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Tercera parte artistas Document Transcript

  • 1. TERCERA PARTE ARTISTAS GIOVANNI BELLINIAlegoría CristianaTambién conocida como Alegoría Sagrada. Es una de las obrasrealizadas en el periodo de madurez del artista.Realizada altemple sobre tabla en el año de 1490.Esta gran obra se encuentra en la Galería de los Uffizi enFlorencia.Es posible que el cuadro haya sido encargado por Isabelde Este. Se puede interpretar como una alegoría del Purgatorio,inspirado en el poema Le Pelerinage de L’Ame, del poetaGuillaume de Deguileville.Ha sido interpretado como un debate sobre los atributos divinos:la misericordia, la verdad, la justicia y finalmente la paz.Tambien existe otra interpretación, la obra puede ser unameditación sobre la Redención.La obra se desarrolla en un marco arquitectónico con un coloridopaisaje de fondo. Existen varias figuras de santos cuyo nexo deunión o sentido general de la obra no está muy claro.En la terraza podemos observar elaboradas baldosas enperspectiva de mármol. La profundidad del paisaje también por elcromatismo del cuadro.Su brillante luz unificadora y su detalle en el tratamiento realistade los personajes en un balcón celestial es todo un misterio.El niño que esta agitando un árbol en el centro del cuadro puedeser una representación a la inocencia anterior al pecado original.
  • 2. A la izquierda de este patio celestial, la Virgen sentada en untrono sobre el que cuelgan uvas de la Eucaristia.Presentación en el TemploUna pintura realizada por Giovanni Bellini, entre 1450 y 1460.La hermana de Giovanni, llamada Nicolasia se casó con Mantegna,es por esta razón que hay una influencia entre los dos artistas.Tienen la misma composición y personajes: La Virgen y el Niñoapoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo ycaduco sacerdote que se adelanta a coger al niño mientras queJosé, en segundo plano y medio oculto, mira la escenafrontalmente. En la representación de Bellini hay dos más,incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, comouna pequeña muchedumbre humana. La cornisa ha dejado el sitio
  • 3. a un alfeizar mas ágil, que aísla menos las figuras respecto alespectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentancon mayor dulzura y naturalismo en las carnaciones y demássuperficies. El fondo es absolutamente negro, resaltando lasfiguras de todos los personajes. Sobre todo la de la virgen a la queel reflejo de la luz ilumina su rostro. Este tipo de iluminación estípicamente veneciana, acentuando el color.Giovanni Bellini se interesa también por el estudio de losvolúmenes y de la perspectiva creada con la sucesión de figurasen diferentes planos y colocando en primer término una ampliabarandilla donde se apoya la Virgen y el Niño.Se interesa muchopor los pliegues de la tela, que los resuelve de manera simple.El Retablo de Pésaro
  • 4. Es una de las obras famosas del pintor renacentista GiovanniBellini, realizada en 1471 y 1474 en óleo sobre tabla.Está dedicado a la Coronación de la Virgen, la mando a pintar lafamilia de los Pésaro para la Iglesia de San Francisco de Pésaro.Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizaren Venecia la escuela rival de los Vivarini.Se inspira en Piero della Francesca, aunque Giovanni se vaalejando poco a poco del estilo paterno y supera resabios delgótico tardío. La perspectiva en este cuadro se manifiesta en elsuelo adornado con baldosas de diferentes colores. Asi mismo elpaisaje le da un toque de profundidad a la pintura.En el retablo Pésaro el artista sintetiza el color con la forma y
  • 5. unifica en un mismo espacio los objetos y demás seres figurados.Representa una escena de la Biblia, la Virgen se encuentra en unacto de coronación, acompañada de santos y santas en las calleslaterales. El autor muestra varias escenas con santos en lapredela.Sentados en un trono que se parece a un arco de triunfo seencuentra el personaje principal de la obra, María junto a Cristoen el acto de coronación.Cuatro santos están presentes al igual que una pequeña corte dequerubines en el cielo junto con una paloma blanca que simbolizael espíritu santo.Al ser un gran escultor, sus imágenes adquieren una grandiosidadempapada de volumen. GIORGIONE, TIZIANO, CORREGGIO GIORGIONE Judith TERCERA PARTE ARTISTAS GIOVANNI BELLINIAlegoría CristianaTambién conocida como Alegoría Sagrada. Es una de las obrasrealizadas en el periodo de madurez del artista.Realizada altemple sobre tabla en el año de 1490.
  • 6. Esta gran obra se encuentra en la Galería de los Uffizi enFlorencia.Es posible que el cuadro haya sido encargado por Isabelde Este. Se puede interpretar como una alegoría del Purgatorio,inspirado en el poema Le Pelerinage de L’Ame, del poetaGuillaume de Deguileville.Ha sido interpretado como un debate sobre los atributos divinos:la misericordia, la verdad, la justicia y finalmente la paz.Tambien existe otra interpretación, la obra puede ser unameditación sobre la Redención.La obra se desarrolla en un marco arquitectónico con un coloridopaisaje de fondo. Existen varias figuras de santos cuyo nexo deunión o sentido general de la obra no está muy claro.En la terraza podemos observar elaboradas baldosas enperspectiva de mármol. La profundidad del paisaje también por elcromatismo del cuadro.Su brillante luz unificadora y su detalle en el tratamiento realistade los personajes en un balcón celestial es todo un misterio.El niño que esta agitando un árbol en el centro del cuadro puedeser una representación a la inocencia anterior al pecado original.A la izquierda de este patio celestial, la Virgen sentada en untrono sobre el que cuelgan uvas de la Eucaristia.Presentación en el Templo
  • 7. Una pintura realizada por Giovanni Bellini, entre 1450 y 1460.La hermana de Giovanni, llamada Nicolasia se casó con Mantegna,es por esta razón que hay una influencia entre los dos artistas.Tienen la misma composición y personajes: La Virgen y el Niñoapoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo ycaduco sacerdote que se adelanta a coger al niño mientras queJosé, en segundo plano y medio oculto, mira la escenafrontalmente. En la representación de Bellini hay dos más,incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, comouna pequeña muchedumbre humana. La cornisa ha dejado el sitioa un alfeizar mas ágil, que aísla menos las figuras respecto alespectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentancon mayor dulzura y naturalismo en las carnaciones y demássuperficies. El fondo es absolutamente negro, resaltando lasfiguras de todos los personajes. Sobre todo la de la virgen a la queel reflejo de la luz ilumina su rostro. Este tipo de iluminación es
  • 8. típicamente veneciana, acentuando el color.Giovanni Bellini se interesa también por el estudio de losvolúmenes y de la perspectiva creada con la sucesión de figurasen diferentes planos y colocando en primer término una ampliabarandilla donde se apoya la Virgen y el Niño.Se interesa muchopor los pliegues de la tela, que los resuelve de manera simple.El Retablo de PésaroEs una de las obras famosas del pintor renacentista GiovanniBellini, realizada en 1471 y 1474 en óleo sobre tabla.Está dedicado a la Coronación de la Virgen, la mando a pintar lafamilia de los Pésaro para la Iglesia de San Francisco de Pésaro.
  • 9. Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizaren Venecia la escuela rival de los Vivarini.Se inspira en Piero della Francesca, aunque Giovanni se vaalejando poco a poco del estilo paterno y supera resabios delgótico tardío. La perspectiva en este cuadro se manifiesta en elsuelo adornado con baldosas de diferentes colores. Asi mismo elpaisaje le da un toque de profundidad a la pintura.En el retablo Pésaro el artista sintetiza el color con la forma yunifica en un mismo espacio los objetos y demás seres figurados.Representa una escena de la Biblia, la Virgen se encuentra en unacto de coronación, acompañada de santos y santas en las calleslaterales. El autor muestra varias escenas con santos en lapredela.Sentados en un trono que se parece a un arco de triunfo seencuentra el personaje principal de la obra, María junto a Cristoen el acto de coronación.Cuatro santos están presentes al igual que una pequeña corte dequerubines en el cielo junto con una paloma blanca que simbolizael espíritu santo.Al ser un gran escultor, sus imágenes adquieren una grandiosidadempapada de volumen. GIORGIONE, TIZIANO, CORREGGIO GIORGIONE Judith
  • 10. Es una de las pinturas de Giorgine, realizada en óleo sobre tabla, en 1503.Uno de los maestras de la composición, en su obra Judith ubica loselementos de la composición en planos sucesivos y que ayudan a la correcta interpretación de la perspectiva, inserta de manera muy correcta la figura en el paisaje. Giorgione pinta a Judith, una heroína bíblica, en primer plano pisando la cabeza de Holofernes. Su cabeza se encuentra contemplándola, su rostro presenta un semblante de confidencia y serenidad. Recibe un fuerte impacto lumínico que resalta las tonalidades de su vestido. La protagonista viste un vestido rosado con un corte en la pierna izquierda, la que se muestra sobre la cabeza de Holofernes, su cabella está recogido, en su mano derecha sujeta una espada que se oculta detrás de su esbelto vestido. Detrás de Judith se encuentra un muro con grietas, dando la sensación de un muro viejo. Colocando su brazo izquierdo en la parte más alta del mismo. Al fondo de la composición se encuentra situado un paisaje enperspectiva, dividido por un murete que no impide la visión de una ciudad envuelta en tinieblas que es interpretada por el artista,
  • 11. cuyos colores siguen la misma línea cromática que la escena. Pinta el cuadro con colores suaves entre los que se incluyen: marrón, amarillo y salmón. La vieja
  • 12. La obra del retrato de la vieja fue una muy reconocida por el autor, fue realizada en 1505. Pocos años antes de la muerte del pintor. Encargo privado posiblemente de gente adinerada de aquel entonces. Es una colección de Vendramin, esta citada en los inventarios de 1567-69 y 1601. Existen varias hipótesis sobre la simbología deesta obra, una de ellas es una alegoría. La anciana porta un billete en su mano derecho, el que tiene una leyenda “Con el tiempo”.Otra de las hipótesis apunta que se trata de un sensacional retrato.La pintura refleja ideas que se adjudican a Leonardo, por la fusión entre el fondo y la figura en sí, así como también la pose de la mano sobre el antepecho. En sintonía con la disposición del apóstol Felipe en la Ultima Cena de Milán. Giorgione poseía un estilo naturalista, del que rodeaba a suscuadros. La protagonista es una mujer mayor, con el cabello cano, arrugas propias de la edad, vestimenta antigua y un poco sucia y descuidada, tal vez, para mostrar el paso del tiempo. Por estos factores, podemos decir que el cuadro nos muestra sensaciones. Se dice que Giorgione se pudo haber inspirado en un cuadro de Alberto Durero llamado “La Avaricia” o también conocido como “Anciana con monedero”. Adoración de los Magos Este cuadro de Giorgione fue realizado en 1504, en óleo sobre tabla. Se debe decir que el artista fue uno de los discípulos de de
  • 13. Leonardo, adoptando varias referencias de Da Vinci, como el sfumato leonardesco y los perfiles suaves.Hace uso de un elemento arquitectónico, un muro de ladrillos, que lo crea gracias a la iluminación empleada que manifiesta una sensación atmosférica. En la zona de la izquierda, remarcada por colores oscuros que plasman una zona de penumbra, el pintor representa la Sagrada Familia, con sus miembros: San José, que se encuentra en una posición de desproporción respecto a la Virgen. La zona de la derecha está iluminada por un potente foco, el cual resalta luminosas y brillantes tonalidades de los ropajes, tanto de los magos como de los pajes.Este es uno de los cuadros del autor en el que la disposición de los caballos en el fondo, impiden que se desarrollo profundidad en la obra, reduciendo el espacio pictórico, pues dispone las figuras en un primer plano, que al estar cerca del espectador, cierra el espacio. Mostrando al autor un poco primitivo en este aspecto.Muestra una escena bíblica, donde representa a María cargando ensus brazos al niño Jesús y a su lado se encuentra José, frente a ellos el pintor muestra a los reyes magos arrodillados ante el rey, ofreciéndole regalos. Una muchedumbre se representa detrás de ellos, y dos caballos orientados hacia el Salvador. CORREGGIO La asunción de la Virgen
  • 14. Es un fresco pintado en la cúpula, por el pintor Correggio entre los años de 1526 y 1530, realizado para la Catedral de Parma en Italia.A diferencia del clasicismo, no se basa en una composición con un eje central. Esta obra esta descentrada, desestructurada, haciendo hincapié en el estilo barroco. La obra representa la Asunción de la Virgen María, quien se encuentra representada con un vestido color rojo y azul, los ángeles la levantan para subirla al cielo en cuerpo y alma. Alrededor de la protagonista, varios ángeles giran concéntricamente, algunos de ellos con instrumentos musicales, al igual que otros personajes, por ejemplo Adán y Eva, Judith con la cabeza de Holofernes. En los cuatro triángulos curvados que forman las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de la ciudad: San Hilario que viste un manto amarillo, San Juan Bautista junto a un cordero, Santo Tomas, con el que seencuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo quien fija su mirada hacia arriba.Las figuras del fresco están iluminadas por una luz ideal, simbólica y que dan la sensación de atravesar el espacio material y de ser aspiradas por el espacio divino. El autor se metió tanto en el tema, que utilizo absolutamente todo para dar la sensación de
  • 15. que las figuras estaban subiendo junto con María al cielo.Tiene gran influencia en lo que respecta a perspectiva adquirida por Melozzo. Júpiter e IoEs uno de los cuadros más conocidos del pintor Correggio, pues en ella llega a la cúspide de sus posibilidades artísticas. Realizado en óleo sobre lienzo entre los años de 1531 y1532.Encargada por Federico II Gonzaga para decorar la Sala de Ovidio en el Palazzo de Te de Mantua. Esta obra conformaba una pieza de El rapto de Ganimedes y Dánae otra de sus obras.
  • 16. Representa una escena de la Mitología griega que se encuentra narrada en Las Metamorfosis de Ovidio, Io era una doncella de Argos, hija de Inaco y sacerdotisa de Hera, hija del rey Yaso, a laque Zeus quien era el dios griego del que es equivalente según los romanos a Júpiter, visito en forma de una enorme neblina para quitarle la virginidad. Esta manifestación representa el momento de la unión carnal entre Io y Zeus, arropándola en forma de nube, de la cual sepuede observar ciertas facciones de hombre, que hacen el amor a la protagonista. Destacando en la obra el erotismo que nace del cuerpo de Io, mientras La nube, Zeus, la acaricia.El ciervo representado en el cuadro, bebiendo agua, en la esquina inferior derecha del cuadro, no aparece en la historia de Ovidio, fue un elemento añadido por Correggio. Que se cree que puede hacer referencia a la interpretación del pintor, el padre de Io era Inaco, una oceánida o dios fluvial.Los colores en la obra están basados en el contraste entre el cielo, dibujado con densas nubes oscuras, y la blanca figura de Io, en una postura retorcida típicamente manierista. El cuerpo está colocado en forma serpentinata, es decir en S, típica del autor, a la que cogieron como referencia tiempos después los pintores barrocos. El rapto de Ganimedes
  • 17. Es una de las obras más importantes del autor, ya que con ella alcanza la máxima representación de su pintura y sus posibilidades artísticas. Esta realizado en óleo sobre lienzo entres los años de 1531 y 1532. Fue pintada para conformar un conjunto de obras del autor, una de ellas fue Jupiter e Io y la otra fue Danae, forman parte de 4 telas, para decorar la Sala de Ovidio en el Palazzo Te de Mantua,aunque luego, fueron un reglao para el emperador Carlos V, y, en consecuencia, el ciclo fue dispersado fuera de Italia. Un cuadro que representa una escena de la mitología griega, Ganimedes era un hermoso príncipe de Troya, hijo del mismo epónimo Tros. Ganimedes vivía en el Monte Ida de Frigia, y Zeuslo rapto adoptando la forma de un águila. En el Olimpo, Zeus hizo a Ganimedes su amante, y también su copero en sustitución de Hebe. Se puede observar el momento del ascenso del bello jovenGanimedes, cogido por el águila. En la parte inferior, hay un perro mirándolos, mientras que Ganimedes fija la mirada en el espectador. Tanto este perro como las rocas que están formadas por numerosas líneas verticales subrayan la idea de movimientoascendente. El formato del cuadro, estrecho y alto, es idóneo para
  • 18. representar estas imágenes de ascensión. ALBERTO DURERO Fiesta del RosarioConocido en alemán, como Rosenkranzaltar, o también conocidocomo La Virgen de la fiesta del Rosario, es un cuadro realizado en1506, en óleo sobre madera de álamo. Es la obra más importante de su carrera, ya que se dice que incluso en su época tuvo gran éxito, a tal punto, que se acercaba a verlo incluso el patriarca, el dux y muchos más. Es una síntesis de su obra anterior. Fue un encargo del banquero Jacob Fugger, quien era el intermediador entre el emperador Maximiliano y el papa Julio II con respecto a la coronación de aquel. Es por esta razón que participan en la obra de Alberto Durero. El artista realizo el cuadro siguiendo sus conocimientos de anatomía, geometría y matemáticas, lo que caracteriza al humanismo renacentista. En sus viajes que realizaba a Venecia, pudo resolver y mejorar sus técnicas, como el arte del matiz y el uso de la perspectiva matemática, influenciado por Giovanni
  • 19. Bellini.En esta obra, a diferencia de otras podemos observar que el autor se centra muchísimo en los detalles, para acercarse más al realismo; utilizando sombras por ejemplo.La organización es más pronunciada en torno a un rígido triangulo o pirámide central en donde se situan los personajes principales, llegando a ser Maria quien se muestra en la cúspide de la pirámide, estando estructurado en la base el emperador y elpapa. El niño Jesus queda ligeramente descentrado con relación al eje del cuadro. Autorretrato de DureroEs un retrato del autor, también conocido como autorretrato con traje de piel, que lo realizo cuando tenía 27 años de edad, realizado en 1498 en óleo sobre tabla, aunque su aspecto en el cuadro parece de un hombre mucho mayor que de 27 años. Se ve frontalmente el abrigo de pelliza, Durero tiene una
  • 20. expresión seria, pero al mismo tiempo serena. Su larga melena que le llega a los hombros marca muy definidamente su cabellorizado de color rubio dorado; da la apariencia de una figura muy parecida a la de Cristo. Dando un tratamiento minucioso de su cabello, del cual se dice que estaba obsesionado. El artista logro en su autorretrato dibujar un rostro con una mirada profunda y al mismo tiempo cautivadora. Sus ojos color verdes en conjunto con su mirada fija hacia el espectador,demuestran a un Durero sincero, sereno, noble y honesto. Pocos son los autores que han logrado realizar un trabajo de sensaciones y expresiones como lo hizo Alberto Durero en su propio rostro, recordando a la iconografía de Jesucristo. El fondo oscuro resalta la figura de Durero, dando un efecto de silencio, mostrando un espacio en el que todo parece estar tan tranquilo, lleno de quietud; su cara, su cabello, sus manos, suvestimenta, todo está dentro de una atmosfera de tranquilidad.Su cara sobresale dramáticamente por su cromática y los efectos que maneja. Su vestimenta es simple, destacando su color marrón y el terciopelo de la bata con el cuello de lana que se deja ver una parte del traje que Durero porta en el autorretrato de 1493. Sumano derecha acaricia levemente su bata, lo que nos devuelve a las representaciones de Cristo, donde tenia una postura semejante, tocando el pecho. La luz que representa el autor en el cuadro es muy pobre, proviene del lado izquierdo del cuadro y es el único foco que alumbra la escena. Los cuatro apóstoles
  • 21. Es una obra realizada a modo de díptico, acabada en 1526, es una pintura al oleo sobre madera de tilo.El autor después de haber viajado muchísimo por los países bajos,al volver a Nuremberg decidió realizar este díptico como una obra monumental y una especie de testamento espiritual, pues estas figuras representan su presencia espiritual, la encarnación, los pilares y las garantías de una fe y una moral nuevas y del estado espiritual, universal y natural. Durero encargó un marco muy elaborado para esta pintura y la regalo al municipio de la ciudad de Nuremberg, constando la donación en un documento de 1526 que decía que espera que acepten esa humilde obra que les ofrece, habiéndola escogido entre las pocas obras que le quedaban. Aunque estaba pintada con mucho cuidado. Es una obra realizada en la madurez del pintor, donde se observa la influencia veneciana que tuvo, por sus viajes a esta ciudad, nodejando de ser una obra nórdica por la expresividad de los rostros y los minuciosos detalles; por su intenso cromatismo y por la concepción estatuaria y escultórica de los personajes. Contrastalas tonalidades cálidas e intensas como el rojo, el azul y el dorado; con las tonalidades frías representadas por el blanco y el gris azulado. Una vez más se inspira en su colega Giovanni Bellini, tomandocomo referencia modelos inmediatos del pintor, para la iglesia de
  • 22. Frari en Venecia.En uno de los dípticos se encuentran las figuras de San Juan y SanPedro, a los que se puede reconocer por la llave, leen la Biblia en el propio evangelio de Juan. En el panel de la derecha aparecen San Marcos y San Pablo, quienes portan un Bilbia en la mano. Los personajes representarían el hombre, sus edades, los cuatro temperamentos clásicos. GRUNEWALD MATIAS Crucifixion Es una obra realizada por Grunewald ente los annos de 1512 y1516. Esta realizado al temple en oleoo, sobre el panel de madera de tilo. La Crucifixion es una escena representada en los dos panelescentrales del Retablo de Isemheim. La representación refleja una dramática expresividad por parte de las figuras. En el centro de la composición se encuentra la cruz, que ha sido tallada a partir de un árbol groseramente, que soporta la figuraprincipal, Jesucristo, quien está ligeramente descentrado con una tonalidad que da la impresión que el cuerpo esta putrefacto con
  • 23. heridas purulentas y crispado. Se muestra un hombre cuya posición y heridas están acabando poco a poco con su vida, fue retratado en los últimos espasmos que precede a la muerte. Por esta razón se ve sus brazos contorsionándose de manera impresionante, desarticulados. La cabeza se muestra inclinadadebido a la falta de fuerza que tiene para mantenerla hacia arriba, su boca parece haber exhalado su último suspiro. A lado derecho de la cruz se encuentra a los pies de Jesucristo, Magdalena quien parece estar implorando a Cristo. Viste un amplio manto color rosa, se retuerce de lamento y levanta sus manos hacia la cruz.A un costado derecho de la cruz vemos a María sostenida por San Juan, quien viste un velo y blanco habito monacal. Con un rostro que por su palidez y agotamiento muestra una belleza diferente. Su posición angustiada, por encontrar el cuerpo de su hijo crucificado.Se retuerce las manos hasta hacerse daño. San Juan es quien está mostrando apoyo a María, y dándole fuerzas, viste un manto rojo, su cabello es dorado y parece un joven estudiante alemán. A la derecha esta Juan Bautista y a sus pies el Cordero de Dios símbolo de aquel Jesús que él ha bautizado. Virgen de Stuppach
  • 24. Es un cuadro del pintor alemán Matthias Grunewald. Realizado en la segunda mitad de los años 1510 en temple, pintado sobre una madera resinosa de la mejor calidad, es decir es una obra de técnica mixta.Es la parte central del retablo Ashaffenburger, considerada la obra maestra de Grunewald. Se desarrollo al mismo tiempo que el retablo de Isemheim, por esta razón se puede observar que LaVirgen tiene gran similitud con la del retablo de Isemheim. Fue un encargo realizado por el canónigo Kaspar Schantz en el año de 1514.Se representa a María con el Nino siendo un cuadro de ideología religiosa, esta obra fue realizada como una pintura devocional para la nueva capilla. El Escarnio de Cristo
  • 25. Es un cuadro del pintor Grunewald. Se realizo en año de 1503, esla obra mas antigua, cuya autoria no es controvertida. Pintada al temple y oleoo sobre panel de madera. Jesus de Nazaret es representado con una benda en los ojos, sentado. Sus brazos y las manos se encuentran atados con una cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un verdugo, delante de el, tira de la cuerda; otro detrás, alza el puno para pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo.A la derecha se observa un personaje con un bastón sujetado por su mano izquierda y con la derecha imita una cachetada como ademan. En el hombro de este verdugo se apoya otro hombre, mucho más viejo con el que habla.En el fondo de la pintura se observan tres hombres: Uno de ellostoca la flauta al tiempo que golpea el tambor, otro, el más joven, parece estar al margen de todo lo que ocurre, aunque se venatisbos de alegría en él, el tercero, al que solo se le ve la cabeza, muestra una expresión de desconsuelo y lamento. Este cuadro está repleto de sensaciones y expresiones por la misma representación que se realiza al igual que su tema. Los
  • 26. verdugos casi parecen caricaturas, y expresan brutalidad y falta depiedad. Lleno de dramatismo, el que en ese entonces era inédito. CRANACH LUCAS La ninfa de la fuente Es una obra realizada por Lucas Cranach, el viejo, conocido así porque su hijo, pintor igual que él, se llamaba igual. Se realizo entre los años de 1530 y 1534. Optó por la mitología griega y por ende la sensualidad del desnudo femenino.Esta tabla representa a la ninfa de la fuente Castalia, de cuya agua bebían filosofos y poetas, quien les brindaba inspiración. Se muestra tumbada sobre un tupido césped, en una posición antinatural, con la cabeza apoyada sobre el brazo derecho. Se encuentra levemente girada hacia el espectador, con su pierna izquierda levantada para entrecruzarse con la derecha. Detrás de la ninfa se halla un tronco de árbol, y destras de estepodemos observar los diferentes planos que usa el autor para dar un sentido de profundidad en la pintura, conseguidas con la perspectiva. Se puede asimiliar esta ninfa, según el criterio de su postura, a la
  • 27. Venus de Giorgione de la Gemaldegalerie De Dresde y a las deTiziano por la cartela del angulo superior izquierdo, el texto de lamisma corresponde a un poema latino. El carcaj con flechas y el arco apoyados en el árbol se cree que según las hipótesis realizadas pueden hacer referencia a Diana cazadora o bien a Cupido, quien acompañaba a Venus. Venus desnuda Esta pintura tiene como protagonista a Venus, salida de la mitología griega. Remarca la sensualidad del desnudo con la Venus, por sus delicadas carnaciones, el suave claro oscuro que realiza además de cómo resuelve la gasa transparente que pinta el artista, cuyotrazado curvilíneo y su textura erótica, que apenas tapa su pubis, expresa sensualidad. Su postura es equilibrada y armónica, no posee un cuerpototalmente perfecto ni de Diosa, pero su saber estar y su posición
  • 28. la hacen parecer tan esbelta como las mismas diosas, la cualcorresponde al arte clásico y renacentista, aunque sus rasgos en elrostro muestran el origen germánico del autor. Así como también los detalles que lleva en su cabeza, un cintillo rojo, el detallismo del tocado del cabello, la gargantilla y el collar que porta la protagonista, revela la tradición nórdica del artista. La luz de la pintura, el color y la textura, hacen de la Venus una mujer de gran belleza que además seduce y muestra sensualidad por doquier. Su piel blanquecina genera luminosidad que contrasta directamente con el fondo del cuadro ennegrecido.Este cuadro fue censurado en el Metro de Londres, al ser tachado de inmoral e impúdico. Venus y Cupido con una panal de abejas Conocida obra también como Venus y amor, del artista alemán
  • 29. Cranach. Realizado en 1525 aproximadamente. Representa, una escena de la mitología griega, en la que se encuentra una Venus y un niño a su lado. La Venus con piel blanquecina, cuya cromática es muy parecida alas demás obras. Y su estilo del cuerpo esbelto de la Venus, es muy parecido a las que ha pintado en varias obras. Sus líneas refinadas y fluidas son muy alejadas del estilo de estatuas antiguas. La Venus se encuentra mirando hacia el espectador con un gesto sensual y erótico. Se vuelve a presentar la gasa transparente quesostiene con sus manos la Venus. Este es uno de los elementos, que caracterizan a las Venus de Cranach. El niño que estaa a su lado, representa a la figura mitológica de Cupido, en esta obra lo pinta con un panel de abejas sujetado por sus manos, varias abejas lo rodean y se posan algunas de ellas en su brazo. El pequeño Cupido, inocentemente coge un panal y no se da cuenta del dolor hasta que las abejas ya lo habían picado.La fina pincelada de artista se ve también en el fondo de la pintura, donde se observa un árbol, al que le podemos contar las arrugas de su corteza. La fuente de la Juventud Este cuadro lo realizo el artista Cranach, llamado el pintor de la
  • 30. Reforma. Representa la fuente de la Juventud, producto de su imaginación. Aunque tomo arqueotipos de la realidad, como la piscina que ilustra en la obra, estas piscinas si existían, y eran accesibles para todos lo que querían usarla. Es probable que los manantiales curativos se frecuentaran durante toda la Edad Media. Al tratar de desempeñar lo que tiene de fantasioso el cuadro de Cranach, aunque aun no se conoce si fue pintado por Cranach el viejo o Cranach el joven. En ese entonces, en la Edad Media, la gente creía muchísimo en los milagros, esperaban en cualquier momento la intervención directa de las fuerzas sobrenaturales en los acontecimientosterrenales, ya fuera a través del poder de Dios o a su vez del poder del mal, del poder del diablo. La división entre ciencias naturales y religión tal como se concibe en la actualidad, todavía no se había consumado. La cienciaempezaba a dar sus primeros pasos, como se advierte sobre todo en la medicina.En esos momentos el realizar trabajos e investigaciones anatómicas con cadáveres era totalmente prohibido, por lo que el estudio era muy pobre. Y todavía estaba vigente la antigua doctrina de los cuatro humores como fundamento d etodos los métodos decuración. Se creía que cuando alguien se enfermaba, era porque su ser interno, sus humores, no estaban proporcionalmente armonizados, y que había que sangrarlo. Las fuentes y balnearios de aguas minerales se beneficiaron del atraso que existía, por la ignorancia de la medicina. BALDUNG GRIEN Las edades y la Muerte
  • 31. Es una pintura realizada por Hans Baldung, un pintor alemán, que se caracterizaba por pintar lo macabro de la vida y la muerte. Este cuadro fue realizado en 1547 en oleo sobre tabla. El tema de esta inquietante tabla tiene mucho que ver con laVanitas, la Vanitas es un elemento de reflexión cristiana que tuvo gran trascendencia en la Europa central, en la pintura flamenca y en España. La Vanitas se refiere a lo efímero de los placeres mundanos y la presencia constante de la muerte, que convierte en vanos los placeres del amante desde el conocimiento del filosofo. La armonía y las Tres Edades, hacen evidente la belleza de lajuventud y su capacidad para el amor, así como su final inevitable en la fealdad y la muerte, convirtiéndolas por tanto en inútiles. Posee un formato vertical, son figuras cercanas a la vista del
  • 32. espectador.En esta obra el autor representa a la muerte como una vieja calva, desdentada y con el vientre lleno de gusanos, agarra del brazo a una señora mayor para llevársela. Forman una cadena, ya que la señora mayor arrastra a su vez consigo y con la muerte a una mujer joven, con un rostromalencarado y enjaezada con collares. A los pies de estas mujeres hay un bebe dormido, bajo la lanza rota de la Muerte. Hay dos hipótesis sobre el significado de este cuadro. Es la vida renovada venciendo a la Muerte, o al contrario representa a la Muerte omnipresente velando el sueño del recién nacido. Al otro lado, una lechuza, se posa sobre una torre demoniaca al fondo. Las tres Gracias
  • 33. Es una obra de Hans Baldung, realizado entre los años de 1541 y 1544, pintado en óleo sobre tabla. Es una alegoría también conocida como La Armonía. Marca elerotismo en su obra, llevado por el semidesnudo de los personajes.Dos jóvenes semidesnudas sostienen un libro, en el que lee una deellas. Una tercera joven a la derecha, sostiene un laúd en la mano y tiene una viola a sus pies. Completan la escena tres niñosdesnudos, el de primer término con un cisne y un papel de música. Una serpiente enroscada al árbol del fondo completa esta representación alegórica, de complicada lectura, alusiva a los placeres de la vida: Belleza, música, libros. Su interpretación se esclarece a la vista de su compañera Las Edades y la Muerte.Esta obra alude al concepto de Vanitas, a la fugacidad de la vida y las cosas terrenales, al paso inexorable del tiempo y la imposibilidad de escapar al destino de la muerte.
  • 34. La Muerte y la Doncella Es una obra realizada en 1515, el artista dibujo la obra, y dos años después se interesó por pintarla. Esta pintada en óleo sobre tabla. Representa un encuentro de una dama, y la Muerte, representada por un esqueleto con poquísima masa muscular de un color putrefacto, su piel disecada apenas se sostiene con sus huesos. Nos muestra a los personajes en una posición frontal, La Muerteestá indicando a la doncella con su mano derecha al lugar donde se la va a llevar consigo, a la tierra. El pintor escribe una leyenda en la parte superior central, que significa Allí es donde debes ir, esta leyenda nos dice que nuestro destino es el que está viviendo la doncella en la representación de la Muerte y La Doncella.La Muerte la esta agarrando de la cabellera virginal a la doncella, y ella con un gesto de dolor y suplica, cruza sus dedos entrelazados para pedir e implorar a la Muerte que no se la lleve. La doncella sabe que no puede confrontar a la Muerte, pero tampoco se oponea ela, asi como tampoco trata de cubrir su desnudez. Llora, dejando
  • 35. ver su piel desnuda y blanquecina.Asi como en otras obras de este artista se muestra la relación entre las personas y la muerte, hay un rechazo que extrañamente se conjuga con un deseo. La muerte es desagradable, fea y de apariencia enigmática y brutal, pero estas características son las que la hacen atractiva. HOLBEIN HANS El cuerpo de Cristo muerto en la tumba O también conocido como el Cristo muerto. Realizada entre los años de 1520 y 1521. Holbein pinto el Jesús que relataban en los evangelios de aquella época, en una forma tan desoladora y con un desgarrador naturalismo, el que no han logrado muchos artistas. Lo muestracomo un cadáver tan mortal, que parece que no podría concebirse la idea de la resurrección de Cristo.No es una representación distinta a las anteriores, pues el artista lo pinta en sentido totalmente horizontal como algunos otros lo habían hecho. Un ejemplo es el Descendimiento de la Cruz de Pietro Lorenzetti, en Asis.El cadáver de Cristo está pintado con mucha crudeza por parte delartista, aunque su crudeza aumenta al pintar incluso el lugar donde estaba el Cristo, un lecho de madera tallada en su parte superior, muestra un espacio lúgubre de reclusión y marginación. La posición de Cristo muestra a los espectadores un posición real que se pudo haber visto. Algunos creen que representa a un Cristo solo, sin esperanzas de resurrección y olvidado por el mundo entero. Sin promesas de resurrección, que pondría en tela de juicio su condición divina
  • 36. como triunfador sobre la muerte, dando a relucir su condición humana. El rostro refleja aún el sufrimiento de la cruz, el dolor que sintió, un dolor moral y psicológico que lo llevo a la muerte. Los embajadores El nombre real de Jean de Dinteville y Georges de Selve, es una pintura de Hans Holbein realizada en 1533, en óleo sobre tabla de roble. Es una de las obras maestras del pintor alemán. En un primer plano se encuentra un elemento que mucho tiempo permaneció como un elemento extraño del que no se sabía su simbología ni su significado en la pintura. Un historiador de arte en el siglo XX descubrió que ese elemento que se encuentra inclinado es un hueso de sepia, es una anamorfosis de un cráneo humano, la pintura realmente es una vanidad. En la pintura se representa en segundo plano en la izquierda alemperador de Francia en Inglaterra, acompañado a la derecha de su amigo, quien era obispo de Lavaur. Los dos se apoyan sobre un mueble con dos estantes sobre él se puede observar varios objetos pequeños que adornan el estante, estos objetos hacen que el
  • 37. espacio parezca un despacho, ya que hacen relación con las cuatrociencias matemáticas entre las siete artes liberales: la aritmética, la geometría, la música y la astronomía. Los objetos de la parte superior se encuentran sobre una alfombra roja con un diseño geométrico muy complicado. El emperador viste un vestido con un abrigo de piel, en la mano sujeta una daga guardada en su estuche, grabada en ella está la edad del mismo 29 años. Su amigo esta totalmente vestido de negro envuelto en un abrigo de piel, en la mano derecha lleva sus guantes y en la cabeza un tocado. Se observa que el emperador porta varios objetos de valor como cadenas, mientras que el obispo se muestra más humilde. La Virgen del Burgomaestre Meyer Es una obra realizada por Holbein, conocida también como Madona del Burgomaestre Jakob Meyer o Madonna de Darmstadt. Pintado en óleo sobre madera de conífera específicamente deabeto, en Stadel se refieren a la madera como de tilo, siendo una
  • 38. madera resinosa, realizado entre los años de 1526 y 1529. Encargado para la Basilea. Aunque en esta época decreció la demanda de obras religiosas debido a la llegada de la Reforma, Holbein pudo realizar varias obras religiosas, entre ellas la Madona de Darmstadt. Es una obra de gran tamaño. En la que se representa a la virgen con Jesus en sus brazos sentada en el trono, a sus pies unaalfombra de color rojo se muestra con un diseño impresionante. A los costados de la Virgen se encuentra San Martin y Ursus.Los donantes están representados solo a través de sus escudos de armas en una alfombra que se encuentra a los pies de la Virgen. La pintura corresponde por lo tanto con el tipo de la sagrada conversación. La Virgen está representada mucho más fácil de lo que es en realidad, ya que posee una complejidad alta, hablando iconográficamente. En niño Jesús se encuentra mirando hacia un lado, mientras que los tres personajes admiran su belleza. BIBLIOGRAFIA http://es.wikipedia.org/wiki/Alegor%C3%ADa_cristiana http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4794.htm http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4840.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Giorgionehttp://es.wikipedia.org/wiki/La_Asunci%C3%B3n_de_la_Virgen_
  • 39. (Correggio) http://es.wikipedia.org/wiki/J%C3%BApiter_e_%C3%8Do http://es.wikipedia.org/wiki/El_rapto_de_Ganimedes http://es.wikipedia.org/wiki/Fiesta_del_Rosariohttp://es.wikipedia.org/wiki/Autorretrato_de_Durero_(Alte_Pinako thek) http://es.wikipedia.org/wiki/Cuatro_ap%C3%B3stoleshttp://es.wikipedia.org/wiki/Crucifixi%C3%B3n_(Gr%C3%BCne wald) http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_de_Stuppachhttp://es.wikipedia.org/wiki/Escarnio_de_Cristo_(Gr%C3%BCnew ald) http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_obra/505 http://www.artecreha.com/Miradas_CREHA/cranach- qvenusq.html http://es.wahooart.com/A55A04/w.nsf/Opra/BRUE-8CABU3 http://es.wikipedia.org/wiki/Fuente_de_la_juventud http://mujer.hispavista.com/arte/22269/las-edades-y-la-muerte- http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Hans_Baldung_008.jpg
  • 40. http://www.fotolog.com/bloody_piano/41205500/http://www.homines.com/arte/hans_holbein_el_joven/index.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Los_embajadores http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_del_burgomaestre_Meyer