considera «una medicina para elalma», y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional.Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos, acompañadosde danzas y el aulós, un instrumento parecido a la flauta. Surgen asimismo dramas,tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y lapoesía.Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulós, lasiringa (una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon(siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas.Antigua Roma
  4. 4. Euterpe con una flauta. Sarcófago de las musas. Museo del Louvre, en París.Roma conquistó Grecia, pero la cultura de esta era muy importante, y aunque ambasculturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a lamanera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música enlas grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendovertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de unamanera bohemia, rodeados siempre de fiestas.En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los autoresmás famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia siendo sumáximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales.A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Estos eran unosactores de origen etrusco que bailaban al ritmo de la tibia (una especie de aulós). Losromanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estosnuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ningunamúsica de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una comediade Terencio.Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquececonsiderablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto ylas que provenían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer antiguosestilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Eranhabituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claroque Roma valorara institucional y culturalmente a la música.La música en la China Antigua: simbología y textura en la músicatradicional chinaArtículo principal:Cultura de China.
  5. 5. Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicionalchina.Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración.Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China estáimpregnada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías másantiguas del mundo.En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a todas lasrepresentaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sidoconcordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cadamomento, con su estética correspondiente.Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica, sinnecesidad de fengs humanos ni mitológicos. Como cosa natural debieron haber relacionadolas distintas longitudes de los tubos con los distintos sonidos que en estos se obtienen. Noes raro, tampoco, que les hayan aplicado la relación 3:2, dado que esta tenía para ellos unvalor simbólico. Armonizar el cielo con la tierra.Un sistema musical "representa el inventario de sonidos de que se vale una música, la alturay distancia de sonidos musicales entre sí". Si ubicamos que corresponde a una quinta justa,un poco más chica que la que se obtiene con cuerdas. Este principio se denomina cíclico,porque el total de sonidos que integra la escala repertorio, se va generando por unaconstante matemática en las longitudes de los tubos que integran el sistema. Musicalmentese manifiesta por intervalos de quinta justa al ascender y de cuarta justa al descender.
  6. 6. Representación de una cadencia típica en la música china.La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. Sisoplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a fa4 se obtendráuna quinta justa superior, es decir do5. Pero este do5 también se puede obtener soplandonormalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del primero.Al cortarse un tercer tubo, que mida dos tercios de do5 se obtendrá una quinta justa superiora do5, es decir, sol5. Como este sonido está muy alejado de huang-chung, se duplica sulongitud y se obtiene Sol4, dado que la relación doble corresponde a la octava.Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo sol4, cortandoun tubo que midiera cuatro tercios de do5.Trabajando así, y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios,llegaron a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la octava justa, porcierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. Obtuvieron entonces, unaescala dodecafónica de temperamento desigual.El peligro de esta escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las fraccionesse hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Si otorgamos elnúmero ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico (2/3-4/3) al llegaral sexto lu comienzan números con fracciones, y cada vez se hacen más complicadas lasecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42,666-56,888-etc., meros lu para su escala usual.Sistema tonal chino tradicional.
  7. 7. En el siglo IV a. C. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar laoctava, es decir, intentaron el temperamento igual, pero solo en el año 1596 el príncipeTsai-Yu propone afinar los tubos según un principio equivalente al temperamento igual.Para que la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal, materialesmás durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas constituyeron loslitofonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce lajas, luego se añadían seismás. Los litofonos no eran instrumentos melódicos propiamente dichos, sino puntos de ri-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los primeros antepasados en wu-i(instrumentos) y chia-chung (canto). Todo esto debía relacionarse, asimismo, con danzasespecíficas.Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera inferiorcorrespondía a los lu impares (principio yang, masculino) y la superior a los lu pares(principio yin, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la perfección en sí mismo puesde él depende todo el sistema, es la fuente de origen del mismo, es el sistema en potencia.Por eso a la hilera impar le correspondía el principio yang.Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y elfemenino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo femeninoes la madre y el masculino el hijo.Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica,pentatónica anhemitonal (sin semitonos).Desde el año 1300 a. C. se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde cincotransposiciones modales, o sea que tomando como tónica cada uno de sus sonidos, elnúmero teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12 lajas es de 60 modospentatónicos, y 84 si se trata de escalas con piens. Este número de escalas posibles variabatambién según las dinastías, y asimismo variaba el número de escalas reales empleadas.Música de la Edad Media (476-1500)Artículo principal:Edad Media.Artículo principal:Música medieval.Artículo principal:Música de la Edad Media de España.Artículo principal:Compositores medievales.Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la músicadel periodo tardío romano. La evolución de las formas musicales apegadas al culto seresolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. La música monódica profanacomenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máximaexpresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y troveros, junto a losminnesinger alemanes. Con la aparición en el siglo XIII de la escuela de Nôtre-Dame deParís, la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran
  8. 8. transformación en el siglo XIV con el llamado Ars Nova, que constituyó la base de la quese sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento.La música en la Iglesia católica primitivaArtículo principal:Rito litúrgico católico.Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de Milán haciael año 325 d. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar aDios por medio de cánticos. Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad nodeseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época.Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales.Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que conEuropa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo testamento dentro delLibro de los salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza detradición helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodíacantada solo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las quedieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio.En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al emperadorJustiniano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos una interesantereferencia de su música: «...ellos (los cristianos) tenían la costumbre de reunirse en un díaespecífico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se tratase, con un canto alterno».El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta unaestrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puedecantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.San Ambrosio, obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona.Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaronpor toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio romano por parte de lastribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y laalteración de las mismas en cada región.El canto gregorianoArtículo principal:Canto gregoriano.El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia católica. Es utilizado como expresióny mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. Las principalescaracterísticas generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras deautor desconocido, son cantadas solo por hombres, monódicas cantadas a capella sinornamentos instrumentales, son obras escritas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito desu interpretación es reducido a pocas personas, la melodía se mueve grados conjuntos y los
  9. 9. llamados ocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello soncantos austeros.Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en elque son interpretadas, según el incipit literario pueden ser himnos, salmos, cánticos dealabanza, etc.; según el modelo de interpretación, si son de tracto solista o congregatorio,antifonal (alternación de dos coros), responsorios de solista y coro o de estilo coral directo.Otros tipos de liturgia Liturgia ambrosiana o liturgia milanesa: canto de finales del siglo IV, que crean el himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial. Liturgia hispánica o liturgia mozárabe: canto mantenido en las regiones de Al- Andalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto, como fue la ciudad de Toledo. Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.Véase también Liturgia católica Secuencia (liturgia) Misa (música) Canto mozárabeMúsica del Renacimiento (1500-1600)Artículo principal:Música renacentista.Artículo principal:Compositores del Renacimiento.Escuela flamencaEs en la región flamenca (en los Países Bajos) donde, por su desarrollo económico, lapolifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV yXVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapuntoexcelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayorinfluencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicalesde Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio,además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada unagran cantidad de schola cantorum.Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien sedice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres.Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó amás de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono. Se
  10. 10. dice que Des Pres escribía tan solo cuando le daba la gana: algo raro en su época y elcomienzo de una gran libertad para los compositores.Música renacentista francesaLa chanson, música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. En él destacan PierreAttaignant, Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600). Las peculiaridades de estoscompositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácterenormemente extrovertido, se distinguió por tener realismo expresivo, describe lanaturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin.Escribió una de las canciones populares llamada LAhutte. Esta melodía describe escenas decacería, cuadros de batalla, parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados.Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.El canto de la reforma religiosa se aplican a melodías de canciones populares y se utilizapara el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas.Juan Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.Música renacentista italianaLa música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositoresflamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónicoholandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vidamusical europea. Existían dos tipos de formas musicales: la fróttola, que era un tipo de canción estrófica, silábicamente musicalizada a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos. la lauda, contrapartida religiosa de la fróttola; se cantaba en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Era en su mayor parte silábica y homófona, con la melodía en la voz superior, llamada música.Música renacentista inglesaEn la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quiendesempeñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia esJohn Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.Música renacentista alemana
  11. 11. Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro ImperioGermánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba unaguerra contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían unafuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitidocomponer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención delcardenal Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeroscompositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y Heinrich Schütz,aunque estos no escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros encomponer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.Música renacentista españolaComo en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española.Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales yFrancisco Guerrero.La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe,incluso el mismo Alfonso X «el Sabio» compuso las cántigas bajo la influencia árabe, yaque era un gran admirador de su cultura; entre las obras más importantes del renacimientose destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y FernandoII de Aragón, el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras para vihuela de AlonsoMudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalistaJuan del Encina.Música del período de la práctica común o"clásica" (1600 - 1900)Barroco (1600-1750)Artículo principal:Corriente musical del periodo barroco.Artículo principal:Músicos barrocos.La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII yprimera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Seconsidera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante elbarroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de lahistoria de la música.En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicostanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad,bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fugay la sinfonía.El bajo continuo
  12. 12. También llamado bajo continuo, designa el sistema de acompañamiento ideado acomienzos del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico deescritura musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan solo elcontorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el rellenoarmónico, a la invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dosinstrumentistas: un instrumento melódico grave (viola, gamba, violoncelo, contrabajo,fagot, etc.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín,órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, deacuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones,todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.El sistema tonalEl sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hastasu máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del posromanticismo.En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos:las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y lacomposición de melodías.Primer Barroco (1600-1650)La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba viviendo suapogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico, de lo excelso a losublime; el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo debatalla que era el Barroco. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de «delectareet movere» („deleitar y emocionar‟). La sprezzatura italiana, daba paso a lo que sería el másgrande espectáculo de la voz humana: la ópera. El concerto grosso italiano y la orquestaitaliana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europaoccidental. Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano, eran elBarroco humano, lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o manierista,lo bello con lo monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de lasociedad de la Italia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini) inmortalizados por una vozque trascendía el concepto de «perfección», que incluso a algunos llevó a la locura.El violino italiano, una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo más parael virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente indicaba pautas que losintérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta época son los doce conciertos dePietro Locatelli, el concerto grosso de Arcangelo Corelli, el Concerto grosso de las quatrostagioni de Vivaldi. Antonio Vivaldi (1678-1741, il prete rosso —„el cura rojo‟—, por el color de su pelo). Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621). Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos barrocos, los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de
  13. 13. comienzos del siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía franco- flamenca. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han perdido. Se conservan solo tres "Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624). Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta. Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Heinrich Schütz (1585-1672).Barroco medio (1650-1710) Jean Baptiste Lully (1632-1687). Dietrich Buxtehude (1637-1707). Johann Pachelbel (1653-1706). Arcangelo Corelli (1653-1713), compositor y violinista italiano, uno de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. Compuso también Sonatas tanto de cámara como de iglesia. Corelli fue uno de los primeros compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal. Henry Purcell (1659-1695). Alessandro Scarlatti (1660-1725).Barroco tardío (1700-1760)Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la cima de la erabarroca.El barroco en la música, al contrario de en otras ramas del arte, pervive un poco más en eltiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII, cuando mueren losúltimos grandes exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann,
  14. 14. Jean Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Doménico Scarlatti y Georg FriedrichHandel.La última generación importante nacen todos entre 1668 y 1685 donde muchos de ellosrepresentan el cenit nacional y de la era en el país donde vivieron: Vivaldi en Italia, Bach yTelemann en Alemania, Handel en Inglaterra, Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti enEspaña. Aunque algunos de ellos no solo se apegan a su escuela nacional y hacen unamagnifica síntesis y resumen de todas las escuelas como es el caso de Bach, Handel yTelemann, todos nacidos en Alemania, aunque Handel se marcha a Italia en 1706 para novolver jamás y asentándose en Inglaterra en 1713 hasta su muerte, convirtiéndose el mayorexponente de la escuela inglesa.Es con esta generación alemana, especialmente por Bach, cuando el mundo musicalgermánico se convierte en la patria musical de primer orden, superando Italia y desplazandoen ser la máxima potencia musical, que durara hasta principios del siglo XX, desde Bachhasta Schonberg y la segunda escuela de Viena.En esta última etapa del barroco, que comienza hacia 1700-1710 cuando esta generaciónempieza a ser activa en el mundo musical de la época, la música adquiere y avanza a unnueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos, desde los géneros yformas, hasta la forma de escuchar la música pasando por los instrumentos einstrumentación. El barroco musical adquiere aquí una espléndida madurez, apogeo y unagran refinación inédita en las dos etapas anteriores que culminará especialmente en la obrade Bach y Handel, las dos grandes figuras dominantes de este periodo.Jean Philippe Rameau es el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto conBach estableció el sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Sus obras son la cumbredel Barroco francés.La técnica de la polifonía y el contrapunto aún tiene una especial importancia en esta época,de forma más notable en Alemania y sobre todo en Bach, pero la homofonía adquiere cadavez más auge y importancia, conviviendo las dos técnicas durante algunas décadas deforma a la par durante esta generación de compositores, algunos de ellos como Bach oHandel, dominándolos con gran maestría.
  15. 15. Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo asentamientode la tonalidad en la música occidental con una de las obras más importantes de la músicauniversal, el clave bien temperado BWV 846-893, de Bach, una colección en dos librospublicados en 1722 y 1744 que se compone de 24 preludios y fugas cada libro en los tonosdel sistema tonal, siendo una magnifica demostración del sistema tonal que estará vigentehasta principios del siglo XX.En el mismo año del primer libro, 1722, de forma simultánea aunque independiente, sepublicara también el primer gran tratado del sistema tonal: "Tratado de armonía reducida asus principios naturales" de Jean Philippe Rameau, que aunque este tratado es imperfecto,se utilizara de referencia hasta principios del siglo XX.Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo anterior,pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y abrirán un camino dealgunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la segunda mitad de ese siglo:El concierto para teclado y la sonata con acompañamiento sin bajo continuo.Handel es una gran figura del último Barroco. Sus óperas son la máxima expresión delgénero en esa era, siendo conjuntamente con Mozart, el compositor más importante delgénero en el siglo XVIII.En cuanto a instrumentos, se hacen varios cambios y algunos instrumentos de etapasprecedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso mucho antes, el laud yla viola la gamba, en general remplazados por otros más nuevos que en esta época alcanzanun gran auge técnico y de prestigio, como el violín, la guitarra o el violonchelo. El claveseguirá omnipresente en toda la música de este periodo culminando su larga trayectoria delos siglos anteriores en las obras de Bach, Rameau, Handel, y Scarlatti, aunque estará enboga hasta 1770. El órgano seguirá teniendo un peso importante en Alemania, donde conBach alcanza su más alta expresión en toda la historia.Conforme pasa el tiempo el estilo Barroco, que llevaba ya mucho tiempo como el estilodominador de la música occidental, es rechazado por las generaciones posteriores a losúltimos grandes exponentes del Barroco, que practicaran un estilo más sencillo, con apenascontrapunto, el estilo Galante, en boga desde 1730.
  16. 16. La nueva generación ilustrada, nacida a partir de 1700, la rechazara por complicada,recargada, por abusar del contrapunto, por árida y antigua, y el estilo quedara apegado apartir de 1730 a las generaciones más viejas del momento, extinguiéndose prácticamenteentre 1741 y 1767, con la muerte de Vivaldi, Bach, Handel, Rameau y Telemann.Clasicismo (1750-1800)Franz Joseph HaydnEs el estilo caracterizado por la transición de la música barroca hacia una músicaequilibrada entre estructura y melodía. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. FranzJoseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de susrepresentantes más destacadosArtículo principal:Música del clasicismo.La orquesta y nuevas formas musicalesWolfgang Amadeus Mozart Carl Philipp Emanuel Bach
  17. 17. Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750-1820). En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio de los príncipes Esterhazy ―primero Paul Anton y luego Nikolaus―, donde tuvo a su disposición una de las mejores orquestas de Europa. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor austriaco del periodo clásico. Uno de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su estilo sencillo, claro y equilibrado, aunque sin huir la intensidad emocional. En su enorme producción musical (más de 600 obras, a pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otros géneros musicales, sus conciertos para piano y sus óperas.Ludwig van Beethoven Ludwig van Beethoven (1770-1827), compositor alemán, considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de expresión, por lo que se lo sitúa como el último de los clásicos y el primero de los románticos.Escuela de Mannheim
  18. 18. La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela deMannheim. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. A partir de 1740se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron losmúsicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y sobrecuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período.Esta escuela contribuyó a fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectosorquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas. Ademásdividió la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.Otras escuelasLa Escuela de Viena. La particularidad de esta escuela es el uso de temas de caráctercontrastante. Tuvo como representantes a Florian Leopold Gassmann, Georg Monn yGeorg Christoph Wagenseil.La escuela de Berlín. La importancia de esta escuela radica en que fue el primer lugar endonde se inicia la técnica del desarrollo. Como representante está Carl Philipp EmmanuelBach.Clasicismo mediterráneo Luigi Boccherini Ferran Sors Antonio SolerRomanticismo (1800-1900)Artículo principal:Romanticismo.Artículo principal:Música del Romanticismo.El piano romántico Franz Schubert (1797-1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo, cuyos lieds (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. Escribió obras para piano, música sinfónica, religiosa y numerosas óperas. Félix Mendelssohn (1809-1847), compositor alemán, una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. A los 9 años debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. A
  19. 19. Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastián Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo. Frédéric Chopin (1810-1849), comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. A los 20 años de edad dejó su Polonia natal en un viaje de estudios, pero nunca regresó. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad melódica, y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento por excelencia, y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época. Robert Schumann (1810-1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte de su padre, aunque posteriormente reemprendería sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio. Franz Liszt Johannes Brahms (1833-. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quien lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso.Música programáticaEl liedEl lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Consiste en lainterpretación de un poema realizada por un cantante y piano. La estructura general es A B
  20. 20. A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. El creador del lied esSchubert, sus principales temas eran la muerte, el amor y la naturaleza.Sinfonía románticaLos nacionalismos (1850-1950)RusiaEl nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su óperaUna vida para el zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a ungrupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa. Mástarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski Elconvidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una vezdepurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores, despertó unagran atención tanto en su país como en el extranjero. Sus operas rusas ofrecían una síntesisde composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, conuna instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.El Grupo de los CincoArtículo principal:El Grupo de los Cinco.De este grupo de cinco, solo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev,ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composiciónEn las estepas de Asia Central y por Bailes polovtsianos de su ópera Príncipe Ígor.Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folcloreruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan característicasen sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el MonteCalvo y Cuadros de una exposición, que posteriormente llamaron la atención a MauriceRavel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó sutrabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantesfueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utilizaelementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua rusa.Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y colorbrillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música detres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obrascomo la obertura de Marcha eslava, y Capricho italiano ubican definitivamente aChaikovski dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo quese consideran entre las obras más famosas jamás construidas.
  21. 21. Bohemia Smetana(Mi patria) Antonín Dvořák(Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo MundoEscandinavia Jan Sibelius(Finlandia) Edvard Grieg(Peer Gynt).FranciaEspaña Isaac Albéniz(Suite Iberia) Enrique Granados(Goyescas).Impresionismo (1860-1940)El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX yprincipios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositoresde probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riquezatímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los quese consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son linealessino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con elImpresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas decolor. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy yMaurice Ravel. Gabriel Fauré Claude Debussy Maurice Ravel o El Bolero de Ravel Isaac Albéniz o Suite española y Suite ibérica Enrique Granados Manuel de Falla Joaquín Rodrigo o El Concierto de Aranjuez Jesús Guridi o El caserío.Música moderna y contemporánea (1910 -presente)
  22. 22. Artículos principales:Música del siglo XX,Música modernista,Música académicacontemporánea,JazzyMúsica popular.El siglo XX estará marcado por dos grandes acontecimientos que serán muy decisivos en lahistoria de la música occidental, y marcarán el avance posterior que seguirá la música hastallegar a nuestros días. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de lasformas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a partir de1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes. A partir deahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empeñan enhallar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la tonalidad, elritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la práctica común delos últimos trescientos años.El segundo gran evento y el más reciente es el nacimiento y auge de un nuevo tipo demúsica que es totalmente diferente de las dos grandes ramas en que se dividía hasta esemomento la música: la étnica y la académica, la popular. Este tipo de música nacerá graciasa la posibilidad de grabar sonido mediante las nuevas tecnólogias de principios del sigloXX. En ese momento, la música occidental de origen europeo pierde la unidad queconservaba desde su nacimiento en la Edad Media, ya no hay un tipo, sino dos. A partir deese momento la que se venía tocando desde hace siglos se la conocerá de forma coloquialcomo música "clásica" y la nueva será la música "popular". Con el auge de la músicapopular, y de forma simultánea, nacerá y se expandirá conjuntamente con el nuevo tipo demúsica la industria musical. El efecto de la música popular y la industria que viene con ellacambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.Música modernista y contemporánea académicaFuturismoArtículo principal:Futurismo.El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del SigloXX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo TommasoMarinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en eldiario Le Figaro de París.Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signosconvencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto pormedio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría acualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine ymúsica; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo añoen que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositoresfuturistas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo concibeen este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una consecuencia a los estudios
  23. 23. previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporadaa las performances, como música de fondo o como una especie de partitura o guía para losmovimientos de los intérpretes, además inventó una máquina de ruido llamadaIntonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época. Entre susobras más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se utilizabacualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnicagutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).Crisis de la tonalidad y atonalismoArtículos principales:AtonalidadyCromatismo (música).Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran en FranzLiszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una "crisis de latonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de acordesambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y rítmicasmás inusuales posibles dentro de la música tonal. La distinción entre lo excepcional y lonormal se hizo más y más borrosa, y como resultado, se produjo un aflojamientoconcomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y armonías habíansido relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran inciertas, las relaciones ysus consecuencias se volvieron tan tenues que apenas funcionaban en absoluto. A lo sumo,las probabilidades del sistema tonal se habían vuelto demasiado oscuras; en el peor de loscasos, se estaban acercando a una uniformidad que proporcionan pocas guías para lacomposición o la escucha. A principios del siglo XX compositores como Claude Debussy,Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, ÍgorStravinsky y Edgard Varèse, escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente,como atonal. Aleksandr Skriabin realizó un particular estilo de impresionismo y atonalidad,basando obras como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en unacorde por cuartas y tritonos llamado "acorde místico", muy alejado de los habitualesacordes de tríada formados por intervalos de tercera.La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como "atonalidadlibre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónicatradicional. Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922)de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schoenberg. El primer período depiezas libremente atonales de Schoenberg (de 1908 a 1923), tienen a menudo como unelemento integrador a una célula interválica que, además de la expansión se puedetransformar en una fila de tonos, y en el que las notas individuales pueden "funcionar comoelementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una célula básica ola interconexión de dos o más células básicas". Otros compositores en Estados Unidoscomo Charles Ives, Henry Cowell y más adelante George Antheil, produjeron músicaimpactante para la audiencia de la época por su desprecio de las convenciones musicales.Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad, extremasdisonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció
  24. 24. el concepto de contrapunto disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.PrimitivismoArtículo principal:Primitivismo.Ígor Stravinsky (1982-1971), su obra La consagración de la primavera es considerada laobra más importante del siglo XX.El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más arcaicode ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán porrescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas y acentuaciones irregulares, unmayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal.Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinsky y elhúngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación"primitivista".El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajosmenores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev. Estosballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser interpretados pororquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folcloreruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo como en suinstrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es notable por suinusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka (1911),también se anota distintamente y es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza lamitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La consagración de la primavera(1913), el que generalmente es considerado la apoteosis del "Período Primitivista Ruso" deStravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estossentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos queaparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de
  25. 25. nota particular: el primer tema basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite desu registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente irregular (utilizando el recursotípico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando suacentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas yhaciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial,duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados cada vez. La consagraciónes generalmente considerada no sólo la obra más importante del primitivismo o deStravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto por su ruptura con la tradición, como por lainfluencia en todo el mundo.Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El Ruiseñor (1914), Renard (1916),Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923), instrumentada para la originalcombinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras elmúsico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamenteagotarla.Bela Bartok (1881-1945) fue el creador de la etnomusicología.Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador demúsica folclórica de la Europa oriental (especialmente de los Balcanes). Bartók fue uno delos fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y lamusicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e innovador.A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las cancionesfolclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Tomaentonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su país.Junto con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumanía pararecoger miles de melodías y canciones que transcribieron y grabaron con un gramófono.Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de la Europa central y hastaTurquía. Anteriormente, se pensaba que la música folclórica húngara se basaba en melodíaszíngaras. Pero Bartók descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalaspentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una buenacantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creóacompañamientos para canciones populares.
  26. 26. Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro ErnöLendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. SegúnLendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con elfolklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos encuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en unamisma obra en distintas secciones; son el sistema diatónico, basado en la música folklórica,sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos avalorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se basa por unlado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más puramente"primitivista" sea probablemente Allegro Barbaro (1911), junto con una gran cantidad decanciones y danzas folclóricas que Bartok recopiló y musicalizó provenientes del orienteEuropeo. Ese mismo año escribió la que fue su única ópera, El castillo de Barba Azul.Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y Elmandarín maravilloso, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son armónica yestructuralmente unas de sus más complejas piezas. Su afán de experimentación lo llevó aun estilo cada vez más único y genial, con obras como la Música para cuerda, percusión ycelesta, la Sonata para dos pianos y percusión, además de 6 cuartetos de cuerda, la obrapara piano Mikrokosmos, y los tres conciertos para piano y orquesta.MicrotonalismoArtículo principal:Microtonalismo.El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menoresque un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos demanera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. Experimentando con elviolín en 1895, el mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidosclaramente diferentes entre los lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda deviolín. Llamó a estas distinciones microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de lamúsica y la física de la música. Inventó un simple notación numérica para representar lasescalas musicales sobre la base de cualquier división de la octava, como tercios, cuartos,quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente (incluso escribió, la mayoría de las veces,para cuartos, octavos y dieciseisavos combinados, la notación es la intención de representarcualquier subdivisión imaginable). Inventó nuevos instrumentos musicales, y otros losadaptó para producir microintervalos. Compuso una gran cantidad de música microtonal ygrabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los cuartos de tono y otrassubdivisiones de la octava recibieron la atención de otros compositores como Charles Ives,Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escalas nooctabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos experimentos infructuosos en laadaptación de un piano de tercios de tono), Mildred Couper y Harry Partch. ErwinSchulhoff dio clases de composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga.Destacados compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950 incluyerona Adriaan Fokker (31 tonos iguales por octava), y a Groven Eivind. La música microtonalnunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi exclusivamente por losmúsicos de Vanguardia.
  27. 27. Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismoArnold Schoemberg (1874-1951), músico autriaco fundador de la segunda escuela de Vienay creador del dodecafonismo.Artículos principales:Segunda escuela de viena,Dodecafonismo,SerialismoyExpresionismo.Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Susprimeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard Wagner yGustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para escribir músicaatonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo, proponiéndola en 1923 enreemplazo de la organización tonal tradicional.Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso delsistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas propias. Los tresson conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o la Segunda EscuelaVienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efectoinnovador que la Primera Escuela de Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en lacual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas auna relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) noestablece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica,Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónicadebe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio deque todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna seestablece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decideel orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus días, y asípermanece todavía en alguna medida. Como carece de un sentido de melodía definida,algunos oyentes la encontraban —y todavía la encuentran— difícil de seguir. A pesar deello, actualmente se siguen interpretando, estudiando y escuchando obras como Pierrot
  28. 28. Lunaire, mientras que se han olvidado otras composiciones contemporáneas que en sumomento se consideraban más aceptables. En gran medida, la causa de esto es que su estilopionero resultó muy influyente, incluso entre compositores que continuaron componiendomúsica tonal. A partir de ellas, muchos compositores han escrito música no basada en latonalidad tradicional.El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada porel que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no sólo para lasucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las"figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles deintensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten duranteel transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla delserialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de impopularidad, elestilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales son cuidadosasmenteubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se convirtió en norma enEuropa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre compositores de lapostguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, KarlheinzStockhausen e Ígor Stravinsky.NeoclasicismoArtículo principal:Neoclasicismo.El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una prácticacomún de tradición en cuanto a la armonía, al melodía, la forma, los timbres y los ritmos,pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto departida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, DmitriShostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmentemencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneosFrancis Poulenc y Arthur Honegger.El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en lasartes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso, más ordenadofueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional que muchossintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en cuenta que los problemaseconómicos favorecían grupos más pequeños, la búsqueda por hacer “más con menos” setornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del soldado de Stravinski es por estarazón una semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el concierto Los robles deDumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de viento o en la Sinfonía en do. Laculminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («RakesProgress»), con libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo,mezclando punzantes disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro de un estiloutilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este estilo, quizá el másfamoso de ellos sea Mathis der Maler. Su producción de cámara incluye su Sonata para
  29. 29. corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles oscuros y conexionesinternas.El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de NadiaBoulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la música de Stravinski.Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott Carter (en su primerépoca), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla y Virgil Thomson.El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalofijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques armónicos y mezclalibre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez, yfue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera música moderna.En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, elneoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente estética cuyopropósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de loshombres por medio del arte. De esta manera los prominentes compositores SerguéiProkófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en este estilo,incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier tipo devanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente.Música electrónica y concretaArtículos principales:Música académica electrónica,Música electroacústicayMúsica concreta.Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medioselectrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela queproducía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer,su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos queserían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de esos medios fueEdgar Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposiciónde Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el Grupo deInvestigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre los que seacercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier Messiaen,Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis,Michel Philippot y Arthur Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) porMessiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La voiled‟Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, laspiezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la músicapara película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. En 1954Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de Déserts y Larivière endormie. En Alemania en cambio la forma se usar la tecnología se llamó músicaelectrónica, que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. Elprimer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra deimportancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. En
  30. 30. EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para crear música. Otroscompositores abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron cintas magnéticaspara crear música, grabar sonidos, y manipularlos de alguna manera. Hymnen (deStockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky) ofrecenunos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositoressimplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamenteconvencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en cierto númerode trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la película Los pájaros (de AlfredHitchcock) usando el trautonium, un instrumento electrónico que él mismo ayudó adesarrollar. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para 2001, una odisea delespacio. Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek tambiénaportaron a la investigación y exploración de la música electrónica.Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentoselectrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estostrabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una violenta ysalvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudorcrearon e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propiosinstrumentos o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de institucionesespecializas en música electrónica, siendo quizá el IRCAM de París la más conocida.Música aleatoria y vanguadismo radicalEl compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de lasformas musicales vanguardistas del siglo XX.Artículos principales:Vanguardismo,Música aleatoriayMúsica experimental.Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella serefiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de músicallega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos como ruidos,grabaciónes, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro, el absurdo, elridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de estacorriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo, el teatro
  31. 31. musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la músicaintuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que incursionaronen estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa.La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso aelementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papelpreponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgosimprovisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propiainterpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en lasque el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cadauna de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de variasde ellas.El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notabledifusión a partir de la década de 1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus mássignificativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage con Musicof Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del siglo XX, famosa porconsistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos). También fue notable eluso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, el cual seconvirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage. Conocido también por lainvención del piano preparado, compuso varias obras entre las que destaca Sonatas einterludios. El alemán Karlheinz Stockhausen con Hymnen (1967), y la electrónica Gesangder Jünglinge, fueron hitos importantes. Otros compositores como los italianos BrunoMaderna y Franco Donatoni, el polaco Witold Lutosławski, el griego Iannis Xenakis, elhúngaro Gyorgy Ligeti, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, yMauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron significativos.Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la músicacontemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de rangoequiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado work inprogress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellassuelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios deejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas.Micropolifonía y masas sonorasArtículos principales:MicropolifoníayMasa sonora.En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferenteslíneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicóasí: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo enotras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y deesta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomandoforma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso quehace de líneas más dinámicas que estáticas».3 El primer ejemplo de micropolifonía en la
  32. 32. obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de sucomposiciónorquestalApparitions.4 También son pioneras en la aplicación de esta técnicasu siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem, parasoprano, mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última obra alcanzó granpopularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de StanleyKubrick2001: Una odisea del espacioLa técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o coninstrumentos musicales polifónicos como el piano.3 Aunque el Poème Symphonique para100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin parangón».5 Muchas de laspiezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicosderivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de los pigmeos.Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonoraque es una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas mástradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferirla textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».6Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo musicaly después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60. La masasonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».6 Una textura puede disponerse detal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un únicoobjeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una distribución muy interesantede alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un redoble de platillosuspendido.»7Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco KrzysztofPenderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis consu obra Metástasis.MinimalismoArtículo principal:Música minimalista.
  33. 33. Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en EstadosUnidos, y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahorallamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio delos procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, amenudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranosincluyen En do (de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). La primera de estasobras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo; es una piezaformada por celdas melódicas comprimidas, que cada intérprete en un conjunto toca a supropio tempo. La onda minimalista de compositores —Terry Riley, Philip Glass, SteveReich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman, para nombrar los másimportantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresandocuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo latécnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores dela música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes celdas"fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con la obertura de El oro del Rin deRichard Wagner, donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte está controlada porun mismo impulso y se mueve a la misma velocidad.La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos laencuentran demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan que loselementos fijos que a menudo son permanentes producen mayor interés en los pequeñoscambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado a muchoscompositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como KarlheinzStockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y HenrykGórecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más vendido en los años noventa,encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras deprofundo sentido religioso.La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamadosminimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el compositor de ópera JohnAdams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La expansión del miminalismo de un sistemamusical a música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha generado unadiversidad de composiciones y compositores.Música cinematográficaArtículos principales:Música cinematográficayBanda sonora.Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los 1920, la música cumplió unrol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores de ladécada tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic, incursionaron también en esta área.
  34. 34. Sin embargo llaman la atención ciertos compositores que se dedicaron casi exclusivamentea trabajar a través del cine. Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentranMax Steiner con; The Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away(1944), King Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), yGone with the Wind (1939). Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood.Alfred Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. BernardHerrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, TheGhost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The Ugly(1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The Untouchables (1987), yCinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and the Lion,The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con; las dos trilogías de Star Wars, Jaws,Superman, Indiana Jones, E.T., el extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindlers List, yHarry Potter entre muchísimas otras. Otros de los grandes compositores, especialmente delúltimo cuarto de siglo en adelante han sido Nino Rota, Howard Shore, Alan Silvestri,Danny Elfman, Hans Zimmer y Henry ManciniPoliestilismoArtículo principal:Poliestilismo.Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicasmusicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del sigloXX y se acentúa en el siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud ecléctica, que esla de quien recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo y la actitud poliestilista,que es la de quien fusiona las fuentes de modo coherente, deliberado y propio. Elcompositor poliestilista no emplea necesariamente su canon de estilo y técnica en un solotrabajo sino que en el conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta corriente, pesea haber sido anticipada en una temprana tendencia que unificaba elementos de folk o dejazz en trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales del siglo XX, y mientras másy más estilos entran en juego en el nuevo siglo, el movimiento se hace cada vez másimportante y diverso. Los compositores poliestilistas han usualmente comenzado su carreraen una corriente para moverse a otra a la vez que guardando elementos importantes de laanterior.Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, WilliamBolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, MagalyRuiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, SantiagoSosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.EspectralismoArtículo principal:Espectralismo.La musica espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimientode la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical, enel origen de la percepción del timbre. El espectralismo se originó en Francia en la década
  35. 35. de los setenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al EnsemblelItinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes Dufourt y Michael Levinas). EnAlemania tuvo repercusión y se formó un grupo de investigación liderado por loscompositores Johannes Fritsch, Mesias Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier, yClarence Barlow. En Rumania existió un movimiento importante de esta tendencia lideradopor Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua Fineberg,Jonathan Harvey, Fabien Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija Saariaho permanecendesarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve Lehman ha introducidotécnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El movimiento se ha idoensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporaneas de composicióny en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; KaijaSaariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson en el ReinoUnido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por citar algunos.Nueva simplicidadArtículo principal:Nueva Simplicidad.La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de loscomponentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de losochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra la vanguardiamusical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también contra la másamplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y suresultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva característicadel vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil con lasaudiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX asícomo a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las combinaciones instrumentales(cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que habían sido evitadas en su mayorparte por la vanguardia. Para otros compositores, significó trabajar con texturas mássimples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. De entre loscompositores identificados de una forma más cercana con este movimiento, solamenteWolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de Alemania.Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen, AlfredJanson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, RolandMoser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton han sidorelacionados ocasionalmente con los “nuevos simplicistas”. Al menos dos autores han idoaún más lejos al asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el que se habíarebelado más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se habríaanticipado a sus posiciones con la simplificación radical de su estilo que se produjo entre1966 y 1974.
  36. 36. Libre improvisaciónArtículo principal:Libre improvisación.La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias deacordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activopara evitar referenciar a generos musicales reconocibles. El término es en alguna formaparadójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por cualquiermúsico que quiere olvidarse de generos rígidos y formas) y como género reconocible en símismo. La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU.en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del freejazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidosdentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarristaDerek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.Nueva ComplejidadArtículo principal:Nueva complejidad.La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en ladécada de los 80s en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de múltiplescapas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas lasdimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada porel uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Estoincluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, microtonalidad,contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios bruscos enla textura, y así sucesivamente. También se caracteriza, a diferencia de la música de losserialistas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, por la dependenciafrecuente de sus compositores en concepciones poéticas, muy a menudo implicados en lostítulos de las obras individuales y en los ciclos de trabajo de cada compositor.Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, MichaelFinnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.JazzArtículos principales:Orígenes del jazz,JazzyJazz contemporáneo.Jazz de Nueva OrleansArtículo principal:Hot.Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del sigloXIX, ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario, comolas de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda
  37. 37. que usualmente tocaba en el Kellys Stables de Nueva Orleans,8 suele considerarse a BuddyBolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de jazz.nota 1Convencionalmente, se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. Aúnno se ha desprendido de las influencias del minstrel y contiene todas las característicaspropias del hot. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; dehecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal(usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios,nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretarespirituales, ragtimes, marchas y cantos de origen afrocubano. El peso sonoro y conceptualde la música recaía en la corneta, que era quien desarrollaba las melodías, apoyada por eltrombón y el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodía base. Eslo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del jazz de Nueva Orleans».9 El resto delos instrumentos (usualmente banjo, tuba, caja y bombo, aunque paulatinamente fueronintroduciéndose el contrabajo, el piano y la batería) tenían una función meramente rítmica.En ocasiones se usaba el violín como complemento en la sección de metales.Es una escuela de bandas célebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de JohnRobechaux (1895), la del cornetistaFreddie Keppard (1900- 1909), y otras de renombrehistórico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band deltrompetista Papa Celestin, ésta anterior al cambio de siglo. También estaban las bandas delcornetista Papa Mutt Carey, que se reputa como el introductor de la sordina de«desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah, y que tenía a Sidney Bechet en elclarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole Orchestra, etc.DixielandArtículo principal:Dixieland.A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipicomenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la formade tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, seagilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas".10 El nuevoestilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos", con melodías máspulidas y armonías "limpias".11 Además, se introdujeron el piano y el saxofón, y sedesarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el estilo tailgate de los trombonistas.Sus principales figuras fueron, en una primera época, el corneta Papa Jack Laine, que sereputa como el "padre del dixieland";12 el trompetista Nick La Rocca y sus Original Jass;los Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New OrleansRhythm Kings" del cornetistaPaul Mares. En la década de los 40, el Dixieland disfrutó deun poderoso revival, obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de loshermanos Frank y Fred Assunto, y aún hoy en día existen bandas con nombres tan rancioscomo Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.El jazz de Chicago y New York
  38. 38. El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso unimportante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona, pues en estedistrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo.13 Este hechoinició la gran migración de los músicos de jazz hacia las ciudades del norte, yespecialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna,14 conuna poderosa escena de blues y ragtime, desde una década antes. King Oliver, LouisArmstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, setrasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos, a comienzos de ladécada de 1920.En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto ylacónico, desbrozado de adornos, económico en recursos, bañado «en una atmósferaexasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión hot».15 El sonido perdióplasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse ladesincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrollóenormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas, dejando lospasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus). El material temático tendió hacia unabandono de los rags y stomps y su sustitución por blues y canciones de influencia europea,con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la explosión del llamado«blues clásico», con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de jazz ensustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano sólo.Duke Ellington uno de los principales compositores de swing.El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicosnegros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban aaquellos,16 y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, alcomenzar a asentarse el saxofón. Un buen número de músicos de gran relevancia sonrepresentativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone,Pee Wee Russell o, como figura más relevante, Bix Beiderbecke.Desde muy temprano, el jazz se introdujo también en Nueva York, inicialmente a través delos pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie en los honky tonks, como James P.Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero también gracias a bandas, como

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