Apuntes musica ii
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Apuntes musica ii Apuntes musica ii Document Transcript

  • Lunes, 27-2-2012..Historia da Música II. Facebook. Darse de alta. Se colgarán las audiciones para el examen.Entrar en aula virtual para ver el programa. Guía Akal de la Música.Trabajos voluntarios. 2 personas. Exponer en clase.NOCIONES DE CRONOLOGÍA DE LA MÚSICAOCCIDENTAL.• Barroco: Monodia. Nacen la ópera y el concierto. 1600-1750 (muerte de Bach).• Estilo Clásico. Música pura, ópera. 1770-1810.• Romanticismo. Sinfonismo, música programática, música de cámara, música solística, ópera. Todo el S.XIX.• Primer nacionalismo. Últimos años 30 del S.XIX.• Posromanticismo. Fines S.XIX. Primera mitad del XX.• Impresionismo. Idem.• Segundo nacionalismo: Primera mitad del S.XX.• Expresionismo. Primeras décadas del S.XX.• Dodecafonismo. II Escuela de Viena. Primer tercio del S.XX.• Neoclasicismo. 1920-40.• Música electroacústica. Mediados del S.XX.• Minimalismo: Desde década de 1960…En torno al año 1600 surgen las primeras óperas, Monteverdi, Caccini, etc. Surge unnuevo género musical proveniente de los antiguos motetes y de los madrigales. Importanciadel bajo continuo, una de las características típicas del barroco. Se considera al barroco laauténtica revolución musical de la historia de la música. Se considera a Monteverdi ungenio, un auténtico visionario. 1750 : Muere Bach, el compositor más importante delbarroco, escribe obras en estilo italiano (Vivaldi) o francés, se considera la obra de Bachcomo la síntesis de los estilos internacionales. Tras la muerte de Bach, va a haber unatransición hacia el estilo clásico (Hendel, Beethoven y Mozart).1770-1810. Hayden, Mozart y Beethoven desarrollan sus obras. Finales de la década de los80, los tres coinciden en Viena. Hayden era el maestro de Beethoven, que es un caso aparte,pronto se va a desmarcar del equilibrio formal del clasicismo y va a dar cabida a su enormecapacidad musical para dar punto de partida al Romanticismo. Beethoven está consideradoun visionario.Romanticismo. Momento anti-clásico. Beethoven no es un romántico como Brahms yLiszt, pero ayuda a la formación de este estilo. S.XIX entero. Dos tipos: autores clasicistasy otros menos clasicistas, ambos siguen a Beethoven. Mendelsson, Schumann o Brahmsson clasicistas. Borodin, Smetana o Liszt son anti-clasicistas. Chopin o Paganini, músicosrománticos, son muy literarios. Es el gran siglo de la ópera y de la sinfonía, de la música decámara y de la música para piano.Último tercio del S.XIX: Reacción contra el romanticismo, sobre todo contra el alemán.Intenta entender el folclore como base musical. Escuelas nacionalistas. La más importantees la rusa. Nacionalismo checo (Smetana). Nacionalismo húngaro (Bartok). Siglos XIX-XX.A finales del S.XIX, va a haber músicos más románticos tardíos, compositores post-románticos con temáticas decadentistas: Richard Strauss y Gustav Mahler. Seguidores del
  • Lied.Autores que reaccionan contra este romanticismo exagerado, de manera destructiva. Martes, 28-2-2012.BARROCO.• Época de crisis.• Absolutismo.• Guerra de los 30 años.• Teatro- teatralidad.• Crecimiento de la burguesía.• Mercantilismo.• Estética de lo grandioso y lo gigantesco.-Bach y Hendel, dos artistas sobre los que se asocia la fusión de estilos nacionales. Elbarroco es fundamentalmente una época de crisis, es la época de la contrarreforma. Épocade los grandes reinos absolutistas, período de guerras. Época en la que el arte entra encrisis, también entra en crisis la espiritualidad de la gente. Crisis arraigada en la vida de laspersonas. Va a existir un arte tremendamente original y novedoso, busca la teatralidad, laexpresión por medio de la teatralidad. Gestos adecuados a la forma, en el barroco, la formaaparece rota por los gestos abiertos. El crecimiento de la burguesía va a posibilitar enmúsica nuevos públicos y nuevos patrones musicales. Se va a hacer de los teatros de óperaun negocio. Este crecimiento de la burguesía llegará a su culminación con la revoluciónfrancesa. Fase precapitalista del comercio.3 PERÍODOS.• Barroco Temprano: 1580-1630. Se empieza a dar valor afectivo y violento a través de la música. Se busca la expresividad a través de la disonancia. Comienza la diferenciación entre la música vocal e instrumental. Se va a hablar de manierismo musical, se va a querer pensar con música lo que dice el texto, se va a ver un tipo de arte retórico, un forzar las cosas casi hasta el límite que podemos ver en la obra de Claudio Monteverdi.• Barroco Medio. 1630-1680. Es la época de la ópera y la cantata.• Barroco Final. 1680-1750. Las formas adquieren unas dimensiones largas. Aparece el estilo concertato. Por primera vez en la historia la música instrumental domina a la vocal.-El barroco surge con una idea falsa de recuperar la música griega, Monteverdi, Galilei ylos intelectuales que rodeaban a Gardi, leyendo los escritos de Platón o Aristóteles, seplantean que esa música polifónica de finales del S.XVI es bastante complicada. Para losgriegos, releyendo a Platón, ven que era fundamental la unión entre texto y música. Lamúsica era inseparable del texto en la antigua Grecia. La música instrumental en Grecia noera noble, la consideraban excesivamente técnica, la música de los instrumentos de vientoera la más innoble.Los barrocos van a intentar resucitar este espíritu de la música griega, volviendo a un nuevorecitado cantado, en el cuál se pone en práctica algo que Monteverdi dice en sus libros demadrigales, cuando lo acusan de utilizar una música excesivamente cromática y artificial.Dice que hasta que el mismo ha sido formado en la composición renacentista, es un gran
  • contrapuntista, empieza a hacer polifonía en el estilo renacentista, sin embargo, a partir delquinto libro de madrigales, Monteverdi asegura que esa música quita contexto al texto, aesto le llama prima practica, en la secnda practica se creará una melodía que se pone enrelación con el texto para expresar los afecti, los sentimientos.-A principios de barroco se produce uno de los cambios más importantes: La música hastael S.XVI era totalmente modal, es decir, se basaba en los antiguos modos griegos. Aprincipios del S.XVI Farlino habla sobre los dos modos más importantes: Do y La,restándole importancia al resto. Eso se pone en práctica fundamentalmente a partir de losúltimos años del S.XVI, es lo que conocemos como tonalidad. La música barroca dejará lamodalidad y pasará a la TONALIDAD.La música de Corelli, Bach, Vivaldi, etc, va a ser ya fundamentalmente tonal.-Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. En el barroco se van adiferenciar los dos grandes géneros: Vocal e instrumental. Nacen las formas musicalesmodernas: Vocal (ópera, cantata) e instrumental (nace la sinfonía).-El Barroco Medio. Aparecen los grandes autores italilanos: Venecianos o napolitanos.Aparecen Torelli o Corelli. Los repertorios serios y cómicos se diferenciarán. Scarlatti oHendel van a consolidar la ópera. Durante este barroco medio va a ser muy importanteFrancia, la época del rey Sol. La música se integra diferenciándose de lo que ocurre en elresto del grupo. El barroco francés es diferente al italiano.-El barroco final: Bach, Scarlatti, Hendel, Telemann. Barroco de síntesis. Los compositoreshuyen de la simplicidad. Son grandes contrapuntistas, de hecho, Bach y Hendel son dos delos grandes contrapuntistas de la historia de la música. Aparece el estilo concertato (unirvoces diferentes para concebir una misma obra), se desarrolla y queda como algo defnitivo,una de las grandes aportaciones del barroco. Se consolida a partir del S.XVII con autorescomo Vivaldi, Bach o Hendel.-Por primera vez en la historia de la música, la música instrumental domina a la músicavocal. La voz va a ir por un lado y los instrumentos por otro, de vez en cuando semezclarán en estilos como la cantanta o el oratorio..Importancia en cuanto a la música vocal de: Policoralismo (Monteverdi o Bach), ópera,formas como el oratorio, la cantata, etc. El autor barroco, entendía como coro un grupo.Orquestas-coros..Música instrumental: Formas como la suite, la sonata o el concertó..Encontramos autores importantes en: Francia (Couperin, Lully y Rameau), España (PadreSoler, Francisco Valls y Gaspar Sanz) , Italia (Corelli, Vivaldi), Alemania (Telmann yBach) o Inglaterra (Purcell y Haendel). En España, el barroco es un poco más anticuadoque lo que ocurría en el resto de Europa.CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA.-Teoría de los ‘’afectos’’. La música debe ser capaz de cambiarnos el ánimo.-Se impone el sistema armónico, es decir, tendencia vertical (Renacimiento:Horizontal).-Las voces tienen importancia diferente. Hay una principal y las otras acompañan:MONODIA ACOMPAÑADA- BAJO CONTINUO.-Ritmo muy marcado que se denomina MECÁNICO.-Igual que en la pintura, el movimiento se convierte en el elemento esencial de lamúsica barroca.
  • -Aparece un uso muy rico de las voces. Arte del ‘’bel canto’’. Arte de la ópera.-Búsqueda de los CONTRASTES entre todos los elementos de la música..Audición: „‟Las Vísperas de Monteverdi‟‟. Mezcla de partes instrumentadas y cantadas.Importancia de las partes instrumentadas, partes solistas. Homofonía..Analizar los textos. Martes, 29-2-2012..El barroco va a intentar retomar el neoplatonismo. La música del Renacimiento suponeun clasicismo en cuanto a la manera de construir la música, va a ser algo muy objetivo, porel contrario, el barroco es una arte muy subjetivo, va a jugar con formas máscomplicadas. En música el barroco también va a ser considerado como el arte delmovimiento, el arte que va a buscar la complicidad con el espectador. El autor barroco vaa intentar transgredir las leyes de la música y hacer de la música un arte no espacial. Losmúsicos barrocos utilizan ya la experimentación espacial, sobre todo en los espaciosreligiosos, surge la policoralidad o composición a varios coros, situados en diferenteslugares de la iglesia, esto conmienza en en S.XVI en la Basílica de San Marcos de Venecia,con los Hermanos Gabrielli. Los Gabrielli realizaron experimentos musicales. Se va aquerer engañar a los sentidos. En España, incluso se llegaron a hacer composiciones a 14coros diferentes, por lo tanto, no solo se realizaron representaciones a 2 coros.La policoralidad surge realmente como un paso más de la polifonía. Es probable que lapolicoraidad naciera o tuviera su germen en la polifonía y en autores como Palestrina oVictoria por ejemplo.Los compositores del S.XVII como Caccini, Peri, Galilei o Monteverdi, reaccionan contrala música del Renacimiento, caminando hacia una absoluta simplicidad. Se crea unamelodía cantada y un acompañamiento musical. Los acordes de bajos solían serimprovisados..Leer el Texto de Caccini para el Lunes. Lunes, 5, Marzo, 2012..Importancia del contrapunto. Con Monteverdi se crean las primeras grandes innovacionesbarrocas de la música, trascenderá a una grandísima cantidad de músicos como Caccini, porejemplo. Es un autor que evoluciona desde el Renacimiento, formado en la composicióncontrapuntística, poco a poco, sobre todo en música profana, va haciendo un lenguaje cadavez más sencilla con función de intentar crear un texto que tenga coherencia con la música.Monteverdi no quería que el texto fuera por un lado y la música por otro. Al principio loque surge es un camino hacia la simplicidad, es cierto que lo más simple va a quedar en unestilo que se va a seguir cultivando en el barroco. Se va a querer lograr una concepción muymoderna de la música. Con el barroco va a nacer la música moderna. La gran innovación esque a partir del barroco, la música será TONAL no modal.Claudio Monteverdi..Hay varios textos importantes de la época que nos hablan de las declaraciones deintenciones de los autores al componer. Explican porqué componen de esta manera yreaccionan contra lo anterior. Una de las grandes obras será el libro de Madrigales deClaudio de Monteverdi. El madrigal es una obra para varias voces, para cuatro, cinco o seisvoces, los últimos madrigales están escritos con una voz y acompañamiento de bajocontínuo. Los madrigales suelen tener textos de calidad literaria elevada, por influencia y
  • traídos de los grandes autores italianos como Dante o Petrarca. Monteverdi haceevolucionar el madrigal desde el madrigal renacentista hacia la cantata barroca.En el libro „‟Ciclo de Madrigales‟‟, Monteverdi responde a toda una serie de críticas en elprólogo que responde a un crítico que le había acusado de alteraciones en ritmo y melodía.Él responde que hasta ese momento había realizado música siguiendo la prima práctica,luego responde que ahora seguirá haciendo seconda práctica, primo le parole e poi lamúsica. Monteverdi se piensa que es lo que tiene que expresar el texto a la hora de ponerlemúsica.Caccini, inventor de un nuevo tipo de música, canción acompañada por un instrumentomusical, le llama a su obra, „‟Nueva Música‟‟. Textos con acompañamiento de BajoContinuo, ejercicio para que comprendamos los efectos que la música provoca en nuestraalma. Unión entre lo cantado y el acompañamiento musical. Lo que quiere Caccini con sumúsica es activar la mente con la inteligencia de las palabras. Importancia de la idea dehablar musicalmente. Melodía que evoluciona, haciendo alguna disonancia. Importancia delos cantos para una voz sola.Bajo continuo: Voz aguda que cantaba e instrumento que realizaba acordes.En el Barroco, se da la vuelta al espíritu de la música clásica. La música del Renacimiento,sin embargo, no tiene nada que ver con la música de la antigüedad clásica. El Renacimientoes la culminación de un proceso que se da en la Edad Media, el barroco es el que seguirálos ejemplos y los patrones clásicos.Ej:Caccini. Amarilli. Composición para piano. Sutileza de una modulación musical.Escrito en tonalidad de Do Menor. Cambiando el si bemol por el si natural, va a convertir eldo menor en Do Mayor. Se multiplica la partitura. Modulación, uno de los recursosexpresivos de la tonalidad. Cecilia Bartli. Amarilli. Interpretación en el S.XX de la obra deCaccini. Escuchar en Aula Virtual.Retrato de Caccini.Ej: Monteverdi. Comienzo de las Vísperas de la Beata Virgen. 1610. En sus últimosmadrigales utiliza el estilo de Caccini, pero va a utilizar también otros estilos. Es un grandefensor de la homofonía, cuando se utiliza la música coral, al hacer todas las voces a lavez y al no utilizar el contrapunto, hace que se entienda mejor la obra. Vísperas de laasunción de la virgen, día en el que salían todas las carrozas en Venecia. El texto seentiende perfectamente, como todavía estaba al servicio del Duque de Mantua tenía quecorroborarlo, crea un acompañamiento musical parecido al Orfeo. Luego de trabajar enMantua lo contratarían y trabajaría en Venecia. Obra que verdaderamente abre el barroco. Martes, 6, Marzo, 2012.Venecia va a ser uno de los lugares en los que se inspirará la obra de Monteverdi, como„’Las Vísperas de la Beata Virgen‟‟, la obra que marca la eclosión del barroco.Tiene la particularidad de que acaba con el canto del magnífica, ese himno que nos cuentael Evangelio de San Lucas que entona el arcángel. El horario de vísperas era una de lasúltimas horas litúrgicas del día.„‟Ave maris stella‟‟: himno que nos indica que las vísperas van a estar dedicadas a laVirgen María.Lo que hace Monteverdi en esta obra, es realizar un guiño a la ciudad de Venecia. En estemomento, Monteverdi estaba trabajando a las órdenes del Duque de Mantua, trabajaba conuno de lso más importantes mecenas musicales. Monteverdi va a utilizar el contrapuntointegrada en la obra, como un recurso más. Por un lado, utilización del estilo recitado
  • (plena evolución de los madrigales), era un conocedor perfecto de los recursos de lahomofonía, también era un decidido defensor y conocedor del estilo del concertato, esdecir, varias voces concertísticas que cantan a la vez.„’Las Vísperas’’ es una obra escrita para seis voces, para orquesta con flautines, flautas,violes, sacabuches. Hace toda una serie de gestos que nos hace pensar que esta obra estapensada para sorprender al público veneciano. Hay toda una serie de guiños que nos estánrefiriendo a la liturgia espléndida que tenía la república de Venecia. Miércoles, 7, 3, 2012.Ave Maris Stella. Final de las Vísperas de la Virgen. Himno mariano, guiño a unarepública esposada con el mar, Venecia. Himno mariano y marinero. Monteverdimusicaliza el texto de la manera más antigua. Las vísperas es como un resumen de lamanera de entender Monteverdi el lugar de la composición. Monteverdi utiliza en sussalmos tipos de composiciones polifónicas, fragmentos homorrítmicos u homofónicos,fragmentos en los que un solista canta con el ritmo de Caccini y otros bajo continuo.Cantantes solistas haciendo música en ese estilo típico italiano, el Concertato.Representación: Perfecta colocación, teatralidad, pura coralidad. Separación deinstrumentos de cuerda y de viento, etc.Es importante, porque hoy en día todo eso se ha ido perdiendo en la iglesia católica. EnSantiago, la policolaridad tuvo un grandísimo desarrollo. Polifonía clásica en el estilo dePalestrina. Instrumentos de cuerda separados. La polifonía clásica no tenia ningúninterludio instrumental, siempre con voces. Polifonía clásica junto con bajo continuo. Cantosolista, canta un contratenor (contralto masculino). Nuevo motivo instrumental cuandoaparecen las flautas.Por lo tanto, Monteverdi va a ser un gran compositor de música clásica y de ópera.Importancia de obra teatrales en las que todo está cantado, recitado, con coros, etc. Intentode resurrección en la música de la idea de la tragedia griega. No en vano, uno de losprimero temas en retratarse va a ser el Mito de Orfeo.-Antes de Monteverdi, la primera ópera que conservamos en la historia de la música es la„‟Daphne‟‟ de JACOPO PERI, miembro de la camarata florentina. Giulio Caccini va aescribir una „‟Eurídice‟‟ también anterior a Monteverdi. Importancia de la mitología griegay el mito de la música.„‟Orfeo‟‟. Ópera moderna, escrita para un público rico. Monteverdi luego de su estancia enMantua se traslada a Venecia, donde sigue componiendo ópera, pero evoluciona: sus óperasse van haciendo mucho más artísticas y melódicas: „‟Retrono de Ulises a su Patria‟‟ o„‟Coronación de Popea‟‟ (ópera que escribe para el „‟TEATRO SAN CASSIANO‟‟, primerteatro que surge en la historia para la representación de ópera..Otra ópera muy importante de Monteverdi es la „’Ariadna’’, de la que solo conservamosun Lamento. Lo anterior al lamente era un madrigal. El género del lamento tuvo unaevolución singular, textos de carácter amatorio, el amor perdido, se van a hacer cantataslargas, de manera que el lamento fue un género con muchísima importancia en la Italia delS.XVII. Además de Monteverdi otros grandes autores importantes de lamento fueron: B.Strozzi o Stronzes.-Aunque la ópera surge en torno a Florencia, de hecho Monteverdi va a estar inscrito en lacamarata florentina. El estilo de la ópera empieza a difundirse por toda Italia, se crean
  • nuevos teatros de ópera, promovidos por los nobles. Ópera que cada vez se hace másartística, se hacen arias de los cantantes, introducen elementos trágicos y cómicos, con eltiempo evolucionarán dos estilos: ópera seria y bufa..VENECIA: El lujo de la ciudad hizo que fuera la ciudad operística más importante de losSS. XVII-XVIII. A Monteverdi le siguieron otros como: F. Cavalli, con obras como„‟Didone‟‟, „‟Il Giasone‟‟ y por último „‟La Calisto‟‟.Por otro lado en Venecia, otro compositor fue M.A. Cespi, su obra más importante fue: „‟IlPomo de Oro‟‟..Junto a Nápoles va a ser la patria de los grandes cantantes castrados..NÁPOLES: Va a existir un tipo de ópera peculiar, que muy pronto va a presentar unaópera más cómica, nace la ópera bufa.El compositor más importante de ópera del S.XVII y principios del S.XVIII va a serALESSANDRO SCARLATTI.ROMA.-Los cardenales también van a mantener y promocionar teatros operísticos.1601-1602: De Cavalieri en San Felipe Neri, hace representar durante la cuaresma unarepresentación: „‟De Anima et di Corpore’’, que está considerado el primer oratorio detema sagrada de la historia de la música.A mediados del S.XVII, el oratorio va a ser sin representar. El papa prohibió representar lasóperas sagradas que pasaron a llamarse luego, ORATORIOS. Ej: „‟Sant‟Alessio‟‟.El siguiente autor de oratorio será G. Carissimi, autor que va a introducir en el oratorio lafigura del orador. Este narrador del S.XVII se caracteriza por ser: largos pasajes narradosque se inscriben en las arias. Ej: „‟Historia de Jepte‟‟.Roma contó también con la presencia de cantantes castrados como Luigi Rossi por ejemplo.-De Italia la ópera se exporta al resto de países: Alemania y España por ejemplo. EnAlemania va a surgir un tipo de ópera: Singspien. En España el principal género de óperaserá la Zarzuela. De los autores más importantes en España, tenemos que destacar a: DeHita, De Viteros o Enebra.Audición. Cavalli: „‟La Calisto‟‟: Elementos serios y cómicos. Está considerada esta obracomo un probable germen de la ópera bufa. Lunes, 12, Marzo, 2012. 12/3/12MÚSICA BARROCA EN FRANCIAÉpoca del rey Sol. La danza le importaba más que cualquier cuestión deestado. Versalles está lleno de retratos del rey sol con atributos depoder. Versalles es un escenario para el rey sol que se representa a símismo y dejar boquiabiertos a los embajadores. Residencia de los reyeshasta lar R. F.Vida cortesana rica, muy ceremoniosa. El barroco en Francia es unbarroco muy peculiar, como el resto de las artes. La música ordenaba lavida de palacio, el rey se levantaba con música, desayunaba, paseaba,comía, echaba siesta, hacía recepciones, etc con música.Desde muy pronto el barroco francés tiene características comunes
  • como el bajo continuo, tendencia a la homofonía, estilo concertato…pero quería diferenciarse del resto de los países, maneja la políticaEuropea. El barroco francés es inconfundible.Tres grandes maneras de hacer música: a la italiana, a la francesa y a laalemana.En Francia gusto clasicista en el reinado de Luís XIV, se ve en la músicacantada, recitar continuamente, las arias son más sosegadas que lasitalianas. Música majestuosa para servir a la propaganda del rey Sol. Nose busca tanto el dramatismo de la música como en Italia. Ornato,solemnidad, majestuosidad.• Existencia de un ritmo propio de la música francesa. (Ritmos inedales????)• Inseparable música de ballet, aparece la suite. Suite: conjunto de danzas precedida de una obertura a la francesa. Origen en el hecho de que los operistas franceses cogieron la costumbre de coger las danzas de sus obras y extraerlas del contexto operístico.• Viola da Gamba, instrumento del barroco francés. Marin de Marais.• Lully, profesor de danza del rey, violinista, etc, el rey lo convierte en noble. Lully fue un dictador con respecto a la música teatral de Italia. Durante su vida no se estrenó ninguna obra en los teatros franceses que no fueran supervisadas por él.Introduce danzas al final. Apoteosis final que quiere dar idea de loimportante que es Francia con respecto al resto.Mucha música religiosa para ser tocada en la capilla real.Otros compositores: Charpentier, Campra (enemigo de Lully), MichelleDelalande.Obras más representativas: Atys, Perseo, Amadis de Gaula.El segundo periodo del barroco francés, más rococó: Couperin, Rameau.Couperin era organista de la corte, tiene muchísima música religiosa,instrumental. Obras más importantes: Apoteosis de Lully, Apoteosis deCorelli.Rameau es el compositor que hace evolucionar la tragedia lírica, esmenos rígido que Lully, transforma la tragedia y la comedia lírica en dosgéneros nuevos: la tragedia ballet y la comedia ballet. Defensor delestilo evolucionado de Lully en el momento en el que los enciclopedistasempiezan a atacar una música tan elaborada sin que transmitiera nada.El tercer periodo coincide con el reinado de Luis XVI, época de losenciclopedistas. Gran polémica con respecto a la música teatral. Serepresenta la primera ópera bufa italiana, más ligera. En París grandesluchas dialécticas entre defensoras de Lully y la nueva ópera italiana.Conciliador de ambos C. W. Gluck.
  • Expansión del barroco por EuropaFRANCIAEn Francia el barroco entra más lentamente, más o menos, hacia el 1630, La Música estácentralizada (culta) en la corte de Versalles, en la monarquía absoluta del Rey Sol, LuisXIV, lo que existe aquí es el “Ballet de Cour” (música, danza, mucha parafernalia), losmúsicos iban disfrazados, era un montaje. Los títulos de los ballets eran muy simpáticos.Era básica, música de entretenimiento.La prosodia francesa era más medida, verso mensurado, también existen partes cantadasacompañadas de laudes, y también había partes corales. La estructura del Ballet era variada.Reglas aristotélicas del teatro, espectáculo dentro del espectáculo para crear variedad. Deeste Ballet de Cour tan sólo nos ha llegado algún “air de cour” (alguna aria).- Los 24 violines del Rey, orquesta muy preparada. A partir de este ballet no hubiera sidoposible pasar a la opera, tuvo que ser la influencia de la ópera italiana la que provoco laopera francesa.- Ira penetrando poco a poco la música italiana, 1º el recitativo, algo nuevo que choca conFrancia (donde el recitativo es más marcado, más medido, no como en Italia).Así,consideraban algo antinatural. Llegarán unos cardenales franceses (Reichelied) que imponela música francesa, pero con huellas del italiano.JEAN BAPTISTE LULLY (1632-1687) italiano nacido en Florencia, que luego denacionalizó francés. Se convirtió en el íntimo amigo del Rey Luis XIV. Se convirtió en elmandamás del ballet y de las óperas en Francia y todo tenía que ser supervisado por él.Su formación es italiana y a partir de los 14 años francesa. Se diferencian tres étapas:• “Ballets de Cour” (1653-1672)• En esta segunda etapa compone “Comedies-ballet”• Operas (1673-1687) Tragedie LyriqueLas operas francesas de Lully no son muy innovadoras sigue lo italiano, arias medidas,armonías conservadoras no compone arias tripartitas sino bipartitas. Es innovador enintroducir la obertura de opera al principio de la ópera; obertura a la francesa, una partelenta y otra parte rápida. La petit band, la formó Lully.Otra de las novedades que aportó Lully es que introduce coros en las óperas y en músicasacra, coros grandiosos.Compuso unas 16 operas en Francia que se llamaron tragedias liricas.• Audición: Lully. El burgués gentilhombre. Marcha de la ceremonia de los turcos. Martes, 13, Marzo, 2012.El estilo barroco va a tener por tanto dos grandes estilos: el italiano y el francés. Bach va aaunar estos dos estilos.
  • Ej: Audición. Lully: Marcha de la Ceremonia de los Turcos, basada en una obra deMoliére. Los ritmos puntilleados que podemos ver en esta obra de Lully son típicos de lamúsica francesa de la época. Presencia de coros homofónicos.En la corte del rey sol, la música religiosa también va a tener su importancia. Lully va acomponer muchos grandes motetes: himnos litúrgicos, liturgias para la Semana Santa, etc.Ej: Audición: Te Deum, Charpentier. que se podía cantar en canto gregoriano, orquestassolistas, etc. Además de los elementos militares que podemos encontrar en el toque de lostimbales o los ritmos, hay muchos elementos del estilo Concertato italiano. Presencia desolistas y coro. Obra muy barroca. Miércoles, 14, Marzo,2012.Lully va a ser considerado como el gran creador del barroco francés. Pertenece a la primeragran época del barroco francés. A caballo entre la primera y la segunda gran época está elotro gran compositor del barroco francés: Jean Philippe Rameu, considerado como el granautor de tragedias del S.XVIII.Compositor del barroco avanzado, de la misma época que Bach y Haendel. Miembro delestilo galante, que evolucionará en el estilo clásico de Mozart.La carrera de Rameu es muy amplia, jalonada por los éxitos, la incomprensión, la polémica.Comienza siendo organista en Dijon, crea música eclesiástica, música muy ceremonial ymuy solemne. Acude a París a buscar fortuna, sin hallarla en los primeros años, es conocidopor su música religiosa y la creación de obras para clavecín. 1722: Crea el primer tratado dearmonía. Demuestra Rameu que la armonía es una ciencia, demuestra que toda ciencia espredecible y experimentable. Rameu es un autor barroco que sigue con la idearacionalismo. Dicotomía muy importante: Logra entrar en la academia de las artesfrancesas y después sus ejecuciones prácticas están muy ligadas al pasado, al estilo deLully.La carrera de Rameu se ve marcada por varios hechos. Rameu entra a componer obrassiendo bastante mayor. A partir de su primera tragedia lírica: Hippolyte y Aricie su carrerava a ser fulgurante. En el momento en el que él se revela como gran músico entran a escenalos enciclopedistas que critican a la música de Rameu por qué para ellos es una música delpasado, ya que ellos defendían una música algo más moderna. Otros importantes títulosson: Las Boleares, Cástor y Polux y sobre todo dos obras en las que da un nuevo vuelco ala tragedia lírica y crea un nuevo tipo de ópera: la ópera ballet- tipo de ópera en la que ladanza tiene tanta importancia como la parte musical (declamada o cantada). De hecho seconsidera a Rameu como el gran compositor de daza de la historia musical anterior aStravinsky.Años antes de que Rameu desarrolle esta primera gran carrera lírica, él había entrado encontacto en París con el caballero de La Pouplimiere. Este caballero le proporcionacontactos, le proporciona ayudas y le permite presentar sus obras en el Teatro de la Óperade París.Después de esta primera gran entrada de Rameu en la lírica musical francesa, hay unos seiso siete años en los cuáles se le pierde la pista, vuelve a aparecer en el año 1765, haciendoobras en un nuevo género derivado de la ópera ballet, llamado ópera cómica, que son losantecedentes de las óperas cómicas de Jacques Offenbach. Muchos de los argumentos de
  • Rameu son tomados de la mitología clásica. Las óperas de Rameu son todas cantadas.Ej: Danza de las Indias Galantes. 1735. Primera etapa lírica de Rameu. Ópera ballet.Argumento mitológico. Rondó. ABACADA…. Música muy exótica para el momento.Ej: Danza de las Indias Galantes. Brillant Solei.Ej: Rameu. Platea. Tomada de las Metamorfosis de Ovidio. 1745. La escribe para serrepresentada en el Palacio de Versalles. Ópera cómica. Argumento sencillo y cruel. Efectosen los que Rameu intenta representar los sonidos de varios animales en los que setransforma Zeus: Búhos, Ranas o Burros. Platea caracterizada como una rana. Martes, 20,Marzo, 2012.El Barroco en Inglaterra.Importancia del Anthem. Haendel como compositor nacional inglés.Ej: Purcell. Dido and Eneas.-A finales del Renacimiento se instaura una república marcada por elpuritanismo. Las primeras décadas del S.XVII son de escasa actividadteatral. Durante el Renacimiento en Inglaterra se había cultivado elmadrigal, destacando autores como Morley o Gibons, dos autores quehacen madrigales en inglés pero de tradición italiana, tambiéncomponen música para Laúd, instrumento que se utilizaba bastante enla corte de Enrique VIII. Morley y Gibons se encuadran dentro de lamúsica profana. Aparición de la Escuela de Virginalistas: JohnDowland. Los virginalistas eran maestros en el arte de la variación. Elvirginal es un clave pequeñito que tocaban las doncellas. Casi toda laobra de Dowland está recogida en el ‘’Frit Williams book of Virginal’’,una antología musical.La música religiosa a finales del S.XVI tiene su representante másimportante en William Byrd, todo esto hay que relacionarlo con laaparición de William Shakespeare, muchas de ellas requieren música,porque lo requiere el texto, ej: Otelho o Hamlet. Ej: Anthems deHaendel. Esta música litúrgica anglicana que elabora Purcell va a estarrecogida por Haendel.Inmediatamente a la época de Purcell, hay dos compositores queempiezan a practicar música teatral, a través de la Masque: MatthewLocke y William Lowes. La masque era algo parecido a lo que sucedía enFrancia, es decir, escenificaciones musicales con texto que se hacían enla corte, expresivamente para divertimientos cortesanos.La aportación más importante de Purcell para la historia de la música vaa ser la adaptación de los modelos italianos a la música inglesa. Músicade gran transcendencia que va a recoger Haendel. Entre los Anthemsque compone destacan; ‘La oda para el día de Sta. Cecilia’ o la ‘Odapara el cumpleaños de la Reina Ana’, mezcla de anthems y cantatas,sucesión de ocros. Importancia de música instrumental.
  • SONATA EN TRÍO: Dos violines para acompañamiento de bajo contínuo.MÚSICA DE CONSORT: Música de conjunto. En Inglaterra estaba muypresente los conjuntos para viola de gamba desde una concepciónpropia. La aportación más grande de Purcell es la creación de la primeraobra en inglés: Dido y Eneas. Compone esta obra para ser interpretadapor unas niñas de un colegio . Escrita en inglés, inglés adaptado. Obracantada hasta el final.Una de las características más típicas de la música inglesa va a ser lapresencia de esos coros. El hecho del idioma va a ser muy definitorio. Elhecho de que H. Purcell se atreva a hacer una obra entera en inglés va aser muy importante. The Fairy Queen, At the Lazard, entre otras.Ej: Audición. Dido y Eneas. Está basada en una historia de amor extraída del libro IV dela Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Cartago, Dido, y elrefugiadotroyano Enea. Cuando Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran.Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destinoes refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneasdecide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir.Audición: Área. Muerte de Dido. Area sostenida por el Basso ostinato:uno de los procedimientos más importantes de la música para componersobre variaciones. Óperas acompañadas por violines con melodías deoboes y flautas. Miércoles, 21,Marzo, 2012.S.XVI.Aparecen nuevos instrumentos. Importancia de la familia del violín, instrumentos como laviola da gamba. La familia del violín aparece en torno al núcleo de Cremona. Las violas dagamba: instrumentos de forma más primitiva. Las violas de gamba tenían los oídosarmónicos con una c o con una coma. Son instrumentos curvos por delante y planos poratrás. Las violas de brazo son curvos por delante y curvos por detrás.Desde el punto de vista constructivo, las paredes de las violas da gamba eran mucho másdébiles que las de las violas de brazo. Número variado de cuerdas: 6 y 8 cuerdas, las violasde gamba. Eran dos familias diferentes, las dos proceden del Renacimiento y las dos van asubsistir en el barroco. Con respecto a las violas de brazo, las violas de gamba tenían unaproyección menor de sonido. A lo largo del S.XVII y S.XVIII hubo una subsistenciaimportante de los modelos.El violín, poco a poco, junto al clavicémbalo se va convirtiendo en el gran instituto barrocopor excelencia. En las orquestas, del mismo modo que actuaban los violines en las vocesagudas, actuaban las violas da gamba o violoncellos como bajos. En Francia, la viola dagamba va a tener una gran tradición. La viola da gamba, similar al violoncello subsistía conéste. El violón, la viola da gamba bajo va a evolucionar en contrabajo, elemento mixto entrelas nuevas innovaciones entre los luthiers de Cremona y el bajo de la viola da gamba.Stradivarius.Nos encontramos ante la época de los grandes luthiers: Amati, Stradivari, etc.
  • Amati sienta las bases ante las que luego trabajarán Stradivarius y Guarnerius.La viola va a ser más problemática, en relación con la voz que tenia que hacer la viola, seconsideraba un instrumento que tiene que tocarse colgado de una correa por su tamaño. Enviolas va a haber muchos más modelos que en lo referente a los violines.Avances muy importantes en los instrumentos musicales que van a organizar nuevas formasmusicales parejas a innovaciones en la técnica. Las evoluciones en la técnica hace que loscompositores elaboren obras de una mayor calidad artística. El violín a lo largo de todo elS.XVII culmina una evolución hacia el perfeccionismo.Las grandes formas musicales que surgen en el barroco, en principio está relacionadas conel violín: sonata y concierto. En el barroco podemos decir que nacen los géneros musicalesmodernos: ópera y cantata y por otro lado los géneros instrumentales: concierto, sonata ysuite.De la misma manera que a principios del S.XVII se producen todas estasexperimentaciones en Italia, paralelamente a esto, los violinista empiezan a realizar muchosexperimentos sonoros y acústicos. La policoralidad y los ecos se convierten en elementosde especulación. Los violinistas en esta época, solían estar adscritos a centros religiosos,sobre todo alrededor de iglesias del norte: Brescia, Bolonia, etc.Ej: Darío Castello (basílica de San Marcos de Venecia), Marco Uccellini, Giovanni Spada oBiaggio Marini. Todos ellos autores de obras que llaman sonatas, que surgen a finales delS.XVII para diferenciarse de la cantata. De manera que, nos encontramos con esadiferenciación del tipo de obras según los elementos que van a utilizar: CANTATA- músicacantanta. Sonata- música tocada, no contada. La sonata, va a relacionarse como sonata daChiesa o da camera, las primeras sonatas van a ser muy experimentales, no van a tener estatípica estructura tan dividida en movimientes, tipo a-b. Las primeras sonatas eran temas convariaciones sobre bajos ostinatos o bien composiciones en las que el bajo actuaba conlibertad, pero con un único movimiento con muchos cambios de tempo. Momento en el queel barroco va a ser contraste y va a fomentar la sorpresa en el espectador con esos cambios.Ej: Audición. Biaggio Marini. 3 violines en eco. Sonata. Venecia. 1615. 3 solistas:solista principal y otros dos van a repetir las frases del violín. Es este tipo deestructura: bajo con un violín que es el principal y los otros dos que lo van imitando.Escrita en un solo movimiento pero con muchos cambios de tempo. Música muyvirtuosista para la época. Lunes, 26, Marzo, 2012.…pedir apuntes.Concerto grosso: Diferencia de varios solistas, reproduciendo el esquema de la sonata entrío. Van a unir la concertación con una orquesta. Concerto grosso como denominación deuna orquesta compuesta por violines, viola y bajo, frente al concertino: el primero de losprimeros violines. El concertino es también el encargado de ensayar a la orquesta enausencia del director. Oposición de dos elementos: orquesta barroca típica (violines, viola ybajo) y concertó grosso (dos violines y violoncello). El concertó grosso se va articular poruna serie de 4 o 5 movimientos alternantes en el tiempo, en el que un grupo de solistasinteraccionan con las respuestas de la orquesta. Los conciertos típicos, los de Corelli, estánescritos para este tipo de anotación. Otros autores como Torelli incluyen la Viola en elconcertino. Otros autores posteriores como Scarlatti o Haendel incluyen los instrumentos deviento de una manera bastante variada. Haendel, curiosamente, tiene dos composiciones deConcerto Grosso ( opues 6 y 3), y la 3 presenta toda una serie de variaciones.
  • Esta forma se hizo muy normal en la Iglesia de San Petronio, en Bolonia, en los tiempos deCorelli y Torelli. Música compuesta para ser tocada en iglesia y en las academias demúsicas. 1780: Corelli se va a Roma. En los últimos años de su vida rehace esta música quecompone. Entra el servicio del Cardenal Otogoni y de la Reina Cristina de Suecia, exiliadaen Roma, allí comienza a interpretar su música en pública. Hay testimonios escritos que nosindican el perfeccionismo de Corelli. Importancia de la interpretación de la música demanera coordinada. Corelli llegó a interpretar sus concerti Grossi con 150 intérpretes. Se lealababa por su técnica y por su expresión.Corelli nos transmite una colección de 12 concerti Grossi que publica en AmsterdamEtienne Roger, el editor más importante de música del S.XVIII. Nos ofrece el concertiGrossi como una forma clásica. Sin embargo, sabemos que estos concerti Grossi llevaronuna elaboración grande, fueron compuestos durante su estancia en Bolonia, construyó obrasgrandes basándose en obras pequeñas. Importancia de movimientos aislados en los quehabía una parte lenta y otra rápida. Presencia de la fuga y del contrapunto (concerti diChiesa), en los conciertos de cámara (presencia de danzas).Corelli muere sin acabar esta colección de obras. En 1712 publica Vivaldi su primeracolección de conciertos, que supone un estado más avanzado del Concerto Grosso que ladel propio Corelli. Corelli siguió un determinado número de criterios para ordenar susconcertos. El grupo solista va a actuar de una manera bastante autónoma. El concertógrosso no deja de ser una ampliación de una sonata en trío.De todos los conciertos, hay uno particularmente famoso, al que Corelli subtitula: Fatto perla notte di natale. Importancia del matiz religioso, Corelli identifica algunos elementos deretórica musical con la idea de hacer una música de carácter pastoril.Las últimas colecciones de concerti Grossi van a ser las de Haendel y las de Bach ( quefundirá en los Conciertos de Brandenburgo concertó gorsso con otras formas).Ej. Audición. Corelli Concerti Grossi No.12 in Fa major, Opus 6. Toda una serie demovimeintos.Estructura interna de los movimientos: muy sencilla. Estructura binaria. Martes, 27, Marzo, 2012.ANTONIO VIVALDI.Nace en Venecia. Sacerdote de profesión. Hijo de un violinista de San Marcos. Prontoaccede al puesto de trabajo que le va a permitir componer una cantidad enorme demúsica instrumental: maestro de violín y director del Hospedale de la Pietá. Vivaldiinterpretaba música y conciertos. La mayor parte de la música que Vivaldi escribeestá escrita fundamentalmente para ser interpretada por esta orquesta de monjas y dehuérfanas.Contemporáneo a Bach, es el compositor que define y proyecta el estilo y las enseñanzas deCorelli hacia el S.XVIII, es el compositor que influye en el Bach italianizante y puede serconsiderado el compositor que abre el S.XVIII. Bach recogió ese estilo vivaldiano delconcertó a solo. Es un descubrimiento relativamente reciente, en los años 30. Obra ingenteen Nápoles o Venecia. Al final de su vida realizo varias giras de conciertos como violinistay compositor de conciertos. Vivaldi era un autor muy conocido en Alemania, de hecho granparte de su obra se encuentra en la Biblioteca de Dresde. Bach descubrió pronto la músicade Bach.Vivaldi es un autor que no tiene parangón en la historia de la música en cuanto a
  • originalidad. Vivaldi era un auténtico virtuoso del violín, capaz de imitar el sonido de lospájaros. Estilo muy personal que se caracteriza por ser melodioso y sencillo, tiene melodíasque no están muy desarrolladas, algo que lo diferencia con Bach, que tiene un estilo máscomplicado.La música se hacía después de las funciones litúrgicas, ya no son Concerti da Chiesa. DeBrosses nos dice que en los conciertos de los Viernes, en el Hospedale de la Pietá se reuníala mayor parte de la clase alta veneciana en torno a las interpretaciones de Vivaldi.Vivaldi compone una gran parte de música sacra y una gran cantidad de conciertos paraviolín y para otros instrumentos. La aportación de Vivaldi para el concierto a solo es muyimportante. Vivaldi toma prestada la forma del concertó corelliano y le da su propia forma.El concierto de Corelli era algo arcaico con estructuras binarias, la orquesta doblaba alconcertino, etc.Sin embargo, en el concertó Vivaldiano la oposición entre orquesta y concertino se notamás. Tres movimientos: rápido-lento-rápido. El primer movimiento es más virtuoso, elsegundo tiene forma binaria, ya que el movimiento lento ha de ser un movimiento reposadoy por último, el tercer movimiento vuelve a ser virtuoso: en los concerti da Chiesa es unafuga y en el resto de los conciertos suele ser un allegro más rápidos que los primeros ysuele ser más difícil. Este esquema compositivo lo podemos ver en Las Cuatro Estaciones.Una de las grandes aportaciones de Vivaldi será el Ritornello: Cuando los instrumentosdespués de las partes vocales vuelven a recoger el mismo tema. Vivaldi la utilizaconservando y desarrollando ese hecho de una melodía que aparece, pero conservando lamelodía solista. De manera que, el concertó vivaldiano se desarrolla mediante esteesquema: tutti-soli-tutti-soli-tutti-soli-tutti. Este diálogo da al compositor el poder empezaraa jugar con la harmonía. Importancia del violín. Las modulaciones en el ritornellovivaldiano se dan en las partes solistas. En la aparición del tutti, no tiene porque aparecer eltema entero, puede aparecer una parte o una variación de ese tema. Vivaldi llega a la formaritornello partiendo del Concerto Grosso de Corelli.2 etapas.• Etapa en la que está en Venecia. Etapa en la que toca en el Hospedale de la Pietá. A tenor de su asma va a tener que trasladarse.• Vivaldi está más volcado a la música vocal. Se traslada a Viena. Muere allí después de haber conocido la fama y el éxito, de hecho es el primer gran compositor de la historia de la música, la primera gran estrella de la historia de la música.Los conciertos de Vivaldi están construidos para: violón, violoncello, flauta, fagot,clarinete, instrumentos extraños como la Viola de amor, zanfona, etc. Vivaldi solíacombinar también instrumentos, esta idea de experimentación sonora va a ser muy propiade Venecia.Muchas de las obras de Vivaldi fueron publicadas en vida, publicadas en Amsterdam de lamano de Etienne Roger.Ej: Il Pastor Fido. Sonatas de cámara. Flauta, violín y clave. Opus 1.Ej: L’astro armonico. Opus 3. Vivaldi muestra sus experimentaciones sobre el concertógrosso y las sintetiza con el concertó a solo. 3 CONCIERTOS:• Violines.• Violines y violoncello.• Concierto para violín solista, cuerda y continuo.Aparece en la imprenta un año antes de la Opus 6 de Corelli.Ej: La Stravaganza. Opus 4. Doce conciertos para violín solista, cuerda y continuo.
  • Ej: Il Cimento dell’armonia e dell’invenzione. Opus 8. Aquí se encuentran las CuatroEstaciones.Ej: La Cetra. Opus 10.-Multitud de oratorios, entre ellos destaca la ópera sacra, Juditha Triumphans, un símboloentre la rivalidad de Venecia y Génova. Óperas serias italianas escritas ya con libretos. Miércoles, 28, Marzo, 2012.Ej: Opus III. L’Estro Armonico.12 conciertos divididos en cuatro bloques de tres conciertos cada uno.El primero de los conciertos es un concierto para cuatro violines. En unos momentos tocanlos cuatro solistas y los otros tres acompañan y viceversa. Algo que copiará J.S. Bach enLos Conciertos de Brandenburgo.Muestra como Vivaldi coge los modelos del concertó grosso y los lleva ya hacia losconciertos solistas.El primer movimiento es un guiño al concierto grosso, Vivaldi presenta los elementos delconcertino en un tempo rápido, crea un diálogo entre solistas y acompañamiento. Diálogoentre dos violines que se van respondiendo. Acto seguido hace un movimiento lento conunos compases muy breves y un movimiento rápido que es una fuga. Concerto da Chiesa,vemos como la fuga (una de las expresiones máximas del contrapunto) es algo particulardel concertó da Chiesa.Esquema rítmico: Rápido – Lento – Rápido.Concierto absolutamente teatral.El segundo de los conciertos, más cercano a la forma corelliana, es para 2 violines convioloncello.El tercero es para violines.El cuarto 2 violines y violoncello.El último es para solo violines.Los movimientos de los extremos son virtuosos y el del medio es expresivo.Entre el tutti primero y el segundo se produce una modulación del violinista. La orquestarecoge las modulaciones del violinista.Ej: J.S. Bach. Concierto Número X. Para cuatro violines. Lo transcribe para cuatro claves yorquesta. Transcribe el Ritornello de Vivaldi a cuatro claves y lo transcribe. Es un temasencillo a cuatro notas que desarrolla de una manera extraordinaria.Ej: Vivaldi. Concierto para un violín principal y otro violín lejos. Lunes, 9, Marzo, 2012.Johann Sebastian Bach.-Uno de los compositores más importantes de la historia. Un personaje absolutamenteprincipal para la historia de la música y que marcó su evolución para la historia.Retrato de Johann Sebastian Bach.Con él culmina el barroco musical. Es un adelantado en la época. A partir de los añosveinte del S.XVIII el barroco entra en decadencia, se empieza a demandar un cambio deestilo que se va a producir sobre todo en Alemania, que se produce en 1780 en Austria conla presencia de Haydn, Beethoven y Mozart.Bach se consideraba a si mismo un compositor de música religiosa. Lo más importante de
  • su obra son sus cantatas, su oratorias, etc. Su música religiosa está en torno a la tradiciónmusical religiosa basada en lo que venía instaurando Lutero en las iglesias que dominabanlas ciudades alemanas.Muy prolífico en todos los géneros musicales del barroco, salvo la ópera, a diferencia deHaendel, el otro gran autor alemán.La obra de J.S. Bach viene siempre precedida por 3 letras: BWV. Catálogo general de laobra de Bach. Se va a conocer la obra de Bach como la obra de uno de los grandescontrapuntistas. Los catálogos suelen empezar por música vocal luego instrumental(sinfónica y de cámara).Nace en 1685. Muere en 1750. Autor puramente alemán con el que culmina toda unatradición de músicos alemanes y en particular apellidados Bach, procedente de la zona delnorte de Bohemia. Bach no se puede entender como un fenómeno aislado. Época en la queLutero le dará importancia a una forma musical religiosa como el coral. En los paísesnórdicos se va a desarrollar muchísima una escuela de músicos de tecla que culmina con lafigura de Juan Sebastian Bach, que en su época era conocido como un gran intérprete deórgano.Importancia de Lutero, que va a llevar una forma participativa. Importancia del ConcilioVaticano II.Bach era un músico contrapuntística, aprende música con sus hermanos de una maneraautodidacta, lo asimiló todo a través de su herencia musical familiar.A finales del barroco se produce una combinación de las técnicas del barroco más puro conuna utilización frecuente y recurrente del contrapunto. Bach tuvo una vida básicamentededicada a Dios, a la música religiosa y a las iglesias luteranas, una vida en la que no salióde Alemania. Las influencias muchas veces le llegaron de obras manuscritas, por ejemplo,Bach va a transcribir los conciertos de Vivaldi, pero lo transforma a otros instrumentos. UnBach marcado por la incomprensión y el amor a su familia, tuvo 21 hijos, de los cuálesalgunos de ellos son músicos muy importantes en el músico clásico y pre-clásico.4 ETAPAS CLAVES. Hoja.Bach nace en Eisenach y es organista en toda una serie de iglesias.A principios del S.XVII, Bach obtiene el puesto de músico de cámara en la corte deWeimar, en la Turiniga alemana. Bach era fundamentalmente clavicembalista, organista ytambién tocaba la viola. Bach empieza a escribir cantatas religiosas. Bach escribe cuatrociclos de cantatas para todas las festividades anuales luteranas. Va a seguir un poco elmodelo de la cantata italiana, con libretos muchas veces escritas por teólogos y libretistasluteranos. Importancia de los corales que caracterizan las fiestas del día de la cantata encuestión. El coral de Bach tendrá la importancia que tenía por ejemplo el cantus firmus enla música de Palestrina. La música de Bach abre un camino importante para la música decámara.Las primeras obras las conservamos gracias a transcripciones posteriores del propio Bach.Bach abandona la corte de Weimar y en 1717 comienza una de las etapas más interesantesde su vida como músico de cámara del príncipe Leopoldo de la corte de Anthar-Kothen.Bach se va a ver obligado a componer casi exclusivamente música instrumental. En estaépoca Bach escribe toda su música instrumental, por ejemplo los „’Seis Conciertos deBrandenburgo’’, escribe sus conciertos para violín, sus conciertos para clave, sus suitespara orquesta, sonatas para solista con acompañamiento en clavicémbalo, sonatas en trío,sonatas para violín. Bach escribe música instrumental para su propia orquesta. Martes, 10, Abril, 2012.
  • Bach va a tener cuatro partes muy claras en cuanto a su trayectoria, que caracterizan muybien su evolución como compositor. Junto a Haendel y Telemann está considerado comouno de los exponentes del barroco tardío. Posteriormente llegaría el estilo clásico deMozart, Haydn o Beethoven.„’La Pasión según San Mateo’’ de Bach es la culminación de muchas características de lamúsica barroca, como la policoralidad, sin embargo, en su época fue considerado unanticuado y no se le dio la importancia que merecía.La música sigue ya otros derroteros, que promueven nuevas formas musicales másreglamentadas como pueden ser la sinfonía o la sonata.Bach es un autor que recoge el barroco ya muy maduro, recoge el arte de la suite francesa ylo recoge dándole ese carácter propio con el contrapunto. En la historia de la músicaalemana, Bach es la cima de un proceso de evolución que comienza con la reformaprotestante de Lutero. Importancia de los corales: composiciones sencillas y homofónicas,muchas veces basadas en melodías populares muchas veces basados en los textos que loscorales realizan. La música del coral va a ser equiparable a la música del Canto Gregoriano.Bach es un compositor de música religiosa, para él el objeto de su música era glorificar aDios. Importancia de esa obra de arte perfecta que transciende el mundo de lo sensible ypermite llevar al espectador a lo espiritual en obras como ‘’La Pasión de San Mateo’’.La música religiosa, la música de órgano es lo más importante en la obra de Bach. Suproducción de música instrumental, orquestal y de conciertos es muchísimo menor a suproducción de música sacra. La producción orquestal o instrumental de Bach tiene dosmaneras muy importantes, por un lado tenemos la música para teclado. Además destacanlas producciones para varios instrumentos, no demasiadas en número pero si absolutamenteextraordinarias en calidad. Bach hace esta música con una calidad extraordinaria y unacantidad menor a la música vocal.La música instrumental de Bach se reduce a sus dos últimos períodos de vida: 1717-23-Corte de Anthal-Kothen (compone una gran cantidad de sonatas, los Conciertos deBrandenburgo, etc.) y en la época de 1723-1750- Kantor en Sto. Tomás de Leipzig.Bach es original en las combinaciones instrumentales, pero busca la perfección formal, labelleza del sonido, la expresividad, llegando más allá que la sorpresa tímbrica que nospresentaba Vivaldi.En la última parte de su vida: Últimas grandes obras, Prusia. Síntesis del arte delcontrapunto pero basado en obras italianas. ‘’La Ofrenda Musical’’ y ‘’El Arte de lafuga’’, esta obra, la última de Bach, la deja incompleta. Obra escrita fundamentalmentepara órgano, tiene una riqueza contrapuntística tan grande que se puede tocar con una grancantidad de instrumentos.Música vocal: „‟La Pasión según San Mateo‟‟ y „‟La Pasión según San Autor alemán en elque culmina toda una generación de organistas y compositores de corales en la iglesiasluteranas, muchos de ellos en su propia familia, todos los músicos Bach son de la mismafamilia, culminación de un proceso artesanal de entender la música. Compositor quesintetiza el lenguaje musical italiano con el francés más el contrapunto típicamente alemán.Juan‟‟, la segunda más pequeña e íntima. Ambas de una profundidad y de una perfecciónextraordinaria. Se sabe que compuso cuatro pasiones para cada evangelista. Las dos estánhechas para la corte de Leipzig. La pasión tenía una gran tradición en época barroca. Loque hace Bach es culminar la gran tradición de un estilo que utilizaban otros autores comoKunhau, Buxtehude o Heinrich Schutz. Se organiza la historia entorno a la figura delevangelista, el personaje principal. El historicus o narrador va narrando como si estuviera
  • recitando, con acompañamiento en distintas partes de la obra. Discurso del narrador que seva a ver interrumpido. Presencia de personajes individuales y colectivos (los coros). Lateatralidad es muy clara en las obras de Bach.Esquema: ‘’La Pasión según San Mateo’’. Audición.2 coros: cada coro acompañado por su propia orquesta. Por lo tanto, 2 coros-2 orquestas.C1-C2O1-.O2Todo representado con no menos de 5 solistas. Solistas que cantan acompañados por una delas dos orquestas, por instrumentos de las dos orquestas (a veces). El bajo continuoacompaña a los cantantes en estilo recitado, cuando canta el personaje de Jesucristo el quelo acompaña es el cuarteto de cuerda. Miércoles, 11, Abril, 2012.Coro policoral, dos coros a cuatro voces, un grupo de mujeres que se hacen una invitaciónlas unas a las otras para acompañar a Cristo en su sufrimiento. El coral se divide en frases.En cuanto a la instrumentación, los instrumentos que acompañan son la flauta, el oboe, elfagot o la viola da gamba.Ej. Audición. Karl Richter: Interpretación de la Pasión según San Mateo. Bach. Elcontinuo lo hace un órgano. Obra estrenada en Sto. Tomás de Leipzig. Importancia delas respuestas de un coro hacia otro.Música instrumental. Bach coge elementos del estilo de la suite y de la sonata. Bachnunca se sintió un compositor de música instrumental, cuando lo fue lo adaptó a lasfunciones que tenía que interpretar: interpretó música instrumental en la corte deWeimar e incluso en la corte de Anthal-Kotten.1er concierto: Concerto Grosso en el que Bach funde la forma del concierto a solovivaldiano con la de la suite. Es el más largo de todos, tres movimientos: Allegro-Lento-Allegro y luego: dos minuetos, un trío y una coronesa. El tercer conciertopresenta elementos ya propios de la música de cámara.Concierto de Brandenburgo: 3 violines, 3 violas, 3 violoncellos y bajo continuo, esdecir, a cuatro voces. Concierto en el que las voces funcionan como un abanico. Decuatro voces se pasa a desplegar las voces en tres.El cuarto concierto: Concerto grosso, aire bastante pastoril, influido por la músicafrancesa, presenta dos flautas y un violín solistas.El quinto concierto es la culminación del movimiento vivaldiano en el barroco. Tieneun primer movimiento extensísimo, los solistas actúan como si fueran una sonata entrío. Es el primer movimiento de la historia de la música en el que el compositorcompone una larga suita para el teclado.El sexto es bastante original, está escrita para dos violas de brazo, dos violas degamba, violoncello y bajo continuo. Concepción de música de cámara. Las cuatropartes interaccionan de forma polifónica. Este fue probablemente el primer conciertoque escribió de los seis. Se cree que los conciertos de Brandenburgo fueronreelaboraciones de obras anteriores.Ej: Audición. Conciertos de Brandenburgo.Ej: Obertura de la Suite para Orquesta nº 2. Conservamos de Bach, 4 suites en lascuáles la obertura está muy desarrollada. Oberturas o suites para orquesta. La suite ala francesa nace y muere con el barroco. Bach compone cuatro suites en las quesintetiza lo francés con lo italiano. En realidad es un concierto para flauta conorquesta que presenta la forma de una suite. Presenta un ritmo muy francés. Fuga:
  • Violines y flautas, violas. Lunes, 16, Abril, 2012.HAENDELDe la misma generación que Bach, del segundo barroco ya en decadencia, pero queva a dar sus frutos en los tres autores mas prolíficos: Bach y Haendel nacen enel mismo año en Alemania, pero no van a coincidir. Bach tiene mas interés enencontrarse con Haendel, pero no encontró el momento. Nacen en un ambiento muysimilar, pero llevan vidas muy diferentes, Bach siempre va a estar al serviciode la musica religiosa con un aprendizaje artesanal, pues le vine de familia. Encambio la vida de Haendel es una vida cosmopolita, ligada a su vida decompositor y poco ligada a sus orígenes alemanes. Es una vida de viajescontinuos, finalizando en Londres, donde adquiere todas sus formas, de modo quese acaba aceptando como uno de los músicos ingleses por excelencia.Heandel supone la culminacion del barroc con Bach en cuanto a calidad y suproduccion, Bach e cuanto a la perfeccion de sus musica. La musica de Haendel esmas mundano, pues se paso toda la vida viajando, su gran carrera en el mundo esla de compositor de operas serias, en el sentido de la gran opera italiana. Aligual que Bach es un autor de sintesis, cultiva el estilo frances, sonbr todo enellas suites y el estilo italiano en las sonatas y en las operas, peor va amezclar ambos estilos cuando sea preciso. Las suites son una¡ conjunto dedanzas, peor muchas osn danzas concertantes, como suites son francesas, sinembargo en la manera e tratar la musica muchas son ritornellos. Lo mismo sucedeen la musica instrumental, tien mucha produccion pero es compositor de musicalvocal, entr e lo ams conocido están las sonatas y sus dos colecciones deconcierto grossi, que son concerti grossi escritas en el estio italiano, dondesisntetiza ls enseñanzas de Corelli y Vivaldi y las mezcla con el con laestetica de la suite. Muchos concierti grossi tienen el concierto solo y despuésdanzas, elementos tipicos d ella danza. Lo mismo sucede con sus operas cson unasucesion de arias para solista con una intervencion en algunas mayor que enotrasde los coros, recogendo la tradicion francesa, tambein mete elementos de laopera francesa como las danzas, lo cual no era propoi de la italiana.ETAPAS DE LA VIDAnace en 1685 en el seno d euna familia biurgesa, que quieren que siga la vida deabogado, eproel ya se interesaba por la musica. A partir de 1703 nos loencontraos como musico de la opera de Hamburgo sonde conoce a Teleman, un autorcon el que tendra mucha amistad. En 1706-10 hace una primera estancia en Italiadonde estren aroratorios, cantatas y conoce a Corelli que le influye. En Italiaestrena algunas operas en el estilo de la opera Italiana como Agripina, o Acis yGalatea. En 1710 es llamado por el princice elector de Hanober y se convierte en
  • maestro de capilla d ella corte, donde estrena Rinaldo, su gran opera. Estaetapa es breve pues dura hasta 1712, entre estos años hace un viaje a Inglaterray se instala en ella donde funda una empresa ----- la vida de Haendelestacondicionada por la competencia entre ambas em0presas. No vuelve a Londres peropor una casualidad en 1714 el principe elector de Hanoeber se convierte enJacobo I de Inglaterra, lo convierte en musico d ella corte, es el momento de lamayor proyección de Haendel, es la época cuando compone las suites d ella musicaacuatica y para los fuegos artificiales. Cultiva un estilo que había dejadomarcado de Parcell que era el anthem (himnos), que eran los himnos propios deIngleterra. El anthem era un hinnmo en ingles que tenia una cierta sobriedad,sin muha orquestracion, pero en el moemnto que la ocasionlo requeria se convertien una orquesta con coro. Haendel sera el mayor compositor de anthems en lahistoria, son d euna calidad enorme y los ompone para la coronación el rey. Estonos dice que se supo adaptar a todo en la vida, supo aprovechar cada moemnto.Esto va a hacer que sus oratorios, que realiza a partir del 14, un tipo de obrasdemandadas por una tipo de burguesía menos frívola que la nobleza, querepresentan virtudes morales. En este sentido el publico le empieza a pediroratorios, y los adaptada a la manera inglesa haciendo que se canten en ingles yen segundo lugar pone al coro como verdadero protagonista de sus oratorios, quehacen referencia a los anthens.La composición de Haendel empieza a partir de 1718 que se ven jalonados porvarios éxitos como el Mesías, que es la obra por la que se ha hecho mas famoso,no tiene la profundidad de Bach pero es una musica muy hermosa donde Haendel. Esmuy curioso porque no tiene personajes, es el oratorio alegórico que nos hablade Cristo. Entonces a aparecen personajes que cantan los solistas, pero no escomo las pasiones u otros oratorio donde si hay arias de personajes. En estesentido es importante que la mayor parte de sus oratorios son realmente operasde tema sagrado n las que pone musica a un libreto sobre una historia bíblica.El oratorio surge como diferenciación de las operas paganas, sin embargo los deHaendel son muy precisos en calidad dramática, que se pueden representar. Elestilo musical es el estilo de la opera las arias son virtuosas con unaexquisitez en las voces y timbres que busca el preciosismo del sonido. Haendelescribe también algún oratorio, porque también tiene oratorios profanosconcretamente el de Semele, que escribió no para ser representado, sino para sercantado.SU OBRAla musica vocal con los anthems, salmos y antifonas para el servicio de lacorte inglesa. Los anthems para la corte britanica, las diferentes odas, losoratorios son muchos como Israle en Egipto, Isabel, Sanson, Salomon, Saul y porsupuesto del Mesías, el ultimo es Theodora. También compuso algunas pasiones.En las suites encontramos las Suites acuáticas que son tres y la música para
  • los juegos artificiales que fue escrita para una orquesta con instrumentos deviento y de percusión, pensada para compañas una celebración al aire libre,mientras la cual se iba a quemar una edificio de fuegos artificiales. Martes, 17, Abril, 2012.Ej: Concerto Grosso. Op. 3. John Walsh.En cuanto a Concerti Grossi, Haendel publica la Opus 3 y la Opus 6. La opus 3 es muyimportante, mezcla el concertó grosso modelo Corelli, concertó solo Vivaldi y la suitefrancesa. El primer momento es una obertura a la francesa, andante o movimiento lento, untercer movimiento que es un allegro y un último movimiento que es un minueto.Haendel amplía y modifica las enseñanzas de los autores italianos en cuanto al concertino,en la opus 3, muchos de los conciertos están escritos para violín solista, con partes solistasa veces compartidas con: flautas u oboes. Ritmos muy marcados. En esta versión se repitela fuga y el último movimiento lento. El estilo para violín que presenta en esta obraHaendel es muy italiano (recordemos la importante del violín en obras de Vivaldi). Lapresencia de un violín solista es algo muy típico de Corelli.Esquema musical: AA-BB-CC-DD-AA-BB. Esta idea de los minuetos va a ser realizadatambién por Bach y puede ser tomada como un antecedente del clasicismo musical, algoque posteriormente harán Mozart o Haydn. M1-M2-M1.Opus 6: Posterior. 12 concerti Grossi. Colección de concerti Grossi extraordinarios, pero enellos, Haendel vuelve hacia el estilo más italiano, hacia la esencia del concertó grosso,influencia de Corelli.Música vocal: Haendel recoge la tradición de los anthems o antífonas del servicioanglicano, que habían tenido su compositor más extraordinario en la figura de H. Purcell.Ej: Zadok the Priest. Anthems o antífonas de la coronación, Haendel los escribe para lacoronación en la abadçoa de Wesminster del Rey Jacobo II. Musicalmente un coro quepodría haber sido un coro para un oratorio, tendencias homofónicas, esta aparente sencillezhomofónica no le quita solemnidad a un coro fastuoso. Coro dividido en 4, orquesta en laque Haendel introduce instrumentos de cuerda, oboes y tormpeta (que le da una proyecciónde tipo glorioso a la obra).Ej: „‟Sweet Rose and Lily from Theodora’’. Representaciones de uno de los oratorios deHaendel que se representaron. Maravillosa voz del contratenor David Daniels.Ej: Giulio Cesare in Egitto. Sara Connolly. Nos cuenta los amores de Julio César yCleopatra fastidiados por el hermano de Cleopatra, Ptolomeo. Aria. Realizada para uncantante castrado. El cantante va imitando la frase del violín e intenta imitar el canto de lospájaros. Miércoles, 18, Abril, 2012.Trabajo. 1 hora de exposición. Entregar un esquema de un trabajo en un folio.EL CLASICISMO MUSICAL. Haydn, Mozart y Beethoven.• La muerte de Bach se toma como el final del barroco. 1750.• Cronología difícil, ya que el barroco perduró de distinta manera en distintos sitios de Europa.• Los hijos de Bach, poco a poco van a dejar de seguir el estilo de su padre, para ellos era un estilo anticuado.• 1780. En Viena, particularmente, y en otras muchas ciudades europeas aparece el clasicismo musical.• Hacia 1750. Inicio del preclasicismo musical.
  • • Final del clasicismo: muy problemático. El XIX, es un siglo plenamente romántico, Goethe, es del S.XVIII y primeras décadas del XIX y, sin embargo es representatne del romanticismo.• Beethoven, es un ilustrado, sin embargo, en su música aparece el germen del romanticismo. Es el último clásico y el primer romántico.• Beethoven muere en el año 1827. Cuando Beethoven muere, autores como Schubert, ya no son clásicos, son románticos. Autores que utilizan melodías, armonías y formas musicales con carga literaria.• 1750-1827.• Existe una primera etapa de preclasicismo en la cuál los músicas combinan técnicas barrocas como el bajo continuo con otros elementos ya propios del clasicismo: frases musicales estructuradas en cuatro y cuatro compases, simetría de frases musicales, desarrollo de motivos temáticos. En base a ello, van a surgir las formas musicales de la historia de la música:• Sonata: surge la música de cámara y la gran sinfonía clásica de Haydn, Mozart y Beethoven.• Triunfo de las formas de la música tonal, representadas fundamentalmente en las formas musicales como la sonata. El estilo de Mozart, Haydn o Beethoven se llamará el estilo de la sonata.• Se da en los grandes focos de la música operística y sinfónica: Viena, París, Mannheim o incluso Madrid.• Se suele llamar clasicismo a los años 80 del S.XVIII, ya uqe son los años en los que coinciden en Viena los tres grandes representantes del clasicismo: Haydn, Mozart y Beethoven. Haydn era un autor maduro, lo mismo que Mozart (un verdadero prodigio musical que a los 16 años se convierte en un autor tan clásico como Haydn), la gran etapa final de Mozart, van a ser los años en los que compone misas, ópera, sinfonías y conciertos para varios instrumentos y sobre todo los 27 para piano y orquesta, época en la que Mozart se escapa de la forma. Mozart empieza a encontrarse encorsetado en la forma de la sonata, empieza tomando licencias de tipo formal – se rompe el equilibrio del contenido y surge un momento anticlásico que será el romanticismo. Mozart tiene obras en las que el elemento expresivo está casi a punto de romper el equilibrio musical.• Beethoven: coge la música en el momento en el que Haydn ya había llevado a su madurez. Debido a sus situaciones personales empieza a hacer una introspección interior. Empieza la carrera como pianista en Viena, interpretando las obras de Haydn y Mozart, lo consideran inmoral, ya que Beethoven pone mucha pasión en su forma de tocar la música. En un momento determinado hace lo que nunca pudo hacer Mozart, se libera de los señores, de los patronos, y se convierte en el primer artista libre de la historia de la música. Beethoven coge la música en el momento en el que habían desaparecido Mozart o Haydn.• Así como las obras de Mozart o Haydn tenían que ser catalogadas, Beethoven ya no tiene catálogo, ya que publicó su propia música en vida.• En este momento, en la música de cámara, la viola empieza a gozar de su propia autonomía.• La sinfonía va a propiciar un desarrollo enorme de la orquesta. Surge la orquesta sinfónica (orquesta propia del clasicismo), que es una evolución de la orquesta barroca. Se añaden instrumentos diferentes: oboes, clarinetes, fagots, instrumentos
  • de viento como trompetas, etc. En el caso de Beethoven aparecen los trombones. Se amplía por tanto la instrumentación en la orquesta. Los instrumentos de viento poco a poco tendrán más calidad, de ahí que la música se escribe poco a poco sea mejor.• Estilo que se caracteriza por hechos muy importantes: instrumental (nace la forma sonata y la aplicación de ésta en dos campos: sinfonía y música de cámara, nacen en el clasicismo. Creación y desarrollo por parte de Haydn de la música de cámara por excelencia: el cuarteto de cuerda) / Ópera: culminación de la ópera seria barroca. Mozart compuso óperas para cantantes castrados. A partir de la década de los 30 del S.XVIIII aparece un nuevo tipo de ópera que empezará con Mozart y culminará con Rossini: la Ópera Bufa. Ej: ‘’Las Bodas de Fígaro’’ o ‘’Cosi fanno tutte’’ y el ‘’Don Giovanni’’ de Mozart. Este último un drama, reflexión sobre el libre albedrío, el mal y la muerte, presencia de bufones, de elementos propio de la ópera bufa.• Mozart dentro del campo de la ópera crea una gran innovación: compone la primera ópera en alemán de la historia de la música: ‘’la Flauta Mágica’’. Recordemos que en aquella época, casi todas las óperas se realizaban en italiano.• En Viena, aunque el estilo oficial era el de la ópera italiana, había una serie de representaciones en alemán, que se denominaban Singspiel, un tipo de teatro musical sostenido por el emperador y su familia, se diferenciaba de la ópera italiana (que era toda cantad, en que el Singspiel tenía temas cantados y recitados, si en la ópera italiana había temas de la antigüedad clásica, en el singspiel se tomaban temas exóticos, entre ellos, desacar el ‘’Rapto en el Serrallo’’ de Mozart, de temática turca. Esos temas exóticos, van a ser ya muy propios del prerromanticismo. El exotismo de la ‘’Flauta Mágica’’es que se desarrolla en Egipto. Presenta elementos que influirán a compositores del S.XIX: Se crea el leitmotiv (o motivo musical para cada personaje), que interpretará Wagner en la tetralogía. En ‘’Cosi fanno tutte’’ de Mozart aparece ya la obertura.• Las óperas italianas de autores como Verdi, seguirán por temas propios de la historia europea, las óperas alemanas buscarán argumentos fantásticos desarrollados en ambiente opresivos. Se considera ‘’La Flauta Mágica’’ como la primera ópera alemana de la historia de la música.• Orquesta de Mannheim: importantísimo, ya que Haydn o Mozart tocaron con estas orquestas y realizaron obras basadas en esta orquesta. Resumen:• Vuelta a la melodía tras una etapa final del barroco en la que hubo una gran utilización y un nuevo triunfo del contrapunto con Bach, Telemann o Haendel.• Esta vuelta hacia la melodía sencilla es una influencia clásica propia de la ilustración.• El triunfo de las formas musicales. Triunfo de la tonalidad, gran proceso de la tonalidad que comienza a ppos. Del S.XVII culmina con Hayd, Mozart o Beethoven. Wagner ya a mitades del S.XIX va a utilizar armonías disonantes.• Las grandes formas musicales nacen siempre como una evolución de la forma de la sonata, una ampliación de la forma area da capo, que era muy limitada. La sonata influye en música de cámara u orquestal.• El bajo continuo desaparece paulatinamente de la música. Sinfonias de Mozart de su época final, ya no se interpretan en bajo continuo.• Preeminencia de la música instrumental sobre la vocal. En menor grado los clásicos son
  • compositores de música vocal. Haydn, por ejemplo, realiza música vocal, pero pasa a la historia como compositor de la música instrumental.• Preeminencia de la música profana. Beethoven tiene una misa que es una gran composición musical, pero no es una misa normal y la mayor parte de su música es profana.• Nacimiento y desarrollo de la orquesta moderna. Varias etapas: Mannheim y el nacimiento de la sinfonía, Clasicismo vienés (Haydn, Mozart y Beethoven).• Formas: Sinfonía en tres y cuatro movimientos, Mozart en tres o cuatro movimientos y Beethoven casi siempre en cuatro movimientos.• Desarrollo del concierto solista. Concierto para piano y orquesta: primer gran movimiento en forma de sonata, tercer movimiento en forma de rondó, donde siempre hacia el final del movimiento el solista improvisa con los temas tocados a lo largo del concierto: CADENCIAS. Poco a poco se evolucionará para la música de piano con orquesta: Liszt, Chopin o Tchaikovsky.• Desarrollo de la ópera BUFA, que culmina con Rossini y su ‘’Barbero de Sevilla’’. Lunes, 23, Abril, 2012.Audición. Ej: Gluck.La Ópera en el S.XVIII. Christophe Gluck.Mediante este autor se crea a transición de la ópera barroca hacia la ópera clásica. Intentadepurar a la ópera italiana de los tremendos artificios que había sido sometida a lo largo delbarroco, someterla a los cánones griegos y crear una visión de conjunto, crear una obraartística de la ópera: fundir escenatografía, literatura, etc. Esto evolucionará después con lallegada de Richard Wagner. Gluck va a intentar recuperar los argumentos de la tragediagriega, lo mismo hará R. Wagner con su obra de arte total más romántica y propia delS.XIX.Gluck tiene un estilo muy personal.En torno a mediados del S.XVIII: Triunfo de los grandes autores de ópera italiana endiversos escenarios: Londres, Viena o Milán, con autores hoy en día poco conocidos, peroque en su época fueron muy importantes: Jomelli, Traeta o Hasse.Presencia del menor de los hijos de Bach, que jugaron un papel muy importante para latransición entre el barroco y el clásico. Importancia de la sinfonía y del estilo expresivo. Elpequeño de los pequeños: Johann Christian Bach. Llega a Londres después de una exitosacarrera como compositor de óperas en París, se establece como compositor de óperas ysinfonías.Jomelli, Traeta, Hasse o J.C. Bach, son compositores clásicos y olvidados, fueron muyprolíficos a la hora de componer, importancia de la gran área da capo con cantantescastrados, áreas de gran dificultad para los cantantes.Francia: Se cultiva un estilo de ópera diferente, derivado por los postulados de JeanBaptiste Lully, estilo de la tragedia lírica, este estilo nuevo, la ópera ballet lo instauraráRameau.Gluck ingresa en la corte de Viena como compositor de óperas italianas y como compositorde ballets. Precedido del gran éxito que había tenido en Italia con su obra „‟Artajerjes‟‟.Pronto se convierte en el compositor más querido y famoso de la corte imperial de Viena.1762: Estrena en Viena su gran obra: „‟Orfeo y Eurídice‟‟. Versión italiana que se adaptaráal francés. Este conocimiento que tiene de la ópera italiana y francesa, le lleva a analizar los
  • problemas y defectos de una y otra y a intentar sintetizarlas en un estilo nuevo.Óperas realizadas en libreto zeno o metastasio (autores italianos que se dedicaron a hacerlibretos de óperas serias o clásicas). En este momento en Frnaica se produce un hecho muyimportante, el estilo de la tragedia lírica de Lully era abundante en esta época en Francia.En 1738, una compañía de cómicos italianos llegan a París y estrenan en el Teatro de laÓpera, „‟La Serva Padrona‟‟ de Pergolessi, la primera ópera bufa de la historia, con unargumento sencillo, personajes burgueses, música más sencilla y racional. Este nuevo estilova a ser una de las grandes aportaciones del clasicismo musical a la historia de la música.Empieza con Pergolessi y acaba con Rossini y su „‟Barbero de Sevilla‟‟. Destacar „‟LasBodas de Fígaro‟‟ de Mozart, obras de Piccini, Vicente Martín y Soler, etc.Gluck decide emprender una reforma operística encaminada a solucionar los problemas quetiene tanto la ópera francesa como la italiana. Recoge un tipo de polémicas que existían yaen la época: disputas entre los defensores de la ópera francesa de la corte, la ópera italiana ode la burguesía. Querella de los bufones: En varias oleadas. Dialéctica: defensores de lamúsica antigua o de la nobleza y los de la ópera bufa o música nueva.Otro autor que defenderá el estilo de Gluck fue Salieri, discípulo de Gluck, que tambiénescribe grandes tragedias operísticas para ser estrenadas en Francia.La Reforma de Gluck. Compone „‟Alcestis‟‟ y se despojar de la ópera el abuso de loscantantes castrati. La reforma de la óperaNacida en los círculos humanistas florentinos de finales del XVI, en partecomo un intento de recuperar las representaciones de teatro musical dela antigua Grecia, la ópera tiene un desarrollo progresivo en cuyosprimeros estadios el acercamiento al género de grandes músicospermite ya la creación de obras magistrales. Es este el caso, entre otros,de Claudio Monteverdi (1567-1643), Jean Baptiste Lully (1632–87),Henry Purcell (c. 1659–95), George Frideric Handel (1675-1759) o JeanPhilippe Rameau (1683–1764). No obstante, la genialidad de las óperasen que participan estos autores está asociada más a la música que elloslogran crear que a ninguna otra cosa. Creo que fue Charles de Saint-Evremond, un francés del XVII quien dijo, más o menos, que la opera esel desdichado resultado de la imposible colaboración de un poeta y unmúsico. Es esta una expresión un tanto desabrida, pero que sin dudaacierta a señalar el defecto esencial de la ópera que se consumía por lasclases aristocráticas en aquella época. Se trataba de una sucesión denúmeros musicales, mejor o peor hilvanados, pero carente de una sólidaestructura dramática. Solamente cuando un músico genial participabaen el asunto podían esperarse resultados brillantes.La renovación de la forma operística y la creación de un género sobrio yequilibrado, con capacidad para expresar las más profundas y complejasemociones humanas, es un mérito que corresponde a Christoph Willibald
  • Gluck (1714-1787), un músico alemán que trabajó sobre todo en Vienay en París. Sólo tras una larga y exitosa carrera como compositor deóperas, se propone Gluck una transformación del género, y son tresobras magistrales: Orfeo ed Euridice (1762), Alceste (1767), y Paride edElena (1770), las que marcan este punto de ruptura. En el prólogo delAlceste, Gluck y su libretista, Ranieri Calzabigi (1714-1795), explicansus intenciones. Simplicidad, verdad y naturalidad son sus objetivos.Se trataba, según ellos, de sustituir las endiabladas intrigas y enredosde las viejas óperas por una historia simple y natural. Del mismo modo,relaciones humanas ocupan el lugar de las viejas convencionescortesanas, y el coro pasa a ser un protagonista más, como en la formaclásica, y a participar en el drama. La misión de la música es apoyar lapoesía del texto y ha de seguir las situaciones de la historia, sininterrumpirla ni añadirle ornamentos superfluos. El recitativo secco (sinacompañamiento) es eliminado (excepto en Alceste); y el resto de loselementos: aria, coro,recitativo accompagnato, partes orquestales, etc.quedan soldados en escenas y grupos de escenas con una arquitecturadramática. En las grandes óperas francesas de su últimaépoca: Iphigénie e Aulide (1774), Armide (1777), Iphigénie enTauride (1779) y Echo et Narcisse (1779), Gluck consigue efectossorprendentes con perfecta fidelidad a las normas de su "estiloreformado".La belleza, el equilibrio formal y la pasión siempre contenida de estasobras han hecho de ellas un paradigma del clasicismo musical.Transformada al fin la ópera en un poderoso medio de expresiónpoética, sus capacidades serán desarrolladas por los grandes creadoresque se acercarán al género. Muy poco después, Mozart dejará suimpronta genial, y Beethoven, como no podía ser menos, llevará a lasbarricadas una forma musical que había sido creada para solaz de lasclases aristocráticas y burguesas en el canto a la justicia y la libertad desu Fidelio (1805).La ópera fue siempre un espectáculo integral de difícil y costosaejecución. Su acercamiento al gran público sólo fue posible con losavances tecnológicos del siglo XX. Hoy en día, la facilidad con quepodemos escucharla sólo puede describirse como milagrosa. Se presentaa continuación el comienzo mismo de la etapa reformada de Gluck, eldiálogo entre el coro y un Orfeo desesperado que llama a su mujer, enel arranque del acto primero de Orfeo ed Euridice. Intervienenel Ambrosian Opera Chorus y Agnes Baltsa (contralto) conla Philharmonia Orchestra, todos bajo la dirección de Riccardo Muti enuna grabación de 1981.Gluck, habla de recuperar la esencia del área da cappo, defiende la vuelta al esquema A-B-A.Hasta el momento, los compositores utilizaban las sinfonías y oberturas de una manera
  • absolutamente arbitraria, no existía ese concepto de unidad de si tal obertura está enrelación con tal argumento. Gluck defiende la idea de que la obertura está dentro de laópera, forma parte de ella. El siguiente paso lo da Mozart, cuando en sus oberturas presentafragmentos ya cantados, ej: „‟Obertura de Don Giovanni‟‟, „‟La Flauta Mágica‟‟ o „‟CosiFanno Tutte‟‟. Gluck formula este principio importantísimo, algo que recogerá Wagner enel S.XIX, que escribe la tetralogía, la primera ópera, „‟El Oro del Rhin‟‟ es la obertura delas cuatro óperas. Gluck va a hablar sobre la importancia de la sencillez en sus óperas.Reforma los argumentos de las óperas, las áreas, importancia del coro y del papel que éstetenía en la ópera griega, papel renovado de la orquesta, recitado acompañado, ya no es elbajo continuo el que acompaña al recitado sino que es la orquesta, como elemento tomadode la ópera francesa, mete elementos tomados del ballet y de la danza pero, que estánintegrados en la ópera. La música de ballet de Rameau no venía muy a cuento, pero enGluck si que tiene que ver con la obra, está dentro de la estructura interna de la obra. Martes, 24, Abril, 2012.Ej: „‟Che Faro senza Euridice‟‟. Ejemplo de Área da Capo.Mozart en Viena va a llevar a la culminación la ópera en Viena. Mozart va a ser tambiénun gran compositor de óperas bufas italianas. La producción operística de Mozart hay queverla desde varios puntos de vista: compone un tipo de género musical llamado Singspiel,género musical medio hablado y medio cantado, ej: „‟Bastián y Bastiana‟‟. El primer gransingspiel de Mozart va a ser „‟el rapto en el Serrallo‟‟, con una calidad musical que haceparecerlo más una ópera. Los encargos que le vienene a Mozart durante sus estencia enVienea, vienen dados por la experiencia de la ópera seria italiana y también por ese otrotipo de música, la ópera bufa, de la que Mozart realiza pocos títulos pero muy importantes.La segunda parte: 1785 en adelante, realiza esa gran trilogía de óperas: „‟Las Bodas deFígaro‟‟, „‟Cosi fan tutte‟‟ o „‟Don Giovanni‟‟. Esta trilogía es algo extraordinario en lahistoria de la ópera, ya que cuenta con un libretista jesuita muy importante, Lorenzo daPonte. El argumento de las Bodas de Figaro y de otras óperas de la época, promoverán laaparición de la Revolución Francesa.„‟Cosi fan tutte‟‟ es una ópera bufa en estilo napolitano, que eran óperas complicadasescénicamente pero con pocos personajes. Está basada en una historia real que habíaacontecido en Nápoles, la historia de dos hermanos que quieren probar la fidelidad de susnovias. Los hermanos vuelven disfrazados y se cruzan las parejas.„‟Don Giovanni‟‟. Obra maestra de Mozart y Laponte. Basado en el mito español de Tirsode Molina, que Zorrilla en el S.XIX dará fama con el Don Juan Tenorio. Laponte mira loque han hecho Tirso de Molina o Moliére con esta historia y realiza un libreto con unaestructura dramática impresionante. Nos encontramos ante uno de los primeros momentosen los que se representa el terror a base de sonidos. Mozart plantea en la obertura el terror,transcurre por toda la ópera y la utiliza en el final de la ópera, nos encontramos ante ungesto de pre-romanticistas. Mozart llama a esta ópera un drama giocoso, está más cerca dela ópera seria que de la ópera bufa. Es un drama de carácter teológico, persona condenadapor sus malas acciones a la que se le da la oportunidad de arrepentirse pero que no lo hace.Hay también algunos personajes „bufos‟. Es una ópera llena de áreas maravillosas encualquiera de los personajes principales.Ej: „‟Área del Catálogo‟‟. Don Giovanni. Área estrófica, se repiten dos música condiferentes letras. Esquema rítmico: A-B. Miércoles 25, Abril, 2012.
  • Música instrumental: Características novedosas. El estilo clásico va a ser un estilo demúsica profana e instrumental. Esto se va a ejemplificar a lo largo de la segunda mitad delS.XVIII, al dotar a las estructuras barrocas de formas sencillas de una estructura internamás complicada y más lógica, basada fundamentalmente en un hecho muy importante, elclasicismo es un momento en el que las leyes de la clasificación tonal empiezan adesarrollarse. Ej: Haydn, Mozart y el primer Beethoven.Los autores románticos luego, intentaran liberarse de las leyes de la tonalidad, empezando autilizar disonancias. Punto de culminación: disolución de la tonalidad: Tristán e Isolda deR. Wagner.El estilo clásico, pese a todo, es un estilo academicista. Triunfo de la tonalidad: Se consiguesobre todo a través de la sonata, una de las estructuras musicales más importantes de lahistoria de la música. Se utiliza la sonata en música de cámara, grandes conciertosinstrumentales, ej: Haydn o Beethoven. Nosotros entendemos sonata como música parapiano, una estructura que poco a poco se irá aplicando a otros tipos de música. 2 tipos:S.XVIII- SONATA ITALIANA, sonata en tres movimientos (Rápido – lento – clásico) o laSONATA CLÁSICA (Rápido – lento – minueto – rápido).Estructura movimientos sonata.• Forma de sonata: 4 movimientos. Estructura primer movimiento rápido: ampliación área da capo (3 partes: ABA). Trabajo tonal temático. Sus partes pasa a tener otra denominación: EXPOSICIÓN – DESARROLLO Y REEXPOSICIÓN. Exposición: 2 temas musicales constrastantes (A y B), dos temas musicales diferentes que se exponen. La exposición de la sinfonía clásica es doble, las sinfonías más maduras de Haydn suelen añadir un pequeño pasaje, recuerdo de las sinfonías de ópera italianas (pasaje lento o Adagio, que desaparece a partir de Beethoven). Tras la exposición viene el desarrollo, momento en el que el compositor plantea un conflicto entre los dos temas, según la extensión que le quiera dar a sus sinfonías. En el trabajo modulatorio lo importante es que el compositor intente buscar el tema A, surge así la tercera parte o reexposición. Asi como la exposición, los temas se relacionan con el primero o quinto grado, aquí están utilizados sobre la tónica, intención: reafirmar el triunfo de la tonalidad.Forma sonata. A (Exposición). A en tónica – puente entre las dos formas – B en quintogrado o momento de máxima tensión. B o desarrollo. El compositor lo modula de formalibre, parte más rara. A tónica o recapitulación, se recupera la forma A en tónica y luego sepodrá utilizar para rematar la composición una coda.Lied: Dos partes diferenciadas, estrctura de carácter binario.Beethvoven utiliza un movimiento en el que solo se realiza un gran desarrollo melódico.La forma A B A de minueto en el área da capo, pasa a ser MINUETTO, TRÍO,MINUETTO. En toda, importancia de la tónica y de la dominante. Particularidad: 2ab//ccd. El primer minueto suele ser de carácter rítmico, el trio suele s más reposado, yaque tiene más carácter melódico que bailable.Forma minueto: A (ABAB) forma que se repit – B (forma cdc) – A (forma ab sin repet)-todos presentan estructura binaria.Rondó. A D A C A. Utilización de un estribillo y estrofas diferentes.Los primeros conciertos van a utilizar la forma sonata, que surge de manera paralela en doscentros: uno en torno a Milán, donde hay un autor importante como Giovanni BattistaSanmartini que empieza a utilizar movimientos sonata y en torno a Berlín, donde se instala
  • el mayor de los hijos de Bach, Carlos Felipe Emmanuel Bach, considerado un avanzado delclasicismo. Forma parte del Sturm und Drang (movimiento estético y filosófico que se daen Alemania a partir del último cuarto del S.XVIII). Movimiento que pone el acento en laexpresión. Movimiento que empieza a romper de cara al romanticismo, movimiento querealmente surge en Alemania. C.E. Bach comienza a realizar sinfonías en Berlín en las quehay dos temas musicales muy marcados, a veces escritos en la misma tonalidad pero concontrastes rítmicos muy violentos, esto se toma como un anticipo del romanticismo.Otro centro, donde va a nacer la orquesta clásica, va a ser el laboratorio al que van a acudirMozart o Haydn para saber como componer nuevas sinfonías y llevar a su culminación estaestructura: es la ciudad alemana de Mannheim, donde nace la primera orquesta sinfónica ymoderna.La sinfonía culminará en Viena, con la presencia de los tres grande músicos querepresentan tres grande momentos del clasicismo:• Haydn: representa la transición ente el barroco y el clasicismo.• Mozart: Representa el clasicismo maduro.• Beethoven: Representa la transición entre el clasicismo y el romanticismo.Ej: Sinfonía nº 94. Haydn. Miércoles, 2, Mayo, 2012.Trabajo Beethoven.Beethoven e as Sinfonías.Continuidad estilística entre el clasicismo y el romanticismo. Importancia de las sonataspara piano. Cuartetos de curda centro del legado musical de Beethoven.Sinfonías de música orquestal. Precursor de la orquesta moderna y de la técnica actual parapiano. Después de Beethoven, ya llegarían las óperas de Wagner, Berlioz o Verdi.Segundo período estilístico. Hasta 1814.Cuatro sonatas para piano. Opus 53. Crea tensión y ansiedad en el espectador.Opus 57.Beethoven también compondrá obras para piano y otro instrumento, como puede ser elviolín o el Violoncello.Opus 47 o Opus 96.En cuanto a los cuartetos de cuerda, un ejemplo es la Opus 59, dedicada al CondeRazumovsky.En esta década, Beethoven quiere mostrar una música que comunique un proceso lógico.Importancia de las sonatas para violín.Sinfonía Nº 3. Mi bemol. Opus 55. Se produce una revolución en la historia de la música, lasinfonía más grande que se produce hasta el momento.Movimientos: allegro con Brio en si Bemol, marcia fúnebre, adagio assai en do menor,scherzo y trio, allegro vivace e alla breve en si bemol, finale: allegro molto interrumpidopor Poco Andante, con Espressione e ramatando en Presto, Si bemol.Instrumentos: dos timbales, dos trompetas, tres trompas, dos flautas, dos oboes, dosclarinetes, dos fagotes.Dedicada al príncipe Von Lobkowitz.Primera obra en la que aparecen tres trompas en una orquesta.La aparición de episodios, la marcha, de temas épicos influirá mucho a lo largo delromanticismo. Ej: Wagner.Dedicada a Napoleón.
  • Aparición de una marcha fúnebre: Dedicada a los muertos.Primer movimiento: Allegro con Brio. Tema principal, interpretado por los violoncelos.Cuatro compases y acaba con violines.El mismo ritmo se puede oír en el Scherzo.Ej: Primer movimiento de la 5ª sinfonía. Entra en el examen.Tercer período estilístico.Beethoven se plantea una renovación de la forma sonata.El recitado con el que comienza el himno a la alegría son propias de Beethoven.Audiciones examen: Primer movimiento quinta sinfonía y último de la novena. Lunes, 7, Mayo, 2012.El Lied Romántico.Los grandes compositores clásicos como Haydn, Mozart o Beethoven cultivaron el lied.Haydn compuso casi 50 y la mayoría para música de cámara, Mozart y Beethoven enmenor medida y para acompañamiento para música de piano.Compositores clave: Schubert, Schumann, Brahms, Wolf o Mahler.Características: concentración intimista, acompañamiento pianístico que se convierte en elinstrumento más popular del romanticismo y de la sociedad burguesa. El lied esconsiderado también como un pequeño drama.La música de los lieder está condicionada por la forma rítmica y la expresividad poética.Los lieder cantados por una voz son los más comunes, pero también hay lieder cantados avarias voces.Libertad formal: el poema ya tiene su propia forma y el texto garantiza la continuidad delestilo musical. Poemas: cada composición se forma de 4 a 6 u ocho versos. Lenguajeutilizado en modo cíclico.Esquema: A A, A- Ap-A. El tema a, que se va repitiendo, nos mantiene en el mundo que sequiere representar en este lied.Lied binario: A BTernario.Rondó: A B A C A B A CSonata: Exposición – desarrollo y reexposición.Muy propio del romanticismo con antecedente medievales de los meistersinger.Importancia en los poetas románticos y en los compositores románticos.Importancia del lied en Alemania.Franz Schubert. Viena, Enero. 1797. Noviembre. 1828.Verdadero creador del romántico. Nace en Viena, la capital de la música europea. Creció ala sombra de Beethoven. Obra marcada por movimientos dramáticos y el patriotismo delmovimiento alemán. Compenetración perfecta en sus lieder entre la música y el texto.Concibe para su música las obras de Goethe o Schiller. Luego extrae poemas más libres deautores como Muller.Se ven en Schubert los temas típicos del romanticismo: amor, muerte y naturaleza.Muchas de sus canciones son consideradas canciones populares y muchas de ellas reflejanviajes íntimos.Ej: Canción de Cuna. Ej: Ave María. Fragmento de un lied. Tema folclórico más quereligioso.Ej. Audición que entra en el examen. ‘’Lied del peregrinaje’’. Canto de peregrinaje,trata la historia de un molinero que camina por la vida como si de un peregrinaje se tratara.
  • Casi es una declamación (es decir canciones que se realizan como si estuvieran cantándosea un público).En relación con Goethe, lee la obra „‟Fausto‟‟ y se entusiasma. Ej: „‟Gretchen amspinnrade‟‟. El acompañamiento quiere simular a la rueda dando vueltas. El „‟Fausto‟‟ deGoethe tuvo una importancia enorme en la música de los autores románticos.Los lieder de Schubert son tan importantes que le dieron pie a escribir obras más grandesbasados en lieder.Robert Schumann.Pianista de profesión. Uno de los compositores románticos más importantes. Se separó dela poesía popular para introducirse en la poesía alemana e internacional.Empieza a componer porque se da cuenta de que su carrera como solista está acabada.Utiliza poemas de: Schiller, Byron o Goethe para componer sus lieder.La música de Schumann para nada va a ser alegre.Gran importancia del piano en su música.Hugo Wolf. Eslovenia, Marzo 1860. Viena, Febrero 1903.Es el más importante compositor de finales del romanticismo. Seguidor entusiasta deWagner. Bajo la influencia de Wagner inició el principio de la declamación continua.Importancia de la psicología del personaje. Aspecto dramático de sus lieder. Basados entextos de Goethe entre otros.Poco a poco la melodía y el acompañamiento musical se van independizando.Gustav Mahler. Kaliste, 1860. Viena. 1911.Integraba sus lieder en sinfonías. Importancia del acompañamiento de piano para orquesta.Mahler se adscribe ya al post-romanticismo. Martes, 8, Mayo, 2012.Música gallega para voz y piano.Ej: „‟Negra Sombra‟‟. Audición que puede caer en el examen. Miércoles, 9, Mayo, 2012.La Melodía en Schubert.Hans Hal.No brilló en las sonatas.Algunos autores se preguntan sobre la falta de técnica de Schubert.Destacan: Sonata Número 14 en la menor. Op. 143Sonata número 21 en Si b Mayor (una de las tres sonatas póstumas).Ej: „‟Fantasía Wanderer‟‟.Ej: Impromptu núm. 2 en mi bemol.Tempo: Allegro.Dos partes diferenciadas: tresillos. Lunes, 14, Mayo, 2012.Trabajo: Chopin y Schumann. Miércoles, 16, Mayo, 2012.Johannes Brahms.Hasta 1856. Etapa de Formación.1855-1865- Etapa de transición.1865-1890- Etapa de Madurez1890-1897- Etapa final.
  • 1853. „‟La Guerra de los Románticos‟‟. Postulándose como conservador.Forma vs Expresividad.Sinfonías: Herencia profunda de Beethoven, notándose sobre todo la influencia de lanovena.Ej: Concierto Para Piano. Movimiento 1’’.Ej: Concierto para Violín y orquesta. Op. 77Ej: Sinfonía en Do Menor.Importancia de las sinfonías, compuestas cuando Brahms ya era un músico maduro.Importancia de la expresividad.Ej: Doble concierto para violín y violoncello en La Menor. Op. 102Ej: Sinfonía Numero 4 en E Menor. Entra para el examen.