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Pintura Gótica
 

Pintura Gótica

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Historia del Arte. 2º de Bachillerato

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    Pintura Gótica Pintura Gótica Presentation Transcript

    • PINTURA GÓTICA Anna Blasco Rovira. Dpto. de Geografía e Historia
    • Características generales • El arte gótico, en general, se corresponde con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas: – recuperación de la filosofía de Aristóteles – humanismo de San Francisco de Asís • En las artes figurativas, escultura y pintura, se tendió a la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. • El artista gótico busca su inspiración en la vida. • Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas.
    • Características generales. Naturalismo • La característica más evidente de la pintura gótica es su naturalismo, cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. • Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV. • La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza, incluyendo la representación de paisajes, lo que, no obstante, sigue siendo poco usual. • Se desprende de los convencionalismos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo. • Dicha pintura constituye un verdadero renacimiento, aunque se distingue de la propiamente llamada del Renacimiento clásico en que no cifra, como ésta, su perfección en la belleza de las formas exteriores, sino, sobre todo, en la expresión de la idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano. • A pesar de ello, es en este momento en el que comienza la pintura profana. Esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.
    • Características generales. • En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos. Las pinturas eran: – recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población analfabeta – iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. • Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva. Se produjeron lentos avances: – en el uso de la perspectiva – en el tratamiento de los soportes, que permitieron una mayor difusión del arte mobiliar, de los pigmentos y de los aglutinantes. • La representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas
    • JAN VAN EYCK. Virgen del Canciller Rolin. Detalle
    • Técnicas. Pintura mural • La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores. Fuera de Italia no se cultivaron mucho. • Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó mayor extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narrasen historias religiosas. • En la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el más grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de la gran pintura mural. • Esta pintura toscana del Trecento, siendo plenamente gótica, anticipa ya el Renacimiento. • Los nombres más destacados fueron Cimabue , Giotto, Duccio di Buoninesgna y Simone Martini
    • Pintura mural. Basílica de Asís
    • Técnicas. Vidriera • Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. • El desarrollo de la Arquitectura gótica con la progresiva sustitución del muro por grandes ventanales con vitrales de colores que permiten el paso hacia el espacio interior de una luz polícroma y matizada, significó, en las grandes catedrales góticas de Francia, la práctica desaparición de la pintura mural que se había desarrollado ampliamente en los muros de las iglesias románicas. • El muro translúcido fue el primer espacio propio o ámbito donde se desarrollaron las artes del dibujo y del color en el Gótico. • En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita las formas, las cuales son delineadas con precisión, ello conduce a la tendencia de descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos. Las vidrieras revelan, más que ningún otro arte, el componente irrealista y artificial del arte gótico. • A mediados del siglo XIII se produce una modificación profunda de la gama de colores ya que los fondos incoloros se asocian a los tonos quebrados de las escenas y figuras. Con una gama potente pero restringida, las menudas figuras humanas se hacen más agitadas y libres. En la Iglesia de San Urbano de Troyes (hacia 1270) o en las vidrieras de medio punto de la catedral de Beauvais, es donde se dan los mejores ejemplos de estas innovaciones. • En el siglo XIV, tras el descubrimiento del amarillo de plata los vitrales ganan en ligereza, llenándose de un preciosismo dorado que antes nunca tuvieron. En Normandía, en el coro de Saint-Ouen de Ruán y en la Catedral de Evreux se hallan las vidrieras más bellas. • El arte de las vidrieras culmina en un estilo exquisito de una calidad igual o superior a las obras maestras de la miniatura. En la cuenca del Loira, en Champaña o en Alsacia se completa el panorama de las vidrieras en Francia, culminando en las naves laterales de la Catedral de Estrasburgo. • En Inglaterra destaca la gran ventana occidental de la catedral de York • En España, las vidrieras más destacadas son las de la catedral de León.
    • Vidriera de la Catedral de Chartres. Maestro trazando los planos de un edificio
    • Vidriera de la catedral de Beauvais
    • Vidriera de la Catedral de Beauvais. detalle
    • Vidrieras coro Saint Ouen. Rouen
    • Vidrieras coro de Saint Ouen. Rouen. Anunciación
    • Técnicas. Miniatura • Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, registrando en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales. • Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones : pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o en diversos compartimentos como medallones, arabescos etc. • Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro, mezclado con colorantes naturales. • En el periodo románico y en el primer gótico los temas tenían carácter sacro, su composición estaba influida por criterios similares a los que regían para los vitrales de las catedrales e iglesias del propio periodo. • En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se trasladó a los talleres artesanos de París, Borgoña y Flandes. • Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg. • El más famoso manuscrito gótico es Las muy Ricas Horas del Duque de Berry.
    • Godofredo De Bouillon luchando contra los sarracenos. Manuscrito de 1337
    • Combate de Luis VII de Francia y Conrado III de Alemania durante la IIª Cruzada
    • Técnicas. Pintura sobre tabla • Tras la desaparición de los muros en las grandes catedrales europeas, la pintura propiamente dicha subsistió en los retablos: las tablas pintadas que forman los frontales o los laterales de los altares y que se colgaban en los muros de las capillas laterales. • En el siglo XV era ya la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las vidrieras. • De tablas o frontales únicos se pasó a dípticos, trípticos, y luego complicados polípticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los grandes retablos del siglo XIV • Los retablos, con muchas tablas, se organizan a partir del banco o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo. • Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. • Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista
    • Partes del retablo G. FATÁS y G. M. BORRÁS Retablo gótico de San Lorenzo (s-XVI). Diccionario de términos de arte y arqueología Basílica de N. S. de los Milagros, Ágreda, Soria
    • Fases. Estilo gótico lineal • El estilo gótico lineal se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV. • Destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo. Predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color. • Los temas, naturalistas, se tratan con sencillez. • Ejemplifica esta época las vidrieras de las catedrales y las miniaturas. • Comienza a verse en esta época pintura sobre tabla, pudiéndose mencionar: – el Díptico de la Virgen (Museo de Berlín) – numerosos frontales catalanes y aragoneses, como el de Avià. – pintura mural como la de la capilla de San Martín, en la catedral vieja de Salamanca, obra de Antón Sánchez de Segovia. En el techo de la catedral de Teruel pueden verse las pinturas atribuidas a Domingo Peñaflor.
    • Catedral De Poitiers Huida a Egipto Crucifixión
    • San Miguel. York Santa Catalina. Rouen Matusalén. Canterbury
    • Nicolas Blackburn y su esposa. York
    • Miniatura de Las Cantigas de Alfonso X
    • Frontal de Santa Maria de Aviá
    • Frontal de Santa Maria de Aviá
    • Capilla de San Martín. Catedral vieja de Salamanca
    • Techumbre catedral de Teruel. Atr. a Domingo Peñaflor
    • Techumbre catedral de Teruel. Atr. a Domingo Peñaflor
    • Techumbre catedral de Teruel. Atr. a Domingo Peñaflor
    • Techumbre catedral de Teruel. Atr. a Domingo Peñaflor
    • Techumbre catedral de Teruel. Atr. a Domingo Peñaflor
    • Estilo italo-gótico • Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. • Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. • Pretendían una huida de la llamada maniera greca (bizantina) que dominaba Italia, y fue sustituida por un estilo más realista. • Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes • Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por influencia franciscana • En Florencia destacan: – Cimabue – Giotto • En Siena – Ducio di Buoninsegna – Simone Martino – Pietro y Ambrogio Lorenzetti
    • Escuela florentina. Cimabue • Se le considera el iniciador de la escuela florentina del Trecento. • Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. • Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinità de Florencia. • A finales de siglo estuvo trabajando en la basílica (inferior) de Asís.
    • Cimabue Crucifixión de Arezzo
    • Cimabue Maestá Santa Trinitá . Florencia
    • Cimabue Madonna Santa Maria dei Servi. Bolonia
    • Cimabue Maestá Asís
    • Escuela florentina. Giotto • Es el gran maestro de esta escuela, y se le considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. • Giotto busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. • Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso en la historia de la pintura. • Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana. • Sus obras maestras son: – La Capilla de los Scrovegni (1305-1306) , en Padua, donde representa en un ciclo de frescos la vida de la Virgen y Cristo. – El ciclo de frescos sobre la vida de San Francisco en Asís.
    • Capilla de los Scrovegni
    • Juicio Final
    • Enrico Scrovegni donando a los ángeles una reproducción de la capilla
    • El Nacimiento de la Virgen
    • Anunciación
    • Visitación
    • Nacimiento de Cristo
    • Adoración de los Magos
    • La matanza de los Inocentes. Detalles
    • Bautismo de Cristo
    • Bodas de Caná
    • Resurrección de Lázaro
    • Entrada a Jerusalén
    • Última Cena
    • El beso de Judas
    • Cristo ante Caifás
    • Flagelación
    • Calvario
    • Descendimiento
    • Descendimiento. Detalles
    • Resurrección
    • Resurrección. Detalle
    • Asís. Basílica superior. Vida de San Francisco
    • Renuncia a los bienes terrenales
    • Expulsión de los demonios de Arezzo
    • Predicación a los pájaros
    • Francisco ante el papa, Honorio III
    • Francesco Traini El Triunfo de la muerte. Cementerio de Pisa
    • Francesco Traini
    • Francesco Traini
    • Francesco Traini
    • Escuela de Siena. Duccio di Buoninsegna. Madonna Rucellai
    • Escuela de Siena. Duccio di Buoninsegna Maestá del Duomo de Siena
    • Escuela de Siena. Simone Martini Anunciación
    • Escuela de Siena. Simone Martini
    • Escuela de Siena. Simone Martini Maestá del Palacio Público de Siena
    • Escuela de Siena. Simone Martini
    • Simone Martini. Guidoriccio da Fogliano. Palacio Público de Siena
    • Simone Martini. Capilla de San Martín. Asis San Martín abandona el ejército Sueño de San Martín
    • Escuela de Siena. Ambrogio Lorenzetti Alegoría del Buen Gobierno. Palacio Público de Siena
    • Alegoría del Buen Gobierno. Detalle
    • Alegoría del Buen Gobierno. Detalle
    • Escuela de Siena. Ambrogio Lorenzetti Alegoría del Buen Gobierno
    • Alegoría del Buen Gobierno. Detalle
    • Alegoría del Buen Gobierno. Detalle
    • Alegoría del Mal Gobierno
    • Alegoría del Mal Gobierno
    • Alegoría del Mal Gobierno. Detalles
    • Estilo italo-gótico. Influencias • En la Corona de Aragón, la pintura italiana influirá en la obra de Ferrer Bassa, los Hermanos Serra y Ramon Destorrents FERRER BASSA. Capilla de San Miguel. Monº de Pedralbes
    • Ferrer Bassa Capilla de San Miguel. Monasterio de Pedralbes
    • Ferrer Bassa
    • Jaume Serra. Retablo de Sigena
    • Jaume Serra. Retablo de Sigena Profanación de la Hostia Epifanía
    • Pere Serra. Retablo Catedral de Manresa
    • Ramon Destorrents. Santa Ana con la Virgen Niña
    • Pintura gótica del siglo XV • En el siglo XV se distinguen dos estilos: – El internacional, que se desarrolla a finales del siglo XIV y se mantiene en la mayor parte de Europa hasta mediados del siglo XV – El flamenco, que se origina en Flandes en el primer tercio del siglo XV, mientras en Italia surge el Renacimiento
    • Estilo Internacional • El traslado de la corte pontificia de Avignon tuvo consecuencias importantes para la pintura, pues allí se juntaron artistas italianos y franceses, naciendo un estilo nuevo que aunará la elegancia y el preciosismo cromático de la escuela de Siena, la serenidad de las creaciones toscanas y el espíritu caballeresco francés. • Se originó un estilo internacional , de carácter ecléctico, que da a lo externo un papel importante; pero idealizándolo. • Este estilo se caracteriza por: • La valoración de lo anecdótico y expresivo • La estilización de las figuras • La afición a la línea curva, manifestada en los pliegues y el movimiento de las figuras • La introducción de detalles naturalistas, que encierran un significado simbólico • El uso de una técnica minuciosa y detallista • Representan este estilo: • Los miniaturistas de las cortes de los duques de Berry y de Borgoña • Los pintores de la Corte de Borgoña, como Jean Malouel o Henry Bellechose, que se relacionan con los primitivos flamencos • Pintores alemanes como Stefan Lochner • El Maestro del Jardín del Paraíso de la Escuela de Praga • Marzal de Sax, Pere Nicolau, Lluis Borrassà, Bernat Martorell y Nicolás Francés en España
    • Estilo Internacional • El origen de este estilo se halla en la evolución de la sociedad y de la cultura durante la Baja Edad Media, en la superación del feudalismo y en el avance de las ciudades y de la burguesía como clase social emergente. • Las nuevas clases privilegiadas demandan un arte más elitista y refinado. Se intercambian libros ilustrados con miniaturas, o pequeñas tablas pintadas, fáciles de transportar por los mercaderes cuyas caravanas cruzan toda Europa. • Las escuelas locales conocerán lo que se hace en otras ciudades, los talleres de pintura realizan ilustraciones o tablas para los poderosos a la vez que diseñan los cartones para los vitrales. Las obras se adquirían y vendían lejos de su lugar de producción. Y también los pintores viajaban. • Desde la corte de los Papas de Aviñón, que era el principal foco de intercambio cultural, el "estilo gótico internacional" se extenderá por Europa durante el último tercio del siglo XIV, como resultado de un intercambio internacional de gustos y técnicas pictóricas.
    • Libro de Horas del Duque de Berry
    • Libro de horas del Duque de Berry
    • Jean Malouel. Piedad
    • Henry Bellechose Última Comunión y martirio de Saint denis
    • Stefan Lochner Adoración de los Reyes
    • Conrad Soest
    • Conrad Soest Altar de la Pasión. Detalle
    • Maestro del Paraíso
    • Marzal de Sax. Batalla del Puig
    • Lluis Borrassà. San Pedro salvado de las aguas
    • Bernat Martorell. Sant Jordi
    • Nicolás Francés Retablo de La Bañeza
    • Nicolás Francés. Retablo de La Bañeza. Vida de San Francisco
    • Estilo Flamenco • Surge en Flandes durante el primer tercio del siglo XV • Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. • Pertenece a este estilo la obra de los hermanos Van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes y Memling. • Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. • Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma de los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. • Es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías. • La mayor parte de las obras son encargos privados para la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. • Predominan los cuadros religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es común que quien encarga la obra, es decir, el "donante", aparezca en la escena como un personaje más. A partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo género: el retrato.
    • Estilo Flamenco. Primer tercio siglo XV • Dentro de los primitivos flamencos, se considera que los pioneros fueron los hermanos Hubert y Jan Van Eyck (1380-1441), además de Robert Campin • A Jan van Eyck se le atribuye la invención de la pintura al óleo. – Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgoña, lo que le permitió moverse en un ambiente aristocrático y refinado y se convirtió en un pintor elitista. Por eso sus cuadros son auténticas joyas, con personajes muy solemnes, fríos e impasibles. – Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. • Es el autor de las siguientes obras: – Con su hermano, hizo el Políptico del Cordero Místico de la catedral de San Bavón en Gante (1432), basado en un pasaje del Apocalipsis. – Cuadros de devoción, como la Virgen del Canciller Rolin y la del canónigo Van der Paele, ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes – Retratos como el del Matrimonio Arnolfini, una alegoría con un avanzado tratamiento de la perspectiva y de la luz. • Robert Campin es el autor del Tríptico de Werle, tablas en las que está representada Santa Bárbara, el donante Enrique Werle con San Juan Bautista y los desposorios de la Virgen.
    • Políptico del Cordero Místico
    • Adoración del Cordero Místico
    • Jan van Eyck. Virgen del Canciller Rolin
    • Jan van Eyck. Virgen del canónigo van der Paele
    • Jan van Eyck. Matrimonio Arnolfini
    • Robert Campin. Tríptico de Werl
    • Robert Campin Retrato de una mujer Retrato de un hombre, quizá Robert von Masmines.1430
    • Estilo Flamenco. Segundo tercio siglo XV • En el segundo tercio del siglo XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. • El más destacado de ellos es Roger van der Weyden, que a diferencia de Van Eyck, se distingue por el dinamismo y el dramatismo. • Su obra maestra es El Descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres, de enormes dimensiones y aprisionadas en un nicho fingido. • Otros pintores: Dierick Bouts y Petrus Christus.
    • Roger van den Weyden Los Sacramentos
    • Roger van der Weyden. Descendimiento
    • Dierick Bouts La Justicia del Emperador Otón
    • Dierick Bouts La Perla de Brabante
    • Dierick Bouts La Perla de Brabante. Paneles laterales
    • Petrus Christus Descendimiento
    • Petrus Christus. Retrato de muchacha
    • Estilo Flamenco. Último tercio del siglo XV • En el último tercio del siglo XV y principios del XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las características del nuevo estilo, marcando la transición al Renacimiento. • Algunos de ellos fueron conservadores de las técnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y Gérard David. • Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo van der Goes, Geertgen tot Sint Jans y, especialmente, Hieronymus van Aeken, llamado el Bosco, y Joachim Patinir
    • Hans Memling
    • Hans Memling
    • Hans Memling
    • Gerard David Retablo del bautismo de Cristo
    • Gerard David
    • Gerard David Descanso en la huida a Egipto
    • Hugo van der Goes Tríptico Portinari
    • Geertgen tot Sint Jans Juan Bautista
    • Geertgen tot Sint Jans
    • Hieronymus van Aeken, el Bosco Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la religión y el pecado. Por eso, sus tablas se llenan de figuras fantásticas y visiones diabólicas, cuyo objetivo parece ser moralizar a base de ácidas críticas, pero recurriendo a numerosos recursos pictóricos (el claroscuro, la perspectiva, los paisajes), que suavizan su mensaje haciéndolo más poético. Es célebre por sus obras fantásticas y misteriosas, por lo que hay que considerarlo aparte de sus contemporáneos. Tiene un estilo inigualable y su simbolismo permanece vivo incluso en la actualidad. El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan: El Jardín de Las Delicias, gran tríptico que resume la historia moral del ser humano de la creación a la condenación El Carro de Heno, otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeres prohibidos. Autorretrato
    • El Bosco. Tríptico de la Adoración
    • El Bosco. Tríptico de la Adoración Panel central
    • El Bosco. Tríptico de la Adoración Detalle de los donantes. Paneles laterales
    • El Bosco. Tríptico del Juicio Final. Paneles exteriores
    • El Bosco. Tríptico del Juicio Final. Paneles interiores
    • Panel Izquierdo. El Paraíso. Detalles
    • Panel Central. Detalle. Cristo Juez
    • Panel central. Detalle. Condenados
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio Paneles exteriores
    • Tentaciones de San Antonio • Antonio nació en el pueblo de Comas, cerca de Heraclea, en el Alto Egipto. • Se cuenta que alrededor de los veinte años de edad vendió todas sus posesiones, entregó el dinero a los pobres y se retiró a vivir en una comunidad local haciendo ascética, durmiendo en un sepulcro vacío. • Luego pasó muchos años ayudando a otros ermitaños a dirigir su vida espiritual en el desierto, más tarde se fue internando mucho más en el desierto, para vivir en absoluta soledad. • De acuerdo a los relatos de san Atanasio y de san Jerónimo, popularizados en el libro de vidas de santos La leyenda dorada que compiló el dominico genovés Santiago de la Vorágine en el siglo XIII, Antonio fue reiteradamente tentado por el demonio en el desierto. • La tentación de san Antonio se volvió un tema favorito de la iconografía cristiana.
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio Detalles Panel Izquierdo
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio Detalle Panel central
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio Detalle Panel central
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio Detalle Panel central
    • El Bosco. Tríptico de las Tentaciones de San Antonio Detalle Panel central
    • El Bosco. El carro de heno. Paneles exteriores
    • El Bosco. El carro de heno. Paneles interiores
    • Detalle Panel izquierdo Detalle Panel derecho
    • Detalles Panel Central
    • El Jardín de las Delicias
    • El Jardín de las Delicias. Paneles exteriores
    • Paneles Laterales. Paraíso e Infierno
    • Joachim Patinir
    • Joachim Patinir
    • Joachim Patinir
    • Jean Fouquet Virgen con el niño
    • Hans Holbein el Viejo Martirio de San Sebastián
    • Hans Holbein el Viejo
    • Lluis Dalmau Mare de Deu dels Consellers
    • Jaume Huguet. San Jorge y la princesa
    • Bartolomé Bermejo. Santo Domingo de Silos
    • Fernando Gallego Cristo bendiciendo
    • Fernando Gallego Piedad