Escultura del Renacimiento en Italia

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO ANNA BLASCO ROVIRA. DPTO. DE GEOGRAFÍA E HISTORIA

INTRODUCCIÓN • La escultura del Renacimiento supuso: – La recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los artistas encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época la inspiración para sus obras. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana – La recuperación de la inspiración en la Naturaleza, interpretándola con gran libertad, no imitándola sino mejorándola • Este fenómeno se desarrolló casi exclusivamente en Italia.

LA ESCULTURA DEL QUATTROCENTO. CARACTERÍSTICAS GENERALES • Las primeras obras conservan rasgos góticos, si bien la escultura del Trecento, representada por los Pisano, tiene rasgos prerrenacentistas. Perviven: – El canon esbelto – La importancia de la línea – La utilización de elementos anecdóticos • Con el nuevo lenguaje escultórico se busca: – La belleza ideal, reproduciendo la Naturaleza para mejorarla – Un tratamiento naturalista de la representación del cuerpo humano a partir de exhaustivos estudios anatómicos, del cual la recuperación del tema del desnudo es su principal manifestación – La composición armoniosa y equilibrada mediante el uso de formas suaves – Un conocimiento de la perspectiva que se puso de manifiesto especialmente en el relieve • La escultura se independiza por completo del marco arquitectónico y se concibe para su exhibición, privada y pública • Se utilizan una gran cantidad de materiales: mármol, madera, bronce, terracota… • Los temas fueron muy variados. A los temas religiosos se añaden los mitológicos y el retrato • Florencia es el centro artístico principal de este periodo

LORENZO GHIBERTI • Su verdadero nombre era Lorenzo di Bartolo (1378-1455). Es el escultor más importante de la Florencia de comienzos del Renacimiento. • Sus esculturas muestran perfección técnica e interés por la sencillez y la claridad clásicas. Superando la técnica de los Pisano, que cubrían las superficies con figuras pero sin la profundidad que Ghiberti alcanzaría a través de los paisajes o las arquitecturas, que actúan como escenografías • Su preocupación por la perspectiva domina todas sus obras • Sus obras más importantes son los relieves de dos de las puertas del Baptisterio de Florencia, junto a la Catedral

SEGUNDA PUERTA DEL BAPTISTERIO • Obtuvo el encargo tras ganar el concurso de 1401 en el que compitió con Filippo Brunelleschi y Jacopo della Quercia • Trabajó en ellas durante más de veinte años, ayudado por sus discípulos, entre los que se encontraban Donatello y Paolo Uccello. • Cada puerta contiene catorce escenas, fundamentalmente sobre la vida de Cristo • Instaladas en 1424, las puertas fueron muy alabadas por las novedades que ofrecían: muestran un interés creciente por la profundidad del espacio representado, cobrando gran importancia la ejecución de las figuras. Inspirándose en las obras de la Antigüedad que servirían de modelo a tantos artistas del Renacimiento

EL CONCURSO DE 1401 El sacrificio de Isaac La obra de Brunelleschi La obra de Ghiberti

2ª P U E R T A

SEGUNDA PUERTA

PUERTA DEL PARAISO

PUERTA DEL PARAISO • La tercera puerta de bronce del baptisterio de Florencia (encargada en 1425 y acabada en 1452) es su obra más importante • Muestra la evolución hacia una representación naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva • Se logra una perspectiva “pictórica” a partir de la combinación decreciente de alto, medio y bajorrelieve en el mismo panel. • En cada una de sus hojas se representan cinco pasajes del Antiguo Testamento. • Cada pasaje es desarrollado a modo de historia a partir de varias escenas, como si de una escenografía se tratara • Miguel Ángel la llamó La Puerta del Paraíso.

Encuentro de Abraham con los tres ángeles y Sacrificio de Isaac

Sacrificio de Isaac

Esaú y Jacob

Salomón y la Reina de Saba

Historia de José

JACOPO DELLA QUERCIA • Jacopo della Quercia o Jacopo Di Pietro d'Agnolo della Quercia (hacia 1367 - 1438) fue un escultor del Primer Renacimiento (o Quattrocento) que trabajó sobre todo en Siena, Bolonia y Lucca. • Su escultura busca una síntesis entre: – la escultura gótica de Giovanni Pisano y de Claus Sluter por una parte – el clasicismo por la otra, en relación con los hallazgos del Renacimiento florentino • Se dedicó especialmente a las figuras, monumentales y de gran vitalidad, de raíz romana • Su obra no tuvo continuadores inmediatos. Más adelante sería desarrollada por Miguel Ángel, el primero en valorar su importancia

FUENTE GAIA. SIENA • En 1409 se encarga a della Quercia la Fonte Gaia en la piazza del Campo de Siena, en la que trabajará de 1414 a 1419 • Monumento rectangular rodeado por tres partes de un elevado parapeto, dos de los cuales albergan los bajorrelieves de la Creación de Adán y la Expulsión del paraíso, con Rea Silviay Acca Larenzia en las pilastras delanteras • En la parte más larga hay relieves con la Virgen con el niño en el centro, en su trono y rodeada de Virtudes y Ángeles. • En esta obra introducirá la técnica de tutto tondo, concebida para que la obra pueda ser vista desde cualquier ángulo.

FUENTE GAIA. SIENA

FUENTE GAIA. SIENA Creación de Adán

FUENTE GAIA. SIENA

RELIEVES DE LA PUERTA DE SAN PETRONIO. BOLONIA

RELIEVES DE SAN PETRONIO Creación de Adán Creación de Eva

RELIEVES DE SAN PETRONIO Eva y la manzana La expulsión del Paraiso

Los trabajos de Adán y Eva

DONATELLO • Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (1386–1466) fue, junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, uno de los padres del Renacimiento. • Donatello destacó con fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano: el stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». • El David de mármol para la catedral de Santa Maria del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada en 1408 • Realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades, tocando todos los géneros y las más variadas técnicas • Es destacable la expresividad de su obra, representó los más variados estados de ánimo, las diferentes etapas de la vida, sin obviar los aspectos más duros o macabros

SAN JORGE

PROFETAS CAMPANILE FLORENCIA

PROFETA HABACUC

EL BANQUETE DE HERODES

CONDOTTIERO GATTAMELATA

CANTORÍA CATEDRAL FLORENCIA

RETRATO DE NICOLÁS DE UZZANO

MAGDALENA PENITENTE

LUCA DELLA ROBBIA • Florencia . 1400-1482. • Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, el nombre de una planta utilizada para teñir), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. • En mármol Luca Della Robbia realizó la Tribuna de los Cantores. • Es conocido especialmente por sus terracotas, en las cuales destacan la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz. Según Vasari, "Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras una vez que las mismas están acabadas, encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del tiempo después de haber experimentado con cantidad de cosas, recubriéndolas con una mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y mixturas cocidas en un horno especial, así se obtiene un efecto eficaz para conservar la obra de barro casi eternamente".

RELIEVES DE LA CANTORÍA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA

VIRGEN CON SAN FRANCISCO Y SAN COSME

SAGRADA FAMILIA

Asunción de la Virgen Virgen con el Niño

RETRATO DE MUJER

DECORACIÓN CAPILLA PAZZI

VERROCCHIO • Andrea del Verrocchio, (h. 1435-1488) fue pintor, escultor y orfebre • Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, y Sandro Botticelli • En su madurez se dedicó principalmente a la escultura, sus principales obras son: – El David, vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello. La belleza idealista de sus rasgos está más cercana al espíritu de Ghiberti que al del innovador Donatello. – Cristo y Santo Tomás, para Orsanmichele – Retrato ecuestre del condottiero Colleone, su obra más famosa, encargada por la República de Venecia. En él destaca el movimiento que se imprime a la obra levantando una de las patas del caballo y la expresión del rostro de Colleone, cuidadosamente reflejado.

CRISTO Y SANTO TOMÁS

CONDOTTIERO COLLEONE

MIGUEL ÁNGEL • Florencia 1475- Roma 1564 • Pintor y arquitecto, fue sobre todo escultor, faceta que inspiró toda su obra • Su obra refleja su compleja vida interior, reflejo de todos los estados de ánimo. • El dramatismo (la terribilitá) domina su obra escultórica y pictórica • Aportó soluciones originalísimas a los problemas del movimiento y la composición, dando lugar a ritmos nuevos inspirados en la realidad • Su inmensa capacidad creativa le permite esculpir bloques de gran tamaño en una sola pieza, extrayendo la figura del interior del bloque

PRIMERAS OBRAS • En sus primeras obras, los relieves de la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, ya hay una clara definición de su estilo. • Se muestra como heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV y del arte clásico. • En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos • La Virgen de la escalera presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en el tratamiento de los planos de la figura como en su contorno vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.

PRIMERAS OBRAS: BATALLA DE LOS CENTAUROS

PRIMERAS OBRAS: VIRGEN DE LA ESCALERA

EL BACO Y LA PIETÁ • Su primer viaje a Roma tuvo lugar en 1496. • La primera obra que realizó fue un Baco de tamaño natural, semejante a una estatua clásica. Primera gran obra maestra de Miguel Ángel, en la que se muestra la característica constante de la sensualidad en su escultura y donde se simboliza el espíritu del hedonismo clásico • En 1497 recibió del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas el encargo de una Piedad como monumento para su mausoleo en la capilla de Santa Petronila de la antigua basílica de San Pedro, y que más tarde fue instalada en la nueva basílica. • La originalidad de la obra estriba en una Virgen serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio: rompiendo con el dramatismo con el que se venía representando.

PIEDAD DEL VATICANO

DAVID • En la primavera de 1501 vuelve a Florencia, donde se había declarado una nueva república. Su dirigente, Piero Soderini, le encarga una escultura de David. • Trbaja sobre un gran bloque de mármol abandonado que se encontraba en Santa María del Fiore. Miguel Ángel realizó un modelo en cera y se puso a esculpir en el mismo lugar donde estaba ubicado el bloque durante dos años y medio, que fue el tiempo que tardó en acabarlo, arrancando el mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa • Hizo la representación de la escultura en la fase anterior a la lucha con Goliat, con una mirada cargada de incertidumbre y con la personificación simbólica de David defendiendo la ciudad de Florencia contra sus enemigos. Los florentinos vieron el David como símbolo victorioso de la libertad. • Esta obra muestra un extraordinario equilibrio de la fuerza en tensión y del conocimiento de la anatomía del cuerpo humano • Tan pronto estuvo terminada, por consejo de una comisión formada por los artistas Francesco Granacci, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Giuliano da Sangallo, Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Pietro Perugino, entre otros, se decidió colocarla en la Plaza de la Señoría enfrente del Palazzo Vecchio

TONDO PITTI Y MADONNA DE BRUJAS • En 1501 trabajó también en un altorrelieve, el Tondo Pitti, que muestra a la Virgen sentada con Jesús apoyado sobre un libro abierto encima de las rodillas de su madre. • Hacia 1503 realizó, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscron, una Virgen con Niño para una capilla de la iglesia de Nuestra Señora de Brujas, en la que destaca la verticalidad de la escultura. • Está representada en un momento de abandono, en el que su mano derecha sólo tiene la fuerza necesaria para evitar que el libro no caiga y la izquierda está sujetando suavemente al niño Jesús, en contraposición con la vitalidad de movimiento que demuestra el Niño.

TONDO PITTI

MADONNA DE BRUJAS

TUMBA DE JULIO II • El año 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II para proponerle la construcción de su sepultura, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. • El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. • El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. • Sin embargo, por indicación de Bramante, Julio II cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina. • El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia • En 1513, cuando terminó la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina y Miguel Ángel creía que ya podría esculpir los mármoles del sepulcro, falleció el papa Julio II y se aplazó la ejecución durante dos décadas más.

TUMBA DE JULIO II. PROYECTO DE MIGUEL ÁNGEL

TUMBA DE JULIO II • Tras varios proyectos, el sepulcro quedó reducido a un retablo con solo siete estatuas, que se instaló en 1542 en la iglesia de San Pietro in Vincoli y no en la basílica del Vaticano. • La gran escultura del sepulcro es la figura de Moisés, la única de las ideadas en el primer proyecto que llegó al final de la obra. • La estatua colosal, con la terribilitá de su mirada, demuestra un dinamismo y una fuerza extraordinarios.

TUMBA DE JULIO II. SAN PIETRO IN VINCOLI

MOISÉS

ESCLAVOS Mº LOUVRE • Para el primer proyecto, había realizado durante los años 1513-1516 el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde (ambos en el Museo del Louvre), que representan los pueblos paganos en su reconocimiento de la fe verdadera. • El Esclavo moribundo recuerda las imágenes de San Sebastián: el tronco del cuerpo hace una torsión, con un movimiento contenido hacia atrás, que se acentúa con el brazo izquierdo sobre la cabeza y se encuentra equilibrado por el derecho que cruza el cuerpo sobre el pecho. • El Esclavo rebelde es un claro recuerdo de la expresión de la escultura del Laocoonte y sus hijos, de cuyo descubrimiento en Roma Miguel Ángel fue testigo

ESCLAVO. Mº LOUVRE

ESCLAVOS DE FLORENCIA Y GENIO DE LA VICTORIA • Desde 1520 esculpió cuatro estatuas más de esclavos, con una medida más grande que la pareja anterior y menos acabados en su realización, con aspecto de atlantes, conocidos como el Joven esclavo, Esclavo atlante, Esclavo despertándose y Esclavo barbudo. • Asimismo, esculpió la estatua del Genio de la Victoria, que entraba dentro del quinto proyecto realizado para la tumba de Julio II. • El grupo escultórico, colocado en el Salón del Cinquecento del Palazzo Vecchio, es la representación del victorioso vencido, la victoria de la la juventud sobre la vejez

ESCLAVOS. Mº DE LA ACADEMIA

GENIO DE LA VICTORIA

TUMBAS MEDICEAS Tumba de Lorenzo II Tumba de Juliano II

TUMBAS MEDICEAS • En la tumba de Lorenzo se representan el Crepúsculo, como un hombre que empieza a envejecer, y la Aurora, una mujer joven que se despereza • Encima, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos. Su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «il pensieroso». Tumba de Lorenzo II

TUMBAS MEDICEAS • Sobre la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que representa la paz suprema que se alcanza tras la muerte, y el Día que muestra la plenitud diurna a través del vigor de la figura. • Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II. A pesar de la coraza, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. Tumba de Juliano II

TUMBA DE LORENZO II

TUMBA DE LORENZO II La Aurora

TUMBA DE JULIANO II

TUMBA DE JULIANO II La Noche

TUMBA DE JULIANO II El Día

TUMBAS MEDICEAS EL DÍA LA NOCHE LA AURORA EL CREPÚSCULO

PIEDAD FLORENTINA Y PIEDAD RONDANINI • El grupo escultórico de la Piedad florentina consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen, María Magdalena y Nicodemo, los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel. La estructura es piramidal, con Nicodemo como vértice, y el Cristo se muestra como una figura serpentinata propia del manierismo.[ • La Piedad Rondanini sería la última escultura en la cual trabajaría • La religiosidad que muestra es el resultado de una crisis interna del autor. • Las imágenes de la Piedad Rondanini son alargadas y tanto el Cristo como la Virgen se encuentran completamente unidos como si se tratase de un solo cuerpo. Se aprecia una frontalidad dramática de origen medieval. • La Piedad Rondanini es, de todas sus esculturas, la más trágica y misteriosa.

PIETÁ DE FLORENCIA

PIETÁ RONDANINI

BENVENUTO CELLINI • Florencia, 1500- 1571 • Escultor y orfebre , es uno de los artistas mejor conocidos del Renacimiento italiano gracias a su autobiografía (Vita, h. 1558- 1566) • De 1519 a 1540 residió fundamentalmente en Roma, donde recibió encargos del Papa • En 1540 se trasladó a Francia para trabajar al servicio de Francisco I en Fontainebleau. Por entonces realizó el celebérrimo Salero de oro con esmaltes, en el que plasmó en pequeño tamaño y con multitud de detalles un grupo escultórico. • Regresó a Florencia en 1545. En esta ciudad trabajó al servicio de Cosme I de Médici, para quien realizó bustos y esculturas en metal, entre las cuales se cuenta el famoso Perseo de la Loggia dei Lanzi, que se considera su obra maestra.

PERSEO

SALERO DE FRANCISCO I

GIAMBOLOGNA • Jean Boulogne (Douai, 1529 – Florencia, 1608), conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. • Fue autor de varias esculturas famosas de temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini. • Se vio muy influido por Miguel Ángel y el dinamismo de su obra, aunque desarrolló su propio estilo . • Juan de Bolonia rompe con la concepción de Miguel Ángel según la cual la escultura debe recordar en cierta forma que es un pesado bloque de piedra extraído de la roca y modelado, prefiriendo desafiar los cánones y mostrar los efectos que se pueden llegar a lograr.

EL RAPTO DE LAS SABINAS

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Escultura del Renacimiento en Italia

by ies senda galiana on Mar 08, 2010

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