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Revista de las Artes Escénicas

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  • 1. 13 noviembre diciembre Carlos Gil Zamora De momento brindemos por un año nuevo mientras se cuadran, o no, las cuentas N osotros liquidamos nuestro compromiso con el año 2013 con esta entrega. Han sido ocho números que nos han costado más esfuerzo que nunca realizarlos. Para que se nos entienda: éramos nueve hace poco más de un año; ahora somos cuatro. Esto significa que estamos al límite de nuestras capacidades, que bordeamos o caemos en errores y erratas con una facilidad no admisible. Vaya por delante una petición de disculpas y comprensión a todos aquellos a los que les hemos cambiado el nombre de su espectáculo, la trama de su obra o hemos alterado los repartos. Somos más débiles estructuralmente, no podemos aplicar los mismos controles y eso se nota. Hemos acabado el año con un equilibrio desequilibrado. Debemos hacer cuentas. Cada día es más difícil cuadrar los balances. Hemos perdido anunciantes, ayudas, subvenciones, ventas directas. Inmersos en la dinámica general, es lógico que el frenazo en contrataciones y giras, los recortes presupuestarios en festivales, ferias y eventos, repercuta directamente en una de las partes periféricas del sistema: la información, el análisis, la difusión. Y lo peor es que no hemos tocado fondo. La caída de espectadores, los cierres empresariales, la supervivencia en precario de salas alternativas y compañías emergentes o consolidadas, nos dibuja un panorama muy complicado. Para todos. Pero más para una revista que intenta mantenerse dentro de la máxima independencia. Aunque todo es relativo. Nuestra situación es paradójica. La revista de papel, esta que tienen en la mano, o la que están leyendo en PDF por la red, sobrevive en estos momentos gracias a la capitalización con sus salarios que han hecho los socios, los que siguen al pie del ordenador, como aquellos que por diversos motivos han ido abandonando. Esta re- vista se va adelgazando, pero no tanto, y es la que sostiene económicamente a nuestro periódico digital, www.artezblai.com, que crece y crece en todos los parámetros mensurables. Pero todavía no hemos conseguido que llegue financiación propia suficiente para este medio, los anunciantes no se vuelcan en lo digital, como sucede en todos los medios de comunicación, e intentar cobrar algo para su A cuentagotas ©Manuel Fernández lectura ha sido uno de nuestros más pertinaces fracasos. Se trata de una de las piedras angulares de todos los medios en estos tiempos donde la consigna de gratis total está por encima de toda otra consideración de utilidad, calidad, fiabilidad y esos conceptos que hasta hace muy poco entraban en la valoración de los medios. Por ello miramos al año próximo con mucho recelo. De acuerdo, debemos amoldarnos a los tiempos, pero ¿por dónde reducimos más? Sí, pongamos que hacemos bimestral a ARTEZ, nos ahorraremos alguna factura de imprenta, de distribución, pero los costes básicos no se pueden cortar mucho más. Y perderemos inmediatez, una de nuestras características. Sí, estupendo, lo suplimos de sobra con el periódico digital, por lo tanto debemos ir cambiando el eje central de nuestra oferta informativa. Y aún así, es difícil mantener la actividad sin ayudas, y si baja todavía más la publicidad, algo que nunca se sabe, porque es totalmente arbitraria, alguien decide cuánto, cuándo se pone publicidad en el campo institucional, y en el campo privado, obviamente, cada empresa sabe dónde le interesa promocionarse, darse a conocer, o tener una presencia en diversos lugares del mundo si es que sus recursos económicos se lo permiten. Los amigos nos empujan a seguir, nos piden que hagamos campañas solicitando apoyo, buscando nuevos suscriptores. Y la verdad, Número: 194 - año 17 · Noviembre / Diciembre 2013 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artezblai | CIF: B95380168 | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Fotografía de Exhibit B de Breet Bailey
  • 2. noviembre diciembre Editorial Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte Opinión 4 - 5 6 7 44 45 46 - 47 48 49 50 - 51 52 53 54 Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El método griego – María Chatziemmanoui El lado oscuro – Jaume Colomer Estrenos 10 - 11 Hamlet por Artedrama, Le Petit Théâtre de Pain y Dejabu panpin laborategia 12 Distancia siete minutos de Titzina Teatro 13 Pulgarcito de Teatro Paraíso 14 Micelánea de estrenos Festivales 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’) 16 - 17 Festivales de títeres 18 Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas - Zaragoza 20 Festival Internacional de Teatro de Santurtzi 22 - 23 Festival Don Quijote - Paris 24 - 25 Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos 26 - 27 Festival Internacional Madrid en Danza 28 Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia 30 Galicia Escena Pro 31 MITIN - CENIT 32 Experimenta 14 33 Fira Mediterrània de Manresa 34 Miscelánea de festivales indice es que la pérdida de suscriptores por goteo empieza a ser alarmante. ¿De verdad un profesional no puede gastarse 40 euros al año en una suscripción a nuestra revista? Alguno de los que se han dado de baja, me han invitado a comer para comunicármelo y se han gastado más. Paradojas de la vida. No hay costumbre privada, no hay metodología pública. Nos desangramos por ahí. Así que celebraremos el año que se va, que por otra parte nos ha dejado un reguero de obituarios que no queremos ni recordar, pensando que el año que entra debemos ir casi número a número. Si llegamos al número 200, lo celebraremos por todo lo alto. Pero de momento, que nadie brinde por nuestra desaparición, porque el día que cerremos, lo haremos con alegría y sabiendo que no le debemos nada a nadie. Y nadie nos debe nada. Bueno, hablamos metafóricamente, porque estamos revisando las cuentas y salen rosarios. Seguiremos sacando ARTEZ hasta que sea imposible. El periódico digital lo mantendremos y lo evolucionaremos porque acuden a él más de doce mil usuarios diarios, nos leen en todo el planeta teatral iberoamericano, nos siguen, a algunos de los colaboradores los admiran. Seguiremos editando libros. En este sentido hemos defraudado a muchos con los que habíamos hablado y soñado editarles. No ha podido ser. No podemos endeudarnos más. Editamos lo que podemos asumir, sin ayudas ministeriales, con intención de permanencia. Seguiremos convocando premios de ensayo y de investigación teatral. Solos o en compañía de instituciones mexicanas o de otros lugares. Creemos que tenemos aliento para seguir, pero todo será diferente, Lo tiene que ser, probablemente cambiaremos la estructura societaria, reduciremos los gastos fijos, volveremos algunos al compromiso personal no remunerado, como hacemos de facto, y como hacen todos los colaboradores externos de la revista y del periódico. Ellos y ellas son los que nos mantienen y dan ejemplo con su voluntarismo y su calidad profesional. Son amantes del teatro, además de estudiosos, practicantes, investigadores o traductoras. Lo demuestran y nos ayudan a comprometernos todavía más. Las compañías, distribuidores, salas y teatros privados que han decidido insertar publicidad nos dan aliento. Las instituciones de diferente grado que siguen confiando en nosotros con sus anuncios, les agradecemos su seriedad y mantenimiento de compromisos adquiridos en otras circunstancias. A aquellas que deberían tenernos en cuenta, pero nos ignoran, que les den a los actuales responsables. Esperemos que pasen los próximos años para que entre algo más de imaginación y responsabilidad. Vamos a intentar seguir, pero nada puede ser igual. Esperemos que los cambios y medidas que tomemos sean para mejor. Para peor sería el martirio. Queremos mantener el compromiso, acudir a la cita con nuestros lectores, diariamente con el periódico digital, algo que podemos dar casi como seguro, y al menos cada dos meses con ARTEZ. La Librería Yorick sigue abierta, dando satisfacciones, demostrando que era algo necesario. Es comercio cultural. Vamos a procurar mantener nuestro complejo de la Zapatilla al servicio de las Artes Escénicas. Buen año a todos. 13 En gira 36 - 42 Programaciones varias Zona abierta 56 Escaparate 58 - 65 Crónicas de: Festival Internacional de Teatro Dialog-Wroclaw, Les Translatines, FIT de Cádiz, Festival de las Artes Escénicas FIDAE
  • 3. 13 noviembre diciembre María-José Ragué-Arias Rondas escénicas De la perfección más clásica a la autenticidad multimedia N uestra situación económica afecta sin duda y muy principalmente a la cultura y, claro está, al teatro. No hay espectáculos extranjeros en la programación teatral de Barcelona 2013-2014. Si no me equivoco, y creo que no, el único espectáculo extranjero en Barcelona, podrá verse en el Lliure. Se trata de “Seuls” del justamente admirado Wajdi Mouawad: un monólogo. Por ello adquiere todavía más interés el Festival Temporada Alta de Girona al que siempre dedico mi atención. No es que el festival no tenga restricciones en su presupuesto, las tiene y son importantes, pero su director Salvador Sunyer ha optado por un compromiso que aun siendo restrictivo, no merma la participación de espectáculos de otros países. Cada uno de ellos, en lugar de varias representaciones, ofrece sólo una. Y además, la nómina de los espectáculos es casi en todos los casos, reducida. Pero los fieles y entusiastas del evento, no tenemos opción. Tenemos que ir a Girona. Podemos ver a Josef Nadj en “Woyzeck, ou l’ábauche du vertige”, una indagación sobre la naturaleza humana. Temporada Alta ha vuelto a traer al lituano Oskaras Korsunovas que en la edición pasada nos emocionó y sorprendió con su “Miranda” y que ahora muestra con sorprendente minimalismo unos “Bajos fondos” de Gorki que elimina las fronteras entre el escenario y el público. Fabrice Murguia ha traído a esta edición, “Le chagrin des ogres”, que nos habla del malestar de los jóvenes, capaces de llevar a cabo una matanza en un instituto para suicidarse después. El gran coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, presenta “4D”. Vuelve Romina Paula la gran autora y directora argentina. A finales de noviembre también vendrá Guy Cassiers con “Orlando” de Virginia Woolf. Admiraremos a Thomas Ostermeier con “Susn”, un relato decadente de dos actores que halla su contrapunto en la pantalla cinematográfica. Y, como cada año, estará casi cerrando el festival, Propeller, el grupo shakespeariano formado sólo por hombres que nos ofrecerá “El sueño de una noche de verano”, con la imaginación desbordante de su director Edward Hall, y un reparto numeroso como es habitual en esta compañía. Quiero hablar aquí de dos de los primeros espectáculos internacionales, grandes en todos los sentidos. El “hit” ha sido el Piccolo Teatro de Milan, con”Le voci de dentro” (1948) de Eduardo De Filippo, catorce actores y actrices encabezados por el gran Toni Servillo, monstruo de la escena, actor y director del espectáculo y por su hermano Peppe, en un arte que se remonta a la época más gloriosa del teatro napolitano. Son personajes que como el tío Zicola, para comunicarse, lanza petardos; son personajes que no se adaptan a la corrupción, u otros que utilizan los sueños para decir lo que no serían capaces de decir despiertos. Aparecen sueños repugnantes fruto del hambre. El protagonista soñará con un crimen producido en casa de sus vecinos y todo será tan “vivido” que se desatará la detención de la familia... hasta que se descubra que todo era un sueño... Es un error que manifiesta la miseria de la 6 w w w. a r t e z b l a i . c o m sociedad... Es una inútil batalla. Una emoción teatral extrema que provocan Toni y Peppe Servillo y el Piccolo. Y escuchar al Piccolo... es escuchar a Nápoles, es oir los bombardeos junto a la ruina moral de los personajes, todo en una casa llena de muebles viejos... toda una ironía. Es un teatro que según dijo Servilio en la rueda de prensa, está próximo a Ionesco y Pinter. No se puede creer en nada, parece ser la conclusión del texto. Es el pensamiento amargo de la guerra, es la desesperanza, tal vez una tragicomedia. En el otro extremo de la perfección teatral, pasamos a un espectáculo que podría denominarse de “multimedia” pero que en realidad es la perfecta coordinación de dos lenguajes para dejar en lo más vivo para el espectador, el núcleo de la tragedia. Se trata de “La señorita Julia” de Strinberg. Es una Julia que desde que es niña es contemplada por el criado negro. La niña crece, coge flores del jardín, luego es adolescente y más adelante se baña en la piscina de su gran casa. El criado negro la observa y se enturbia su sensatez para emprender una aventura sexual con ella que culminará en un coito en la habitación del criado. El binomio Julia-criado podría ser el retrato de una situación social en Brasil, de donde proviene el espectáculo. Es la relación de dos clases sociales, siendo además, la inferior, un negro. La dominación de Julia se ve contrarrestada en la relación sexual por el dominio del criado que le propone huir hacia una vida “normal” en la que ella será la pareja que se ocupará del negocio que él creará y gestionará. La relación sexual invertirá las clases sociales... Es el sexo como motor de una lucha de clases que sólo la pareja estable del criado –que sólo aparece en pantalla– formulará con sensatez. Es la lucha de clases en un país en que ésta tiene contemporánea relevancia. Pero el gran acierto y la gran innovación de este espectáculo estriba en la utilización conjunta y simultánea de las imágenes filmadas en grandes dimensiones, que complementan y subrayan la situación de los dos protagonistas. La cámara amplia las situaciones y los sentimientos para sobreponerse o complementar la acción de los dos actores. Nunca serán gratuitas las filmaciones. La cámara es el ojo del criado y en todo momento sigue la acción de los dos protagonistas y tiene igual o más protagonismo que la interpretación de los actores. Lo más destacable –y casi sorprendente– de este excelente espectáculo es la adecuación perfecta de imágenes e interpretaciones de los actores. La lucha de clases se desfigura ante la relación sexual dominadora por parte del criado. Nunca molesta la imagen, siempre apoya la situación real y ambas se adecuan en este espectáculo brasileño que dirige Christiane Jataby y que interpretan Rodrigo dos Santos y Julia Bernat, con una inteligentísima persecución videográfica de David Pacheco y Felipe Norkus. Cuando escribimos, Temporada Alta no ha llegado todavía a su ecuador, pero creo poder afirmar que éste será uno de sus “descubrimientos” y junto al Piccolo, dos de sus mejores espectáculos. Espero poder volver a hablar nuevamente de Temporada Alta en 2014.
  • 4. noviembre diciembre Desde la caverna 13 David Ladra El Público O ficial, oficialista, oficioso o independiente, el crítico se halla inmerso, quieras que no, en una masa humana polarizada por lo que ocurre sobre el escenario. En ocasiones, se le ha representado como una avanzadilla, una vanguardia ilustrada que, portando la antorcha del conocimiento y la experiencia, guiaría al común de los mortales hasta los detalles más recónditos del drama, diseccionándolo como en una autopsia y desentrañando sus claves. Una especie de Cid Campeador que cerca y abre brecha en el muro dispuesto por el imaginario del autor. ¡Mitologías vanas! se dice el escribiente viendo cómo el espacio dedicado a la crítica en la prensa se queda reducido, cada vez más, a la simple reseña publicitaria. Y es que en tiempos tan formalmente democráticos como los nuestros, ¿cómo puede sustituir la opinión personal al sentir soberano de la ciudadanía? De modo que es el público, hoy como ayer, quien juzga la función al terminar siguiendo una liturgia que tiene mucho que ver con la taurina: palmas, aplausos, ovaciones y bravos si es que place la obra y, si no, bochornoso silencio, silbidos, abucheos y pateos que sustituyen, por una elemental humanidad, al linchamiento del autor. Aunque a decir verdad, más que un aficionado a la fiesta nacional, el público es un gigantesco Minotauro que, desde cualquier punto de la sala, acecha al creador. Una bestia ancestral que parece dormida pero que está dotada de decenas de ojos y de oídos que perciben el mínimo detalle con una sensibilidad especial. No es raro pues que, desde el escenario, los actores estén siempre atentos a la respiración pesada y contenida del monstruo. Si algo la altera, algo pasa en escena. Si se trata de una comedia, las risas y las carcajadas son como un mapa en el desierto, basta con seguir la ruta trazada hasta el final. Pero si es una tragedia o un drama, la cosa se vuelve más difícil. No porque el público no reaccione, que lo hace, pero más sutilmente: a veces conteniendo la respiración, otras con una especie de suspiro de alivio, las menos, pero más relevantes para el elenco, con una exclamación o un grito de censura o aprobación. Al público se le dice “el respetable” en cuanto cualquier fiera de su naturaleza da respeto. Y también porque se lo merece, desde los tiempos de la tragedia griega, en cuanto representante de la ciudad. Entonces le convocaba el Poder para adoctrinarle, hoy acude por sí mismo libremente al teatro buscando cultura y diversión. Ya no lo forman sólo las clases medias y pudientes sino que, gracias a los grupos y salas alternativas, ha ido recuperando un cierto carácter popular. Pero sigue envuelto en un aura institucional que le da empaque y una determinada autoridad. De tal forma que se puede decir que, actualmente, es ese “respetable” quien tiene el poder de criticar, como se debe. Pero también, la responsabilidad. Y así como se ha estudiado exhaustivamente lo que pasa en la escena, lo que pasa en la sala está por estudiar. Al análisis de obras, autores y montajes habría que añadir una sociología del público que los sentencia para la eternidad (a menos que, un buen día, el autor de una tesis los vuelva a poner de actualidad). Porque, una vez extinguida la crítica, es el público quien tiene la palabra final. Y es que el valor de su opinión reside en su particular manera de escoger, no al modo “democrático”, con la emisión de un voto personal pensado y repensado hasta la saciedad, sino de un veredicto dictado en el momento y por aclamación. Tiene derecho a hacerlo en cuanto es una suma de distintos saberes, opiniones y formas de vivir, de toda una cultura, por decirlo así. Y porque su presencia durante la representación es parte entera de la misma. Como los primeros cristianos, el creador se expone a las fieras y éstas, reunidas en cónclave, deciden si comérselo a no. Pero antes de pegar el primer bocado, habrá que recordarles que es el nivel cultural del público en cada país el que determina el nivel de su teatro. Y el nuestro es manifiestamente mejorable. Y es que el público no es inocente. No basta con sentarse en su butaca y pasar un buen rato olvidando problemas cotidianos como el jefe, el IBI o el gobierno para terminar con un aplauso. Si se hace así, ¿de qué hablará el teatro? No lo hará, desde luego, ni del jodío jefe, ni del IBI abusivo, ni de un gobierno incapaz y corrupto. Si la primera obligación de la escena es entretener –lo dijo Brecht– la primera del público debería de ser la de imponer sus temas asistiendo a las funciones que los tratan y dejando de asistir a las demás. ¿Y de qué sirve eso?, preguntará el lector. Aparte de que actúe la mano invisible del mercado, para poner en marcha esa conversación en voz baja entre espectadores y creadores que trasciende la cuarta pared. Aunque, a veces, haya que gritar mucho más alto. ¿Cómo es posible, por ejemplo, que los efectos de “la crisis” sólo aparezcan de pasada en nuestra escena, o para lamentarse o para hacer reír? Controlados los libros por su distribución electrónica masiva, rendida la educación al integrismo partidista, gubernamental y eclesiástico, y sometidos los medios al dominio del capital, el teatro es de los pocos foros, por ahora, que transmiten el pensamiento y promueven la libre discusión. Y el público debería apoyarle. En lo referente a las formas, nuestra audiencia es más bien conservadora. De lo que se come se cría y hay que reconocer que el teatro español siempre ha oscilado entre el drama, más bien sentimental, y el sainete. La vanguardia, el absurdo y otras gollerías siempre fueron aquí cosas de fuera, ensayos importados, experimentos. En este punto, pues, su responsabilidad se atenúa dada la cerrazón, si no el rechazo, de nuestro corpus teatral a lo nuevo. Ésas son cosas para especialistas (para “críticos”) y quien desee verlas, se vaya al extranjero. De modo que cuando el extranjero viene aquí y participa en festivales es recibido con una mezcla de extrañeza y respeto reverencial. Así, en los últimos meses, se ha aplaudido a rabiar una versión de El duelo que parodiaba al Teatro de Arte de Moscú o un Ubu Roi británico cuyo éxito viene de mofarse de los franceses. Claro que la marca hace mucho y siempre se puede aclamar sin ningún riesgo al dúo Chéjov-Stanislavsky o a alguien tan prestigioso como Declan Donnellan. No quiere esto decir que nuestro público sea un bobalicón. Pasado ya el eco de sus Incendios, y sin preparación previa alguna, supo valorar hace poco el espléndido trabajo creativo de Wajdi Mouawad en Seuls con un entusiasmo procedente de su convencimiento de haber visto una obra tan difícil como magistral. Y salta como movido por un resorte cuando Angélica Liddell pone fin a su último “show” para estallar en una clamorosa ovación. ¡Y es puro teatro postdramático! A ver si es que, al final, va a resultar que nuestro público está más avanzado que nuestro mundillo teatral. w w w. a r t e z b l a i . c o m 7
  • 5. 13 noviembre diciembre esTreno De HamleT en eusKera Una lectura de Hamlet para la Euskadi del siglo XXI Artedrama, Le Petit Théâtre du Pain y Debaju vuelven a funcionar conjuntamente para afrontar un ambicioso proyecto artístico D e nuevo tres compañías vascas, Le Petit Téâtre du Pain, Dejabu panpin laborategia y Artedrama, aúnan sus fuerzas creativas para una coproducción al igual que hicieran con ‘Errautsak’, pero en esta ocasión han decidido dar un paso de gran importancia teatral, social y cultural, como es poner en escena una versión escrita por Xabier Mendiguren del Hamlet de William Shakespeare, y hacerlo además en euskera, siendo la primera ocasión en que se emprende tan ambiciosa situación desde un proyecto profesional. Se trata, pues, de un auténtico acontecimiento que se estrenará el 1 de noviembre en Luhusso, lugar donde han estado durante dos meses realizando los ensayos y montaje, y que posteriormente recorrerá más de cuarenta localidades de toda Euskal Herria, para finalizar su explotación en abril, en Aulesti. Un equipo actoral compuesto por Ander Lipus, Ainara Gurrutxaga, Manex Fuchs, Maika Etxekopar, Iñaki Ziarrusta, Miren Tirapu y Urko Redondo, bajo la dirección de Ximun Fuchs, actor, director y músico nacido en 1974, miembro de la compañía Le Petit Théâtre de Pain, ha recorrido Euskal Herria, Francia y buena parte de Europa con sus creaciones: «Le Siphon» (actor y director), «Le Cabaret» (músico y actor). Recibió el Premio Donostia tanto con «Juglarea, 10 w w w. a r t e z b l a i . c o m puta eta eroa», en la que era actor, como con «Errautsak» (actor y director). La adaptación y versión la ha realizado Xabier Mendiguren Elizegi filólogo, escritor y editor, tiene en su haber una extensa producción de más de 50 títulos que abarcan casi todos los géneros:relato, novela, literatura infantil y juvenil, artículos, autobiografía… y que al referirse a esta propuesta dice: “En tanto que autor, veo la escritura de esta obra como un desafío, y no sólo por la larga sombra del genio de Stratford-upon-Avon, sobre la que no me voy a extender, sino por la forma en que hemos abordado el trabajo: en mi carrera como escritor de teatro o narrativa siempre he trabajado en solitario, y soy el único responsable de los aciertos y errores que pueda haber en mi bibliografía; ahora, en cambio, me toca trabajar en grupo, con un director y un grupo de actores que acumulan una larga experiencia y un conocimiento profundo de la dramaturgia; espero tener algo que aportar, y sin duda tendré mucho que recoger de esa colaboración.” Esta puesta en escena que cuenta con la iluminación de Josep Duhau, la música de Asier Ituarte, es una versión de noventa minutos de la obra de Shakespeare, “hecho aquí y ahora, con todo lo que aporta un personaje tan conocido y tan complejo y del que se han escrito multitud de libros sobre la manera de afrontarlo, sobre el significado del personaje y que tiene frases que son utilizadas de manera habitual por personas de todo el mundo, como el to be or not to be”. Quien así se expresa es Ximun Fuchs, el director de esta propuesta, con el que charlamos tras la comida con todo el equipo en un descanso de los ensayos en un día luminoso, pero con una dura noticia atravesando el ánimo de todos ya que uno de los colaboradores del montaje está en estado crítico en un hospital. Un mazazo sobrevenido, que ayuda a la reflexión sobre el propio significado de ser artista, de hacer teatro, en estas condiciones buscadas por los participantes y de los que Fuchs se refiere como “amigos. En el sentido más simple, pero a la vez más profundo. Amigos porque somos cómplices, porque realizar este tipo de trabajos no puede ser una cosa solamente profesional. Estamos
  • 6. Fotos ©Guillaume Méziat noviembre diciembre hablando de algo que va más allá, la amistad como una manera de trabajar en teatro. No puede quedarse en una reunión de especialistas sino que todo lo debe presidir una visión humana de nuestro oficio, de nuestra propia creación” Asegura que el teatro no puede dar respuestas, sino que debe plantear dudas, relacionarse con un público al que ofrecerle un pálpito nuevo, una mirada sobre un texto clásico, del que parte en su análisis dramatúrgico “como reflexiones para la guerra, para después de la guerra. Casi todas las generaciones siempre deben partir de los efectos de una guerra para reafirmarse. Este es nuestro punto de partida en esta obra. Y nosotros también somos fruto de ese relevo, de esas dudas, de esa necesidad de mejorar lo que nos han dejado, de restituir lo que se ha perdido. Quizás este Hamlet se haga la pregunta básica, ¿qué hacemos en el mundo? Y a partir de ahí todo se va encadenando.” Se hará en euskera este texto por primera vez con una compañía profesional, con todos los medios requeridos, y al considerar este cronista que lo entiende como hito, la respuesta fulminante de Fuchs es “será un hito cuando se puedan comparar cinco 13 o seis montajes de Hamlet en euskera. De no existir continuidad, lo nuestro puede quedar en una anécdota. Es una opción artística, que lleva implícito un compromiso muy claro”. Y en la conversación se van aposentando conceptos sugerentes. La unión de tres compañías, el acotar el tiempo de explotación, acabará en abril, lo que significa concentrar los esfuerzos, introduce en su discurso un elemento pragmático. “la economía, el hacer viable esté tipo de producción sabiendo cómo buscar los recursos, cómo situarse en el mercado, imponer un calendario, es fruto una manera de entender hacer teatro. No es solamente dinero, es trabajo, es hacer cuarenta representaciones, es buscarse públicos nuevos. Esa es una parte muy importante de este tipo de procesos.” Carlos Gil Zamora w w w. a r t e z b l a i . c o m 11
  • 7. 13 noviembre diciembre Titzina Teatro estrena Distancia siete minutos Una disección quirúrgica de las relaciones humanas L a compañía catalana Titzina Teatro acaba de estrenar el pasado 25 de octubre en el marco del 22 Festival Internacional Outono de Teatro de Carballo, Distancia siete minutos una obra escrita, dirigida e interpretada por los dos miembros fundadores de la compañía, Diego Lorca y Pako Merino. En este nuevo trabajo Titzina conserva sus señas de identidad, la esencia que le caracteriza como compañía que no es otra que es la ilusión por el teatro, la apuesta por el teatro de creación e investigación previa, el respeto por el público, una escenografía casi minimalista y la combinación de drama y comicidad. Titzina vuelve a abordar un tema tabú como ya lo hiciera en sus trabajos anteriores, la locura en ‘Folie à deux’, la guerra en ‘Entrañas’ y la muerte en ‘Exitus’ –tres obras que fueron publicadas, en un mismo volumen por la editorial Artezblai–. En Distancia siete minutos Lorca y Merino se ponen ante la felicidad de una manera dinámica, poética y con un estilo tragicómico para hablar de personas que buscan resolver conflictos con otras personas. Tal y como afirman los miembros de Titzina, para la creación de este espectáculo 12 w w w. a r t e z b l a i . c o m se han fijado en “gente que a primera vista, sin enfocar, uno diría que forman parte de un núcleo estable. Solo hay que darse tiempo en la observación y las fisuras de ese núcleo empiezan a aparecer. Y con ello nuestro interés dramatúrgico por lo esencial del ser humano, lo común en él. Lo que a nuestro criterio merece ser expuesto”. La obra cuenta la historia de Félix, un joven juez que por un problema en su vivienda debe instalarse a la casa de su padre y el entorno profesional del juez y la convivencia con su padre darán pie a sacar a la luz temas fundamentales como la justicia, la felicidad y el destino, una relación paterno filial que guiará a través de una historia que tiene además como anécdota su coincidencia con el envío y atarreizaje del robot espacial Curiosity, “En esta ocasión nuestra mirada como autores se ha centrado en los juzgados de primera instancia, donde vecinos, compañeros de oficio o de amor se enrocan para ganar sin pensar lo que se dejan en el transcurso de la disputa” y es que tal y como añaden Lorca y Merino, los juzgados son “un escaparate de luchas cotidianas frente a un juez, normalmente ©Raul Lorenzo anónimo aquí bautizado como Félix por herencia paterna. Hemos forzado a este núcleo familiar a buscar en su pasado común, a caer la trampa del juez juzgado, a acercarse al tabú, la incógnita” apuntan. Todos los personajes son interpretados por los dos miembros de Titzina para intentar dar respuesta a la pregunta más importante de este espectáculo: el por qué de su escritura, a la que ellos mismos responden afirmando que la obra “habla de distancias entre seres humanos, de coincidencias, de destinos interconectados que escapan a nuestro control y nos impide saber cuándo ni cómo empezó a definirnos”. Es decir una incógnita que se desvela a lo largo de noventa minutos sobre las tablas y que podrán conocer los públicos que se acerquen el día 2 de noviembre a Serantes Kultur Aretoa de Santurtzi y el día 16 al Teatre Arniches de Alicante.
  • 8. noviembre diciembre 13 Pulgarcito de Teatro Paraíso La actualidad de los clásicos con el abandono de trasfondo E n el marco del Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz tendrá lugar el 3 de noviembre en el Teatro Principal el estreno de la adaptación de Teatro Paraíso de la versión de Perrault del cuento clásico ‘Pulgarcito’. La idea de la compañía de Vitoria-Gasteiz ha sido crear un montaje dirigido al público familiar, donde esté garantizado el disfrute de los niños y también el de los adultos ya que éstos les acompañan habitualmente a ver las obras, y como destaca su director Iñaki Rikarte, “cada cual hará su lectura, dicen además que los cuentos son para dormir a los niños y despertar a los adultos”. Se denominan clásicos por su capacidad de resultar contemporáneos en cualquier tiempo y son varios los temas que Perrault aborda en su versión del cuento, y el abandono es uno de ellos. En el original, un niño menudo e ingenioso salva a todos sus hermanos y a su familia, después de que sus padres desesperados, hayan tenido que abandonarlos en el bosque por falta de recursos. Teatro Paraíso presenta el cuento desde una visión nueva haciendo hincapié en este tema pero contextualizándolo en una situación distinta que no deja de reclamar similitudes con la sociedad actual. Presentan el cuento a través de la relación de un hijo con su padre. La acción padre se encuentra en esa fase de recordar con mejor nitidez los acontecimientos del pasado que los del presente y en ese momento es feliz. Tomás Fernández y Ramón Monje dan vida a padre e hijo además del resto de personajes que van surgiendo durante este espectáculo que se basa fundamentalmente en el trabajo actoral. Una apuesta de teatro de actores que se ha repetido en los últimos ©Aitor Audicana trabajos como ‘El flautista mágico’ parte la noche antes de que el padre sea que también está ideado para un público ingresado en una residencia. Se establece familiar. Para esta ocasión han contado con un paralelismo con el cuento debido al senuna puesta en escena potente, sugerente y timiento que este hombre debe sentir ante muy cuidada huyendo de toda ñoñería. su partida hacia la que será su nueva casa, Con más de una treintena de años funaunque él lo percibe como un abandono. cionando como compañía Teatro Paraíso Rikarte dice que “la vida tiene algo de kafue distinguida en el 2012 por el Ministerio pikua ya que la ancianidad puede ser como de Educación, Cultura y Deporte de España una segunda infancia, bien por la actitud o con el Premio Nacional de las Artes Escéel estado de los ancianos o por cómo se les nicas para la infancia y la juventud por la trata”, no obstante, Rikarte también señala creatividad y variedad de lenguajes escénique la obra “se fundamenta en el propio cos mostrados a lo largo de su trayectoria y relato y no en el contexto que sirve de subrayando especialmente la proyección inunión y actualiza la visión del propio cuenternacional que la compañía hace compato”. Justo en el momento que se disponen tible con un trabajo enraizado en su entora hacer la maleta el padre se orina y su hijo no más próximo. Asimismo, cabe destacar intentará cambiarle de pijama. Lo intenta dentro de sus últimos proyectos KunArte pero se resiste y para facilitar la tarea le Centro de las Artes para la Pequeña Infanpide que le relate el cuento de Pulgarcito cia, una fábrica de creación, una cuna para que tantas veces les había contado a él y mimar, mecer y arropar a los más pequeños a su hermano cuando eran pequeños. El y a los adultos que les acompañan. w w w. a r t e z b l a i . c o m 13
  • 9. 13 noviembre diciembre m i s c e á n e a Ejecución hipotecaria ©David Ruano Sex o no Sex l La compañía Oihulari Klown presenta la versión en castellano de su nuevo montaje Sex o no Sex el 13 de diciembre en la Sala Zabalotegi de Bergara, parodia clown para gente joven y adulta protagonizada por Pauxa una payasa que se pregunta sobre la vida, la muerte y el sexo. Tomando a las personas del público como cómplices y testigos de sus delirantes reflexiones, nos comparte sus diferentes iniciaciones en temas sexuales y nos confiesa sus inquietudes sobre las relaciones humanas en general y la dificultad de gestionar vínculos saludables. En clave de humor y ternura desde un punto de vista lúdico Virginia Imaz autora, directora e intérprete de la obra en esta ocasión toma como referente nuestros hábitos, o la falta de ellos, en relación al sexo. Daisy Rodrigo García estrena Daisy el próximo 21 de noviembre dentro del Festival Temporada Alta, protagonizado por Juan Loriente y Gonzalo Cunill, y contando con Carlos Marquerie para el diseño de la iluminación del montaje. El creador argentino vuelve a la carga con un trabajo que no dejará indiferente al espectador. Como se detalla en el texto que incluye el programa del festival “ver a Rodrigo García es siempre un desafío y el espectador tendrá que estar dispuesto a dejarse incomodar y cuestionar lo que se vende como verdad inmutable. Y es que en su teatro hay salpicaduras de gasolina unas veces, vocerío otras, (...) pero también hay danza, textos poéticos y crítica social”. 14 w w w. a r t e z b l a i . c o m En el marco del Festival Internacional de Teatro de Santurtzi el 8 de noviembre se estrenará Ejecución hipotecaria, propuesta que aborda un tema de máxima actualidad como son los deshaucios, basada en la obra del autor Miguel Ángel Sánchez y dirigida por Adolfo Fernández. En ella los integrantes de una comisión judicial se disponen a ejecutar el primer desahucio del día: una mujer que debe varios meses de hipoteca, cuyo apartamento ha pasado a ser propiedad del banco. Un caso más en su rutina cotidiana, si no fuera porque esta vez son recibidos por un hombre que, después de hacerles pasar amablemente, les apunta con una escopeta, y dispara a uno de ellos. A partir de este instante, el individuo procede a explicar sus razones, mientras que todos se preguntan quién puede ser el próximo. Todo el cielo sobre la tierra Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy) es la última creación de Angélica Liddell y su compañía Atra Billis Teatro que además cierra la trilogía sobre China. Este nuevo montaje que se podrá ver el 15 y 16 de noviembre en Stadsschouwburg en Amsterdam, el 6 y 7 de diciembre en Le parvis Secene Nationale de Tarbes y el 13 y 14 DeSingel en Amberes, habla sobre la pérdida de la juventud y el miedo de ser abandonado. Toma como punto de partida el tiroteo sucedido el 22 de julio de 2011 en la isla noruega de Utoya, cuando Anders Breivick asesinó a 69 jóvenes. Angélica Liddell conecta la isla de Utoya con la isla donde la juventud también se veía interrumpida: Neverland.
  • 10. 13 noviembre diciembre XXXII Festival Internacional de Títeres de Bilbao Los espacios urbanos al servicio de los títeres E n el ecuador del otoño los festivales de títeres y teatro de objetos recobran protagonismo en diversos puntos de la península ibérica siendo una de las citas más veteranas la que tendrá lugar en Bilbao a lo largo de la segunda quincena del mes de noviembre, desde el 16 al 24, que este año cumple su 32 edición y viene con el claro objetivo de impulsar aún más la participación ciudadana. Para ello han previsto una programación que se llevará a cabo en diversos espacios repartidos por toda la Villa, tales como en la Biblioteca de Bidebarrieta, en el Centro Harrobia, en el Salón Parroquial El Carmen de Indautxu, la sala del Centro Cultural de Barrainkua, la Sala del Museo Marítimo y Pabellón 6. El mismo cartel del festival refleja ese ánimo de buscar una mayor interacción con la ciudadanía mostrando la silueta de un títere siguiendo las líneas naturales de un plano de Bilbao. El Centro Cultural Barrainkua, lugar donde está ubicado el Centro de Documentación de Títeres de Bilbao, será el espacio que acogerá la única propuesta en inglés Goldilock de manos de Elastic Nou los días 18 y 19 así como las actividades paralelas que este año contemplan la exposición sobre Carmen Hayman y su relación con el mundo de Lorca del 5 al 29 de noviembre, la presentación del publicaciones sobre biografías de grandes maestros argentinos del arte titiritero el día 21 y dos cursos, el primero los días 20 y 21 de noviembre de manos de Ana Lia Zamorano sobre ‘Juegos didácticos con marionetas para futuros maestros’ y el ‘Curso de manipulación y técnica Bunraku’ impartido por Alejandra Prieto los días 23 y 24. Cabe destacar también el VI Encuentro del ‘Foro en femenino’ iniciativa que nace como homenaje a todas las mujeres dedicadas al arte del teatro de títeres que este año se realizará en cuatro sesiones, donde participarán diversos expertos en la materia dando paso a ponencias y películas y que concluirá con la 16 w w w. a r t e z b l a i . c o m Instantes de Madera ©Cepren Tymtanob entrega del XV Premio Mariona Masgrau el día 23 que este año será concedido a la escritora vasca Toti Martínez de Lezea de manos de Josu Cámara miembro fundador de la compañía Kukubiltxo. La inauguración oficial del festival tendrá lugar el 16 con la actuación de Viravolta que viene a presentar El gallo Quirico y sus amigos que con algunos números de marionetas tradicionales en un teatrillo de cartón dan vida a dos cuentos basados en la versión publicada por el autor Bernardino Graña y acompañados por música en directo interpretada por el acordeonista Carlos Quintá. Asimismo, al mediodía presentarán la publicación ‘Muerto el demonio, se acabó la peseta’ que recoge la trayectoria y obras de la compañía gallega Barriga verde. Junto a esta once compañías más completarán la programación de la presente edición. En el Centro Harrobia se dará cita la compañía Panta Rhei el día 17 con Auzokideak una comedia urbana sobre el derecho a soñar y el día 24 Búho Teatro con Contando Jorobas, un espectáculo visual con siluetas planas. Por su parte en el Salón El Carmen de Indautxu actuará el día 18 la compañía El Tenderete con Basoko ipuin laburrak, Kukubiltxo el 19 llevará a cabo el estreno de Leihotik mundura basado en el cuento homónimo de Pako Aristi donde todo surge a partir de una bola roja dando paso a un montaje lleno de poesía y fantasía, y por último el 20 de noviembre los argentinos El Telón representarán Marineros y piratas propuesta en la que utilizan títeres de guante, técnica mixta y efectos de luz negra dando paso a un desfile de personajes de marcada personalidad que van protagonizando pequeñas historias. En Pabellón 6 está previsto el 21 de noviembre El sueño del pequeño guerrero de La Tartana una historia original basada en la cultura ancestral de los Masai de África que conduce al viaje interior de la iniciación y la coproducción bajo el título De las manos de la citada compañía madrileña con Lafauna en la que relatan cómo la alienación y el encierro pueden no ser barreras para la imaginación humana. El día 22 Gus Marionetas dará paso a La bibliotecaria en apuros y The Winged crames El cuerpo ausente. Por último, en la sala del Museo Marítimo actuarán los rusos Toy Estudio con Instantes de madera el 23 de noviembre.
  • 11. noviembre diciembre T itirijai de Tolosa 13 mIT del Vall d’Albaida Sie7e ©Luis Antonio Barajas A un mes escaso de celebrarse el Titirijai de Tolosa, Miguel Arreche, quien fuera uno de sus directivos, falleció dejando en marcha un festival que es referencia en todo el estado por su trayectoria y logros, y por contar desde 2009 con TOPIC el Centro de Títeres de Tolosa. Al igual que en la edición anterior el interés no recae especialmente en ninguna disciplina ni país y la representación de diversas nacionalidades está garantizada con la participación de un total de doce compañías venidas desde Argentina, México, Kenia, Portugal, Italia, Francia y el Estado Español. Y como se lleva haciendo desde hace muchos años Titirijai acerca sus funciones a otras localidades, la mayoría del País Vasco tales como Eibar, Ordizia, Pasaia, Donostia o Sestao que incluso le dan forma de Festival, así como Zaragoza y Alicante. Del 23 de noviembre al 1 de diciembre el Auditorio Topic junto con Leidor Antzokia acogerán las 32 funciones de esta edición Tolosa, 22 de las cuales estarán reservadas a grupos escolares. La obra Basilista de la compañía hispano argentina La Canela dará comienzo a la programación y ese mismo día actuará Titelles Verges con Classic y Pinocho. El primer domingo del festival, el 24 de noviembre, se dará paso a uno de los platos fuertes de la programación A la deriva Joc de la compañía mexicana La Liga Teatro Elástico. Caben destacar también las actuaciones de los italianos Teatro distinto con La oveja negra o Lágrimas junto al río de los keniatas Krystal Pupeteers. A las puertas de su treintena el MIT-Mostra Internacional de Titelles del Vall d´Albaida continúa luchando a pesar de las dificultades para dar paso a una programación que al igual que en sus 28 ediciones anteriores ha contemplado el disfrute del público de las localidades de Agullent, Aielo de Malferit, Atzeneta d´Albaida, Benigànim, Benissoda, Bocairent, Fontanars dels Alforins, Montitxelvo, Ontiyent, L´Olleria, Otos, El Palomar y La Pobla del Duc. Del 7 al 10 de noviembre deciséis compañías ofrecerán sus últimos trabajos en sesiones escolares y abiertas a todos los públicos siendo La magia de la flauta mágica de Teatro de la Caixeta la encargada de la inauguración. Para los adultos se han previsto un total de 4 propuestas entre las que se encuentran el montaje visual y musical Pouff de Lichtbende, Bag lady de The bag lady Theater, Sie7e de Ymedio Teatro compuesto por sorprendentes sketches cómicos basados en la manipulación de objetos cotidianos y Lali de Lluerna. Asimismo, caben destacar las dos propuestas de microteatro con aforo limitado a 100 espectadores de manos de la compañía Behibi´s que representará Bueltaka y El vestit nou de l´emperatriu de Tramant Teatre, y los montajes para el público familiar entre los que se encuentran entre otros El pollo Pepe de Teatro de al luna, Trogloditas de Tanxarina y una versión de un cuento clásico de todos los tiempos, El soldado de plom de Teatre Amà. w w w. a r t e z b l a i . c o m 17
  • 12. 13 noviembre diciembre I Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas Teatro en habla hispana para públicos familiares E l Teatro Arbolé de Zaragoza organiza en colaboración con el Ayuntamiento de la ciudad y el Ministerio de Cultura a través del INAEM la primera edición del Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas que tendrá lugar en la sala Teatro Arbolé del 16 al 24 de noviembre. El festival –que se enmarca dentro del V Congreso Iberoamericano de Cultura que se celebrará del 20 al 22 del mismo mes en la capital aragonesa–, nace con el objetivo de tener continuidad para convertirse en un festival de referencia de las artes escénicas para niños y niñas entre los países de habla hispana y para esta primera edición contará con la participación de 10 compañías procedentes de 7 países latinoamericanos que realizarán un total de 15 representaciones. Además se inaugurará la exposición “La construcción de un oficio”, una mirada al títere ibérico, y se homenajeará a Roberto Espina –con una sesión dedicada a la lectura de su obra–, titiritero y escritor argentino considerado como uno de los grandes dramaturgos para títeres de América latina. De otras latitudes Los largos años de experiencia de Teatro Arbolé en la producción y exhibición de espectáculos y sus giras por América Latina han propiciado la participación de compañías de Argentina, Brasil, Chile, Cuba, España, México y Venezuela en el festival una cita que sitúa a Zaragoza en el mapa internacional de los festivales para niños y jóvenes al tiempo que evidencia y valora las diferentes creaciones artísticas de habla hispana dirigidas a estos públicos. El festival dará comienzo con un espectáculo dirigido a bebés de la mano de la compañía Teatro en el Aire (formada por artistas de Chile, Cuba, España y Venezuela) que pondrá en escena Nido azul. Una propuesta de teatro sensorial, una inmer18 w w w. a r t e z b l a i . c o m El nido azul ©Joseba Barrenetxea sión en el abrazo materno, en el calor de la familia. La danza también tendrá su presencia de la mano de Increpación Danza que con Increpa 2 juega con los elementos tradicionales y la danza contemporánea para ofrecer una forma singular de bailar llena de humor y fantasía. Dirigido a niños y niñas a partir de 2 años, El gallo de las veletas de Teatro la Canica (Argentina, España) esta basado en un cuento de Javier Villafañe y ha sido galardonado con los premios “Mejor espectáculo” y “Mejor interpretación femenina” en FETEN 2013. Los mexicanos La Liga Teatro Elástico ponen en escena A la deriva Joc, una obra en la que tres actores, un músico, varios objetos y dos títeres narran la clásica historia que evoca a los tiempos del Misisipi; el viaje iniciático de un niño que irá descubriendo la experiencia de ser libre. Desde Argentina, Títeres y Bufones utiliza títeres con estética de dibujos animados y de gran impacto visual en El gran delirio de Anacleto y Cascarrabias y los también argentinos Bululú Teatro ofrecen con Titiritero un emotivo espectáculo sobre los recuerdos de un titiritero. Una historia de amor pícara y simpática sin palabras pero acompañada de una música que seduce. Historias con desechos de Teatro de la Plaza (Brasil) se presenta con una escenografía que emula un gran basurero, un lugar que se convertirá en un paisaje idílico donde tendrá lugar una historia de amor apasionante llena de humor y en la que destaca la posibilidad de aprovechar los desperdicios de las grandes ciudades a través del reciclaje. Completan la programación un encuentro con los títeres latinos denominado Microtíteres compuesto por pequeños sketch de las compañías Bululú Teatro, Quique Di Mauro, Javier Aranda y los anfitriones Teatro Arbolé, y dos espectáculos que tendrán lugar en la calle, frente a la sala Teatro Arbolé; Historias con guantes, de los argentinos Teatro El Telón, una propuesta en la que un presentador payaso hilvana dos historias: una versión muy libre de “La calle con los fantasmas” de Javier Villafañe y “Las aventuras de super K” y A casa de la abuelita de la compañía española Títeres sin cabeza.
  • 13. 13 noviembre diciembre XXXIV Festival de Teatro de Santurtzi Concentración de los mejores espectáculos del momento L a 34 edición del Festival de Teatro de Santurtzi que comenzó la última semana de octubre con la exhibición de los espectáculos de calle Cabaret Elegance, Entrelombrices, Fenomenal y Mobil, así como la pieza de danza Constelaciones y el espectáculo teatral Maridos y mujeres, además de la apertura de la exposición ‘25 años de Teatro Gorakada’ que podrá ser visitada hasta el 19 de noviembre en Casa Torre Jauregia, ofrece a lo largo del mes de noviembre una ecléctica programación integrada por más de un decena de propuestas teatrales, de danza, ópera y circo que se exhibirán en el escenario de Serantes Kultur Aretoa. En esta programación en la que destacan además los estrenos de los espectáculos Distancia siete minutos de Titzina Teatro y Ejecución hipotecaria de K Producciones que se estrenan en Santurtzi y de los que informamos en páginas precedentes, las representaciones arrancan con Hermanas, obra protagonizada por Amparo Larrañaga, María Pujalte y Marina San José, que está inspirada en ’Las tres hermanas’ de Chejov y en la comedia ‘Hanna y sus hermanas’ de Woody Allen. La pieza muestra los entresijos de una familia después del fallecimiento del padre. Las representaciones dirigidas al público adulto incluyen además espectáculos como Tempestad, pieza producida por la Cía. Barco Pirata que cuenta con la dirección de Sergio Peris-Mencheta. La representación es una juguetona adaptación metateatral en la que se suceden la alegría, el caos, la melancolía o la admiración, protagonizada por ocho actores-músicos que reflexionan sobre los recovecos del poder. 20 w w w. a r t e z b l a i . c o m más con La casa flotante que pondrá en escena La Maquiné y que tiene como protagonista a una niña llamada Noé que nunca ha visto llover y que pensaba que la lluvia era de colores: roja, amarilla, naranja, azul, verde, violeta y añil, hasta que un día comenzó a llover sin parar y decide construir una casa flotante para salvar a todos los animales de la tierra. Tempestad ©Guillermo Casas La danza también tenEl teatro clásico tendrá cambida en la drá cabida en la programación con el esprogramación con la puesta en escena de pectáculo de danza Rango y Suite flamenca Antígona Siglo XXI a cargo de (in)constanque presentará la Fundación Antonio Gades tes Producciones que cuenta con la direcy que está integrado por los ballets que ción de Emilio del Valle. La adaptación pardan nombre a la puesta en escena. El prite de la certeza de que los conflictos que mero está inspirado en ‘La casa de Berplantea la obra original siguen sin resolvernarda Alba’, de Federico García Lorca y al se, ya que el poder es sordo a la voz ciuque Gades consideró una obra maestra y dadana; las mujeres tienen que pelear por el segundo incluye coreografías del propio sus derechos; miles de ciudadanos buscan Gades en su mayoría, y recoge los valores los restos de sus muertos para poder enéticos y estéticos de su filosofía dancística. terrarlos y la dignidad sigue siendo motor Acrobacias increíbles, malabares imde la juventud. posibles, humor, magia y mucho ritmo se Rafael Álvarez ‘El Brujo’ pondrá el colosucedereán en el espectáculo circense Maravillas que acercará al Serantes el 16è Circ fón al festival con la puesta en escena de Cómico, un experimento de humor en el que d’Hivern y en el que se muestra la fantástica el artista se muesta en estado puro, más aventura de una familia, tercera generación cómico y más irónico que nunca. ‘El Brujo’ de artistas de circo, heredera de toda una se vale de sus trabajos de los últimos diez tradición que, después de perder su carpa años para “hacer reír” a los espectadores y de ver cómo el mundo del espectáculo y mostrarles la fórmula con la que arma sus avanza a pasos de gigante, deciden adapespectáculos y el andamiaje con el que se tarse a los tiempos y fusionar la antigüedad montan. con la modernidad. El teatro en euskera tendrá cabida en La ópea tampoco faltará este año en la la obra Hiru de Txalo Teatroa que protaprogramación con la puesta en escena de gonizan Loli Astoreka, Miren Gojenola, Ana uno de los títulos más relevantes del géElordi y Zuhaitz Gurrutxaga que muestra los nero, La Traviata, que se presenta en una producción de Ópera 2001, que cuenta con intentos de tres amigas que están a punto la dirección de Martin Mazik y con Ainhoa de cumplir cincuenta y están empeñadas en Garmendia, Juan Carlos Valls, Paolo Ruggiecumplir su deseo de ser madres. ro y Marco Porta como protagonistas. El público familiar podrá disfrutar ade-
  • 14. 13 noviembre diciembre XXII Festival Don Quijote - Théâtre Danse Hispanique El teatro iberoamericano se vuelve devoción en París D edicada a los autores clásicos y contemporáneos de la dramaturgia española como Lope de Vega, Buero Vallejo, Calderón de la Barca o Almudena Grandes y Alfredo Sanzol, llega la nueva edición del Festival de teatro hispánico Don Quijote de París que este año se celebrará del 17 al 30 de noviembre. Un total de nueve compañías, ocho teatrales y una dedicada al flamenco completan la programación de esta cita que como cada año ha sido impulsada por el colectivo Zorongo y que cuenta con Luis F. Jiménez como director artístico. Una vez más se llevará a cabo en los espacios habituales dedicados al festival, el Instituto Cervantes y el Teatro Café de la Danse. La primera de las propuestas con las que arranca la vigésimo segunda edición de Don Quijote llegan a cargo de Montse Cortés que bajo el título Flamencas en la sombra interpreta a modo de homenaje multitud de temas de artistas no demasiado laureadas pero que según la intérprete merecen un destacado reconocimiento por su labor en el mundo flamenco. Entre otras deleitará al público con las canciones de Isabelita de Jerez, María Peña, Mercé La Serneta, La Tina o Las Grecas. Acompañada por Paco Heredia a la guitarra, el bailaor 22 w w w. a r t e z b l a i . c o m Atlas de una geografía humana ©Marta Vidanes David Paniagua y los artistas Bandolero y Antonio Cortés con la percusión y palmas, ofrecerá un espectáculo al más puro estilo flamenco. sones iberoamericanos El Instituto Cervantes es el lugar elegido para acoger las dos coproducciones que son el resultado del trabajo en común entre artistas franceses e iberoamericanos. La primera de ellas De bestias, criaturas y perras, llega gracias al autor mexicano Luis Enrique Gutierrez, se trata de una producción realizada por las formaciones Le Miroir qui fume y La Bolita que ha contado con la colaboración del Instituto Cultural de México en París y el Ayuntamiento de Aubervilliers. En escena Paola Córdoba y Manuel Ulloa bajo la dirección de Giovanni Ortega interpretarán el texto de Gutierrez relatando así la historia de una mujer en la sombra dependiente y sumisa en manos de un hombre dominante y arrogante, un trabajo elegante y realista que toma una dimensión universal acerca de las relaciones de pareja y el amor. La segunda pieza nos traslada hasta Uruguay de la mano de Susana Lastreto que dirige a la compañía GRRR en Noche de verano lejos de los An- des. Annabel de Courson acompañada por el músico Hugo Paviot es la protagonista de esta obra poética con grandes pinceladas de humor en la que combina un trabajo de clown acompañado por la canción en todo momento. Narra la historia de una mujer que emigra a París y combate la soledad recordando a su gente y su país de origen. Cabe destacar que esta actriz argentina fue galardonada gracias a este trabajo como mejor intérprete femenina en el Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de Bolivia. A continuación el turno será para el emblemático Café de la Danse que albergará el resto de exhibiciones previstas, todas ellas producciones españolas que tendrán lugar del 25 al 30 de noviembre. Incidimos de manera especial en tres trabajos: la propuesta que mostrará el Centro Dramático Nacional junto a la compañía A priori, una adaptación de la novela Atlas de geografía humana de la escritora Almudena Grandes que ha sido llevada a cabo por Luis García Araus; El Traje de Juan Cavestany a cargo de Teatro El Zurdo y La dama boba, en esta ocasión se presenta con la versión y dirección de Laila Ripoll. Atlas de geografía humana relata las experiencias vividas por cuatro mujeres de
  • 15. noviembre diciembre distintas procedencias que se cruzan en el camino por motivos laborales, percatándose además de que pese a sus diferencias, todas buscan la necesidad de reinventarse y de encontrar el amor de un hombre que hasta ahora no han conocido. Estas mujeres serán protagonizadas por Arantxa Aranguren, Nieve de Medina, Ana Otero y Rosa Savoini que sobre el escenario ser convertirán en Fran, Rosa, Ana y Marisa, enfrentadas a sus miedos, debilidades, ilusiones y frustraciones, a la nostalgia de la juventud y el anhelo de lo perdido. Dirigidas por Juanfra Rodríguez completa el reparto el músico Ángel Ruiz. Por otro parte, El Traje obra escrita y dirigida por Juan Cavestany viene con el sello del Teatro El Zurdo que presume de la participación de dos grandes actores: Luis Bermejo y Javier Gutiérrez. La historia se desarrollará en la trasera de unos grandes almacenes que se transforma en la sede para llevar a cabo un largo interrogatorio consecuencia de un accidente repentino que llega cargado de interrogantes. Aunque en tono de comedia se aborda de manera especial la corrupción, tanto política como del alma y su repercusión, situación a la que nos deriva el sistema actual. También con humor presenta la Compañía Micomicón La Dama El sueño de la razon ©CDN boba de Lope de Vega. Se trata de un homenaje por partida doble, por un lado a los cómicos y por otro a su autor Lope de Vega, en definitiva al teatro y a todos aquellos comediantes que han ocupado su vida en el teatro recorriendo pueblo a pueblo la geografía española, pasando penurias pero cargados de ilusión para alegrar a los habitantes de cada lugar con sus representaciones. La compañía cuenta con Marcos León, Teresa Espejo, Ana Varela, Mariano Llorente, Manuel Agredano y Antonio Verdú sobre las tablas, para llevar a escena esta adaptación de Laila Ripoll. Completan el programa de esta edición Delicadas, la propuesta de Alfredo Sanzol producida por T de Teatro que cuenta con la colaboración del Festival Grec de Barcelona y El sueño de la razón interpretado por la compañía Ferroviaria y dirigido por Paco Macià, también impulsado por el Tea- 13 tro Circo Murcia. Finalmente el teatro musical dejará su huella en esta cita gracias a Otro gran teatro del mundo, obra adaptada por Antonio Muñoz de Mesa que ha contado con la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Uroc Teatro para dirigirse principalmente al público infantil y descubrirle este clásico del teatro español utilizando en ocasiones el verso. Tendiendo puentes Tras veintidós años de andadura el Festival Don Quijote presenta como novedad su participación en la red Esmark, es decir, un programa promovido por la Unión Europea que trata de tender puentes entre diferentes festivales europeos con el objetivo de establecer sinergias e intercambios entre ellos. Así junto a la Feria de Teatro de Castilla y León y el FITEI de Oporto tratarán de motivar una red de mercado teatral y de creación de públicos entre los tres países. Son tres sus líneas de actuación: la contratación a través de un mercado virtual no presencial, la intensificación de la demanda de creaciones escénicas a partir de la formación y la captación de nuevos públicos y la circulación de artistas. Con el deseo de que así sea, esta estrecha colaboración tendrá lugar hasta el año 2015. w w w. a r t e z b l a i . c o m 23
  • 16. 13 noviembre diciembre XXI Muestra de Teatro español de Autores Contemporáneos Allá donde confluyen todos los autores españoles El régimen del pienso ©Víctor Iglesias Alicante acoge esta edición de la muestra del 8 al 16 de noviembre en la que La Zaranda recibirá el homenaje. T ras toda propuesta cultural subyace una conexión con la realidad y la actualidad de la sociedad en que tiene lugar. Más, si como en este caso, se trata de una muestra del teatro que escriben los autores vivos, aquellos que, las más de las veces, se sientan tras un ordenador para dar forma a una idea en forma de réplicas y, acotaciones, parlamentos, didascalias y que, con suerte, llegan a manos de los creadores escénicos para acabar sobre los escenarios. Con el Premio MAX que otroga la Fundación Autor bajo el brazo en reconocimiento a la labor desarrollada a lo largo de veinte ediciones, los organizadores encaran esta nueva Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante (8-16 de noviembre) conscientes de “la realidad de un país y, es más, un continente como el europeo que se debate entre las luces y sombras de un pasado glorioso en lo cultural y un porvenir incierto en sus discursos futuros”, en palabras de su director Guillermo Heras. Y lo hacen pensando el presente para apuntalar el futuro. “Nuestra Muestra, en ese sentido, debe caminar de la mano de nuestro teatro español en su generalidad, participar en sus debates 24 w w w. a r t e z b l a i . c o m y confiar que como decía Brecht: “la noche más larga, eterna no es” algo, que los que llevamos ya unos cuantos años en esta profesión sabemos muy bien”, advierte el veterano director y autor. De este modo, la vigésima primera edición de la cita alicantina con las dramaturgias contemporáneas mantiene su esencia y los ejes con lo que viene rodando año tras año, que es una variada programación de representaciones teatrales, junto a actividades que fomentan la escritura teatral, tales como talleres, presentaciones de libros y concursos, y el homenaje al autor. Y es ahí donde encontramos este año una de la novedades, ya que no se trata de un nombre propio, como es habitual, sino que en esta ocasión es una compañía la que recibirá el reconocimiento. Comprensible, en todo caso, al saber de quiénes se trata: La Zaranda. Paco, Eusebio, Enrique y Gaspar constituyen un buen ejemplo de la creación de un lenguaje propio a lo largo de sus más de tres décadas de trayectoria. El homenaje tendrá lugar como es habitual, durante el primer lunes, 11 de noviembre, fecha en la que se representará la última obra de La Zaranda, El régimen del pienso, en la que los cuatro de Jerez se hacen acompañar en escena por el vallisoletano Javier Semprún, de Teatro Corsario. Una Muestra abierta Sin embargo, también en la programación se atisban nuevos aires, ya desde la primera representación, ya que la firma Daniel Abreu, coreógrafo y bailarín, aunque en sus espectáculos el teatro y muchas veces la palabra adquieren una notable relevancia. Además, llega como invitado de la compañía Proyecto Titoyaya, creada en Chicago por Gustavo Ramírez, y la obra Línea horizontal, una pieza breve que está ligada al deseo, a depositar el tiempo en el deseo de ser, de pensar, de morir, de hacer, de vivir… También destaca por lo novedoso la programación de espectáculos de calle en el Jardín del Centro Cultural Las Cigarreras, previa a las representaciones en el auditorio del mismo. Allí se podrá disfrutar de espectáculos como De paso, una creación de Jaume Navarro y Mamen Olías de La Industrial Teatrera y Entre Lombrices, una pieza colectiva y coproducida por Zanguango y el Colectivo Monstrenko. Y junto a ellos, se podrán ver espectá-
  • 17. noviembre diciembre culos creados a partir de los textos de toda una nómina de dramaturgos indispensables para entender el teatro actual: Ignacio del Moral, José Luis Alonso de Santos, Carles Cortés, Miguel Murillo, Lluïsa Cunillé, Diana M. de Paco, Fernando Ramírez Baeza, Lola Blasco, Antonio Álamo, Juan Mayorga... Cabe señalar que de éste último, presente en muchas ediciones previas de la Muestra de Alicante, se podrá ver una obra no solo escrita por él, sino la que es también su primera traslación a la escena en el papel de director. Se trata de La lengua en pedazos, un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente llamada Teresa de Jesús. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios. Otros que sorprenden, por haber salido aparentemente de su hábitat natural, son Morfeo Teatro, que traen una obra de José Luis Alonso de Santos. No obstante, tras ella sí que se encuentra la firma de un autor clásico, ya que se trata de La sombra del Tenorio. Ambientada en la España de los 60, recrea, con desatada ironía, los mejores pasajes del Tenorio de Zorrilla, en boca de un viejo cómico moribundo que a lo largo de toda su carrera se vio abocado a encarnar el papel de Ciutti, el criado de Don Juan, el segundón, el gracioso, el bobo, y que se queja, con emociones encontradas, de haber sido siempre un actor de segunda fila. Hay sitio, también, para el compromiso reflejado a través del teatro documental. La lengua en pedazos ©Sergio Parra Los hijos de las nubes es un texto de Lola Blasco que cuenta su experiencia en los campos de refugiados saharauis en Argelia. En una frontera difusa entre realidad y ficción, la obra no es sólo un documental escénico, sino también un ejercicio de memoria. Justicia y filosofía Destaca, asimismo, la presencia de la nueva creación de Pako Merino y Diego Lorca de Tizina Teatro, titulada Distancia siete minutos, y que nos introducen de lleno en una relación paternofilial en la que 13 colean flecos sin resolver, y a través de la que se ponen sobre la mesa temas como justicia, felicidad y destino. O la de la compañía que forman Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz y Pau Pons, El Pont Flotant, que presentan Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez, una oda a los tiempos muertos, al aburrimiento, a vivir con tranquilidad y buen humor, a tomarse las cosas con filosofía y creatividad. Es una oda a la vida, a disfrutar de la vida, de las cosas que realmente nos llenan. Completan la programación obras como La dona sense atributs de Carles Cortés en montaje de Ferroviaria, Cuando fuimos dos de Fernando López para la compañía Criacuervos, Fugadas de Ignacio del Moral para Kalós Teatros, De Vacaciones de Miguel Murillo y Suripana Teatro, La copla negra de Chirigóticas y Antonio Álamo, el tradicional espectáculo de monólogos Sol@ ante el peligro, los espectáculos para público familiar Cuentos de Arena de Jon Kepa Zumalde para Markeliñe, y Argos de Eduard Costa para Anem Anat, entre otras, amén de todas las actividades paralelas que tienen lugar durante la celebración de la Mostra de Alicate y que tienen como protagonista al ejercicio de la dramaturgia, tales como las lecturas dramatizadas de los textos del I Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación Autor, la presentación de publicaciones, los encuentros Palabra de Autora y Palabra de Traductor, o el Taller de Dramaturgia impartido por Carol López. w w w. a r t e z b l a i . c o m 25
  • 18. 13 noviembre diciembre XXVIII Festival Internacional Madrid en Danza La danza como encuentro entre oriente y occidente V El ciclo denominado ‘Francia Baila’ tiene por objeto presentar las tendencias más actuales de la danza, desde el desarrollo del neoclásico a la danza contemporánea y el hip hop con un programa doble de la Compagnie dernière minute de Pierre Rigal y el Ballet Preljocaj. La primera pondrá en escena las obras Érection –un solo interpretado por el propio Rigal– y Standards en la que ocho bailarines de hip hop indagan sobre lo simbólico de las banderas “contemplando al individuo en lo universal y a lo universal en el individuo. Libertad, igualdad, fraternidad” en palabras de Rigal. El Ballet Preljocaj presenta dos obras con coreografía y dirección de Angelin Preljoca Anunciación y La consagración de la primavera. Esta versión de la partitura de Igor Stravinsky coincide con el centenario de su estreno en París y en torno a esta efeméride el festival acogerá un encuentro científico en colaboración con el Conservatorio Superior de Danza de la Comunidad de Madrid y la Universidad Antonio Nebrija. El festival acoge además los estrenos de Daniel Abreu, Silencio, un poema a la vida como una sucesión de contrastes; El ajuar, de Teresa Nieto en Compañía pieza creada a partir de la relación epistolar entre la propia Nieto y la pintora María Bueno; Algunos lugares de Nabeirarrúa Danza, formada por Tatiana Chorot, Sergio G. Domínguez, Mar López y Sara Mogarra y Who will save my today? de Janet Novás, obra que surge de las vivencias actuales de Novás y de los momentos en los que se ha encontrado aislada de cualquier grupo o contexto artístico. Se podrá disfrutar también con Elephant in the Black Box Company, compañía fundada por Jean-Philippe Dury, con la participación de antiguos bailarines de Nacho Duato para ese proyecto que pondrán en escena las piezas Mémories Oubliées y Cel Black Days. Thomas Noone Dance propone una velada de danza contemporánea formada por las piezas sobre el amor y las relaciones personales Brutal Love Poems y Watch me, ambas creaciones propias y Sin de Joan Clevillé. Ertza por su parte llega con su último trabajo, N.A.N. un viaje sobre las fronteras entre identidad y nacionalidad en la que el coreógrafo vasco Asier Zabaleta se presenta en escena acompañado al piano por Iñar Sastre. La Compañía de Danza de Fernando Hurtado se ha basado en los dibujos y pinturas del artista paraguayo Ricardo Migliorisi para crear Visitando otros jardines mientras que No Land de Lucio Baglivo es Virus ©Junichi Matsuda eintitrés compañías procedentes de diversos puntos del planeta componen la programación de la nueva edición del Festival Internacional Madrid en Danza que tendrá lugar del 5 al 24 de noviembre. Organizado por la Comunidad de Madrid el veterano festival dará comienzo con Diario de una crucifixión de los colombianos L´Explose Danza, “una obra expresionista en la que se reflexiona sobre el poder desde los ensayos pictóricos de Francis Bacon acerca del retrato del Papa Inocencio X de Velázquez” tal y como apunta la directora del festival Ana Cobo. Además de este espectáculo el apartado internacional de esta edición tiene dos focos principales. Uno de ellos está dedicado a Oriente con las propuestas de la compañía japonesa de butoh Dairakudakan, liderada por el actor, director y coreógrafo Akaji Maro –perteneciente a la primera generación de artistas de butoh– que presenta Virus, TAO Dance Theater de China llega con 4 y 5 espectáculo que explora la acrobacia, la danza contemporánea y la danza tradicional china y Akram Khan Company con DESH, en la que el coreógrafo británico de origen bangladeshí explora la tradición de la cultura bengalí a través del universo de animación audiovisual de Tim Yip. 26 w w w. a r t e z b l a i . c o m
  • 19. noviembre diciembre y nacionales, directores de teatros y festivales, prestamos especial atención a una nueva generación de creadores de danza que pisan con fuerza nuestros escenarios” destaca la directora de Madrid en Danza, Ana Cobo. Entre otros se encuentran Iker Arrúa, Jean Phlippe Dury, Babirusa Danza, y Mónica García. La programación se completa con el ciclo Doble de Danza que tiene por objeto la sensibilización de nuevos públicos. Tres compañías pondrán en escena otros tantos espectáculos dirigidos al público infantil y familiar: Gelabert Azoopardi Companya de dansa con Cesc Gelabert V.O.+, Nova Galega de Danza con Dez y Daniel Doña Compañía de Danza Española con A pie. En lo que a los espacios se refiere, Madrid en Danza 2013 tendrá lugar en los Teatros del Canal, Sala Cuarta Pared, Teatro de La Abadía, Sala Pradillo y Teatro Paco Rabal y diversos espacios de localidades de la Comunidad de Madrid. La décimo cuarta edición de Dantzaldia de Bilbao continúa durante el mes de noviembre con una programación compuesta por tres espectáculos. El día 8 la Sala BBK acoge Islandia de Laveronal una obra que tiene por objeto disociar la imagen de su significado con el fin de descifrar los modos de representación y la libertad de interpretar sus significados. Para ello la compañía barcelonesa toma como base de análisis Islandia, una zona del planeta acostumbrada al cambio por sus características geológicas y geográficas y que como una prueba semiótica la utilizan para realizar un análisis sobre la relación entre significante y significado ya que “disociar la imagen del significado nos conduce hacia una nueva verdad, nos conduce hacia Islandia”. El día 17 es el turno para Aída Gómez que presentará en e Palacio Euskalduna su particular versión de Carmen, de Prosper Merimée. El espectáculo Habitaciones de Belén Maya será el encargado de clausurar el festival organizado por la sala La Fundición; será en la propia sala los días 23 y 24. Esta pieza parte de la idea de las habitaciones como los pequeños países privados, las islas en las que refugiarse. La habitación de nuestra adolescencia, la de matrimonio, la de solteros, la de invitados, la de hotel... habitaciones con las que nuestra memoria amuebla el pasado y lo reinventa construyenda la casa que somos y fuimos. Habitaciones @Zeev Stein Dantzaldia un trabajo escénico sobre el movimiento y las sensaciones que se caracteriza por un cuidado diseño de iluminación. LaMov Compañía de Danza fusiona música, literatura, pintura y danza en El trovador una pieza inspirada en la ópera de Verdi y Guillermo Weickert Compañía de danza reflexiona sobre el vocabulario de la danza y su lenguaje en el solo MATERIALINFAMABLE. El flamenco, la escuela bolera, y la danza tradicional española son la fuente de la que beben las propuestas de la Compañía Sara Calero El mirar de la Maja, la Compañía Rafaela Carrasco con Con la música a otra parte y la Compañía de danza Sonakay y su MuDanzas Boleras. A esta edición se suma el encuentro bienal de la Ventana de la danza madrileña, que este año llega a su cuarta edición y “cuyo fin es contribuir al desarrollo de nuevas oportunidades para nuestros artistas y compañías. Desde esta acción dirigida a profesionales y expertos internacionales 13 w w w. a r t e z b l a i . c o m 27
  • 20. 13 noviembre diciembre XXXI Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia Cita para todos los públicos con el teatro en euskara E l 31 de octubre subió el telón la trigésimo primera edición de Euskal Antzerki Topaketak (Encuentro de Teatro Vasco) de Azpeitia, Gipuzkoa con la puesta en escena de Gabrielen Lekua, un espectáculo multidisciplinar en torno a la figura del escritor Gabriel Aresti. Este encuentro anual organizado por el ayuntamiento de la localidad se caracteriza por ser un escaparate de las últimas producciones de teatro en euskara así el 1 de noviembre será el turno de la presentación de Hitzak. Hitzak besterik ez (Palabras. Tan solo palabras) de la compañía Hika Teatroa. Sobre escena tres mujeres, un hombre y un niño. Tres mujeres que en realidad son o pueden ser una misma mujer. Porque las palabras envejecen, pasan de la felicidad a la infelicidad y de la infelicidad a la locura. Palabra a palabra se va intuyendo la tragedia. Palabra a palabra estas mujeres, esta mujer va reuniendo la fuerza necesaria para poder entender y decidir... Un espectáculo escrito por Agurtzane In- 28 w w w. a r t e z b l a i . c o m txaurraga en colaboración con Arantxa Iturbe y dirigido por la propia Intxaurraga en el que se aborda el maltrato a la mujer. Al igual que los dos espectáculos anteriores el grueso de la programación Palabras tendrá lugar en el teatro Soreasu. Es el caso del estreno el día 2 de Hamlet, coproducción de Le Petit Theatre de Pain, Artedrama y Dejabu panpin laborategia (de la que damos cumplida información en las páginas 10 y 11 de este número). Hiru de Txalo es la versión en euskara de la comedia ‘Tres’ de Juan Carlos Rubio, una historia llena de humor que subirá al escenario el día 8 a tres amigas a punto de cumplir los cincuenta y sin cumplir el sueño de ser madres que deciden de una forma un tanto particular, intentar cumplirlo; al día siguiente tendrá lugar el estreno de Traganarru de Bada Teatroa. También tendrán cabida los espectáculos dirigidos al público infantil y familiar como Mendiko altxorra de Patata Tropikala que tendrá lugar el día 3 coincidiendo con Antzerki Eskolen Eguna (Día de las escuelas de teatro) que organiza EHAZE - Euskal Herriko Antzerkizale Elkartea. El día 10 Markeliñe pondrá en escena Hareazko ipuiñak, en el que un padre tendrá que inventarse Cuentos de Arena para quitar peso a la enfermedad de su hija y que pueda seguir siendo una niña. Los días 14, 15 y 16 tendrá lugar el denominado como “fin de semana de teatro amateur” y el domingo 17 concluirá el festival con el espectáculo para público familiar Eta Zer? II de Dar- Dar Produkzioak.
  • 21. 13 noviembre diciembre Galicia Escena Pro Encuentro con la actualidad escénica gallega N ace Galicia Escena Pro, evento organizado por Agadic, Axencia Galega das Industrias Culturales que recoge el espíritu de la antigua Feira Galega das Artes Escénicas incidiendo en su carácter de mercado de la producción escénica más reciente de Galicia. Galicia Escena Pro tendrá lugar en Santiago de Compostela del 4 al 6 de noviembre, tres jornadas en la que se podrán conocer 22 espectáculos de compañías y artistas gallegos (10 completos y 12 en formato showcase) que se pondrán en escena en el Salón Teatro, Teatro Principal, Fundación SGAE, Auditorio Novagalicia Banco y el Auditorio de la Universidad. La programación de esta primera edición comenzará con Bon appétit de Teatro Ghazafelhos, una obra protagonizada por tres chefs que acercarán los secretos mejor guardados de la cocina gallega a los más pequeños. También dirigidos al público infantil y familiar son los espectáculos que presentan Eme2 Produccións y Boabab Teatro. Los primeros ponen en escena O príncipe e o parrulo, un pequeña que habla de cosas muy grandes representada a través de títeres y O soldadiño de chumbo espectáculo basado en el conocido cuento popular ‘El soldadito de plomo’. La programación de espectáculos para los públicos adultos arranca con Staying alive la vuelta de Matarile Teatro a los escenarios. Dirigida por Ana Vallés, con un elenco compuesto mayoritariamente por intérpretes procedentes del mundo de la danza y Baltasar Patiño a las luces, la obra parte de la máxima del propio título del espectáculo “estamos vivos, seguimos vivos”. Y es que el espectáculo tiene como punto de partida el momento de incertidumbre que vivimos en Europa, sobre todo al sur de ella. Sarabela Teatro llega con A idade de pavia una obra escrita por Arístides Vargas adaptada y dirigida por Ánxeles Cuña Bóveda en la que a través de tres generaciones de mujeres de una misma familia reflexiona sobre los borrosos límites de la soledad. O 30 w w w. a r t e z b l a i . c o m Staying alive ©Manu Lago home almofada de Ilmaquinario Teatro esta basado en el teto de Martin McDonagh, una obra que viaja a una ciudad imaginaria. Allí está siendo interrogada una escritora por una serie de asesinatos. En la celda de al lado está su hermana, una persona con un fuerte trastorno psicológico... David Desola es el autor de A charca inútil, producción de Teatro do Atlántico que versa sobre la búsqueda de la felicidad, la recuperación de los sueños perdidos, la fantasía... a través de la historia de un profesor de educación secundaria. Teatro do Aquí por su parte pone en escena una obra de Roberto Vidal Bolaño, Criaturas, en la que el dramaturgo gallego trae al presente a Frankenstein para reflexionar sobre lo terrible que puede esconderse tras la aparente normalidad. Las cuatro actrices de As do peixe de Abrapalabra Creacións Escénicas dan vida a cuatro mujeres concretas que en realidad representan a miles de trabajadoras anónimas con sus historias humildes, sus vidas comunes, sus modestos sueños y sus pequeñas frustraciones. La propuesta de circo Impreuna de Pistacatro fusiona las técnicas circenses con la danza, el teatro físico y la comedia a través de las vivencias de una troupé de siete artistas. Además de los espectáculos mencionados la programación de Galicia Escena Pro se completa con 12 showcases de otras tantas compañías. Se trata de espectáculos en proceso de creación que tendrán un duración máxima de 20 minutos. Entre otros se podrán conocer los trabajos de compañías como A Artística, TeatronGalileo, Licenciada Sotelo, Talía Teatro o Femme Fatale y se llevará a cabo la presentación del nº 76 de la Revista Galega de Teatro así como una asamblea general de la RGTA.
  • 22. noviembre diciembre 13 VI MITIN y V CENIT en TNT de Sevilla Doble invitación para percibir las nuevas formas creativas L a sexta edición de MITIN que tendrá lugar en el Centro Internacional de Investigación Teatral TNT de Sevilla durante la primera quincena de noviembre con organización de Atalaya-TNT, dedica sus primeros espectáculos al teatro chileno que recuerda los 40 años de la muerte de Allende, Neruda y Jara. Las representaciones arrancan con la puesta en escena de La Reunión de Teatro en el Blanco una pieza en torno a la audiencia que solicita el preso Cristóbal Colón a Isabel la Católica para buscar la absolución, pero en la que aborda cuestiones como las reivindicaciones de los pueblos originarios, el poder de la Iglesia y la oligarquía y la lucha de clases. El espectáculo Las cosas también tienen mamá de La Mona Ilustre presenta a una mujer que regresa a casa tras una larga ausencia y debe enfrentarse a la misteriosa muerte de su padre valiéndose de recuerdos desdibujados, extraños a veces y siempre dolorosos. Entre ambas obras llegadas de Chile se Medea, la extranjera intercala la pieza Posada vivo de los mexicanos Son 4 que rinde homenaje al genial grabador aguascalentense José Guadalupe Posada a través de un vistazo de su vida y del drama singular de un hombre sencillo que definió con sus trazos la mirada del pueblo mexicano del siglo XIX. La obra sirve además para recordar a los numerosos maestros desaparecidos recientemente. Maquina Hamlet, la desgracia de ser consciente de los sevillanos Sennsa Teatro – Nuevo teatro de Investigación dará continuidad a la muestra con una pieza dividida en cinco combates que les permiten componer una experiencia de teatro total: teatro de la inquietud, teatro del pensamiento, teatro experiencial. Con la puesta en escena de La casa de Bernarda Alba de TNT y El Vacie, sus creadores ofrecen una versión gitana de la obra de Lorca ya que está protagonizada por ocho mujeres de esa etnia, al tiempo que homenajean a Marí Luz Navarro, la fallecida ‘abuela loca’ de ese espectáculo. La representación se enmarca en los actos de conmemoración del trigésimo aniversario de la compañía Atalaya, que también ofrecerá una reposición de Medea, la extranjera, el espectáculo más premiado de la compañía y que pondrá el cierre al festival. La pieza cuenta con la encarnación de cuatro Medeas por otras tantas actrices que representan a Medea Tierra, Medea Fuego, Medea Agua y Medea Viento, en una puesta en escena que incorpora textos de Eurípides, Séneca, Apolonio de Rodas, Ovidio, Heiner Müller o Pasolini. El Centro Atalaya-TNT será escenario también de la quinta edición de CENIT-Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales que se desarrollará del 14 al 17 de noviembre bajo el lema de ‘Otro teatro es posible’ y con el objetivo de promover el teatro como indagación artística. El programa de actividades arranca el día 14 con la representación de la obra ganadora de la cuarta edición de CENIT, El mar dulce de la compañía Espacio Espiral, en torno a la figura de Lope de Aguirre. Para la segunda jornada se anuncian las piezas Ovidia de los madrileños La Société de la Mouffette, que muestra la historia de dos gemelos que nacen una con dos corazones y el otro sin ninguno; y Esperpento de red927 de Badalona que lanza un grito y ofrece una posibilidad ante la situación del mundo actual. El primero de los tres espectáculos previstos para la jornada del día 16 será presentado por los gaditanos El pollo campero. Comida para llevar, Sekvantaro, un proceso basado en la selección y atracción de otro individuo con el fin de establecer una relación íntima, mientras que los valencianos Acerometros presentan con Mis Hammer, la historia de un maltrecho hígado y los mallorquines Tshok ofrecen con Parasceve el retrato de una familia, los Skiud, que hacen una foto perfecta de la psicología familiar en tiempos de guerra. En la última jornada Savia Roja acerca desde Granada la pieza Orilla Olvido, en torno a los sueños y anhelos de un hombre y una mujer separados por un mar y los franco-chilenos Evelyn B./ Pitou Strash Company clausuran el programa con Frag # 3, Aproximación a la idea de desconfianza, que busca el verdadero significado del texto, lo que no se dice, el uso de los espacios abiertos no convencionales y un lenguaje escénico multidisciplinario, mostrando a un hombre enterrado y vestido con plástico estirable que nace de la tierra. w w w. a r t e z b l a i . c o m 31
  • 23. 13 noviembre diciembre Experimenta 14 Teatro en Rosario Con el teatro grupal actual C on el objetivo principal de reunir a compañías y grupos de teatro que se caracterizan por desarrollar una labor artística basada en criterios de innovación, de búsqueda y de exigencia estética, el Teatro del Rayo, de Rosario, Argentina, que gestiona el grupo El Rayo Misterioso acoge del 7 al 13 de diciembre una nueva edición, la décimo cuarta, del Festival Experimenta Teatro. En esta ocasión el evento reunirá a compañías e invitados de Argentina, Bélgica, Brasil, Bulgaria, Croacia, Dinamarca, Eslovenia, España, Francia, Perú y República Checa, que participarán en un intenso programa de actividades que contempla tanto representaciones de espectáculos como seminarios, charlasdebates, talleres, desmontajes teatrales, proyecciones, así como encuentros de revistas de teatro, de directores de festivales de teatro y de críticos teatrales. La edición de este año contará con la presencia de Fernando Arrabal que será reconocido con la ‘Orden del Guerrero Teatral’. Las representaciones programadas arrancarán con dos compañías locales dentro del Ciclo de Teatro de Rosario. La compañía La Escalera abrirá el programa con Protocolo ProTzess K, un trabajo protagonizado por el banquero Josef K., que se vale de dudosos mensajeros para tener conocimiento de que su proceso judicial “va mal” y aunque sus deseos de salir a flote le llevan a acepta favores de personas que parecen querer ayudarlo y Los Desconocidos de Siempre, con San Martín Vuelve un pieza que ofrece al espectador la posibilidad de preguntarse sobre otros aspectos de la vida de San Martín, más allá de 32 w w w. a r t e z b l a i . c o m lo meramente biográfico. El grupo belga Collectif Alluvion ASHL presentará Si c’est mon Frère. La pieza sesitúa en Francia, en el año 1972, diez años después del fin de la guerra de Argelia, cuando Franck vuelve a su casa y descubre a su hermano Bertrand, veterano de Argelia que había estado desaparecido. Desde la ciudad brasileña de Recife el grupo Haja Teatro pondrá en escena Medéa – O Evangelho, una adaptación del clásico griego de Eurípides con una Medea cuya felicidad duró poco. La compañía vasca Kabia pondrá en escena Paisaje con Argonautas. En esta representación que se desarrollará en el Centro Cultural Parque España, el espectáculo toma como base el texto de Heiner Müller, un poema enigmático, un puzzle de palabras aparentemente inconexas, un jeroglífico de imágenes que navegan por paisajes de destrucción, de miseria, de esperanzas rotas. Cuatrotablas ofrecerá La Nave de la Memoria. La obra sigue los sucesos de una historia narrada y danzada por los zorros inmemoriales Guamán y Garcilazo, a su vez Grumete y Veedor de ese improbable navío, que escriben a dos manos un libro que multiplica las voces de un pueblo perdido en los laberintos del tiempo. El Grupo Laboratorio de Teatro ‘El Rayo Misterioso’ ofrecerá dos de sus montajes, Dionisos Aut. y Shock Ilión, esta última se retrotrae en el tiempo 3.300 años, cuando una coalición de ejércitos helénicos marchó para asolar la ciudad de Ilión más conocida como Troya. Además de las representaciones teatrales, se desarrollará un intenso programa paralelo en el que se incluye la conferencia que impartirá Fernando Arrabal en torno a ‘Las Noches de Heliogábalo’ y que estará precedida de la entrega al propio escritor y dramaturgo del reconocimiento con la ‘Orden del Guerrero Teatral’ por parte de los organizadores del evento. Con este galardón Arrabal se suma a la lista de premiados por el Grupo ‘El Rayo Misterioso’ a personalidades como Rubens Correa, Roberto Tito Cossa, Renzo Casali, Paco Jiménez, Mario Delgado o Etelvino Vazquez, entre otros. También se incluye como actividad especial el Taller Laboratorio que el director de ARTEZ y crítico teatral Carlos Gil Zamora impartirá con el título de ‘Lectura Física de un Texto Post-Dramático”. También tendrá lugar la presentación del libro ‘El Arte del Actor en el Siglo XX’, escrito por Borja Ruiz y publicado por Artezblai. Otros talleres impartidos por las compañías invitadas, charlas, conferencias, debates, encuentros y proyecciones contarán con la presencia de Nataša Zavolovšek, directora del International Festival of Contemporary Performing Arts de Ljubljana, Eslovenia; Albemar Araujo, director del Festival Recife do Teatro Nacional; Javier Valencia Palomino, director del Festival de Teatro de Máscaras del Tiempo de Arequipa, Perú o de los críticos de teatro Irène SadowskaGuillon y François Guillon, de París y de Petr Christov, de Praga entre otros.
  • 24. noviembre diciembre 13 16a FIra MedIterrÀnIa de Manresa Las culturas mediterráneas E l eje vertebrador de la decimosexta edición de la Fira Mediterrània de Manresa –que tendrá lugar del 7 al 10 de noviembre– es el cruce, el encuentro y el diálogo entre las culturas mediterráneas a través de una vasta programación que incluye un gran espectro de manifestaciones culturales, desde expresiones tradicionales a las más innovadoras, desde la fiesta popular a las creaciones más actuales. 113 propuestas y un total de 232 funciones conforman esta nueva edición en la que la programación musical en todas sus manifestaciones tiene una gran presencia pero tal y como señalan desde la organización “definir la Fira Mediterrània de Manresa como una cita estrictamente musical es un error considerable que hay que enmendar”. Y es que “Mediterrània no tendría razón de ser sin la importante presencia del teatro y la danza” añaden. Nos centraremos por tanto en la programación del teatro y la danza por la imposibilidad de abordar toda la oferta que tiene esta cita en su parte de mercado y actividad profesional, con 85 sesiones de trabajo dedicadas a los gestores de la oferta y la demanda, las jornadas profesionales dedicadas al retorno social de la cultura en la que participarán 23 ponentes o las estrategias más recientes como los “network meetings” y los “speed daing” espacios dedicados especialmente para el contacto entre compradores y vendedores. Las propuestas musicales son a su vez numerosas por lo que solamente se destaca el concierto de inaugural que será a cargo de Jordi Savall, prestigioso músico catalán que estrena en la Fira el programa Mare Nostrum. Diàleg de les músiques otomanes, cristianes i jueves. Como es ya habitual, la vanguardia y la tradición se complementan en las propuestas teatrales y de danza con las que se podrá disfrutar este año con espectáculos procedentes de diversas escenas europeas rapsoda barcelonés Josep Pedrals y Tots som sants de Jordina Biosca y Mauricio Molina dos piezas que tienen como nexo la búsqueda de los orígenes, la performance portátil Excèntric Plàstic de Jordi Rocosa o las grandes estructuras Els bowts de Galiot Teatre. La danza también copa una parte importante de la programación de esta edición. Manta, producción del Centro Coreográfico Nacional de Caen y tras la cual se encuentran la tunecina Héla Fattoumi y el francés Erci Lamoreux es una reflexión sobre el papel de la mujer en el mundo árabe. Mons de Nats Nus es una pieza inspirada en el universo del escritor e ilustrador Jimmy Liao Hela Fattoumi & Eric Lamoureux (Manta) ©L. Philippe y dirigida al público infantil al igual y destinadas a todos los públicos. que Balla-Fira, último espectáculo de Factoría Mascaró que se estrena en el marco de La compañía portuguesas Pia - Projectos de Interenção Artística presenta en la Fira la Fira y que también presentará las cuatro Passagem montaje con el que transforman piezas que conforman el espectáculo La Via Crucis. el espacio público en un escenario para la D_Ruses por su parte presentan 5, una poesía visual y donde convergen el teatro pieza corta creada en residencia en la fáfísico, los zancos y la técnica de la máscara. brica de creación l´Estruch de Sabadell Desde Madrid La Rueda Teatro Social presenta Los Rodríguez: una familia en crisis, y Kukai Dantza llega desde Donostia con Gelajauziak, coreografía firmada por Cesc espectáculo de teatro-foro en el que el púGelabert y gestada en la edición 2011 de la blico asistente podrá modificar el devenir de Fira Mediterrània. El espectáculo ecuestre la obra. Ma bête noire del francés Thomas ChausEspectáculos inspirados o a partir de sebourg, la fusión del baile flamenco y una obras de autores universales como El Barón Rampante de Italo Calvino a cargo de tenora, Temple a cargo de Sònia Sànchez y Taaroa Teatre y Bufa & Sons, la adaptación Jordi Molina, SomDansa es un recorrido por que Salvador Espriu realizó en 1939 del la diversidad lingüística catalana de Esbarts dansaires de Mollet y Festa-3 de Rubí repamito de Sófocles, Antígona de la mano de Associació Cultural Recreativa de Fals y Kasa los bailes festivos de las comarcas del fka i la nina viatgera, basada en la novela Baix Llobregat y el Vallès a través de tres de Jordi Serra i Fabra en una producción coreografías. de Albena Teatre son algunas de las proLa programación se completa con el ciclo puestas teatrales a las que se debe añadir “Emergències” dentro del que se ubican Centaures, dramatización de tres cuentos talentos emergentes y los formatos más de la compañía Iguana Teatre. innovadores. Se trata del recital Catalexi de Sergi Sivent, el espectáculo de nuevo circo Entre los espectáculos de calle se enMañana es Mañana de Cridacompany, Units cuentran las obras Emigranti, de los italianos FaberTeatrer, Poufff, otra propuesta de CollectifPoPs, y Cru, un circo sin artifidirigida al público familiar de los holandeses cios basado en la poesía del movimiento de Lichtbende, Dir-se en cruïlla, del poeta y Fet a mà. w w w. a r t e z b l a i . c o m 33
  • 25. 13 noviembre diciembre Escaparate anual de la escena mexicana más actual A uspiciada por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Instituto Nacional de Bellas Artes de México a través de la Coordinación Nacional de Teatro, la Muestra Nacional de Teatro nació en 1978, tuvo su primera sede en Guanajuato y actualmente se lleva a cabo todos los años de forma itinerante siendo coproducida cada vez junto a una Entidad Federativa distinta. Del 15 al 23 de noviembre se llevará a cabo la 34 edición del MNT en Durango, convirtiéndose en un espacio ideal de representación y presencia del teatro mexicano actual, teniendo como propósito principal promover y asegurar el crecimiento mexicano, consolidarse a nivel nacional e internacional, generar espacios selección de obras de teatro de distintas compañías del país mediante una programación diversa, exposiciones abiertas al público, presentaciones editoriales, venta directa de libros especializados, actividades académicas y de captación de profesionales de las Artes Escénicas que contribuyen a asegurar la presencia y crecimiento de nuevos públicos. La treintena de propuestas El amor de las luciérnagas del programa de representaciode confluencia entre distintas líneas esténes se completa con obras seleccionadas ticas y discursos que propician puntos de por la convocatoria oficial lanzada a inicios convergencia de creadores, críticos, esdel mes de marzo, por la propia Muestra de pecialistas, programadores nacionales e Durango, por invitación institucional y por internacionales. Todo ello a través de la invitación de la dirección artística. T emporada Alta El Més Petit de Tots Orlando La programación del Festival Temporada Alta de Girona iniciada a primeros de octubre continúa a lo largo de noviembre, mes que albergará el grueso de la programación, y finalizará en diciembre con dos funciones, el día 4 con Propeller Theater Company y su A midsummer night´s dream y el 5 con Ivan i els gossos de Pau Carrió /Pol López. Teatre Salt, la Sala La Planeta, Teatre Municipal de Girona, el Centre d´Arts Escèniques Salt, la Factoria Coma Cros y el Teatre Municipal de Girona son los espacios escogidos para dar paso a las más de veinte propuestas que comenzarán en noviembre con La banqueta de Paco Mir, T´estimo, ets perfecte, ja et canviaré de Elisenda Roca y Bienvenido a casa de Roberto Suárez las tres previstas los días 1 y 2 de noviembre en distintos espacios. Después se podrá ver entre otros, Waltz de Voadora, Jo Mai de Iván Morales, Dugne (El baixos fons) de Oskaras Korsunovas, Orlando de Guy Cassiers y un largo etcétera. 34 w w w. a r t e z b l a i . c o m Bach à sable-Théâtre de la La Guimbarde Del 9 al 24 de noviembre se llevará a cabo el Festival El Més Petit de Tots muestra dedicada a las artes escénicas para los más pequeños que surgió en 2005 promovida por los responsables de la LaSala Miguel Hernández de Sabadell. El festival ha crecido y se ha extendido por toda Catalunya, y ya en 2012 participaron cinco teatros más y para la presente edición se une un nuevo espacio. Desde sus inicios esta cita ha tenido una clara vocación internacional aunque también estimula a los creadores y creadores catalanas, tanto es así que cada edición produce un espectáculo y en esta ocasión el creador David Ymbernon se ha encargado de la pieza Latung La la diu que el pes petit és el pes més gran de tots. La programación se completa con 9 montajes más entre los que se encuentran, The light garden de Rachel Davies, Bach à sable de Théàtre de la Guimbarde o PeZes de Ultramarinos de Lucas.
  • 26. 13 noviembre diciembre Apoteósico fin de año en los teatros de Bizkaia U na versión de Fuenteovejuna de la Compañía Antonio Gades da comienzo a la programación de noviembre del Teatro Arriaga de Bilbao; un espectáculo de danza española y flamenca que lejos de ser una traducción de las palabras de Lope de Vega pone sobre el escenario una historia contada a través de la música y la danza. Habrá un segundo espectáculo de danza de la mano de Victor Ullate Ballet que conmemora su veinticindo aniversario con un programa mixto compuesto por cuatro piezas. La programación teatral del Teatro Arriaga arranca con la primera versión en euskara de Hamlet de Artedrama, Dejabu panpin laborategia y Le Petiti Théâtre de Pain (ver en páginas 10 y 11). Otra obra programada en euskara es Lingua Nabajorum de Ez dok hiru al que le sigue Master Class una obra escrita por Terrence McNally quien estuvo en las clases que impartió Maria Callas tras abandonar los escenarios en la Julliard Scholl de Nueva York, historia que se cuenta en esta obra interpretada por la actriz argentina Norma Aleandro. Una nueva producción de un texto fundamental de Rodolf Sirera, El veneno del teatro interpretada por Miguel Ángel Solá y Daniel Freire, una obra que viaja en el tiempo hasta el París de finales del siglo XVIII en la que un extravagante aristócrata pide a un famoso actor de la época que interprete una obra escrita por él sobre la muerte de Sócrates cierra la programación teatral de noviembre. Hécuba, la gran tragedia sobre la venganza jamás escrita abre las propuestas teatrales de diciembre en una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con Concha Velasco como protagonista y bajo la dirección de José Carlos Plaza. Dirigida también por Plaza, El diccionario de Manuel Calzada está protagonizado por Vicky Peña, Lander Iglesias y Helio Pedregal y narra por su parte la vida y obra de María Moliner; una producción de Anadramápete y Teatro de La Abadía. En el ciclo denominado ‘Cuartitos en el escenario’ se podrá disfrutar con el espectáculo de danza Best of you de La Intrusa 36 w w w. a r t e z b l a i . c o m El cielo de los tristes ©Rojobarcelona o lo que es lo mismo Virginia García y Damián Muñoz y con CaBaret Villano un show en tono de cabaret interpretado por Eguzki Zubia y Jorge Santos. En torno a las fechas navideñas son habituales los espectáculos dirigidos al público familiar que este año llegan en forma de musicales, El alma de la melodía: La magia de los grandes musicales en el que artistas y músicos interpretan en directo los temas más populares de los grandes musicales mientras que Geronimo Stilton: El musical del reino de la fantasía narra las peripecias de un ratón periodista. La programación de coliseo bilbaíno incluye además diversas propuestas musicales como Manifestación de Albert Plà entre otras. la FuNdiCiÓN Loscorderos.sc vuelven a la sala La Fundición con El cielo de los tristes - (o la imposibilidad de ser mejor persona) en la que Pablo Molinero y David Climent tratan de dar respuesta a través de su personal estilo de trabajo a preguntas como ¿Quién soy?, ¿Soy lo que deseo?, ¿Qué deseo? aunque tal y como afirman tal vez no es conveniente hacerse esas preguntas o por lo menos contestar la verdad pues puede que no nos guste la respuesta... Este espectáculo llega a La Fundición dentro del ‘Circuito de La Red 2013’ al igual que Paredes de papel de Cia. In/Verso un espectáculo de danza fruto del proyecto sobre la idea efímera de “casa” inspirada por la escritura de Bachelard. Una coreografía de la canadiense Lesley Telford con la casa como universo de la cotidianeidad, como microcosmos, como unidad de imagen y recuerdo. Completa la programación de 2013 La cena, de Iguana Teatre un particular espectáculo en el que es preciso el rol activo del público ya que momentos antes de comenzar la función será el propio público quien ayude a la asignación de personajes
  • 27. noviembre diciembre y un concierto gospel ‘Whitney’s a Happy Days’ tributo a Whitney Houston de Georgia Mass Choir. y crear sus conflictos, selección de la música... una propuesta que coloca al público en una posición singular que conlleva una reflexión sobre como el punto de vista modifica la comprensión de un conflicto. Kultur Leioa Teatro Barakaldo Un programa doble de la autora, intérprete y directora Ester Bellver dará comienzo a la programación de noviembre del Teatro Barakaldo. Las obras que pondrá en escena Rotura Producciones son ProtAgonizo un espectáculo en el que una actriz realiza un ejercicio de memoria a través de los papeles que ha representado a lo largo de su carrera mientras se contempla en el espejo del camerino. Todas a la una por su parte es una obra basada en los textos de Agustín García Calo en la Bellver interpreta una selección de poesías, escenas dramáticas, cuentos y romances de García Calvo. Ron La Lá hará lo propio con Siglo de Oro, Siglo de Ahora (Foliá) en la que una compañía de cómicos de la legua ponen en escena piezas cómicas breves originales y juegan a través de la tradición clásica a criticar el presente en un viaje de ida y vuelta del Siglo de Oro al siglo XXI. Una comedia clásica, Un marido de ida y vuelta de Enrique Jardiel Poncela del grupo Lizarralde y un clásico universal, Otelo de William Shakespeare en versión de Yolanda Pallín, dirección de Eduardo Vasco y producción de Noviembre Teatro en la que se 13 Clinc! reflexiona sobre la manipulación de la naturaleza humana. Los amantes de la danza tendrán dos propuestas: Memorias de una pulga de Sol Picó, en la que la coreógrafa y bailarina ofrece su particular visión sobre la decadencia y la desolación invitando a ver la pérdida como una oportunidad para avanzar en una pieza en la que la fantasía y el absurdo como ejes principales. Dantzaz Konpainia por su parte subirá a los escenarios Arte-an, espectáculo formado por tres piezas ‘Earth apples’ y ‘Flash deluxe’ de Itzik Galili y ‘A place between’ del eslovaco Lukas Timulak. También habrá circo, Maravillas, 16ª Circ d´Hivern de Familia Bolondo Ateneu Popular 9 Barris, un espectáculo que en tono de parodia mezcla estilos y rompe barreras artísticas del mundo del circo. Cierra el programa de este año el ballet La bella durmiente del Russian National Ballet con Irina Adilova y Kirill Safin como bailarines solistas Además de la versión de Hamlet de Artedrama, Dejabu panpin laborategia y Le Petiti Théâtre de Pain y de los dos espectáculos del ciclo Danza a Escena el escenario de Kultur Leioa acogerá una rica programación de teatro y danza como Maridos y mujeres en versión de Àlex Rigola de la conocida obra de Woody Allen producida por Teatro de La Abadía, la particular versión metateatral que la Compañía Barco Pirata de Tempestad de William Shakespeare dirigida por Sergio Peris-Mencheta y el espectáculo de danza compuesto por las piezas Miniaturas y Before we fall de Roser López Espinosa. Dos ciclos especiales: ‘Artes Escénicas para bebés’ con los espectáculos Que sí que no de Drammatico Vegetale – Ravenna Teatro y Kulunka de Teatro Paraíso y ‘Gabonetan Antzerkia’ (Teatro en Navidad) con propuestas dirigidas al público familiar como Charlie, un bello espectáculo de danza de Cía. de Danza Fernando Hurtado, Manoviva, original trabajo de títeres de los italianos Girovago e Rondella, Kapsulak, una serie de canciones y acciones que proclaman la maravilla de la cotidianeidad de la mano de Markeliñe y Samfaina de Colors y Clinc! un canto a la imaginación con increibles pompas de jabón de Companyia Pep Bou. w w w. a r t e z b l a i . c o m 37
  • 28. 13 noviembre diciembre La danza protagoniza la oferta de los teatros de Donostia D iversos estilos de danza de gran entidad y reconocimiento conforman parte de la programación escénica de los dos últimos meses de Donostia. Es el caso de Dantzaz Konpainia que vuelve al Teatro Victoria Eugenia esta vez con Atalak XVIII en la que mostrará el 7 de noviembre una creación especial del coreógrafo y bailarín Asier Zabaleta junto a varias creaciones de algunos de sus miembros mientras que el 18 de diciembre hará lo propio con una creación del también coreógrafo y bailarín guipuzcoano Jon Maya. En el mismo espacio se podrá disfrutar con Cendrillon, de los vecinos Malandain Ballet Biarritz, una adaptación coreógrafica a cargo de Thierry Malandain a la que aporta una visión muy personal y explora ciertos temas por los que siente especial interés desde el respeto a la dramaturgia de ‘Cenicienta’ y la partitura de Prokofiev. Una pieza que es a su vez “el recorrido de una estrella. Una estrella danzante. Malandain nos lleva por el camino de la Realización. El que pasa por la duda, el rechazo, el sufrimiento y la esperanza para llegar por fin a la luz. A través de esta visión, hecha de cenizas y de magia, a ratos trágica, a ratos cómica, se escribe algo universal...” Con Memem (Mari emakume motologikoa) Olaeta Balleta y Oldarra Biarritz realizan un viaje mitológico de la mujer, de la niñez a la madurez en un espectáculo de danza tradicional vasca. La Sala Gazteszena acoge la puesta en escena de Historia de una pulga pieza con la que la coreógrafa y bailarina Sol Picó ofrece su particular visión sobre la decadencia y la desolación en estos tiempos pero con un mensaje esperanzador ya que 38 w w w. a r t e z b l a i . c o m Coppélia toda pérdida es vista como una oportunidad para el ansiado cambio. Amagatall, de La Coja Dansa es un espectáculo de danza dirigido al público familiar en la que dos bailarines acompañados por animaciones en vídeo y música ofrecen una aventura que emprenderán unos padres para encontrar a su hija El reconocido Ballet Nacional de Cuba será el encargado de ofrecer Coppélia en el Kursaal, primer espectáculo que la compañía capitaneada por la gran Alicia Alonso encargó a León Fokín en 1948. Una propuesta transformadora de este gran clásico de Marius Petipa que fue transformada después por la propia Alonso enriqueciendo la coreografía con momentos de gran virtuosismo técnico. En la oferta teatral destaca el nuevo espectáculo de Artedrama, Le Petit Théâtre de Pain y Dejabu panpin laborategia, Hamlet o Última Edición una obra en forma de thriller y en tono de comedia de Pix Producciones. Además de esta producción el Teatro Victoria Eugenia acogerá una nueva puesta en escena de la obra de Juan Mayorga El chico de la última fila a cargo de Teatro Estudio de San Sebastián y la versión que del clásico de Calderón de la Barca El médico de su honra realiza Teatro Corsario. En la casa de cultura de Lugaritz se podrá disfrutar con Calla y come de La Cocina, trabajo reconocido como ‘Mejor Espectáculo de Teatro en la Feria Internacional de Teatro y Danza Huesca 2011’, y Algunas personas buenas un espectáculo lleno de humor de El Pont Flotant. Se prevé además una amplia oferta de teatro amateur y espectáculos dirigidos al publico familiar en diversos escenarios de la ciudad como Otso de Théatre des Chimères, un espectáculo que se pondrá en escena en Gazteszena sobre el lobo y la infancia, sobre los miedos que este animal suscita y como varios lobos se reúnen para conseguir que los más pequeños puedan superar sus temores.
  • 29. 13 noviembre diciembre Impulsar la actividad escénica de los profesionales navarros L a Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas NAPAE ha creado ‘Napae Activa’ proyecto financiado por el Gobierno de Navarra que tal y como detallan sus organizadores ”tiene como objetivo impulsar la programación de espectáculos teatrales de compañías profesionales navarras en los municipios de la Comunidad Foral, así como la realización de acciones innovadoras que estreche las distancias entre el público y el artista”. A través de este proyecto se espera visibilizar a los artistas profesionales en la realidad de las Artes Escénicas de Navarra, propiciar la interrelación de los diferentes agentes del sector, ayudar a las compañías asociadas a NAPAE a la comercialización de su trabajo y procurar una cultura accesible a todos los segmentos de público. Esta iniciativa es un proyecto relevante 40 w w w. a r t e z b l a i . c o m ya que por primera vez los profesionales de las Artes Escénicas navarros, agrupados en la citada asociación, trabajan de manera unánime y conjunta en un proyecto común que beneficia a todas las partes implicadas. La profesionalidad de los miembros de NAPAE no sólo incide en el nivel de calidad de sus espectáculos sino que además como empresas formalmente constituidas contribuyen con sus impuestos a la creación de riqueza en el territorio. El pasado mes de octubre comenzó esta programación que se hace extensiva a más de una veintena de municipios entre los que están Alsasua, Ansoain, Aoiz, Aranguren, Berrioplano, Berriozar, Burlada, Etxarri-Aranatz, Cendea de Galar, Huarte, Lodosa, Irurtzun, Los Arcos, Noáin, Olazti, Puente la Reina, San Adrián, Tafalla, Tudela, Valtierra y Viana. La programación contempla 63 representaciones de los 24 espectáculos distintos que se llevarán a cabo hasta diciembre de manos de los 18 compañías participantes entre los que se encuentran Ditirambo Teatro, Iluna Producciones, La Banda, La caja flotate, La llave maestra, Malas pulgas, Mikel Mikeo, Movimiento No out, Oreka Zirko, Pablo del Mundillo, Pasada las 4, Sergio de Andrés, Solita Intencione, Tdiferencia, XXL Espectáculos, Yarleku y Zirika Zirkus.
  • 30. 13 noviembre diciembre m i s c e á n e a El Montacargas 20 años Tempus-i ©Naroa Photofabrik IX Dantza Zirkuitoa l La novena edición del Circuito de Danza organizado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco llegará a su fin el mes de diciembre. Espacios de distintas localidades de Araba, Bizkaia y Gipuzkoa adheridos al circuito han acogido los trabajos de cerca de 25 compañías, la mayor parte de ellas vascas aunque también de otras partes de la Península Ibérica. Para los meses de noviembre y diciembre, en orden cronológico, la programación contará con las actuaciones de Dantza Konpainia con Arte-an el 8 de noviembre en el Teatro Barakaldo, en ese mismo espacio el 13 de diciembre actuará Anakrusa con Tempus-i, aunque el 29 de noviembre actuarán en el Teatro Arriola de Elorrio. El día 10 de noviembre en el Social Antzokia de Basauri se podrá disfrutar de Auzokoak de Traversée Konpainia y el 11 Kukai acudirá al Lizeo Antzokia de Gernika con Out-in. Los días 13 y el 21 de noviembre el Ballet de Carmen Roche representará en el Teatro Principal de Gasteiz El sueño de una noche de verano. El Coliseo Antzokia de Eibar acogerá la actuación de Carni di prima qualitá de Natxo Montero Danza y los días 15 y el 16 Torrezabal Kultur Etxea de Galdakao será el lugar donde disfrutar con Basura space-spaceko zarama de Krego-Martín Danza. Se podrá ver Bijoux de Marta Carrasco en el Leidor Antzokia de Tolosa el 22 de noviembre y en el Manuel Lekuona de Lasarte-Oria el 23. Buruz behera actuará con Takoiak airean el 26 de diciembre en el Auditorio Txema Blasco de Alegría Dulantzi y Argia dará por concluido el programa con Besta berri en el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz los días 17, 27 y 28 de diciembre. 42 w w w. a r t e z b l a i . c o m El próximo mes de diciembre una de las primeras salas alternativas de Madrid, la que fuera una antigua fábrica de caramelos situada en el distrito de la Latina, El Montacargas, cumplirá 20 años desde su apertura. Por ella han pasado artistas de todas las disciplinas para exhibir sus creaciones más vanguardistas y experimentales. Los actores Aurora Navarro y Manuel Fernández Nieves fueron los artífices de todo, quienes incluso se convirtieron en improvisados albañiles para rehabilitar el espacio. Desde sus inicios El Montacargas ha apostado por el clown acogiendo a los principales artistas y compañías que investigan esta disciplina, de hecho, los últimos 15 años se lleva celebrando el que actualmente responde al nombre de ‘Otoño Clown y Humor’ aunque hasta hace dos años se conocía como el Festival Internacional de Clown. La Compañía Montacargas a finales de noviembre estrenará Arde Soria dirigido nuevamente por Miguel Morillo que contará una historia de conflictos y luchas entre el bien y el mal, entre lo correcto e incorrecto. Además, en noviembre se podrá disfrutar del 1 al 3 de la obra Las cartas de Berlín de la compañía bilbaína Thor, del 7 al 9 de noviembre Distintos grados de locura presentará cuatro micro obras donde se refleja la complejidad del ser humano mientras que los días 3, 10 y 17 Teatro Urgente representará la propuesta para público infantil Cuentos de la luna. Los días 10 y 17 Teatro de sombras de Nicolás Mallo también actuará con A que sabe la luna y el 24 de noviembre y 8 y 25 de diciembre La Pacharola pondrá en escena Nos lo dijo un ruiseñor.
  • 31. 13 noviembre diciembre Josu Montero Luz negra Moscas, arañas, monos, cabrones E dward de Vere, Francis Bacon, Christopher Marlowe, la condesa Pembroke… muchas son las teorías acerca de la verdadera identidad de ese tal William Shakespeare. Y es que aunque el genio es siempre un misterio, cuesta creer que un actor llegado a la capital desde su pueblito –en el que dejó mujer e hijos–, sin educación superior en escuela universitaria alguna, pudiera escribir unas tragedias y unas comedias en las que la utilización del lenguaje para expresar la complejidad de los recovecos del alma humana alcanza cotas pocas veces holladas. Pero es que además los dispersos y escasísimos datos biográficos de que disponemos nos muestran a un empresario ambicioso en lo material, un prestamista usurero, un dramaturgo deseoso de complacer a su público, un hombre conservador, defensor del statu quo, adulador de los poderosos y apologista del poder real, lo que parece congeniar mal con el carácter de alguien capaz de escribir lo que escribió. Está claro que hubo un hombre que escribió todos aquellos dramas; y que al hacerlo, en palabras del adusto crítico Harold Bloom, “inventó lo humano”. Pero es que además fueron 36 obras teatrales –amén de los sonetos– las que escribió en apenas 25 años. Y no sólo las escribió: las montó, las dirigió y muchas las interpretó –¡hizo incluso de Lady Macbeth! Si hacemos caso a los datos ya admitidos, W.S. murió ¡a los 51 años! Para hacernos una idea, nuestro Fénix de los ingenios, Lope de Vega, vivió hasta los 73. El Bardo de Strattford es desde hace muchas décadas omnipresente en los escenarios de todo el mundo; los montajes de sus obras se suceden temporada tras temporada. No son pocos los directores y las compañías especializados en su obra. Pero no sólo se trata de un fenómeno teatral; se han contabilizado 300 óperas basadas en sus obras, y la danza, y el cine… e incluso los musicales de Brodway. Sobre él y sus obras se han escrito cientos de miles de páginas; el volumen de lo por él escrito resultaría ridículo puesto al lado de todo ese infinito torrente dedicado a glosar y estudiar y comentar su obra. ¡Existen más de cien biografías de W.S! El año que ya está aquí se conmemora el 450 aniversario de su nacimiento: 1564 / 2014. La unanimidad nunca es saludable, y sobre W.S. existe unanimidad tanto en el ámbito teatral como en el literario; en demasiadas ocasiones más que fascinación lo que encontramos es seguidismo acrítico, aceptación reverencial del canon establecido, o simple papanatismo. W.S. es un valor que siempre cotiza al alza en el mercado cultural; así que muchos shakespeares son más bien fruto de la falta de curiosidad, de la pereza intelectual o de la satisfecha ignorancia que en no pocas ocasiones campea en el mundo del teatro. A W.S. le conocemos a través de traducciones, y ya sabemos que todo traductor es en cierto modo un traidor, máxime en textos que no nos entran por los ojos sino por las orejas. “Trabajos de amor perdidos” –y es sólo un título– nos suena hasta cacofónico comparado con la fluidez rítmica del original: “Love`s lavours lost”. Quien conoce a W.S. a través del escenario, le conoce regulín, ya que lo que vemos son en mayor o menor medida adaptaciones de sus obras, en las que el director o dramaturgo de turno ha metido la tijera a conciencia. Su obra más breve es “La comedia de los errores”: dos horas peladas; “Otelo”, duraría más de cuatro horas. 44 w w w. a r t e z b l a i . c o m Como es bien sabido, la mayoría de los argumentos de sus obras no son creaciones suyas, sino que tomó de aquí y de allí historias ya existentes: de las comedias latinas de Plauto y Terencio, de las truculentas tragedias de Séneca, de las “Vidas paralelas” de Plutarco, de Suetonio, de crónicas históricas, de leyendas míticas… Personajes como Macbeth o Hamlet son muy anteriores a W.S.; de hecho, por ejemplo, el también dramaturgo isabelino Thomas Kid escribió un “Hamlet” hoy perdido. Kid es autor de la sangrienta “La tragedia española”, en la que expertos filólogos acaban de descubrir amplios añadidos que parecen ser obra del mismísimo W.S. Las tramas argumentales son en nuestro dramaturgo en muchas ocasiones ciertamente enrevesadas y laberínticas, lo que complica mucho la comprensión del lector y más aún la del espectador. Esta complicación llega al extremo en obras como “Cimbelino” –una de sus piezas menos representadas–, de la que algún crítico ha afirmado que es imposible resumir su trama en menos de diez páginas. Pero “Cimbelino” es el extremo, no la excepción. En no pocas ocasiones las historias paralelas que utiliza W.S. como contrapunto de la historia central, acaban desplazando a ésta y robándole protagonismo. Nuestro autor tiende así mismo a utilizar reiterativamente una serie de recursos que previamente le han dado buen resultado; el recurso del teatro dentro del teatro, de la función que se organiza dentro de la obra y que suele servirle para poner inesperadamente un espejo delante de los personajes; o el recurso argumental a los amores imposibles en cadena; o el del personaje disfrazado de otro para ocultar su identidad. En cuanto al tratamiento de los personajes, indicar que en algunas obras hay personajes interesantes que sin embargo desaparecen de golpe, y otros que parecen emerger de la nada porque interesa en un momento dado. A veces W.S. nos ofrece personajes poco consecuentes, lo que afecta a la credibilidad de los mismos; o qué decir del militar Otelo, que tras empezar afirmando que su palabra es ruda y que sólo sabe hablar de hechos guerreros, resulta que es sin embargo uno de los personajes más retóricos y con textos más floridos de W.S. Y sin movernos de la obra, ¿cómo es posible que una mujer tan lista y astuta como Emilia –la esposa del maligno Yago– no se huela ni de lejos el engaño de su marido? Por no hablar de las razones –inexistentes o flojísimas– para que Yago sea tan sumamente cabronazo. Dudas parecidas nos asaltan en no pocas obras de W.S. Y luego está esa demasiado estirada convención, que roza lo inverosímil, del personaje que se disfraza de otro y nadie, ni sus seres más cercanos, se dan cuenta. W.S. se despacha a veces con acotaciones como ésta de “Cuento de invierno”, y se queda tan ancho: tras el monólogo de Antigonus, el dramaturgo indica: “Sale perseguido por un oso”. Y siguiendo con los bichos, en “Como gustéis” no tiene reparo en colocar el ataque de una leona en plena campiña belga, que es donde se desarrolla la comedia. Con respecto al generoso uso de la violencia más sangrienta y gore en muchas de sus obras, hay que decir que no siempre lo exige el guión, es más, a veces es bastante gratuita por explícita; responde al gusto por lo truculento del público isabelino, cuyo ideal de espectáculo consistía en atar a un poste a un animal salvaje y azuzar a unos cuantos perros contra él.
  • 32. noviembre diciembre Vivir para contarlo 13 Virginia Imaz Arqueología de la imaginación E n la última Maratón de cuentos de Guadalajara tuve el placer de escuchar contar al narrador del Reino Unido, Ben Haggarty. Fue una verdadera experiencia “religiosa”. También participó en una mesa redonda con una intervención extremadamente sugerente titulada La arqueología de la imaginación. Este narrador fue allá por 1981 uno de los principales impulsores del movimiento de renacimiento del arte de la narración profesional en Gran Bretaña. Su prestigio es reconocido internacionalmente. Cuenta con un repertorio de más de 300 relatos tradicionales cuidadosamente investigados. Su manera de contar historias posee, en mi opinión, un dinamismo físico y un entusiasmo próximo al trance, que atrapa y seduce. Ben Haggarty fue co-fundador de la cita anual “Más allá del Storytelling Festival Internacional de la Frontera”, probablemente, el festival de cuentos inglés más importante. Es también el coordinador artístico del legendario Crik crack Club, un colectivo internacional de narradores excepcionales. Como narrador afirma no estar preocupado en crear historias “originales”. Para qué tratar de inventar nuevas si todavía no conocemos todas las antiguas. Se trataría, en sus propias palabras de conseguir cierta “sostenibilidad cultural”. Su deseo es demostrar, de palabra y de hecho, que las historias que nuestros antepasados consideraron que eran lo suficientemente valiosas como para confiárnoslas, pueden serlo igualmente para entregárselas a las sucesivas generaciones. El hecho de que la gente pueda disfrutar de escuchar una historia que se remonta a por lo menos hace 5.000 años, amerita por sí solo que la narración oral tenga su lugar entre las artes contemporáneas. Ben Haggarty afirma que la narración tradicional celebra la continuidad cultural y desafía la fragmentación de la modernidad, y reivindica que los actos esenciales de la reconstrucción y renovación que se dan con estas historias poderosas, son de naturaleza genuinamente popular: “La tarea más difícil a la que ha de hacer frente un narrador de historias, en la actualidad, es sin duda conseguir que las historias del pasado contengan un significado válido para las generaciones del presente. Cada relato de un cuento tradicional es un evento improvisado único. Es un arte interpretativo en el que cuenteras y narradores son al mismo tiempo los autores, directores e intérpretes de sus palabras. Mi trabajo es intentar conseguir un momento dinámico de intenso rendimiento, para tratar directamente con todas las energías potenciales y poderosas que existen entre el público, la historia y el narrador. De esta manera puede ser que ocurra “un acontecimiento extraordinario, algo inmediato, mágico y memorable.” Dice estar en contra de los derechos de autor. Está involucrado en una forma de arte interpretativa, re-creacional… Las historias que cuenta pertenecen a todos los seres humanos y la razón por la que han perdurado durante tanto tiempo, algunas de ellas probablemente desde la pre-historia hasta nuestros días, es porque contienen la esencia de la experiencia humana. En su opinión, eso es a lo que los seres humanos respondemos, lo que nos resuena profundamente: la verdad emocional, la autenticidad, la comedia, el horror... o la compasión dentro de una situación. Todo esto siempre nos atañe por lo que siempre es contemporáneo. Si nos gusta escuchar historias es porque nos interesa el universo emocional que late en ellas. El dolor y la pérdida y la alegría de la recuperación, han ocurrido desde antiguo, ya que los seres humanos hemos fraguado vínculos desde que estamos en el mundo... Está interesado por esto en las historias tradicionales, que atraviesan el tiempo y también en la pervivencia del pasado en el presente. Hay cosas que hacemos porque las hacían nuestros antepasados. En la mesa redonda, la hipótesis de partida era responder a la pregunta “¿de dónde vienen las historias?”. Los cuentos tradicionales que narra Ben Haggarty vienen según su hipótesis, probablemente desde la Edad de Piedra, aunque hayamos escuchado “primeras” versiones en Japón y en Irlanda, en la mitología griega o las trincheras de la Primera Guerra Mundial. ¿Cómo funcionaría la narración oral? Cuando un narrador o una cuentera relata una historia con palabras, esas palabras persiguen reproducir el mundo imaginario que tiene en su mente y quien escucha lo completa con sus propias imágenes, de manera que la historia que se cuenta no es nunca la misma que se escucha. En este tránsito la historia se transforma, se metamorfosea. Los cuentos no son sólo palabras son también el imaginario de cada lugar, que es diferente. Incluso el significado ético de una historia puede cambiar de un lugar a otro, aunque la trama sea la misma. Los cuentos viajan en el tiempo y en el espacio. Asocia el movimiento de renovación de la narración oral en el Reino Unido fundamentalmente a la interculturalidad. Además de una hipótesis que relaciona a los primeros recolectores y cazadores del Mesolítico en el Reino Unido con los orígenes de la oralidad allí, es de destacar las reflexiones que realizó, relativas a que los primeros bardos, que tenían que armonizar elementos de su mundo muy diferentes, crearon dos tipos de historias: · Las de fundación, de origen y creación del mundo en las que volvían una y otra vez temas recurrentes como por ejemplo, él de que la “mortalidad” de los seres humanos fue el precio por haber robado el fuego. Y · Las historias de sustento, que explicaban cómo tenían que comportarse los seres humanos con los animales que les proporcionaban el alimento. También crearon poesía ritual con música “antigua” que acompañaba a ambos tipos de historias. Cada historia puede llevarte a otra más antigua y a otra que aún lo es más. Por ejemplo entre los relatos de la saga Artúrica, la leyenda que afirma que sus caballeros están “dormidos” bajo un montículo y que se despertarán para ayudarnos cuando las cosas vayan muy mal. El espacio físico de la leyenda son unas minas de cobre. En una jornada de puertas abiertas estaban trabajando el metal a la manera antigua y cuando el metal alcanzaba una temperatura determinada era “eyaculado” de la piedra. Según la arqueología experimental esto podría ser a lo que se referían con el hecho de sacar la espada de la piedra de la leyenda Artúrica. En el imaginario, como en las excavaciones arqueológicas, cuanto más profundo cavamos, más antigua y esencial es la historia. w w w. a r t e z b l a i . c o m 45
  • 33. 13 noviembre diciembre Jorge Dubatti La máquina idiota de Ricardo Bartís: burocracia y libertad N uestro objetivo es reflexionar sobre un espectáculo de Postdictadura que representa (en el plano de la ficción, del enunciado dramático) la pérdida de la libertad en la maquinaria de la burocracia, y al mismo tiempo funda desde las condiciones de producción teatral (la enunciación teatral como semántica, como acto ético, como tensión entre macropolítica y micropolítica) un espacio de producción de libertad, un territorio de subjetividad alternativa. En el Sportivo Teatral, uno de los espacios más representativos del teatro independiente porteño (ubicado en Thames 1426, en el barrio de Palermo), se presenta La máquina idiota, nueva creación del director Ricardo Bartís, que reúne en escena a 17 actores. A veinticinco años del estreno de Postales argentinas (1988), Bartís ya no necesita presentación. Atesora en su trayectoria de director-dramaturgo algunos de los espectáculos más significativos del teatro nacional de Postdictadura: Punto muerto (1985), Telarañas (1985), La última cinta magnética (1986), Postales argentinas (1988), Hamlet o la guerra de los teatros (1991), Muñeca (1994), El corte (1996), El pecado que no se puede nombrar (1998), Teatro proletario de cámara (2000), La última cinta magnética (2000), Textos por asalto (2002), Donde más duele (2002), De mal en peor (2005), La pesca (2008), El box (2010). En 2011 fue convocado por la Bienal de Venecia entre los siete directores más importantes de la escena mundial contemporánea, junto a Thomas Ostermeier (Alemania), Romeo Castellucci (Italia), Rodrigo García (radicado en España, pero argentino de origen), Jan Lauwers (Bélgica), Jan Fabre (Bélgica) y Calixto Bieito (España). En Venecia presentó un espectáculo breve sobre uno de los siete “pecados capitales” actuales: la burocracia, en el que reelaboró textos de Hamlet. Burocracia y Hamlet vuelven a aparecer en La máquina idiota. Si bien en los comienzos de su carrera Bartís sobresalió como excelente actor (Fando y Lis, 1980; Leonce y Lena, 1981; Real envido, 1983; El hombre de subsuelo, 1984; Pablo, 1987), más tarde se concentró en su tarea de director, aunque sin duda poniendo en juego en ella sus saberes actorales. En La máquina idiota no es la primera vez que Bartís trabaja con tantos actores en escena: hay que recordar sus intervenciones escénicas en Parque Lezama (1983), sobre la caída de la dictadura, y especialmente en Plaza de Mayo (2000), Lo que nos queda, acción contra el pago de la Deuda Externa y el Fondo Monetario Internacional, en la que participaron cien actores. Los intérpretes de La máquina idiota son Fabián Carrasco, Facundo Cardosi, Flor Dyszel, Gustavo Sacconi, Hernán Melazzi, Dana Basso, Luciana Lamoglia, Mariano González, Matías Scarvaci, Martín Kahan, Nicolás Goldschmidt, Lucía Rosso, Pablo Navarro, Rosario Alfaro, Darío Levi, Sebastián Mogordoy y Sol Titiunik. Sin duda, el elenco más numeroso en sus espectáculos de sala. Así resume el equipo del Sportivo la base argumental de La máquina idiota: “Buenos Aires. Cementerio de la Chacarita. Contiguo al muro del Panteón Oficial de la Asociación Argentina de Actores, ha 46 w w w. a r t e z b l a i . c o m ido creciendo –como si de una hiedra se tratase– una mutual anexa de figuras menores del espectáculo. Allí un orden repetido, recurrente los enfila. Proliferan los reclamos y una bruta melancolía plagada de recuerdos sospechosos, de amores crispados los invade. Y sin embargo, el destino ha llamado a escena una vez más. El sindicato ha convocado a los festejos de Octubre”. El título La máquina idiota responde a un sentido plural. “Uno de esos sentidos es la existencia, la existencia maquinal, el funcionamiento burocrático de la vida, y la relación burocrática con la muerte en el sentido de su inexorabilidad, que marca un límite, un tiempo, un horario, que obliga a una hipotética fila para llegar a ese punto”, explica Bartís. “Otra dimensión es el teatro, una maquinaria a veces tonta, que repite sus procedimientos, que se interroga poco sobre su propio funcionamiento, y que también establece un vínculo atontado con la mirada. Tanto arriba como abajo de la escena se produce un fenómeno que no modifica nada y sólo confirma lo ya sabido. Esa mirada es conservadora, lógica, perteneciente al sentido común, que produce una erosión terrible. Se ve también en la política: cómo la repetición sistemática de ciertas tonteras va construyendo una especie de sentido común general tonto. No es ideológico ni político: es sentimental. Adhesiones y des-adhesiones sentimentales a cosas”. “Hacemos una broma a esa burocracia –agrega Bartís– como último eslabón de lo humano: muerto Dios, muertas las revoluciones sociales, el progreso, con su manifestación negativa para el hombre, parece dar paso a este último aspecto de lo humano, lo burocrático, que nos liga. El lugar, el número, la fila, el repetir, ese sistema, último eslabón de unión de lo humano. A los personajes no les sale bien: están maquinalmente metidos en una máquina que no avanza, que parece producir avances pero en realidad está detenida, está inmóvil como la muerte”. Otro de los temas que aparecen en La máquina idiota –constante en la producción de Bartís– es la crítica a un teatro que se sostiene en la representación de un texto previo. Los actores preparan un espectáculo, pero no pueden empezar porque la Asociación todavía no ha hecho llegar los libretos. “Discutimos este tema haciendo el teatro que hacemos –afirma Bartís–. Pensamos que hay posibilidades de crear un tipo de lenguaje, o por lo menos buscarlo, que no viene del texto escrito previo a la escena. El texto sólo puede ser una excusa, un compañero de juego, decía Tadeusz Kantor, y la imagen es muy bella. Un compañero de juego querido, convocado, pero al mismo tiempo sin otra obligación que el desarrollo del juego”. Esto último cuadra con el concepto de Bartís de “teatro de estados”. En oposición a un “teatro de la representación”, Bartís entiende por “teatro de estados” un teatro de cuerpos afectados por el acontecimiento teatral y en el que los actores –en su dinámica con el director– constituyen el centro de la materia poética y la fuente de imaginario. Un teatro cuyo centro es el “relato de actuación”. Según dice Bartís en su libro Cancha con niebla (2003), el secreto del “teatro de estados” es “la aceptación del campo poético de los actores,
  • 34. noviembre diciembre 13 Postales argentinas sus personalidades poéticas, su fuerza asociativa, su erotismo en el trazo, la velocidad en la respuesta, una emotividad profunda y vigorosa. Un espacio reducido, multiplicado por la forma, dos o tres objetos usados como soporte narrativo y el tema del ritmo teatral, que es pura intuición, volátil, indescifrable”. “El problema no está en ‘respetar’ el texto –reflexiona Bartís sobre La máquina idiota–. La literatura es algo maravilloso, una de las últimas cosas que salvan al ser humano del aburrimiento. ¿Cómo no vamos a tener una relación de cariño, de respeto, con aquello de sustantivo que tienen los textos? Pero no creemos que el lenguaje deba derivar de ‘representar’ esos textos. Hay que producir apareamientos en la escena, en el ‘entre’ de la dirección y la actuación. Es ostensible que en los últimos años ha aparecido una dramaturgia de dirección”. El título nombra una burocracia de la vida y del teatro que, paradójicamente, el acontecimiento teatral bartisiano, con la potencia poética de sus 17 actores, cuestiona y desmonta. El espectáculo enuncia y ataca la “máquina idiota” desde la dinámica de su producción y la subjetividad de equipo. Observa Bartís: “Los personajes están atrapados, quieren pasar al Panteón Principal, como todo actor y actriz, aunque sea menor, creen que son una estrella que merecen otro destino. Esto es un problema argentino: todo argentino de ley, especialmente si se circunscribe a la capital, cree que está llamado para un destino mayor. En su fuero íntimo tiene ganas de pasarse de bando. Todos aspiran a pasarse de bando. La broma consiste en que estos actores son bastante parecidos a nosotros: no tienen mucho éxito, no les va particularmente bien, nadie los reconoce, miran los ACE desde el living de su casa”. Como también es constante en el teatro de Bartís, en La máquina idiota aparece el peronismo, y en este caso particularmente la imagen de Eva Perón, “a partir de la tesis de que Evita –señala Bartís– es un personaje de la actuación agenciado por la política. La política ha transformado a la actriz Eva Perón en una dirigente política. Esta actriz, que lleva en su cuerpo los estigmas de la actuación –el deseo, la sexualidad, la fractura del orden imperante, la violencia inherente a la actuación que quiebra el espejo de la realidad–, toma del teatro el simulacro para poder generar en la política la emoción heroica. Se necesita un grado de mitologización, de puesta en escena, para poder producir en las gramáticas sociales ese acontecimiento multiplicador de lo político: la emoción heroica, la pertenencia, la manifestación, en su sentido más pleno”. “Yo no sé cómo hacer para escapar hoy a la ‘máquina idiota’ en sus aspectos más profundos: la existencia, la repetición, la ausencia de aprendizaje, la tontería, que reconozco se manifiesta en mí –piensa el director–. Durante mucho tiempo veía este fenómeno en el mundo, después empecé a verlo en mí, en mi propia repetición, en mi propio funcionamiento. Se dice que uno no puede denunciar la percepción si no tiene una respuesta para ella. Podemos intentarlo en nuestros procedimientos de trabajo con el equipo. ¿Es una situación un poco romántica? No, creemos que aclara mucho las cosas: si las personas no están vinculadas por diferencia de dinero, todo el mundo queda obligado a dar lo mejor de sí. Nadie se puede sentir maltratado. Si no hacés lo que tenés que hacer, alguien te dice: mirá, hacelo, porque estamos todos en el mismo barco. Son acuerdos temporales, por los que durante ese tiempo estamos obligados a pertenecer fuertemente a ese proyecto. No se puede actuar en otra cosa, no se puede dirigir otra cosa, no se puede estar en dos cosas a la vez”. Pactos temporales sin duda profundos, ya que La máquina idiota tomó nada menos que dos años de investigación y ensayos. Comple- tan el equipo creativo de La máquina idiota Vanesa Trosch (fotografía), Adrián Jaime (registro audiovisual), Fabricio Rotella (sonido), Manuel Llosa (dirección musical), Paola Delgado (realización de escenografía y vestuario), Mariano Saba y Clara Seckel (asistencia de dirección). En La máquina idiota está presente Hamlet, la tragedia de William Shakespeare. “Este equipo surgió de un grupo de entrenamiento actoral en 2011 –recuerda Ricardo Bartís–. Tomamos Hamlet como excusa para pensar algunas cosas que la obra de Shakespeare plantea. Sobre todo la vieja tesis que sostiene que es un texto que discute la actuación. La pregunta central es si la actuación no implica una forma de colocarse ante los acontecimientos que llamamos realidad que la tornan más apta, más operativa para detectar la verdad. El arte, la creatividad, el campo imaginario, generan alternativas superadoras a la política. Esa es la tesis que nos guió. La pregunta de Hamlet acerca de ser o no ser es retórica, porque tiene ante sus ojos a su padre muerto y al actor, y ambos son y no son al mismo tiempo. Y son generadores de acción. El muerto le pide que cumpla con una herencia de venganza, el actor desenmascara al tío”. Cuando terminó el taller, agrega Bartís, “nos quedamos con la sensación de que en el entrenamiento habíamos trabajado sobre la condición del actor y la relación con el punto de vista, que superaba lo meramente formal y adquiría un componente emocional sobre lo que estaba en juego en esa energía, en ese flujo entre la escena y el espectador. A insistencia de varios de los actores fuimos al Panteón de Actores en la Chacarita. Fue una experiencia muy fuerte. Ya el grupo de estudio no existía más, porque ya habíamos terminado. Y se armó el equipo de ensayo. Así nació La máquina idiota”. En su visita al Panteón de Actores en la Chacarita, costó que los dejaran entrar (hizo falta una autorización de la Asociación) y lo primero que el cuidador del Panteón les dijo a Bartís y a los actores fue: “Es que estos muertos no son muy queridos”. Cuenta Bartís: “Fue tremendo. Bajamos esa especie de escalinatas Escher del panteón muy conmovidos, muy afectados por el lugar, por el clima”. En La máquina idiota se sugieren los niveles subterráneos del panteón a través de la trampa en el suelo que quedó en el piso del Sportivo después de La pesca (el pozo que conectaba con el Maldonado). A partir de esa visita, nació la idea del ensayo de los actores muertos y un campo de asociaciones ilimitado, que incluye situaciones de gran comicidad, como la del “dos por uno” y la amoladora. Hay dos personajes que conectan con el mundo de los vivos: un mozo enamorado de una de las actrices y el camionero que trae los libretos. “¡Todo el material que dejamos afuera! Por lo menos quedaron al margen dos horas más de material. Por ejemplo, la idea de una hemeroteca de actuación en el subsuelo, una hemeroteca en la que se conservan no pedazos de actores, ni huesos, sino ritmos, energías, intensidades”. Un archivo imposible de la incapturabilidad de la actuación. Todo un homenaje a la singularidad del teatro, a su volatilidad. En un momento de La máquina idiota los actores escuchan en la radio un discurso de Perón, en el que Perón dice “¡Viva el teatro!”. Como en su teatro anterior, en La máquina idiota Bartís inscribe “ecos” de la historia argentina y las tensiones políticas del presente. La máquina idiota, y por extensión el teatro de estados de Ricardo Bartís, afirman un triple gesto político: una visión negativa de la burocracia como último eslabón de lo humano; la configuración del espacio teatral como micropolítica generadora de libertad; la toma de conciencia de que, en su límite micropolítico, el teatro enfrenta a la macropolítica hegemónica, pero no alcanza para producir una alternativa macropolítica emancipadora. w w w. a r t e z b l a i . c o m 47
  • 35. 13 noviembre diciembre Cronicón de Villán... y corte Javier Villán El teatro político y la idea de diversión L os estrenos de teatro suelen ser un acto social y no un cónclave de jueces rigurosos. Desde que acabaron los pateos, todos son parabienes. Pero hay momentos en los que uno percibe que aquello no es la ceremonia del beneplácito, sino un desbordamiento del alma: un estallido. Fue apagarse las luces de la Sala Mirador, al concluir El Rey Tuerto, y sonar la ovación como una explosión de rara inmediatez, como una explosión seca y compacta. Como si las contínuas carcajadas no hubieran sido bastante para liberar el ánimo; como si el constante regocijo de un texto bien armado y una interpretación a medida de lo que el público espera, hubiera tenido cerradas las compuertas de la emoción. Automatismo casi de causa y efecto; automatismo de la emoción y el resorte que la controla. Hablar de teatro político es una redundancia; todo teatro es político: de un color o de otro. Hasta el teatro llamado de evasión es teatro político; enmascara, oculta una realidad, lo cual es una forma de hacer política; como los gobiernos, como los ministro y sus escribas. La cuestión, pues, no es hablar de teatro político como de teatro y contrapoder. Inmediatamente, tras este breve exordio, Erwin Piscator a la palestra; y Alfonso Sastre, posiblemente el mejor autor español de la II mitad del siglo XX español con Buero Vallejo en otro extremo: imposibilismo frente a posibilismo; la gran polémica fratricida en la España imposible de los años 60: Buero versus Sastre. A quienes tomamos partido por las teorías del madrileño, ahora exiliado en Hondarribia, nos condenó la gente, la crítica, los empresarios, los actores…. Y posiblemente nos ha condenado la historia, aunque esta suele demorarse en decir su última, o penúltima, palabra. Piscator fue un imposibilista, o sea un fracasado en términos de equilibrio y de brillo social. Todo ello no impide que sus teorías hayan hecho avanzar, de forma profunda, la evolución del teatro. Elevar la escena privada al nivel de lo histórico es una propuesta muy ambiciosa. Y como le ocurrió a Meyerlhod, precedente o complementario de Picator, puede llevar al suicidio. Un teatro de la revolución no puede financiarse a sí mismo; lo financian, paradójicamente, aquellos contra los que va ese teatro. O sea un contradiós. Pero hay éxitos que llevan el germen del fracaso en su triunfo y fracasos que engendran la sabia de la gloria. Otro contradiós. Política y estructuralmente, el teatro de Piscator está maldito. Como maldito está el teatro de Alfonso Sastre. Hace unos días, dialogando con Ernesto Caballero, director del CDN, mostró su interés por Los hombres y sus sombras, la más compleja obra de la vasta producción sartriana: el Gran Hermano, la gran máquina vigilando las vidas públicas y privadas de los ciudadanos. Nadie podrá reprochar nada a nadie, si esa obra imposible no se pone. Es de otro tiempo venidero, de otra sociedad futurista. Puede que no tan imposible, pues hace pocos años la imprevisible Esperanza Aguirre, entonces presidenta de la Comunidad de Madrid, explotó: “todos estamos vigilados, la gran computadora de Escorial”. O sea el argumento de Los hombres y sus sombras. Yo advertí esa coincidencia “a contraris”. Y la expliqué en un artículo y, naturalmente, se orga- 48 w w w. a r t e z b l a i . c o m nizó el cirio. Titulé: “Alfonso Sastre y Esperanza Aguirre están de acuerdo”. Cosas raras ocurren en la política y el teatro españoles. El Congreso sobre Sastre que yo dirgí en Bellas Artes, los dos tomos de Obras Escogidas, seleccionadas también por mí y publicadas por Jesús Campos, Donde estás Ulalume, dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, lo financió en gran parte y generosamente, la Comunidad de Madrid. Todo esto tiene que ver, aunque no mucho, con El rey tuerto, teatro político, sin duda. Y teatro jocoso. Para El rey tuerto hay que recurrir a Bertold Brecht y su teoría de la diversión, de la juerga escénica: veneno mezclado con miel. Esto es discutible, pues la denuncia por la carcajada corre el riesgo de desactivar el mensaje. La dialéctica de Brecht puede tener sus fisuras; como el distanciamiento, como el didactismo histórico, como la frialdad vehículo de la pasión y el conocimiento. Brecht es imprescindible, pero me hallo más cerca de Peter Weis, lo entiendo mejor. En las primeras líneas de El pequeño organón, Bertold Brecht afirma que el teatro consiste en “representar figuraciones vivas de acontecimientos humanos, ocurridos o inventados, con el fin de divertir”. Brecht parte de un convencimiento previo, o sea que pone el carro delante de los bueyes al afirmar “esto es, en todo caso, lo que damos por supuesto en este escrito”. El subrayado es mío. O sea que Bertold Brecht arranca de un edificio construido y luego trata de encontrar los cimientos de ese edificio. Centrémonos en la teoría de la diversión, eje medular de todo el razonamiento brechtiano. Y aquí entra de lleno el texto, la interpretación, el público y la madre del cordero de El Rey tuerto: la violencia del poder, la vacuidad de los intelectuales, el autoengaño. O sea, los “progres”, de izquierdas o de derechas, que vienen a ser la suplantación del principio activo del cambio verdadero. A la postre, en El rey tuerto, el único que tiene las cosas claras es David, el madero; puesta en marcha su dormida conciencia revolucionaria, no da marcha atrás. Le tienen que frenar, precisamente, quienes le indujeron a ver las cosas de otra manera. El pacifista, al que el madero le reventó el ojo con una pelota de goma, estaba ya tuerto antes; tuerto ideológico, tuerto de la mente. En el fondo, un gilipollas, como la esposa sumisa y beata del pacifismo, como la novia concienciada hasta que se ve frente a un ministro secuestrado. Pobre Davíd engañado por todos. Pero El Rey tuerto cumple a rajatabla las premisas brechtianas de la diversión y es una obra higiénica y acojonante, pura descojonación; es un excelente montaje. Sigamos citando a Brecht: “La función más noble que tiene el teatro es divertir”; “la tarea del teatro, como la de las otras artes, ha consistido siempre en divertir a la gente”; “la catarsis aristotélica, la purificación mediante la piedad y el temor, se festejaba placenteramente y con el especial propósito de divertir. Exigir más al teatro, o concederle más, es proponerle un objetivo inferior al que le es propio”. Las 77 propuestas de El Organón van más o menos por estas lindes y por estas trochas. No es cosa, en un breve artículo, de quitarles autoridad ni de analizarlas una por una.
  • 36. noviembre diciembre Noticias desde los fiordos 13 Víctor Criado Reflexiones surrealistas II U na sociedad que insiste en producir, en ser efectivo, en lograr reducir los costes y aumentar los beneficios. Un sistema educativo que aparca a un lado el intento de comprendernos como seres humanos, de tratar de explicarnos y contarnos la historia de nosotros mismos, más allá de las fechas y los nombres en negrita, las historias. Un teatro que deambula entre lo museístico y una vanguardia difícil de aprehender... Que a veces juega a ser transgresor sin llegar a creérselo del todo. Esto es un diagnóstico reducido y simplista, sin matices pero que sirve para introducir el porqué de nuestra apuesta. Salir cada mañana con el vestuario en la mochila, llegar a un local no convencional, nunca un teatro, para montar los cuatro elementos de la escenografía, unas fluorescentes, dos altavoces y el sencillo vestuario que utilizamos para ofrecer a los chicos y chicas (desde 16 hasta 22 años), un espectáculo que, tomando como punto de partida la vida de una artista íntegra, les muestra algo distinto. Extraño, sorprendente, a veces sin sentido, que les inquieta y a veces asusta, que siempre sorprende. Un viaje que compartimos codo con codo, que nos obliga a estar concentrados duante todo el tiempo que dura la representación, que se debe amoldar al número de espectadores (una horquilla entre 18 y 45), sometiendo el ritmo y las transiciones al tempo que entre todos construimos. Para contarles que se necesita algo más que un planing adecuado, que unas competencias contrastadas a golpe de excel. Que hay un espacio en su cerebro que no respeta mas leyes que las de la propia fantasía, y que se puede jugar sin temor a equivocarse, porque es ahí donde habita lo creativo. A veces nos quedamos a mitad de camino, con la sensación de que nuestro complejo discurso ha atravesado sus cerebros sin apenas dejar poso. Pero en otras ocasiones, en la charla que momentos despues mantenemos con ellos, puedo ver en algunos ojos, una mirada llena de inquietud, preguntas y curiosidad. Perfecto. A veces aplausos, otras se marchan como han venido, con ese tempo adolescente que navega entre la apatía y el salto de canguro. Ayer asistí al estreno de la nueva producción de Unga Klara. Una escenografía que había costado un pastón, bella, muy cuidada por la iluminación. Un buen texto, el público sentado entres gradas que rodean el escenario, un entregado trabajo de los actores, tres, el público en pie al final, champán y algunas palabras del jefe del tinglado, algo muy sueco. Hacer un discurso de valoración positivo... Como actor sentía un poco de envidia, sana pero envidia al fin y al cabo, más que nada por el envoltorio del caramelo: el público sentado y escuchando, las luces y transiciones constantes, el actor dueño y señor del espacio de representación. Como tiene que ser, ¿o no? Siento que nosotros estamos en el frente de guerra, llenos de barro, metralla, miedo y adrenalina a partes iguales, mientras nuestros compañeros son los generales que diseñan la estrategia, limpios y ordenados. ¿Somos todos necesarios? Probablemente. ¿Quién gana las guerras? La cuestión estriba entre elegir, como actor, un público de pago, generalmente de clase media con inquietudes, abonado aquí en Suecia, cercano o ya jubilado, que aplaude cortesmente y se marcha a casa sin haber siquiera arrugado el asiento, o el campo abierto, lleno de todo tipo de peligros, el mayor el escepticismo, la apatía, seguido de la incredulidad y de un pero esto qué es, un público sin domar, sincero, demasiado sincero que diría Nietzsche. No es tarea fácil. A veces finaliza la función y te sientes vacío, otras en cambio sientes que has dado de lleno en el centro de la diana y que lo que haces está lleno de sentido, que puedes casi cambiar el destino de algunos de esos ojos que han descubierto la magia de los cuentos. Si decides el primer público, te haces actor de plantilla, en alguno de los centros de producción que hay diseminados por el país, asumes que la dirección artística va a decidir que roles vas a interpretar y te dispones a actuar por las tardes, dos o tres horas normalmente, y ensayar una nueva obra cinco horas por la mañana. El público como he dicho será generalmente de pago. Los años corren y algunos, o bastantes, de esos actores “en plantilla” se llegan a aburrir tanto que pierden las ganas de subirse a un escenario, se pueden dormir, literal, en el ensayo, y es probable que no te los encuentres en el escenario hasta una semana antes del estreno. Suelen ser poco a poco apartados de los montajes “más arriesgados y comprometidos” y el círculo se cierra con bostezos. El otro público, a trabajar en un Friteater (algo así como teatro libre, interesante la terminología), donde cobras menos y a destiempo, donde nunca puedes ser actor de plantilla, donde te tocará montar y desmontar, además de otros añadidos. Vamos un grupo de teatro normal y corriente, sólo que en sueco. Repertorio con posibilidades de hincarle el diente, abierto a otras ideas y dispuesto a actuar en los lugares mas complejos e imaginables. En la mitad, más o menos, está Unga Klara, con propuestas inasumibles para un Friteater pero compartiendo espacios y públicos imposibles, buscando abrir los cauces por lo cuales discurre el teatro. Con una estructura más sólida, con mayor financiación, aunque sin llegar a ser estable y con el propósito de convertirse en la primera institución teatral a nivel mundial que se dedica en exclusiva a ofrecer teatro de la máxima calidad a esos chicos jóvenes y niños que a veces hacen como que pasaban por allí, pero que muchas, las más, descubren el conejo que hay escondido debajo del sombrero. En medio de ese elenco cuasi estable estoy yo, luchando porque mi dicción resulte comprensible, y aprendiendo a actuar en las distancias cortas, sin red. Descubriendo día a día el modo de llegar al público con una verdad escénica a prueba de apáticos, acercarme a los ojos, y desde ellos al corazón de esos chicos que, como yo a su edad, miran de soslayo todo lo que tiene que ver con eso que nosotros llamamos teatro. Para terminar debo decir que se aprende, y mucho, de lo que significa “actuar” en un espacio no convencional para un público aún menos convencional. Más allá del teatro naturalista, realista, ocultista... más allá de los cabezas de cartel, los nombres, el prestigio y los galones. Si, se aprende mucho. El público más difícil que puede convertirse en tu mejor maestro de actuación. w w w. a r t e z b l a i . c o m 49
  • 37. 13 noviembre diciembre Carlos Be Teatro en Bogotá (I): Francisco Rebollo y el Teatro Varasanta “El talento y la inspiración se agotan si no se nutren a diario con investigación y trabajo” F rancisco Rebollo nos deja dos invitaciones –cortesías, como las llaman en Colombia– para Kilele, la primera obra que veré del Teatro Varasanta y a la que le seguirá, pocos días después, Fragmentos de libertad. Me acompaña mi cicerone en la capital, Arley Ospina Navas, director y autor teatral premiado con quien tendremos el honor de conversar en un futuro próximo, pero ahora volvamos al presente: la sede del Teatro Varasanta se sitúa en el distrito bogotano de Teusaquillo, una casa blanca de dos pisos, con jardín y techo arqueado, de la cual, tal como comprobaré en breve, se sale distinto a como se ha entrado, pues en su interior late el teatro, el teatro del bueno, el gran teatro, el que te hace crecer. Kilele es una obra escrita por Felipe Vergara y dirigida por Fernando Montes que gira en torno a la masacre de Bojayá. En el año 2002, los habitantes de Bellavista se refugiaron en una iglesia para huir del enfrentamiento entre las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC) y los paramilitares de los Autodefensas Unidad de Colombia (AUC) por el control de esta zona del Chocó. Bombardearon la iglesia con pipetas –cilindros de gas repletos con metralla y explosivos– y uno de los proyectiles atravesó el techo del recinto e impactó contra el altar, matando a ciento diecinueve civiles e hiriendo a un centenar más. En el escenario del teatro, la vida y la muerte se debaten entre el olvido y el recuerdo de la mano de los actores Liliana Montaña, Isabel Gaona, Elizabeth Ramírez, Magda Niño, Catalina Medina, Beto Villada, Nelson Camayo, Eduardo Guevara y nuestro estimado Francisco Rebollo, quien también actúa en Fragmentos de libertad, otro ritual elegíaco contra la belicosidad que, desde la irrupción de los españoles en 1492 hasta la actualidad, asola las tierras colombianas como si la llegada de Colón hubiera condenado a los colombianos a convertirse en un pueblo muerto en vida, sepultado bajo un destino plagado de cruces. Eso sí, al final de ambos espectáculos el Teatro Varasanta emite un hálito de esperanza, porque su objetivo principal es diáfano: lograr un mundo mejor. Para Francisco Rebollo, el teatro es algo más que un oficio: es su elección y su forma de vida. Además de actor del Teatro Varasanta, ejerce la docencia en centros como la Academia Superior de las Artes de Bogotá de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la Institución Universitaria Politécnico Grancolombiano y la Universidad El Bosque en las maestrías de Movimiento, Combate escénico y Expresión corporal y vocal. Pregunto a Francisco sobre el estado actual del panorama teatral nacional. “Considero que, por lo menos a nivel de Bogotá –repone–, está en un proceso de fortalecimiento. Hay grupos estables trabajando desde hace varios años de manera constante y rigurosa y, a su vez, contamos con la aparición de nuevos grupos, conformados en gran medida por egresados de los diferentes programas en teatro que están desarrollándose a nivel técnico y universitario. Tenemos además la fortuna de contar con 50 w w w. a r t e z b l a i . c o m Fragmentos de libertad ©Teatro Varasanta varios festivales de teatro que, de una u otra manera, brindan la posibilidad de ver y analizar las tendencias, las exploraciones, las investigaciones en cuanto al hecho escénico y un espacio de intercambio de experiencias, que indudablemente ayudan al fortalecimiento de ese panorama teatral. Sin embargo, pese al aumento de oferta y la continuidad en la programación de las salas con espectáculos durante la mayor parte del año, desafortunadamente también existe un desbalance con la demanda y el público es esquivo a la hora de asistir a los espectáculos, a menos que sean de entrada libre, ¡en cuyo caso sí podemos hablar de asistencias masivas! Dentro de este panorama, el Teatro Varasanta y sus obras juegan un papel importante, pues es un grupo que se ha mantenido trabajando y creando por más de dieciocho años ininterrumpidos. Cuenta también con la fortuna de ser una sala concertada, de modo que tiene un espacio en dónde reunirse, ensayar, entrenar y crear sus obras, y a su vez abrirle las puertas a muchos otros grupos para que muestren su trabajo.” Le inquiero sobre el proceso de ensayos de Kilele y Fragmentos de libertad. “Depende de la forma como estemos montando la obra. La gran mayoría de los trabajos son producto de dramaturgia de actor, que es una forma de creación colectiva en donde cada actor propone una o varias acciones sobre el tema planteado, solucionando todos los elementos de la puesta en escena de su acción y presentándola a los demás como una pequeña obra. Posteriormente se analiza el material, se ven las perspectivas, las posibilidades y la forma como se podría ir desarrollando y articulando el material con las otras propuestas, para finalmente ir armando la obra. Después vienen los ensayos de ensamble y las pasadas para terminar de pulir y construir. Paralelo a esto, está el proceso final de concepción y construcción de escenografía, utilería, vestuario e iluminación, ya que en gran medida depende de lo que vaya surgiendo en las propuestas. Otro tipo de proceso es cuando partimos de un texto escrito. Antes que
  • 38. noviembre diciembre 13 Las Lejanías nada está la selección del texto, que tiene que ver con nuestros inteclases y dé lo mejor de mí, y puede que no le llegue a nadie, que no reses artísticos y personales, expuestos ante el grupo y conversados logre transformarle la vida a nadie o, incluso, que no logre cambiarle para encontrar puntos en común que nos lleven a la propuesta más ni siquiera por un instante la cotidianidad a nadie, pero siempre exisindicada. Después vienen las fases de lectura y análisis del texto, te la posibilidad de que sí lo haga, y con una sola persona en la que de las circunstancias, de los personajes, haga eco algo de lo que yo haga o diga, etcétera, para posteriormente empezar a ya valió la pena. Son luchas individuales, trabajar por escenas hasta tener una esen apariencia infructuosas muchas veces, tructura. El paso siguiente: la repetición pero que van de la mano con una ética y con ella la búsqueda de justificaciones, frente al oficio que escogí y que no sabría de sentido, de propósitos para llenar la hacerlo de otra manera.” estructura y las acciones. Cualquiera que ¿Qué consejo le darías a un joven actor sea la metodología de montaje, siempre que iniciara su carrera? “Que sea consetenemos en cuenta que nuestro encuentro cuente con su decisión, que sepa la respondebe ser de calidad y efectivo. Para ello es sabilidad del oficio que está emprendiendo vital encontrarnos, movernos juntos, entrey que sepa que los buenos resultados son nar, cantar juntos, sintonizarnos en lo que los que vienen del trabajo. Que sepa que el estamos haciendo y en lo que buscamos talento y la inspiración se agotan si no se entre todos, sin olvidar ni obviar el mundo nutren a diario con investigación y trabajo. interior de cada uno, con sus necesidades Que no fundamente su formación actoral y sus búsquedas.” en la noción de la mentira. Que busque la No dudo en compartir con Francisco mis sinceridad y la organicidad para todo lo inquietudes sobre la utilidad del teatro. que haga, y que no repita formulas ni mar¿Para qué sirve, si es que sirve para algo? caciones de manera automática, sino que “Es una pregunta en la que me debato a se entrene en permanecer y reaccionar en Fragmentos de libertad ©Teatro Varasanta mí mismo frente a la respuesta. En ocasioel estado presente. Que actuar no es sines pienso que no sirve para nada porque nónimo de movimiento, ni de sudor, ni de ni siquiera está llegando al público que quisiéramos que llegara, estallidos e histerias emocionales sin control. Que desde la quietud pero en otros momentos o incluso simultáneamente me encuentro se pueden mover también muchas cosas si hay movilidad interior. Y creyendo firmemente que sí tiene utilidad y que, depende de la forma tomando las palabras de Ryzsard Cieslack en su última entrevista como se use, puede llegar a ser una herramienta muy poderosa y sobre el legado de Grotowski, ‘actuamos tanto en la vida que para efectiva para hacer pensar, para recordar ser, para recordar sentir, hacer teatro bastaría dejar de actuar’.” para propiciar sensaciones, para movilizar. Es, por supuesto, una Estimado Francisco, muchas gracias por tus palabras y tu sabiduposición muy personal, pero con el teatro me pasa algo muy similar a ría. En el próximo número seguiremos con más figuras relevantes de lo que me ocurre con la docencia. Puede que yo llegue a un salón de la escena colombiana. w w w. a r t e z b l a i . c o m 51
  • 39. 13 noviembre diciembre Jaime Chabaud Piedra de sacrificio FeLiT 2013 E l martes 1º de octubre arrancó la sexta edición de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de la Ciudad de México que, ya desde hace un par de años, se ha convertido en una importante opción en su tipo en Hispanoamérica. Crear lectores para el teatro y servir a los gremios artísticos, formar a las nuevas generaciones de profesionales, y fomentar la industria editorial mexicana especializada en artes escénicas fueron algunas de las premisas que dieron pié en 2008 al nacimiento de la FeLiT. Al pasar los años se ha transformado también en un lugar de encuentro de artistas y amantes del teatro en un evento que cobra cada vez más la calidad de fiesta a través de actos académicos, presentación de publicaciones y videos, lecturas dramatizadas, talleres, seminarios, un rally y un Jam de dramaturgia, funciones teatrales gratuitas, palomazos de estudiantes, café, comida y, a partir de este año, un reventón con música en vivo que tuvo lugar el viernes 4 de octubre. A esta FeLiT que organizan Universidad Autónoma Metropolitana, el Instituto Nacional de Bellas Artes y la editorial Paso de Gato, se ha sumado desde hace ya tres años la presencia de editoriales de Francia, Finlandia, Alemania, España, Cuba y Argentina, generando una oportunidad única de acercarse a libros casi siempre imposibles de conseguir por el ancestral problema de la distribución. De estos tres últimos países, su presencia es requisito indispensable dado que son aquellos (junto con el nuestro) que más producción editorial poseen en la rama de teatro en nuestra lengua. De España ha venido en los últimos tres años la Librería Yorick no sólo con los libros de Artezblai sino con un ramillete de editoriales. Mismo caso por parte de Libros del Balcón que se ha convertido en muy poco tiempo en la librería más importante de Buenos Aires. En los últimos 20 años en México se sumaron, a la decana Escenología, editoriales como El Milagro, Anónimo Drama, Paso de Gato, Libros de Godot, Libros de La Capilla, Teatro Sin Paredes y alguna más (que ahora olvido); catapultando la producción editorial en nuestro país de forma extraordinaria. La labor de éstas iniciativas civiles y de las instituciones culturales federales y estatales, así como universitarias, arroja cifras muy sorprendentes respecto a lo que al libro teatral se refiere. Poder contemplar toda esta producción editorial reunida (más los títulos extranjeros) en un mismo espacio por un lapso de seis días es un privilegio que no tiene ninguno de los países del continente americano, salvo Argentina. En ninguna librería de la Ciudad de México podrán los lectores encon- 52 w w w. a r t e z b l a i . c o m trar la cantidad y diversidad de materiales teóricos, didácticos y de obras teatrales que tendrá esta VI FeLiT cuya sede es la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque. La VI Feria del Libro Teatral 2013 (FeLiT) estuvo dedicada a la memoria de Mireya Cueto que falleció el pasado 26 de abril, a los 91 años, luego de una vida académica, teatral, literaria e, incluso, política, increíblemente rica y generosa. “El apellido Cueto –ha escrito Marisa Giménez Cacho– es emblemático en el teatro de títeres de nuestro país, pues son ya tres generaciones de dicha familia dedicadas a este arte. Pero la trayectoria de Mireya fue excepcional tanto por su entrega en el desarrollo de la cultura para niños en México, como por el reconocimiento y aprecio que le ganó su trabajo con todos aquellos con quienes colaboró en tantos proyectos de teatro de títeres de diferentes técnicas, guiones de radio y publicaciones para niños”. Desde un documental, “Los juegos y los días” del argentino Jorge Liebster, mesas redondas y presentaciones de publicaciones con sus obras, la presencia de esta titiritera extraordinaria fue parte medular en la FeLiT. Desde muy pequeña abrevó del palpitante movimiento cultural mexicano de los años 30 y en casa de sus padres Germán y Lola ocurrían cosas extraordinarias como la fundación de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios que derivarían en la filiación de esta titiritera al Partido Comunista ya en la década de los 40. Historiadora, maestra, titiritera, literata, Mireya es parte de una apasionada cruzada por la cultura para niños en nuestro país; “por eso construyó infinidad de personajes representados en títeres de todas las tradiciones –apunta Socorro Merlín–, que deben estar en un museo dedicado a ella junto con sus libros, sus textos y sus herramientas de trabajo”. Mañana y pasado mañana aún se puede apreciar su obra Nuestra Raíz, escrita en colaboración con Nadia González Dávila, bajo la dirección de Pablo Cueto en la Sala del CCB a las 13 hrs. La FeLiT se clausuró el 6 de octubre con la participación de editoriales argentinas, españolas, costarricenses, colombianas y cubanas. Es interesante esta presencia porque permiten realmente contar con un amplio mapa de las ediciones especializadas con la oportunidad de adquirir libros que nunca llegarán a las vitrinas de las librerías mexicanas. Para el lector de Artez la invitación queda hecha para que visite la ciudad de México siempre en la primera semana de octubre de cada año para asistir a la FeLiT.
  • 40. noviembre diciembre El método griego 13 María Chatziemmanouil Musical sobre la vida de Mikis Theodorakis en Makronisos F ue uno de los éxitos más grandes de la temporada 2012-2013: El musical “Quién mi vida...”, basado en la vida y la obra del grande Mikis Theodorakis, una de las personas más emblemáticas de la Grecia de los últimos 80 años, por razones tanto artísticas, como políticas. La obra se estrenó el 10 de mayo de 2013 en el Badminton, un enorme espacio teatral –que como su propio nombre indica fue la pista de este deporte durante los Juegos Olímpicos de Atenas (2004)– de una capacidad de 2500 butacas. Ahí se hicieron 20 funciones con las entradas siempre agotadas. Luego, en la gira por todo Grecia, otros 50.000 espectadores, aplaudieron los 28 actores y cantantes además de los 12 músicos que a través de más de 50 canciones del propio Theodorakis contaron la vida del que fue el compositor griego más popular del siglo XX. Cabe destacar de que gran parte de esta música ha sido estrechamente vinculada con la lucha del pueblo griego contra la dictadura de los coroneles (19671974). Y luego, un estreno diferente: En Makrónisos, una isla desierta del mar Egeo, cerca de la costa de Ática, guarida de piratas durante el siglo 12 y lugar de cuarentena para los griegos refugiados de la Guerra en Asia Menor (1922). En la década de 1940 en la isla se construyó un campamento que a partir de 1947 hizo las veces de un campo de concentración y de “reforma nacional” para miles de comunistas, presos políticos y soldados desertores durante la Guerra Civil Griega (1946-1949). El exilio a Makrónisos continuó hasta su eliminación gradual, en 1951-1952. Por estas razones, posteriormente, por decisión de la Ministra de Cultura Melina Mercuri, la isla fue declarada monumento de la era de la Guerra Civil, por lo que ahora la isla y las estructuras del campamento deben ser protegidas. En 2003, Mikis Theodorakis, uno de los exiliados y torturados en esa isla durante la Guerra Civil (durante su exilio ahí nacieron algunas de sus primeras obras) hizo tres conciertos en la isla para rendir homenaje a las víctimas que sufrieron o murieron ahí. El 14 de septiembre 2013, seis mil personas llegaron a la isla con barcos que los trasladaron gratis para asistir a la representación del musical “Quién mi vida...” (el título es un verso de una canción popular de Theodorakis. El verso completo es: “Quién mi vida, quién la persigue”). Algunos de los espectadores fueron víctimas de la dictadura o parientes de gente exiliada en la isla. Tanto para ellos, como para los artistas que participaron en la representación, esa fue una experiencia única e inolvidable. Aris Lempesópulos, el actor que hace el papel de Theodorakis en la obra, dice: “Esta noche viví en el corazón de la tragedia”. Lamentablemente, el mismo Mikis Theodorakis no pudo asistir, por razones de salud (el 29 de julio 2013 cumplió 88 años), pero envió un mensaje grabado que oyó el público antes de la representación: “Este evento es para mí una revancha en el nombre de los que pasaron por la isla en aquellos tiempos”, dijo. Y agregó: “Mientras les hablo, regreso mentalmente al campamento de 1948 y veo el pentagrama con mi Primera Sinfonía, hago un salto en el tiempo y me veo allí pensando que la música que estoy escribiendo ahora, pronto se dispersará por la alambrada, pero llegará un momento en el que sonará triunfadora sobre esas rocas ensangrentadas”. Los espectadores empezaron a llegar a la isla a partir de las seis de la tarde. Fueron “recibidos” por las canciones de Mikis Theodorakis. Los que llegaron antes de la puesta del sol, tuvieron la oportunidad de visitar los monumentos que están ubicados cerca del puerto, como es el Horno de pan, la iglesia al aire libre de San Antonio, y la estatua del Luchador de Makrónisos. Cerca del puerto y frente al Horno se había instalado el escenario. Durante la función el público cantaba emocionado las canciones populares y aplaudía sin parar a los artistas. La función terminó en medianoche, con la canción del título de la obra, cantada por toda la compañía y el público. Al finalizar la representación se emitió un fragmento del documental “El color de la libertad”, donde Mikis Theodorakis cuenta las torturas sufridas durante su exilio en Makrónisos. Para la realización del evento en un lugar donde no hay ni siquiera electricidad, trabajaron 150 personas durante 15 días, se trasladaron generadores, luces y 5000 butacas. Además, colaboraron unos 200 voluntarios, entre ellos miembros de “Médicos sin fronteras” y de la “Cruz Roja”. Un estreno único e inolvidable, lleno de memoria y emoción, así como de la música épica del gran compositor griego. w w w. a r t e z b l a i . c o m 53
  • 41. 13 noviembre diciembre El lado oscuro Jaume Colomer ¿Conseguirá Platea sus objetivos? A primeros de octubre el secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, anunciaba en el Congreso de los Diputados que el Gobierno central destinaba 6 millones de euros para una primera edición del programa Platea con el objetivo de reactivar la circulación de espectáculos de artes escénicas en los espacios de las entidades locales. La propuesta se había formulado al Director General del INAEM en Mercartes 2010 y se pone en marcha cuando llevamos más de un año aplicando un IVA del 21%, medida fiscal que ha colaborado a la pérdida notable de espectadores, a la reducción de ingresos de taquilla y a la destrucción de empleo. Ya antes de la aprobación de la medida, y de forma permanente durante la temporada pasada, hemos advertido al Gobierno que el incremento de fiscalidad era letal para el sector. Los mensajes del gobierno, en boca de los responsables de Hacienda, han sido de desprecio hacia las artes escénicas y, de repente, se sacan de la chistera una partida importante para reactivar las artes escénicas. Aunque tengo dudas sobre las intenciones latentes de esta iniciativa surgida de un gobierno que no apuesta por la cultura, tengo que reconocer que es una medida que puede brindar oportunidades positivas para el sector. El Director General del INAEM, Miguel Angel Recio, cuando presentó la propuesta dijo que el proyecto cumple tres objetivos básicos de la Secretaría de Estado: facilitar el acceso a la cultura, crear empleo y fomentar la creación española. Cubriendo el riesgo de explotación quiere facilitar que los teatros municipales vuelvan a ofrecer una programación diversificada, estable y de calidad. El alcance es significativo: 1.200 representaciones de 200 compañías en 150 teatros municipales. No hay subvenciones, el dinero es para activar la contratación. Me surgen algunas dudas. La primera es a quién hay que dar el dinero público disponible. A veces se da a los creadores, a veces a los productores y en esta ocasión a los exhibidores. La estrategia de Platea se basa en que una mayor capacidad de contratación de los espacios escénicos municipales incentivará la producción y, de forma indirecta, la creación. El dinero se dará a los ayuntamientos, no a los ciudadanos espectadores. No me parece mal que sean los proveedores, como mediadores entre oferta y demanda, quienes administren los fondos públicos. Creo que el programa permitirá conseguir satisfactoriamente el segundo y tercer objetivo expresados por Recio (la creación de empleo y el fomento de la creación) pero tengo mis dudas de si facilitará el acceso a la cultura. Lo de facilitar el acceso a la cultura es una frase bonita, pero vacía. Después de castigar a los espectadores con una reducción 54 w w w. a r t e z b l a i . c o m progresiva de programación en cantidad y calidad durante 3 años, ahora mejoraremos la oferta escénica. Tengo dudas de si hay que centrar aún los recursos públicos en el desarrollo de políticas de oferta. Los especialistas dicen que las políticas de oferta activan la demanda latente pero no crean nueva demanda. Además, las medidas coyunturales como el programa Platea no inciden de forma importante en el consumo de los públicos regulares de los espacios escénicos, tal como concluye María José Quero en sus estudios sobre el valor del compromiso como principal factor de continuidad de consumo. Las políticas de oferta focalizan sus efectos sobre los públicos ocasionales, los que no han generado hábitos de consumo y reaccionan ante las oportunidades de su entorno. Los espectadores ocasionales son muy importantes, pero son reactivos y volverán a desaparecer cuando se vuelva a reducir la oferta por algún motivo. ¡Ya es hora de empezar a desarrollar políticas de demanda! La gestión de públicos es la asignatura pendiente de los espacios escénicos municipales. Desaprovechamos otra gran oportunidad para dar un primer paso estructural. El INAEM podría haber puesto como condición para que los espacios escénicos se puedan adherir al programa la existencia de equipos de gestión profesionales en los que por lo menos una persona de dedique a la gestión de públicos con metodologías y herramientas adecuadas. Podría hacer incentivado políticas de concentración territorial de oferta para generar economías de escala como algunos municipios han empezado a realizar para optimizar sus recursos. Podría haber condicionado que una parte de este dinero se destinara a la programación familiar y escolar, la oferta que mejor desarrolla públicos. Nada de nada. Los únicos objetivos reales son el segundo y el tercero. Los públicos tendrán que esperar a que algún gobierno se de cuenta de que sin ellos la actividad escénica sólo se mantendrá con medidas proteccionistas. Doy mi enhorabuena al Director General del INAEM que ha conseguido recursos para el sector en tiempos adversos. Me alegro por todos los agentes de la cadena de valor: los creadores, los productores, los distribuidores y los exhibidores. Me alegro por todos los que nos encontramos cada dos años en Mercartes para dinamizar el mercado. Pero en esta fiesta de los 6 millones me falta alguien: ¡los públicos! Como no están vertebrados en asociaciones ni federaciones no pueden formular sus demandas, ¡pero alguien podría pensar en ellos! Llevamos muchos años con políticas basadas en el paradigma de la democratización cultural, a pesar de que en nuestra sociedad tecnológica los espectadores empiezan a formar comunidades dispuestas a participar activamente en la gestión de las prácticas escénicas.
  • 42. 13 noviembre diciembre Texto Teatral La última publicación de la colección Textos Teatrales de la editorial Artezblai es la trilogía del dramaturgo catalán Esteve Soler ‘Contra el progreso’, ‘Contra el amor’ y ‘Contra la democracia’. Desde 2008 estas tres obras han sido traducidas a nueve idiomas y casi 50 directores las han llevado a escena en países como Alemania, Inglaterra, Estados Unidos, Francia, Suiza, Venezuela y Chile. La edición de Artezblai se presenta con un prólogo de Jordi Durán I Roldós en el que afirma que esta “Trilogía-espejo refleja las monstruosidades y las siniestras contradicciones de los tiempos que vivimos. En ellas Soler presenta su visión sobre el hombre y el mundo contemporáneo en pequeñas píldoras góticas, siete caramelos por obra rellenos de ácido sulfúrico. Un mundo lóbrego primo lejano del Gran Guiñol y los episodios de ‘The Twilight Zone’; pero también heredero de la palabra de Ionesco o Beckett, el método de Brossa o Calders, la imaginería de Buñuel o la mala leche de Boadella”. Texto Teatral Teoría Teatral Teoría Teatral El dramaturgo andaluz Tomás Afán Muñoz ha ganado el IX Premio de Textos Teatrales Raúl Moreno Fatex convocado por la Federación de Asociaciones de Teatro de Extremadura con ‘Atraccion’. La obra gira en torno a las fantasías actuales y en tono de comedia trata de alumbrar algunos de los rincones más atroces y oscuros de nuestra sociedad. Edition Reichenberger ha publicado ‘De teatro. La preparación del espectador’ de Emilio de Miguel Martínez. Un libro que nace de la seducción que el teatro ejerce sobre el autor a través de rigurosos análisis técnicos. Huyendo de un tono académico el autor ofrece, en forma de ensayo provocación y polémica en torno al hecho teatral. Tras publicarse en alemán en 1999 acaba de ser editado por el CENDEAC ‘Teatro posdramático’ de Hans- Thies Lehmann, un ensayo necesario para comprender las experiencias teatrales hasta esa fecha. Una aproximación abierta en la que se estudia y reflexiona en forma de diagnóstico de lo teatral en la era de la cultura mediática y electrónica. Kiosko Paso de Gato El número 54 de la Revista Mexicana de Teatro ‘Paso de Gato’ abre sus casi 140 páginas con una entrevista con Édgar Ceballos, fundador y director de la editorial Escenología, inmerso en la actualidad en la preparación de una edición sobre la historia del teatro mexicano del siglo XX. Le acompañan varios artículos en homenaje a Ceballos escritos para la ocasión o recuperados de hemeroteca como los de Carlos Gil Zamora, Eugenio Barba, Ricard Salvat y Yalma Porras. Este número incluye además un extenso dossier bajo el título ‘Mercado laboral: iberoamérica’ que se recogen diversos artículos de opinión de representantes de la escena de varios países como Gabriela Halac de Argentina, Amalá Saint-Pierre de Chile, Gabriel Peveroni de Uruguay, Roberto Valecillos de Venezuela, Lucero Millán de Nicaragua o Antonio Zúñiga y Gabriel Yépez de México. Junto a las secciones habituales, destaca en este número la publicación del texto teatral “Jacinto y Nicolas” de Camila Villegas. 56 w w w. a r t e z b l a i . c o m ADE Teatro ‘ADE Teatro’ incluye dos textos teatrales, ambas parodias operísticas, en su número 147: “Lorenzín o El camarero del cine” de Salvador Mª Granés y “Traviata o La morena de las clavellinas” de José Tamayo. El tema central de este número es ‘Verdi y Wagner en la escena’, sobre el que disertan una veintena de especialistas desde diversos puntos de vista. Encuentro ‘Encuentro’ da nombre e la Revista de Teatro Costarricene que publica el Teatro Popular Melico Salazar. Tal y como afirma en la editorial de su segundo número la directora del teatro, Marielos Fonseca esta publicación quiere plasmar parte de la historia teatral de Costa Rica a través del recuento de todo lo ocurrido en el Encuentro Nacional de Teatro. Conjunto La revista de teatro latinoamericano ‘Conjunto’ que edita Casa de las Américas de La Habana y dirige Vivián Martínez da cuenta en su número 187 (correspondiente a abril-junio de 2013) con diversos artículos y reportajes sobre la actualidad escénica y el texto teatral “La audiencia de los confines. Primer ensayo sobre la memoria” de Jorgelina Cerritos.
  • 43. 13 noviembre diciembre II Festival Internacional De Teatro Dialog-Wrocław Inspirado en la violencia que hace girar al mundo D el 11 al 18 de Octubre ha tenido lugar en Wrocław, capital polaca de la baja silesia, la séptima edición del festival internacional de teatro Dialog-Wrocław. El festival, con frecuencia bianual, y uno de los más importantes de Polonia, ha tenido como lema y eje vertebrador de su discurso “la violencia que hace girar al mundo” y ha acogido durante una semana a dieciséis producciones elaboradas por catorce directores procedentes de ocho países: Alemania, España, Estonia, Hungría, México, Polonia, Ruanda y Sudáfrica, que se han realizado en diez espacios para la muestra de sus propuestas escénicas. El festival se puede dividir temáticamente bajo las diferentes manifestaciones de la violencia propuestas por los distintos directores, englobando ésta categorización tanto a los espectáculos en sí mismos, como a los debates posteriores que tuvieron lugar en torno a los mismos. Además se realizaron diversas charlas como una conferencia a cargo del psicólogo Philip Zimbardo, sobre las relaciones entre el bien y el mal en la cultura contemporánea. También tuvo lugar un encuentro entre cuatro directores polacos de renombre (Paweł Łysak, director del Teatr Polski de Bydgoszcz, Piotr Gruszczyński, dramaturgo de Warlikowski en el Nowy Teatr de Varsovia, Piotr Sieklucki, director del Teatr Nowy en Cracovia y Anna Augustynowicz, directora artística del Teatr Współczesny en Szczecin), con la figura del diálogo entre el teatro y la sociedad polaca, en búsqueda de una respuesta a la pregunta: ¿qué es el teatro polaco contemporáneo?. El cierre a la serie de conferencias y encuentros trató de “Una Polonia de camisas pardas”, haciendo referencia a la naturaleza de las relaciones de la sociedad polaca actual, intentando entender por qué poco a poco la sociedad polaca está siendo testigo de la desintegración de su tejido social. 58 w w w. a r t e z b l a i . c o m Wojtek Klemm e interpretada por Teatr Współczesny de Szczecin (Polonia), fueron los dos espectáculos enmarcados dentro de la denominación “El poder contra la violencia”. Las dos historias tratan la relación entre violencia y poder, marcadas ambas propuestas por las diferentes perspectivas culturales adoptadas por sus directores. Homayun GhaniMacabra Dolorosa ©Aleksandra Burska zadeh, utilizó en su AntígoEste panel de debate tuvo lugar bajo fuerna, realizada en tono de comedia, elementes medidas de seguridad ante la previsión tos de la mitología iraní, como el hecho de de altercados con grupos nacionalistas de que el universo es un huevo y que la tierra extrema derecha, Zygmunt Bauman, socióes el centro de ese huevo. Los huevos tielogo, filósofo y ensayista polaco inicialmennen gran protagonismo en la estructura te declinó la invitación al evento debido a del espectáculo y fueron objeto de censura los altercados que había sufrido con antecuando se produjo su representación en rioridad a manos de grupos nacionalistas territorio Iraní. en una conferencia en Varsovia, Zygmunt En la propuesta de La tempestad de Bauman finalmente asistió al evento, bajo Wojtek Kleem, la representación, presidida importantes medidas de seguridad. por un retrato gigante del rey, se desarrolla Johan Simons, director holandés afincado bajo un ritmo feroz, en referencia al estaen Alemania, y desde 2010, director artístido de la sociedad actual en la que vivimos, co de la compañía Münchner Kammerspiedando especial atención al tratamiento de le de Munich, combinó las tres obras de las mujeres como objetos. Sarah Kane, Cleansed (Purificados), Crave La rebelión contra la violencia fue pro(Ansia) y Psychosis 4.48 (Psicosis 4.48) tagonizada por mujeres, en este caso por en forma de tríptico, según las palabras del Angélica Liddell y Agata Duda-Gracz que director “bajo la estructura de una partitupresentaron las piezas Yo no soy bonita ra musical”. Este tríptico se estructuró con dirigida e interpretada por Angélica Liddell una primera parte (Cleansed) en la que se (Atra Bilis Teatro, España) y Yo, Pierre Rimantuvo la estructura dramática de persoviere, habiendo asesinado a mi madre, mi najes, dando paso a una segunda (Crave) padre, mis hermanas, mi hermano y todos donde los personajes gradualmente van mis vecinos… dirigida por Agata Dudadesapareciendo, hasta que sólo queda el Gracz e interpretada por Teatr Muzyczny lenguaje, y finalizando con una última parte Capitol (Polonia). (Psychosis 4.48) en la que la música, intuiSiendo las dos piezas de corte muy dida en las dos partes anteriores mediante la ferentes, una escenografía reducida, con utilización del lenguaje, aparece finalmente una sola actriz en el escenario en el caso en el escenario en forma de sexteto de múde Yo no soy bonita de Angélica Liddell, y sica clásica. un gran despliegue de medios técnicos y Antígona dirigida por Homayun Ghanizaaudiovisuales en el caso del musical Yo, deh e interpretada por Teatro R.A.A.A.M. Pierre Riviere,… de Agata Duda-Gracz, (Estonia) y La Vida es sueño dirigida por ambas piezas tienen como nexo común el
  • 44. noviembre diciembre tratamiento de la violencia desde el punto de vista de la pérdida de la inocencia. Este es un tratamiento muy personal en el caso la propuesta de Angélica Liddell, que con una escenografía minimalista, compuesta por unas colchonetas, la estructura de madera de una cama, unos libros, un pastel de cumpleaños, una silla, unas cervezas, una cómoda, un ramo de flores, un montón de tierra, una liebre disecada, un caballo, y una pantalla de video, construye un universo en el que la pérdida de la inocencia es algo tan doloroso que traspasa la piel de los espectadores. En el caso de la propuesta de Agata Duda-Gracz, la perdida de la inocencia se desarrolla en medio de un carnaval de muertos, que rescatados de la morgue asisten, en un delirante desfile a un juicio en el que cuentan su versión de la historia, entre números musicales. En la versión oficial de los hechos Pierre Riviere asesinó en 1835 a su madre, a su hermana y a su hermano, en la propuesta de Agata Duda-Gracz el asesinato se extiende a toda su familia y al pueblo al completo de Aunay. Entre las propuestas Canción de Lear (Song of Lear) dirigida por Grzegorz Bral e interpretada por Teatr Pieśń Kozła (Polonia) y Rey Lear dirigida por Johan Simons e interpretada por Münchner Kammerspiele (Alemania), el punto de unión es el texto de Shakespeare y la oposición de la figura de la autoridad. El texto es fielmente representado en el caso de Johan Simons, en el que la acción por el contrario es trasladada a una familia de ricos campesinos, siendo su rey Lear un rico cabeza de familia con complejo de autoridad. En el caso del Lear de Pieśń Kozła y Grzegorz Bral, el texto deja paso a una serie de imágenes que se construyen a través de la música y del canto, que envuelve la sala dando lugar a una experiencia sensorial. La violencia contra el otro, fue uno de los puntos fuertes del festival, en el que la exhibición Exhibit B dirigida por Breet Bailey e interpretada por Third World Bunfight (Sudáfrica) enfrentó a sus asistentes a la experiencia de los Zoos humanos de las épocas colonialistas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. En el caso de Exhibit B, al colonialismo francés y belga de los territorios africanos del Congo Belga (hoy república democrática del Congo) y la República del Congo (Congo Brazzaville). En Exhibit B la entrada del público a la ex- 13 posición se realizaba en pequeños grupos que debían esperar quietos y numerados a que se les diera entrada en la sala, en ese momento el espectador-observador de las atrocidades coloniales mostradas en la exposición, pasaba a convertirse en el ser observado por los actores, que parte de la representación poética de las atrocidades realizadas por los países colonialistas sobre los territorios colonizados (África, en este caso), inmóviles, seguían al paseante con la mirada. En el caso de Cleansed dirigida por Krzysztof Warlikowski e interpretada por Teatr Rozmaitości de Varsovia (Polonia), se produjo la confrontación de la recepción de la pieza doce años después de su estreno, en 2001, la pieza se ha convertido con el tiem- pretada por Lagartijas Tiradas al Sol (México), trata sobre los grupos guerrilleros en Méjico, tomando como hilo conductor la trayectoria vital de Margarita Urías a través de la cual nos adentramos en la historia de la guerrilla y de la represión institucional en México en su historia reciente. En la representación del Amor contra la Violencia, nos encontramos ante tres obras que hablan a través del exceso, del exceso de las relaciones familiares en la tormenta (con 15 toneladas de arena) de La Tempestad dirigida por Maja Kleczewska e interpretada por Teatr Polski de Bydgoszczy (Polonia), del exceso de celo en el amor de una madre y de su tratamiento mediático en el infanticidio de Macabra Dolorosa dirigida por Paweł Szarek e interpretada por Katarzyna Chlebny, Teatr Nowy de Cracovia (Polonia), y en el exceso en los momentos de crisis mostrados en la pieza Cabaret Varsovia dirigida por Krzysztof Warlikowski e interpretada por Nowy Teatr de Varsovia (Polonia), Cabaret Varsovia nos sitúa en dos momentos muy concretos de nuestra historia, como son: el periodo de la república de Weimar en la cual los Nazis gradualmente iban tomando el poder y el momento actual tras los sucesos del 11 de Septiembre, en el que la sociedad ha entrado en una crisis profunda de valores. La jornada de cierre del festival se inició con El salón de Uli©Marcin Oliva Soto ses (Ulysses’ Living Room) pieza po en una obra de culto que mantiene toda dirigida por Gábor Goda e interpretada por su carga poética, en la que la luz, la música Artus Company (Hungría), un espectáculo y la escenografía junto con el trabajo de los de gran carga poética y visual, en el que el actores, genera un efecto poético de bellepúblico quedaba embebido en la propuesta za que atraviesa el dolor expresado en el escénica. texto. La pieza mantiene su carga poética Y culminó con la pieza ¡Whoopee, estapero la recepción de la misma ha cambiado mos vivos!, dirigida por Krystyna Meissner, con los años, pasando de una lectura polítidirectora del festival e interpretada por el ca en su recepción, en la Polonia del 2001, Wrocławski Teatr Współczesny (Polonia). a una lectura estética sin carga política, Esta pieza, inspirada en la novela de Gadoce años después. briel García Márquez El amor en los tiempos El Monumento dirigida por Jennifer Herdel cólera nos enfrenta a las personas conszman Capraru e interpretada por Teatro finadas en una residencia de ancianos, que Isôko (Ruanda), trata sobre el genocidio en intentan recuperar la dignidad, el derecho Ruanda y está basado en el texto del mismo a amar y a expresarse en una sociedad que nombre del dramaturgo Colleen Wagner soya no los considera más útiles. bre el genocidio en Bosnia, en esta obra se Es de remarcar la respuesta activa del hace una trasposición del texto que aplica público, tanto en los espectáculos como en perfectamente a la situación del genocidio los encuentros y conferencias, tanto en su en Ruanda, donde una madre busca el demostración de aceptación, como en la de cuerpo desaparecido de su hija. repulsa. La pieza El Rumor del Incendio dirigida Maite Tarazona por Gabino Rodríguez y Luisa Prado e interw w w. a r t e z b l a i . c o m 59
  • 45. 13 noviembre diciembre XXXI Festival Théâtre - Les Translatines - Baiona-Biarritz Con unos buenos principios son más fáciles los finales felices H ay veces que al hacer un acto mecánico, como es poner en números romanos los festivales realizados, se siente el peso de la historia. Es decir en Baiona, hace más de treinta años que existe un festival de teatro dedicado a dar a conocer el teatro latinoamericano. Y en la biografía propia, resulta que es en este festival donde he compartido noches, experiencias, debates y disfrutado de las obras de los más grandes creadores latinoamericanos de nuestros tiempos. Y lo mejor es que pese a los recortes, al tener que convertirlo en bienal, o quizás por ello, la edición recién terminada, nos devolvió sensaciones sobre la propia formulación de lo que es o debería ser hoy un festival. Y en Baiona pudimos departir, debatir, soñar, con creadores y creadoras que tienen ese tiempo preciso para ganarlo en un lugar de encuentro donde comer, beber, debatir, bailar. Y no hablo de frivolidades sino de características que le dan personalidad y lo hacen más humano. Más teatral. Es decir que mantener en unos principios básicos ayuda que casi todos los finales sean felices o al menos recordables. Si la parte de atención a la prensa, relación entre todos los participantes y las actividades complementarias, vermús críticos, lecturas dramatizadas de textos latinoamericanos recién traducidos, conferencias y los debates calientes tras las funciones sigue siendo magnífica, con esa presencia constante de una veintena de estudiantes de bachillerato artístico, teatral, participando en los debates, aplaudiendo en las representaciones, tomando clases mientras los periodistas trabajan le confieren personalidad, es la 60 w w w. a r t e z b l a i . c o m sentaciones que nos invitan al optimismo. Repasamos lo presenciado, y nuestro primer encuentro no fue muy satisfactorio, porque vimos Trinidad, que parte de ‘Informe para nadie’ de Juan Radrigán, presentado por Théâtre au Vent, donde unos personajes muy desdibujados se encuentran en un espacio casi lunar, como después del fin del mundo, se van descubriendo unas relaciones violentas, Sara dice ©Guy Labadens corruptas. Quizás la excesiva oscuridad y la propia propuesta interpretativa nos impidieran penetrar en lo planteado, ya que se nos fue quedando como algo retórico, sobreactuado, sin apenas solidez. Los colombianos de Petra Teatro llegaron con dos de sus montajes, el que pudimos ver, Sara dice, y El vientre de la ballena, ambos de Fabio Rubiano Orjuela que además las dirige. En Sara dice, que sucede en algún lugar del globo, alguien por encima de la ciudadanía ha decidido un plan especial, en el que cada cien días una familia debe aportar una víctima y otra familia un victimario. Lo marca “La Norma”, y así se debe cumplir. Por lo tanto en las familias se crean tensiones, ¿quién elegir para uno u otro rol? Este es el punto de partida de esta obra que nos sitúa ante el abismo humano y ciudadano. Con unos personajes que nos llevan por todos los bordes de lo políticamente Quartier Kaléidoscope ©Guy Labadens correcto. Unos esperpentos que en ocasiones parecen parodias de un realismo programación la que define mejor las inmágico posmoderno, pero que conforme tenciones, y este año centrada en Colombia avanza el desarrollo de la trama, nos han y Ecuador, con una presencia a modo de convertido en cómplices silentes de un aseguinda del Hamlet de Teatro de los Andes, se puede considerar que ha sido una sesinato planificado. lección variada, muy rica y que ha contado Si lo miramos desde otra óptica, esta nacon una presencia de público en las reprerración realizada por un retrasado mental
  • 46. noviembre diciembre 13 El autor intelectual irreversible, esta ritualización del asesinato como un asunto social y colectivo, ¿no es una metáfora de Colombia? Una metáfora, extensible a tantos lugares del planeta en donde la violencia forma parte de lo habitual. En donde el deterioro de todo lo que venga de cualquier vestigio de humanismo parece totalmente laminado por un instinto de supervivencia que lo corrompe todo. Y además con acomodo institucional, “La Norma”. Una de las compañías emergentes del último teatro colombiano, La Maldita Vanidad, llegó con dos espectáculos. El autor intelectual y Los autores materiales, escritas y dirigidas por Jorge Hugo Marín. Los protagonistas están ausentes. Son dos muertos. Dos muertes violentas. Uno de ellos con violencia explícita, directa, la otra con una violencia estructural, por dejación. En ambos casos, la compañía colombiana realiza un trabajo de naturalismo, o quizás de un realismo extremo. Todo lo que vemos es reconocible, se asemeja mucho a la realidad, pero de tan próximo a ella, parece que se trata de algo caducado. Sí, sucede, es teatro vivo, pero sus claves forman parte de otros tiempos, de otros estilos, de otros géneros. Suceden en lugares tan reconocibles, tan cercanos, pero con acciones que forman parte de algo asimilable, que se convierten en excepcionales. Es un tratamiento del realismo que contiene cargas de profundidad, y que requiere de unas actuaciones que asimilen estas claves de relación con los públicos. Y lo que queda claro es que el equipo actoral comparte esta presencia, esta capacidad de transmitir con el cuerpo, con el silencio o con la acción todo aquello que no lleva explícito el texto. La otra presencia colombiana fue de un grupo legendario, histórico, de los que han ido creando un tejido social, artístico, cultural y político, el Colectivo Matacandelas, que llegaba con Las danzas privadas de Jorge Holguín Uribe, un homenaje a este talentoso bailarín colombiano que murió de sida con treinta y seis años. Y lo hizo lejos de Colombia. A partir de un diario del propio Holguín y otros textos, incluyendo alguna intervención grabada del homenajeado, se teje un espectáculo que formalmente tiene un valor de fusión, que intenta incorporar al lenguaje habitual de Matacandelas, detalles de la memoria artística de Holguín, un coreógrafo moderno. Es en esta fusión estética, de lenguajes escénicos donde creemos que no acaba de cuajar la propuesta. En ese cruce entre la memoria, el diario, y los datos del entorno más objetivos, se va prefigurando un personaje que parece irreal, cuando se trata de alguien que se entregó a su pasión, a su oficio. Tiene empaque, ambición teatral, pero se nos fue yendo de las manos conforme se iba enredando en un laberinto narrativo muy poco conciso. Sigue siendo un buen proyecto, hay rasgos de lenguajes identitarios de Matacandelas majestuosos, pero en esta ocasión nos fue desinteresando su desarrollo. Vimos a Carlos Gallegos de Teatro de la Vuelta, en un alarde interpretativo y capacidad para estrenar en francés un texto creado y pensado en castellano. Quartier Kaléidoscope, escrito y dirigido por el propio artista ecuatoriano, dejó una sensación de descubrimiento de un gran creador teatral. Iluminó la escena con su gestualidad controlada ya que no se mueve de su silla,. Un acontecimiento. Su personaje Alfonsito es glorioso y nos llena de vitalidad. Carlos Gil Zamora w w w. a r t e z b l a i . c o m 61
  • 47. 13 noviembre diciembre XXVIII Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz El amor de las luciernagas ©Manuel Fernández Una edición compensada E l primer acto del festival en el Ayuntamiento de la ciudad con la presencia de las autoridades para hacer entrega del XIV Premio FIT de Cádiz Atahualpa del Cioppo 2013 a la artista de reconocimiento universal, nacida en Cuba, Alicia Alonso que llegó con Ballet Nacional de Cuba que puso en escena Coppelia con casi un centenar de componentes minimizaron el enorme escenario del Falla con un estilo depurado en la expresividad. La conocida historia de Coppelia, que significó el apoteosis artístico y de publico en un comienzo memorable para el FIT. Dentro del Falla, pero en la sala noble situada en la parte superior del foyer, la compañía colombiana La Maldita Vanidad puso en escena Cómo quieres que te quiera de Jorge Hugo Martín. Esta pieza completa la trilogía acerca de la familia. Las otras dos obras –Los autores materiales y El autor intelectual– se pudieron presenciar en la 27 edición del FIT. La presente pieza aborda la aparente opulencia y falsedad de una familia marcada por la ausencia del padre. La historia recoge los preparativos para la celebración de una fiesta en honor de la hija que, al cumplir los 15 años, pasa de niña a mujer. La hija caprichosa y maleducada, la madre histérica, un hermano narco, y unos personajes al servicio y pomposidad de la fiesta ensayan cada movimiento, cada detalle para dar gusto a una madre poderosa por el dinero, a una niña malcriada con signos de imbecilidad y a un hermano capaz de cualquier cosa porque es el trasunto del 62 w w w. a r t e z b l a i . c o m padre encarcelado. En El Régimen del Pienso , La Zaranda da un giro de tuerca al garrote vil para ahogar el aliento del público. Con los mínimos elementos escénicos, cuatro estanterías metálicas, un montón de archivadores viejos, cuatro flexos comunes y unos cables que cuelgan en el proscenio durante toda la función, los cuatro actores dan vida a una historia que machaca el ánimo del espectador. Las pocilgas, metáfora de una población sometida que si no se le da el pienso suficiente se muere y si se le da en exceso se suicida, es el punto de partida para recrear una simulación de la que se pueda concluir las causas de la mortalidad. Forenses, oficinistas, cerdos y payasos se entrecruzan en la recreación donde el ser humano sufre la indefensión y el desprecio más absolutos por parte de una sociedad burocratizada. La barraca del Zurdo de Emilio Goyanes Berrocal se hacía necesaria entre otras, por dos razones. Una, porque de exiliados españoles solo sabemos las historias de “Vente para Alemania Pepe” pero sabemos muy poco de aquellas gentes que se deportaron voluntariamente para no hincar la rodilla delante del dictador. Y otra, porque la compañía granadina Laví el Bel hace un montaje dinámico, imaginativo, cómico, nostálgico y musical que permite descartar tensiones y reivindicaciones trágicas. La obra constituye un homenaje a aquellos cómicos que se trasladaron a los países latinoamericanos donde fueron acogidos como hermanos. El Teatro del Títere La Tía Norica acogió a la Compañía Nacional de Teatro de México que presentó Misericordia 2, basado en la dirección de Daniel Jiménez Cacho y en motivos de Esquilo, Eurípides, Cormac McCarthy, Javier Sicilia y testimonios de las víctimas de violencia en México. La obra, con estilo clásico muestra la angustia y el sufrimiento de unas mujeres que buscan a sus hijos, maridos, padres y hermanos desaparecidos por la violencia de una sociedad extorsionadora y paramilitar.Ocho casos de otras tantas mujeres se entrecruzan en un espacio indefinido que evoca un campo yerto y despersonalizado. Es el lugar de protesta, de sacrificio, de lucha personal, de catarsis colectiva, de reivindicación de justicia y de inmolación en soledad. Trinidad Piriz y Daniel Marabolí de Chile pusieron en escena un espectáculo sutilmente profundo e intenso a pesar de su aparente distanciamiento. Precisamente, es el distanciamiento de los interlocutores lo que da carácter y dramatismo a este trabajo autobiográfico titulado Helen Brown. En síntesis, la historia es la de la propia Trinidad Piriz que alquiló por Internet un apartamento en Berlín. Pagó por adelantado lo estipulado y no pudo ocupar el apartamento ni recuperar lo abonado. La obra muestra los pasos que la protagonista tiene que recorrer en un país hostil a través del teléfono y de correos electrónicos. El consulado chileno, la madre que vive en Chile, la agencia mediadora en la transferencia, nadie ayuda a desenredar la madeja de lo que, primero sospecha y luego confirma, es
  • 48. noviembre diciembre una estafa con toda seguridad. Tenía puestas todas mis esperanzas en ver la puesta en escena de Chamaco de Abel González Melo, un texto que analicé en su momento para una revista teatral, y que me interesó por su estructura formal y por la temática que describe. Sin embargo, el espectáculo, presentado por Argos Teatro y dirigido por Carlos Celdrán, quien también dirigió la primera versión cubana en La Habana, me ha decepcionado porque me ha dado la sensación de asistir a una propuesta añeja con deficiencias en la interpretación. Chamaco narra la historia de un joven cubano que trampea la vida para subsistir y se ve involucrado casualmente en un asesinato. El amor por una muchacha, el desamor a un pariente que le delata y las actividades clandestinas para mantenerse en pie le llevan a un callejón sin salida. Más allá de la historia, Chamaco en esta versión madrileña no pareció levantar ni en dramatismo, ni en las metáforas cubanas que encierra el texto ni me incitó a la reflexión. La compañía argentina Los Nosotros puso en escena Otros de Nosotros, un acercamiento a la contraposición entre una sociedad capitalista bien acomodada y un grupo de refugiados que solo poseen su música para subsistir en un país de voraz economía liberal. La obra sitúa a un matrimonio argentino que aspira a conseguir negocios millonarios, pero se sienten contrariados al comprobar que unos negros se han instalado en su jardín. El texto de Carlos Ares se desgrana en la descripción de la familia argentina pero no entra en la contradicción ni en una posible solución. Hay una tibia moralina con pretensiones de realismo mágico que descafeína todo posible interés dramático. La pieza carece de juego escénico y se queda en la mera descripción. El amor de las luciérnagas de Alejandro Ricaño Rodríguez es un espectáculo de los mexicanos Los Guggenheim que narra un viaje iniciático de una joven mejicana a la edad adulta. El montaje se presenta en La barraca del Zurdo © Manuel Fernandez una superficie plana y vacía sobre la que penden multitud de bombillas. El personaje principal se lo reparten de forma coral tres actrices que, aun siendo convincentes por lo que cuentan, marcan una expresividad mecánica, a veces excesivamente antinatural. Los personajes transitan por el espacio en marcados destinos con desplazamientos mecanicistas y precisos a modo de autómatas. La obra posee un discurso absolutamente narrativo transmitiendo sensaciones poéticas de gran emotividad. La versatilidad de la sala de la Central Lechera tradicionalmente ha permitido montajes del más diverso estilo y capacidad. En la presente edición MTM Teatro de Muñecos de Costa Rica ha propuesto una versión libre de Odisea según Juan Fernando Cerdos. Achicando la sala ha logrado un espacio tras el cual permite a los manipuladores narrar parte de la historia con la técnica de sombras. Fuera, cerca del público, la puesta en escena se realiza con muñecos de tamaño natural y otros de mesa. La compañía colombiana Teatro Petra puso en escena Sara Dice. El texto de Fabio Rubiano Orjuela narra la historia de una familia atípica que ha de elegir a uno de sus miembros para ser asesinado. La propuesta argumental parte de la hipótesis de “¿Qué sucede cuando el asesinato desaparece en una sociedad?”. La puesta en escena utiliza la bifrontalidad realizando un extravagante cómic con movimientos, gestos y expresiones extremos. Teatro Petra expuso un gran trabajo que atrajo la complicidad del público gracias a la comicidad. Teatro para pájaros es el nuevo montaje de la compañía granadina Histrión Teatro. 13 Con texto y dirección de Daniel Veronese, la pieza aborda el universo del teatro como metáfora de una sociedad egoísta y mentirosa. Los personajes se engañan a sí mismos y traicionan al prójimo con tal de conseguir una migaja para mal vivir. La puesta en escena, con la clásica escenografía de Veronese reciclada de otros montajes, muestra un equipo actoral magnífico, sobre todo Gema Matarranz en el papel de Teresa que no deja un resquicio en la interpretación. En la calle, Nacho Vilar Producciones & Guasapa hicieron un divertido homenaje a les españoles que en los años 60 empezaron a veranear. En Typical los cuatro miembros de la familia y la abuela emprenden un viaje a Torremolinos en el entrañable “600” cargado de maletas, sillas, nevera y todos los utensilios típicos del momento. Voces, aspavientos, bailes, canciones, la merienda, paradas continuas porque el vehículo se fatiga, toda una retahíla de acciones tópicas que arrastran al público hasta el punto final entre risas, saludos y diversión. Vaya un recuerdo a la Fundación Chiminiguagua y Zia. Moraíta que con sendos trabajos llenaron las calles de Cádiz de alegría, música y excelente humor. Por otra parte, hay que dejar constancia de los trabajos presentados por MageritProducciones Cachivache con sendas propuestas marionetísticas en el Museo del Títere de Cádiz. En Sonrisas se aborda el universo del cabaret con canciones en vivo. El juego de actores y muñecos está magníficamente articulado para conseguir un espectáculo vivo y simpático al que no le falta cierta ironía y algún punto de reivindicación. Este montaje se complementa con El desván de las ilusiones, una estupenda exposición de marionetas de Francisco García del Águila. La exposición recoge muñecos y objetos escénicos de títeres de hace más de un siglo; son auténticas joyas que encierran el encanto del tiempo y de su primorosa construcción. Manuel Sesma Sanz w w w. a r t e z b l a i . c o m 63
  • 49. 13 noviembre diciembre Festival de las Artes Escénicas FIDAE- Montevideo Otros mundos creativos toman la escena en Uruguay L os antecedentes del Festival Internacional de Artes Escénicas FIDAE de Uruguay se remontan al año 2009 en una primera edición dirigida por Tamara Cubas que subtitularon Septiembre escénico bajo el auspicio de la Dirección Nacional de Cultura del ministerio uruguayo. En el 2011 asume la dirección de la segunda edición Iván Solarisch con Territorios de la Memoria como tema central de la misma. En 2012 se intercala una edición del MAU, Mercado de las Artes de Uruguay también bajo la dirección de Iván aunque en esta ocasión enfocado a la promoción del teatro y la danza creada y producida en el Uruguay. Este mes de octubre de 2013 se ha celebrado la tercera edición del festival que ha presentado Otros mundos en escena. Se mantendrá la idea de intercalar el FIDAE un año y al siguiente el MAU en una voluntad de acercar al país propuestas escénicas de teatro y danza de todo el mundo en el FIDAE y de promocionar la escena uruguaya con programadores internacionales en el MAU. La Dirección Nacional de Cultura quiso dar respuesta al vacío que quedó al desaparecer un histórico festival de teatro que organizaba la asociación de críticos. En cinco claves se puede dar una idea más o menos exacta del festival y de esta edición 2013: • La primera de ellas es el carácter público del mismo, reflejo del apoyo a la cultura por parte del Gobierno de Pepe Múgica. • La segunda subraya la calidad como referencia: la prueba su curaduría. 64 w w w. a r t e z b l a i . c o m • La tercera es la diversidad de estilos, formatos y conceptos que le han permitido realizar una muestra que ha ido recorriendo territorios creativos bien distintos. • La cuarta es diseñar un festival más allá del marco de Montevideo y extenderlo a su área metropolitana y a otras cinco sedes fuera de la capital tanto en el este como en el oeste del país. Para el 2015, se marcan como objetivo llegar hasta Río Negro en el norte. Lo que nos dan una idea de la ambición de este festival con vocación nacional y con la firme voluntad de ser el germen de un importante festival de teatro y danza con label uruguayo. • Por último, cada festival elige un eje temático que dota de personalidad a la edición correspondiente, en esta ocasión ha sido Otros mundos en escena. El FIDAE ha presentado 15 espectáculos internacionales de diez países diferentes y 10 propuestas uruguayas además de 3 propuestas de la asociación de teatros del interior provenientes de fuera de Montevideo. En cada sede se han programado dos propuestas internacionales, dos nacionales y dos locales provenientes de la región. Asia y el Medio Oriente han sido protagonistas distinguidos: en teatro desde Corea Ukchuk-ga (basado en Madre coraje) de Panzori Project Za y en danza desde China Balance and imbalance de Bereishit Dance Company. Desde Dinamarca Odin Teatret, desde Canadá Le Carrousel,… Bégica, Israel, Colombia, Argentina y como olvidar la representación española: Sol Pico, Sarruga, Corsario, Rayuela y Los corderos. La representación uruguaya excelsa con compañías tan representativas como Teatro Galpón, Complot, Pequeño Teatro de Morondaga, Teatro La Morena y Medio Mundo Gestión Cultural que presentó una nueva versión de Algo de ruido Me Sitio hace, creación de Romina Paula que tan buen recuerdo dejó en su presentación europea bajo la dirección de ella misma. El FIDAE ha organizado interesantes actividades formativas y divulgativas: conferencias, mesas redondas, talleres, coloquios, creaciones en residencias artísticas. No podemos destacar todas. Haremos especial hincapié en alguna de ellas: • IX Coloquio Internacional de Teatro en lo que se denomina la Escuela de espectadores. Al finalizar algunas funciones previamente seleccionadas se abría un debate con el público. • Taller de temas tabú para la infancia y adolescencia. Taller a cargo de Carlos de Urquiza (Argentina) y Suzanne Lebeau (Canadá) sobre las nuevas tendencias y el concepto de temas tabú en el teatro dirigido a este sector de población tan clave. Un taller en el que han participado profesiona-
  • 50. noviembre diciembre 13 les de 12 países distintos con un resultado espectacular como se pudo disfrutar en la muestra final del mismo. • Presentación y taller del proyecto de coproducción FIDAE FURA DELS BAUS -FESTIVAL GREC. Taller dirigido por La Fura que durante dos semanas ha trabajado con elenco uruguayo y que se interrelacionará con el proyecto de coproducción presentado en el festival. En cuanto a la exhibición de espectáculos me permito realizar un pequeño resumen que sirva como apunte y muestra de lo que ha sucedido este año en el festival. Algo de ruido hace. Compañía: Medio Mundo Gestión Teatral (Uruguay). Versión uruguaya del texto Romina Paula que firmó también la primera puesta en escena en Argentina. En esta ocasión es Fabio Zidán quien asume la dirección en este triángulo de relaciones cruzadas en la que significan tanto los silencios y las situaciones como el propio texto. Ex-que revienten los actores, autor y dirección de escena de Gabriel Calderón. Compañía: Complot (Uruguay). A veces se dice que el amor lo puede todo y que el tiempo lo cura todo. En este espectáculo se entremezcla el amor con el tiempo para conseguir un resultado trágicamente fantástico. Complot es un colectivo de artistas unidos por las diferencias más que por las similitudes entre ellos. Mariana Percovich y Gabriel Calderón son sus exponentes más representativos. Califiqué a Gabriel, en un artículo en esta misma revista, como un revulsivo del teatro uruguayo, un fenómeno latinoamericano llamado a marcar un antes y un después en el teatro mundial. Así lo creo, y Ex-que revienten los actores es uno de los espectáculos que más gratamente me han impresionado en los últimos tiempos. Lo disfruté por primera vez en Manizales en 2012. Bienvenido a casa. Compañía: Pequeño Teatro de Morondanga (Uruguay). La dirección de escena la firma Roberto Suárez. Espectáculo teatral en dos episodios. Se rompe el tiempo y se crea una ficción ácida que termina en un destino final increíble. Un delirio tragicómico que pone en el escaparate a unos personajes que son pre-juzgados y juzgados sin piedad. La vida crónica de Odin Teatret (Dinamarca). Dirección y dramaturgia de Eugenio Barba. La vida crónica se desarrolla contemporáneamente en diferentes países de Europa en el 2031, después de la tercera guerra mundial. Individuos traumatizados se enfrentan a la desocupación, a la inmigración, al vacío. Como hilo conductor un joven busca a su padre desaparecido. La ignorancia lo salvará. El espectáculo está planteado en arena, cargado de simbología y de personajes como una Virgen Negra, una refugiada chechena, un ama de casa rumana, un abogado danés, un músico de rock de las islas Faroe, un joven colombiano que busca a su padre desaparecido en Europa, una violinista de calle italiana, dos mercenarios y la viuda de un combatiente vasco. El espectáculo comienza con una primera escena, que me emocionó, en la que la viuda de un combatiente vasco la interpreta completamente en euskera, una viuda encarnada por un actor danés que lo bordó. Hacía pequeñas traducciones de su contenido en castellano. No dejo de ser un sentimental. Al final de la representación el Ministro de Cultura entregó el Premio Delmira Agustini (poeta y activista feminista uruguaya) a Eugenio Barba (Italia 1936) quien en un discurso bien estructurado citó palabras de Lorca sobre la luz que tiene todo poeta, luz que le abre los caminos de la locura que lo llevará irremediablemente a la imprudencia. Norka Chiapusso w w w. a r t e z b l a i . c o m 65