Rodin

"El verdadero artista expresa siempre lo que piensa, aún a riesgo de hacer tambalear todos los prejuicios establecidos"

Nacido en París en 1840 en el seno de una familia humilde, a la edad de 13 años inició su formación como artista al entrar a estudiar dibujo y modelado en una escuela de París. Con 17 años ingresó en la Escuela de Bellas Artes. Un año más tarde (1858) comenzó a ganarse la vida como cantero realizando objetos decorativos.
En 1862 murió su hermana Marie, con la que se encontraba muy unido. La tristeza en la que se sumió le llevó a considerar la posibilidad de dedicar su vida a la Iglesia, pero en 1864 conoció a la joven Rose Beuret, que fue su compañera durante toda su vida; se casaron en 1917, unos meses antes de la muerte del escultor.
En 1864 Rodin, que ya trabajaba como escultor junto a Carrier-Belleuse, presentó su primer trabajo en el Salón de París, “El hombre de la nariz rota” , que fue rechazado. Este hecho determinó el inicio de su trabajo totalmente independiente. En 1871, también con Carrier-Belleuse, trabajó en las decoraciones para los principales monumentos públicos de Bruselas, tras lo cual se dedicó a la ejecución de bronces decorativos, actividad con la que sobrevivía pero que no le permitía desarrollar un estilo totalmente personal.

CAMILLE, MODELO DE RODIN TOILETTE DE VENUS, 1884 MARTIRIO, 1885 TOILETTE DE VENUS, 1886 LA FATIGA, 1887 ÍDOLO ETERNO, 1889 CAMILLE CLAUDEL EN CABO PHRYGIAN 1886 En 1883 acepta supervisar una clase de escultura en sustitución de Alfred Boucher. Es entonces cuando conoce a Camille Claudel, discípula, modelo, amante y artista que brillará por si misma. DÁNAE, 1885

Se presentó a diferentes concursos para levantar monumentos públicos, tanto en Londres como en París, en los que fue rechazado. Finalmente consiguió el encargo de una estatua para el Ayuntamiento de París.
1875 VIAJE A ITALIA Génova, Florencia, Roma, Nápoles y Venecia. conoce la obra de Miguel Ángel y de Donatello. alejamiento del academicismo. 1877 RODIN VOLVIÓ A PARÍS Su antiguo maestro Carrier-Belleuse, nombrado director de la fábrica de porcelana de Sévres, le encargó diversos diseños. Su obra, “El vencido”, ahora titulada La Edad del Bronce, fue admitida en el Salón de París, lo que supuso el reconocimiento oficial y su reputación de escultor.

“ No tiene el óptimo artista algún concepto que un mármol en sí no circunscriba en su materia, y a él sólo accede la mano que obedece al intelecto” MIGUEL ÁNGEL, SONETO, 1536 -1547 “ ¡Realidad del alma que se puede poner dentro de una piedra, que se puede encarcelar durante siglos! Es nuestro deseo poseer, dominar y eternizar lo que vemos con nuestros ojos […] que quiere vivir y hablar” AUGUSTE RODIN, LAS CATEDRALES DE FRANCIA , 1914

Auguste Rodin ha sido considerado por los críticos de arte como uno de los mejores escultores en bronce y mármol de toda la historia y uno de los mejores artistas del siglo XIX y principios del XX. Su trabajo tenía una gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. La historia del escultor que dio un nuevo rostro al arte del siglo XIX estuvo marcada por éxitos inesperados, fracasos rotundos y una compleja vida sentimental

Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, François-Auguste-René Rodin , es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública, es por esto que Rodin ha sido denominado "el primer moderno" en la historia del arte.
Educado en la Escuela de Artes Decorativas de París , un ámbito no sólo ajeno al de las bellas artes, sino además menospreciado por éstas, Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía.
Célebre fue el escándalo en torno a su escultura “La edad de bronce” (1875), de la cual se dijo que, debido a su perfección, los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de una arcilla hecha por el artista, como se debe hacer en el método del vaciado en Bronce: tal acusación era deshonrosa para cualquier escultor y Rodin, contando con la ayuda de amistades influyentes como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logró salir de la disputa no sólo victorioso, sino que además con una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas más importantes de París.
Su escultura se dividió en dos líneas distintas. La primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre lo dice, se alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su amiga y ayudante la escultora Camille Claudel. La segunda, más popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.

Valoración del volumen , pero un volumen dotado de vida. Debido a ello utiliza una serie de recursos: actitudes y gestos, juegos de luces y sombras que surgen de la acción recíproca de entrantes y salientes, incisiones, rasguños de las superficies esculpidas. Todo ello sugiere el movimiento sin representarlo materialmente.
Sus figuras se introducen en el espacio o dejan que el espacio se introduzca en ellas: la masa corpórea no es compacta y cerrada como en los neoclásicos sino que se articulan rítmicamente los huecos y las protuberancias .
Modelado por medio de la luz. Da más importancia a la apariencia de las formas que a las formas mismas. El contorno de las figuras no es nítido sino huidizo. La forma casi se esfuma. Las superficies más que acabadas parecen casi abocetadas, como si estuvieran sin terminar. Utiliza la técnica del “non finito”, del inacabado que aprende de Miguel Ángel . Esta factura propiamente impresionista proporciona acusados efectos de claroscuro que sugieren un movimiento permanente. La luz crea en la retina del espectador la forma definitiva.

Resalta la expresión por encima del naturalismo .
El naturalismo de las figuras de Rodin es un naturalismo animado por una intensa vida interior y lo que interesa captar no es tanto la exactitud fotográfica (incluso cuando se trata de un retrato, como en “Balzac”), sino el sentimiento de la vida que anima a sus personajes.
TÉCNICA DEL VACIADO : aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial.
Su mensaje era claro, la imagen es superior al material en el cual está construida.

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo , al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, al objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo.
Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, podría decirse que las figuras que construye carecen de una lógica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biológicas . Rodin había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino que para usar al cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

Se puede concretar en tres aspectos:
Devolvió a la escultura su sentido propio, ya que se interesa por las virtudes propias de este arte: sensibilidad por el volumen y las masas, articulación rítmica, nueva valoración de las superficies, las texturas y el espacio, acción recíproca de huecos y salientes.
Se ha podido decir que la escultura de Rodin es impresionista en el sentido de que sus figuras, aisladas o en grupo, se realizan en el modelado de la luz. Esta es la gran colaboradora que sugiere planos, recorta superficies, define formas.
Además de una apariencia impresionista Rodin asume una parte esencial del espíritu simbolista . La forma es invocada como el signo de un mundo interior , de una vida que posee cada personaje.
Su arte de precursor permite las audacias de la escultura moderna: disolución de las formas, juegos de luces y sombras, expresividad.

Rodin cumple en la escultura el papel de Manet en la pintura planteándose una revisión de la naturaleza y recreando el lenguaje escultórico dando una nueva valoración al espacio y al volumen y, sobre todo, a las superficies, a las texturas, por su capacidad de producir vibraciones lumínicas.

Rodin trabaja en el busto del Padre Eymard, 1863 “ Todo tiene belleza para el artista, pues en todo ser y en cada, cosa su mirada penetrante descubre el carácter, es decir, la verdad interior que se transparenta bajo la forma. Esta es la belleza misma”. RODIN

OBRAS DE JUVENTUD EL HOMBRE DE LA NARIZ ROTA, 1864-65

AUGUSTE RODIN, 1865

ROSE BEURET

BACANTE, 1874

Bajo la doble influencia de Miguel Ángel y Donatello, realizó El Vencido , considerado su primer trabajo original, obra que provocó un gran escándalo en los círculos artísticos de Bruselas y en el Salón de París, donde fue exhibida años después con el título La Edad del Bronce . LA EDAD DE BRONCE (1875-1876)

La humanidad del cuerpo masculino es tal, que Rodin tuvo problemas para convencer a la crítica de que era un trabajo tomado del natural y no un molde realizado a partir de una persona. Eliminó todas las referencias hacia lo que hasta entonces había sido algo indiscutible: el canon clásico. Con Rodin, las esculturas pasan a ser de carne y hueso, se humanizan. En 1877 fue admitida en el Salón de París, lo que supuso el reconocimiento oficial y su reputación de escultor. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. LA EDAD DE BRONCE (1875-1876)

La magistral expresión dolorosa plasmada en el bronce y la realista captación de una energía vencida provocaron profundas críticas en sus contemporáneos, que lo acusaron incluso de haber realizado su molde sobre una persona viva. LA EDAD DE BRONCE (1875-1876)

DEGAS: “BAILARINA” RODIN: LA EDAD DE BRONCE

HOMBRE DANDO UN PASO 1877

EVA, 1881 PREDICACIÓN DE SAN JUAN BAUTISTA (1878) El otro estilo está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura

SAN JUAN BAUTISTA (1878)

LLAMANDO A LAS ARMAS 1879

ROSA BEURET, 1880

LA SOMBRA, 1880 «Lo que llena los contornos es el tratamiento de las superficies, que son en cierto modo lo contrario de los contornos. (...) Por eso un pedazo de brazo, de pierna, de cuerpo es para él un todo, una unidad, porque ya no está pensando en el brazo, en la pierna, en el cuerpo (eso le parecería demasiado anclado en lo material, entiendes, demasiado narrativo, por así decirlo); por el contrario, sólo piensa en un modelado que se cierra, que está de alguna manera terminado, encerrado en sí mismo» RAINER MARIA RILKE, Lettres de París, 1902

DONATELLO: MARÍA MAGDALENA 1457 RODIN: LA QUE FUE LA BELLA CORTESANA, 1880

LA BELLA CORTESANA fue modelada en 1880 y ejecutada en bronce en 1910

TORSO DEL HOMBRE QUE ANDA (1882-89) ARTE GRIEGO HELENÍSTICO:TORSO DE BELVEDERE

CARIÁTIDE CAÍDA 1883

Modelado en 1880 y ejecutado en bronce en 1910 Adán, Musée Rodin

La Sombra Musée Rodin París Adán, 1880 Musée Rodin

LA SOMBRA "Yo no soy un soñador, soy un matemático. Mi escultura es buena porque es geométrica. No niego que hay exaltación en mis obras, pero es porque hay en ellas verdad. Esa exaltación no está en mí, sino en la naturaleza en movimiento". Auguste Rodin

El Pensador fue la primera obra de Rodin que se erigió en un lugar público. Se inauguró en frente del Panteón el 21 de abril de 1906 durante una intensa crisis política y social que ha convertido esta escultura en un símbolo socialista. En 1922, utilizando como pretexto de que la estatua suponía un obstáculo durante las ceremonias, se transporta, con su pedestal, al jardín del Hotel Biron que se había convertido en el Museo Rodin.

Técnica: Rodin, en su afán de captar la realidad cambiante solía realizar cientos de bocetos de arcilla de cada obra intentando captar sus múltiples perspectivas de ahí que sus obras ofrezcan infinitos puntos de vista , imposibles de apreciar en una reproducción fija.

EL PENSADOR, 1881 La luz modela las superficies Monumental bronce en el que resuenan los ecos de Miguel Ángel y de la escultura helenística, fue concebido para ocupar el lugar central de unas gigantescas "puertas del infierno" que le fueron encargadas en 1880 para el Museo de Artes Decorativas de París. Rodin invirtió 20 años en concluir el modelo que no fue fundido en bronce hasta después de su muerte y que nunca llegó a ocupar su lugar. Probablemente un retrato de Dante como autor de la Divina Comedia, resume perfectamente el sentido que Rodin quiso dar a la obra: una meditación sobre el destino del género humano, sus gozos y sus sufrimientos .

La postura de triste meditación está inspirada en la figura de Lorenzo de Medici en la Capilla Medici de la iglesia de San Lorenzo en Florencia. También la figura de Jeremías que realizó Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina inspiró la postura y algunos detalles de composición, como la posición del brazo izquierdo. La torsión, lograda colocando el codo derecho sobre la pierna izquierda, es una traducción de la figura simbólica de la Noche , de la tumba de Giuliano situada enfrente de la de Lorenzo en la Capilla Medici. LORENZO DE MEDICI JEREMÍAS DE LA CAPILLA SIXTINA LA NOCHE , DE LA TUMBA DE GIULIANO DE MÉDICIS

LA MUJER AGACHADA (1880-82)

UGOLINO, 1882

MUJER FAUNO, 1884-86

EVA COMIENDO LA MANZANA, 1885 ADAN Y EVA EXPULSADOS DEL PARAISO

Obra en la que un hombre y una mujer están fundidos en un abrazo. Una escultura que es necesario rodear totalmente para poder aprehenderla en todos sus detalles. AMOR FUGIT (1881-1887)

AMOR FUGIT (1881-1887)

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917)
LOS BURGUESES DE CALAIS (1885)
MONUMENTO A VICTOR HUGO
MONUMENTO A BALZAC (1897)

LOS BURGUESES DE CALAIS, 1884

Se conocen como LOS BURGUESES DE CALAIS a la escultura que representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais, ya extenuada y hambrienta, por las tropas inglesas del rey Eduardo III. Los burgueses de Calais, como los conoce la historia, vestidos apenas con sayos de arpillera y encadenados, ofrecieron al enfurecido rey las llaves de la ciudad. Tan sólo la súplica de la reina Filipa de Hainault, que, embarazada, se arrojó a los pies de su marido pidiendo clemencia, salvó la vida de aquellos héroes. Eran seis notables, Eustache de Saint-Pierre, Jean d'Aire, Jacques et Pierre de Wissant, Jean de Fiennes, Andrieu d'Andres. El monumento celebró el heroismo de estos calesianos, reforzando la identidad histórica de la ciudad.

El escultor Auguste Rodin recibió en 1885, por parte de la municipalidad de Calais, el encargo de crear un monumento conmemorativo de esos hombres en la ciudad. Concibió un grupo de seis personajes, aislados pero unidos en la miseria de su situación. De tamaño mayor que el natural, al comienzo sobre un pedestal y finalmente parados directamente sobre el suelo. Una vez más, contrariaba los lugares comunes del heroísmo y la teatralidad patriotera exaltada en un zócalo. Tras infinitos cabildeos y disputas, el escultor se salió con la suya y el monumento se inauguró oficialmente en 1895. En la actualidad hay varias copias de esta famosa escultura en todo el mundo.

El movimiento rotativo invita al espectador a caminar alrededor de la escultura lo que lleva a una secuencia de imágenes en la cual los hombres individualmente parecen a veces tomar aisladamente su decisión, y a veces parecen decidirse en conjunto por entregarse. De esta forma no se narra un instante específico congelado en el tiempo, sino un espectro de pensamientos, sentimientos y decisiones.

Para representar a los personajes había tomado los elementos simbólicos del ritual de petición de gracia usado en la Edad Media ( en camisa, la cabeza y los pies desnudos, la cuerda en el cuello). Todo, buscando dar a los rostros rasgos característicos de la región de Calais con el fin de conferir al drama una dimensión real y actual. Este aspecto fue reforzado por parte del escultor al dotar a su monumento de un punto de vista muy bajo, mientras que la primera maqueta reagrupaba a los personajes de manera heroica sobre un pedestal elevado, la segunda los presenta casi a ras del suelo.

ESTUDIOS PARA LOS BURGUESES DE CALAIS, 1884-86

ESTUDIO PARA LOS BURGUESES DE CALAIS: JEAN DE FIENNES, 1885-86

Además de la escultura original que se encuentra en Calais, la técnica de vaciado permite realizar varias copias a partir del molde original. La ley francesa permitió hasta doce vaciados de la escultura a realizarse tras la muerte de Rodin. 1.-Victoria Tower Gardens (Parlamento Británico en Londres) 2.-Jardines del Museo Rodin en París, 3.-Museo Rodin en Filadelfia, 4.-Norton Simon Museum en Pasadena (California), 5.-Universidad de Stanford en California, 6.-Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, 7.-Jardín de las esculturas del Museo Hirshhornen Washington, D.C., 8.-Museo de Israel en Jerusalem, 9.-Jardín de las esculturas de la National Gallery of Australia enCanberra, 10.-Ny Carlsberg Glyptoteket en Copenhague 11.-Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio 12.-Galería Rodin in Seúl

LOS BURGUESES DE CALAIS, 1885-1895 La obra anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo, anticipando con sus formas sarmentosas y sus expresiones enigmáticas algunos de los caminos que la escultura recorrerá en el siglo XX; esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica « El pedestal es triunfal y tiene los rudimentos de un arco de triunfo para llevar, no una cuádriga, sino el patriotismo humano, la abnegación, la virtud »

” Monsieur, sería una gran desgracia permitir que esta gente muera de hambre si podemos encontrar una alternativa. Estoy convencido de que cumpliría la voluntad de mi Dios si me ofreciera por estas personas y me entregara así como el primero en salir descalzo y con la cabeza descubierta, vestido en camisa y con una soga alrededor de mi cuello y me entregara a la voluntad del rey inglés”. EUSTACHE DE SAINT-PIERRE

"lenta procesión, (...) marcha hacia la muerte"

JEAN D’AIRE es el que lleva las llaves de la ciudad

Multiplicidad de puntos de vista. Rodin tenía especial cuidado en trabajar las figuras en todas sus caras y perfiles. Para contemplarlas en su totalidad hay que circular alrededor de ellas.

BURGUESES DE CALAIS: JACQUES DE WISSANT gira la cabeza hacia su hermano.

ANDRIEU D’ANDIERS, horrorizado representa la parte más desesperada del héroe

Fuerte dramatismo que se muestra a través de los gestos

BALZAC, 1897 Donde se cruzan los bulevares Montparnasse y Raspail, en el sexto distrito de París, se alza el monumento a Balzac, obra de René-François-Auguste Rodin. Es una de las encrucijadas más vertiginosas de la ciudad: las muchedumbres apresuradas pasan hoy por ahí sin reparar casi en esa figura de bronce y, mucho menos, en sus detalles. La cabezota con la melena leonina, el belfo de gruesos labios entreabiertos, los ojos hundidos en la maraña de las cejas, el abrigo de traza indefinida que cubre un corpachón informe. De todos modos, aun a cierta distancia y a la mirada indiferente, el personaje impone respeto. Es alguien, o algo, que sale de lo común. Tanto que en su momento, la estatua desató escándalo, polémicas sin fin y acciones judiciales. Nada que extrañase demasiado a su creador, habituado desde sus comienzos a pelear con jurados, críticos, detractores y, entre éstos, los primeros, sus propios colegas.

ESTUDIO DE BALZAC, 1892 Con su habitual minuciosidad, Rodin hasta localizó al sastre que había vestido a Balzac en los años cercanos a su muerte y le encargó una bata como las que el novelista usaba siempre (en realidad, era el hábito de una orden religiosa) en casa. La primera idea fue la de un Balzac desnudo: quedan infinitos esbozos, variaciones en torno a una panza voluminosa y una cabeza también desmesurada. Ante la alarma de los comitentes, Rodin optó por vestirlo: hizo "broncificar" la prenda en cuestión y la volcó sobre el cuerpo rotundo, por lo que convirtió la figura en una suerte de tótem informe...

… hasta llegar a la formidable cabeza, a la que es imposible contemplar sin una mezcla de atracción poderosa y de terror, casi como un ídolo primitivo.

“ Si la verdad ha de morir, mi Balzac será hecho pedazos por las generaciones venideras. Pero si la verdad es imperecedera, yo vaticino que la estatua se abrirá paso por sí sola. Esta obra, que ha sido objeto de muchas burlas, es el fruto y resumen de toda mi vida y el pivote de mi estética personal. Desde el momento que la concebí, me sentí un hombre diferente. Fue un hito trascendental en mi evolución: había forjado con ella un eslabón entre las grandes tradiciones perdidas del pasado y mi propia época, eslabón que el tiempo no hará sino reforzar” RODIN, 1908. MONUMENTO A BALZAC 1893-1897, yeso Musée d’ Orsay. París.

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917) En 1880 el gobierno francés encargó a Rodin las puertas de un supuesto Museo de Artes Decorativas de París que nunca fue creado. Tienen como tema el Infierno de Dante Alighieri, y en ellas Rodin plasma algunos pasajes de este libro usando como narración los cuerpos de los personajes involucrados. La figura central, El pensador, es un retrato del poeta Dante, el cual se ve afectado por lo que está viendo (frisos con las figuras pecadoras bajo él) e influenciado por las fuerzas divinas que anuncian la desgracia sobre su cabeza (Tres sombras o retrato triple de Adán).

La iconografía está basada en La Divina Comedia de Dante y también en los poemas de Baudelaire de su obra “Las flores del Mal”, tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena. Tal vez, y dada la dedicación del autor, una vez cancelado el encargo, a esta obra inacabada, se trate de una reflexión sobre la condición humana, con sus luces y sombras.

Los historiadores del Arte también coinciden en que esta escultura representa a la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el cual le toca vivir, en el que la tecnología dará paso a milagros como el cine, y está justo en el centro, donde debe elegir entre enmarcarse en la tradición o revolucionar las artes escultóricas.

Inicialmente Rodin realizó una serie de estudios previos para las figuras que iban a formar parte de LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917): El pensador, El beso y Dánae.

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917) Innumerables vaivenes jalonaron la realización de obra tan compleja, hasta que, pasados los años, Rodin devolvió el anticipo que le habían dado y procedió a extraer los fragmentos que le convenían para sus últimos experimentos, que anticipan, de manera notable, la escultura del siglo XX.

La inspiración proviene de la Puerta del Paraíso , de Ghiberti, en el baptisterio de Florencia, pero nada más distante de esa serena, elegante simetría, que la furia concebida y ejecutada por el genio francés, que aspira a evocar las terribles palabras de Alighieri: "Perded toda esperanza ".

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917) La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

Los estudios de anatomía que realizó el artista, suponían una herramienta de trabajo para centrar su labor en la expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

La obra puede relacionarse con la trágica visión que se desprende de “Las flores del mal” de Baudelaire, donde pasiones culpables y deseos insatisfechos arrastran a la desesperante condición humana: los cuerpos que parecen hundirse y emerger de un fluido turbulento, se encabalgan como poseídos por un patetismo impotente que los conduce al abismo. UGOLINO Y SUS HIJOS

VISTA DEL “AMOR FUGIT” 1880-1917 Es una visión muy personal de La Divina Comedia , un torbellino vertiginoso de figuras múltiples, de formas y tamaños diversos. Como un confuso, caótico collage .

PAOLO Y FRANCESCA

DANAE (1885-89)

EL HIJO PRÓDIGO (1889) INVOCACIÓN, 1900

ANDRÓMEDA1885

RODIN: DANAE, 1889 en mármol MIGUEL ÁNGEL: EL ESCLAVO

DANAE 1886 La figura parece emerger del bloque de mármol como en las obras de Miguel Ángel

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, al objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, podría decirse que las figuras que construye carecen de una lógica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biológicas. Rodin había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino que para usar al cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

EL IDOLO ETERNO, 1889 "(...) Ante todo estableced netamente los grandes planos de las figuras que vais a esculpir. Acentuad vigorosamente la orientación que vais a dar a cada parte del cuerpo, a la cabeza, a los hombros, a la pelvis, a las piernas. El arte exige decisión. Es por la bien acusada fuga de líneas, que os sumergiréis en el espacio y que os haréis dueños de la profundidad. Cuando nuestros planos estén definidos, todo habrá sido hallado. Vuestra estatua vive ya. Los detalles nacen y se disponen por sí mismos, enseguida." AUGUSTE RODIN

EL ÍDOLO ETERNO, 1889

EL PENSAMIENTO (CAMILE CLAUDEL) (1886-89)

PAOLO Y FRANCESCA, 1887-1889

LA PECADORA

DÁNAE, 1885-89

EL DOLOR (1889-92) «Sin perder de vista la modelo y abandonando totalmente el papel a su mano rápida y experimentada, dibujó una infinidad de gestos nunca vistos, siempre menospreciados, y quedó patente que de los mismos emanaban unas fuerzas expresivas inmensas. En esos dibujos se perfilaban conjuntos de movimientos que hasta entonces nunca se habían visto ni discernido como constitutivos de totalidades, y que contenían todo lo inmediato, dinámico y cálido que hay en una vida propiamente animal. Y además suponía el descubrimiento de todo un espacio nuevo, lleno de una vida sin nombre: y es que todo el mundo había pasado por alto las profundidades que ahora entregaban sus aguas al zahorí cuya varita había detectado la verdad» RAINER MARÍA RILKE, Auguste Rodin. Première partie (1902)

BUSTO DE VICTOR HUGO (1890-97) Retrato en el que se revela el estado emocional del sujeto. "Figuraos las formas como si apuntaran hacia vosotros. Toda vida surge de un centro, luego germina y se expande de adentro hacia afuera. Del mismo modo, en toda bella escultura, se adivina siempre una potente impulsión interior...". AUGUSTE RODIN

MONUMENTO A VICTOR HUGO, 1890

RODIN: IRIS, MENSAJERO DE LOS DIOSES (1890) DEGAS: ARABESCO, 1890

Antes de crear la versión en mármol, Rodin produjo varias esculturas menores en yeso, terracota y bronce. En principio fue llamada Francesca da Rimini , nombre de uno de los personajes del Infierno de Dante, que se enamoró del hermano de su marido, Paolo, a su vez casado. Enamorados mientras leían juntos la historia de Lanzarote y Ginebra, fueron descubiertos y asesinados por el marido de Francesca. En El Beso puede verse el libro en la mano de Paolo. Cuando los críticos de arte vieron la escultura en 1887, sugirieron el título menos específico de El Beso en lugar del de Francesca da Rimini . EL BESO, 1898

Obra de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura . En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista , que con la rugosidad de las superficies –técnica del “non finito”- y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz , la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras. EL BESO, 1898 “ Hacía sucesivos apuntes de todas las caras de su obra y a su alrededor daba muchas vueltas para obtener vistas conectadas en círculo. Su deseo era que una estatua se levantara totalmente y aguantara la contemplación desde cualquier punto: debía guardar una relación con la luz y con la atmósfera que la rodeaba”. CAMILLE MAUCLAIR, 1905

Una representación visual del amor en la que una fuerza interna une en audaces enlaces y abrazos a seres que así manifiestan la expansión de su energía vital, de la felicidad compartida. Esta desmitificación y la representación del amor como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e impúdica a El Beso (escena aceptada y gozada siempre que se diera un contexto mítico o literario) EL BESO, 1898

EL BESO, 1898

UGOLINO Y SUS HIJOS 1901-1904 Después de haber sido hecho prisionero durante el siglo XIII durante las guerras entre las ciudades italianas, y condenado por traición a la patria, Ugolino della Gherardesca fue encarcelado en febrero de 1289 en la Torre del Hambre en Pisa, junto con sus dos hijos y dos nietos. Las llaves de la torre fueron arrojadas al río para que se muriese de hambre. Ugolino, el último superviviente, fue condenado al infierno después de ver morir a sus hijos y comer su carne.

HOMBRE ANDANDO 1900-1905

ETERNA PRIMAVERA 1900 Modelada en 1881 y ejecutado en mármol probablemente en 1900 “ La verdad de mis figuras reside en que en lugar de ser superficie, parecen surgir de dentro a fuera, exactamente la propia vida”. RODIN

LA TOILETTE DE VENUS EL POETA Y SU MUSA, 1905

CUPIDO Y PSIQUE, 1905

MOVIMIENTO DE DANZA, 1910 "En la obra de un artista nada debería dejarse al azar, nada debería suceder por accidente... La luz es lo que da vida. Una estatua vive; cambia con el día y la hora, por el juego de las sombras y la luz". RODIN

EL SUEÑO O EL BESO DEL ÁNGEL 1911

BUSTO DE GUSTAVE GEFFROY, 1905 "Propiedad del genio es provocar la sorpresa, crear la confusión, despertar la envidia, inspirar negaciones, hasta la hora en que, por fin reconocido y aceptado, se eleva para siempre por encima de las querellas de camarillas y de escuelas" , escribió GEFFROY, al referirse a Rodin .

Las manos eran uno de los temas favoritos del artista. Cuentan que tenía montones de ellas en su taller MANO SALIENDO DE LA TUMBA

Su estilo deriva en plena madurez hacia las formas simbólicas . Estas sugieren dimensiones que desbordan sus límites visibles como en La mano de Dios , en la que de una etérea nube de mármol brota un cuerpo humano LA MANO DE DIOS, 1898

LA MANO DE DIOS 1896 La luz modela las superficies,

LA MANO DE DIOS La escultura es estereométrica, puede contemplarse desde todos los puntos de vista. Rodin rodeaba la obra para trabajarla en todos sus perfiles. Se aprecia también, como en muchas de sus obras, la voluntad del artista en usar la técnica del “non finito” cuyo precedente fue Miguel Ángel.

LA MANO DEL DIABLO

Su estilo deriva en plena madurez hacia las formas simbólicas, como en La catedral , reducida a dos manos en posición orante en la que las formas sugieren dimensiones que desbordan sus límites visibles. LA CATEDRAL 1907

MANO DE RODIN CON UNA FIGURA FEMENINA, 1917

VACIADO DE LA MANO,DEL ARTISTA 1917

En el mes de noviembre de 1917, moría Rodin y la prensa francesa, ante ciertas discusiones provocadas por la ejecución de su testamento artístico, daba el tremendo y casi increíble testimonio de la verdad:
" Auguste Rodin, el artista que ha legado a Francia colecciones valoradas en varios millones y una obra de incalculable valor intelectual, murió de frío en su morada, en la que sólo dos habitaciones estaban provistas de calefacción insuficiente...".

“ El gran escultor Rodin nació el mismo año que Monet, y como había estudiado apasionadamente la escultura clásica y la de Miguel Ángel, supo ser nuevo sin provocar un conflicto fundamental entre él y el arte tradicional. Rodin, en efecto, se convirtió enseguida en un maestro reconocido y gozó entre el público de tanta fama, o más todavía, que cualquier otro artista de su tiempo. Aún así sus obras fueron objeto de violentas discusiones entre los críticos, siendo confundidas a menudo con la de los rebeldes impresionistas. La razón de ello se comprueba al contemplar alguno de sus retratos. Igual que los impresionistas, Rodin desdeñó la apariencia superficial del “acabado”; como ellos, prefirió dejar algo a la imaginación del espectador. En ocasiones incluso dejó parte de la piedra sin tocar para ofrecer la impresión de que su figura estaba surgiendo del caos y tomando forma . A la generalidad del público esto le pareció una excentricidad irritante, cuando no pura dejadez. Sus objeciones eran las mismas que ya se habían dirigido contra Tintoretto.. Para esas personas la perfección artística seguía consistiendo en que todo debía de quedar bien rematado y bruñido. Al desdeñar estos mezquinos convencionalismos, Rodin contribuía a afianzar el derecho del artista a declarar concluida su obra cuando había logrado sus fines artísticos. Como nadie podía decir que su manera de proceder se debía a ignorancia, su influjo facilitó el camino para la aceptación del impresionismo más allá del estrecho círculo de sus admiradores franceses”. GOMBRICH: “Historia del Arte”

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Rodin

by Ana Rey on Sep 11, 2008

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