Your SlideShare is downloading. ×
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Pintura italiana del renacimiento
Upcoming SlideShare
Loading in...5
×

Thanks for flagging this SlideShare!

Oops! An error has occurred.

×
Saving this for later? Get the SlideShare app to save on your phone or tablet. Read anywhere, anytime – even offline.
Text the download link to your phone
Standard text messaging rates apply

Pintura italiana del renacimiento

3,025

Published on

0 Comments
0 Likes
Statistics
Notes
  • Be the first to comment

  • Be the first to like this

No Downloads
Views
Total Views
3,025
On Slideshare
0
From Embeds
0
Number of Embeds
0
Actions
Shares
0
Downloads
45
Comments
0
Likes
0
Embeds 0
No embeds

Report content
Flagged as inappropriate Flag as inappropriate
Flag as inappropriate

Select your reason for flagging this presentation as inappropriate.

Cancel
No notes for slide

Transcript

  • 1. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato      LA PINTURA ITALIANA DEL RENACIMIENTO1. CARACTERÍSTICAS GENERALES Y EVOLUCIÓN CRONOLÓGICA DE LA PINTURA ITALIANA DELRENACIMIENTO Detalle La leyenda de la Vera Cruz, Piero della Francesca-La pintura renacentista italiana es uno de los capítulos más apasionantes de la Historia del Arte de todos lostiempos.-En Italia, y más concretamente en Florencia, se experimentó una auténtica revolución pictórica en todoslos niveles, aunque no debemos olvidar las aportaciones técnicas que plantearon los artistas flamencos[1]por la misma época. Cristo muerto, A. Mantegna-Los principios estéticos de la nueva pintura fueron codificados por el humanista florentino Leon BattistaAlberti en su tratado artístico De pictura· (siglo XV).-La pintura renacentista supone una vuelta a la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada en lamedida, el número y la proporción. Son pinturas que se realizan por encargo (de mecenas políticos o 1
  • 2. Ana Galván Romarate-Zabala   Historia del Arte 2º Bachillerato        religiosos). Se realizan contratos donde vienen especificadas hasta el mínimo detalle las condiciones (el número de figuras, los materiales…). Había pintores que estaban al servicio de un mecenas que les daba un sueldo mensual. Abuelo con su nieto, Ghirlandaio -Es una pintura naturalista, es decir, preocupada por la representación de la realidad de la Naturaleza. Ello no es óbice para que se tienda a representaciones de belleza idealizada. La idea de mimesis del mundo griego se hace presente. -Los pintores renacentistas desarrollaron la perspectiva que podemos considerarla como el procedimiento para representar gráficamente objetos en tres dimensiones.[2] La pintura se configura como una “nueva ciencia”: tiene su fundamento en la observación de la naturaleza y la perspectiva matemática.[3] -La temática es predominantemente religiosa pero se cultivan también temas mitológicos o profanos. El retrato tiene un gran auge, muchas veces de perfil. Los retratos –majestuosos y llenos de serenidad- dejan de ser descriptivos paraser psicológicos, incluso dramáticos (ej: en Rafael y en Tiziano), se cuida mucho la expresión, la posición delas manos, la riqueza de los vestidos, los gestos…Los estudios anatómicos son muy frecuentes.-También son habituales las alegorías: ideas abstractas representadas como imágenes. Por ejemplo larepresentación de los sentidos, del vicio versus la virtud, etc.-El paisaje llega a convertirse en género independiente conforme va avanzando el siglo XV. La pintura serealiza sobre muros, tablas y lienzos, siendo las técnicas más comunes el fresco[4], el temple[5] y el óleo. Laprincipal innovación técnica es, desde 1475, la técnica del óleo [6].-La luz adquiere gran importancia. Es uniforme y a veces sirve para modelar y para crear es-pacios. Por loque se refiere a la composición, el paisaje, sin deta-llismos, sirve para encuadrarescenas y darles una dimensión espacial y las figuras se reparten ordenadamente ycon un plan preconcebido.Detalle Expulsión de Adán y Eva del Paraíso, Masaccio -Cronológicamente, podemos distinguir varias etapas en la pintura italiana delRenacimiento:1. El Quattrocento corresponde al siglo XV. Es la etapa de iniciación. Se desarrollasobre todo en Florencia. Son sus principales representantes, entre muchos otros, Massaccio, SandroBotticelli, Paolo Ucello, Doménico Ghirlandaio, Andrea Mantenga, Piero della Francesca etc.2. En el Cinquecento, que es el siglo XVI, encontramos dos tendencias artísticas: la Clasicista (AltoRenacimiento o Renacimiento pleno) y por otro lado, contraponiéndose a la anterior, la tendencia Manierista.Los principales pintores del Cinquecento son: Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Giorgione y Tiziano. ElClasicismo es la etapa de madurez. Supuso llevar a sus máximas consecuencias los logros artísticos delQuattrocento. Las obras de Leonardo da Vinci, y parte de la producción de Rafael de Sanzio y Miguel AngelBuonarroti ejemplifican lo mejor del Clasicismo. Con el Clasicismo se avanza en el estudio de la luz, de lasproporciones –siempre en base a la medida humana- y se acentúa la representación de la belleza idealizada.El centro artístico del Clasicismo se encuentra en Roma. La creación de Adán, Miguel Ángel2
  • 3. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato       Virgen del cuello largo, Parmigianino-Pero el siglo XVI es la época también del Manierismo, es decir, de la crisis del modelo clásico y de lasociedad de la época[7]. Es un arte intelectual, refinado y cortesano, por eso no tuvo expansión en las clasespopulares y quedó reducido a ciertas élites. Las figuras se deforman, pierden las proporciones, armonía eideal de belleza clásico. Triunfan las lineas “serpentinatas” (: en forma helicoidal). El manierismo de hacepresente en los pintores italianos del Cinquecento como Miguel Angel, el Parmigianino, Archimboldo, etc. y enel caso español, en el Greco, entre otros.2. SELECCIÓN DE PINTORES MÁS REPRESENTATIVOS DEL QUATTROCENTO ITALIANOANALIZANDO SUS OBRAS MÁS RELEVANTES: MASACCIO Y BOTTICELLIMASACCIO (1401-1428)- Masaccio revolucionará la pintura aportando soluciones nuevas. Su importancia es semejante a la deBrunelleschi en arquitectura y a la de Donatello en escultura. Murió en plena juventud, con tan sólo veintisieteaños, pero lo que hizo en su corta vida fue suficiente para constituirse en el verdadero pilar del nuevo estilopictórico, borrando de la pintura florentina todo resto del pasado.-Masaccio mostró en sus obras el gusto naturalista para los fondos, paisajes o arquitectura, dotó a las figurasde peso, volumen y monumentalidad –son figuras que se pueden rodear- y construyó racionalmente elespacio mediante la aplicación de la perspectiva.-El estilo de Masaccio está inspirado en la escultura de Donatello. Concede gran importancia a la expresióny gestos de sus personajes y al empleo de la luz. Va a influir en artistas como Botticelli, Fra Filippo Lippi oMiguel Ángel.-Sus obras clave fueron las pinturas al fresco que realizó para la capilla Brancacci de la iglesia del Carminede Florencia: Adán y Eva o El tributo de la moneda entre otras. -El tributo de la moneda muestra una temática religiosa. Narra la llegada de Jesús con sus apóstoles aCafarnaum, recogida en el Evangelio según San Mateo, en tres episodios dentro de la misma composición:en el centro contemplamos al recaudador solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a Pedro que en elagua encontrará el dinero; en el fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro sacando una moneda de laboca de un pez; y en la derecha el pago del tributo ante una construcción. El tributo de la moneda, Masaccio 3
  • 4. Ana Galván Romarate-Zabala   Historia del Arte 2º Bachillerato        -Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje, formando casi un círculo y vestidas a la maneragriega. Su monumentalismo -basado en proporciones aúreas- está inspirado en las estatuas clásicas y en lasobras de Donatello por las que Masaccio sentía especial admiración. Conviene destacar la expresividad delos rostros, que aportan una tremenda sensación de realismo, reforzada por los gestos. Al ubicar alrecaudador de espaldas, el maestro intenta involucrarnos en la escena y hacernos partícipes del episodio. Laluz inunda la composición, resaltando los colores empleados -que también sirven para dar efecto deperspectiva a la obra colocando los más cálidos en primer plano y los más fríos al fondo- y el efectovolumétrico de los personajes, interesándose Masaccio por la anatomía, como se observa en las piernas delrecaudador mientras que los apóstoles ocultan sus cuerpos bajo pesadas túnicas. Incluso se puede afirmarque existe una cierta sensación atmosférica, desdibujando los contornos de la zona final. La arquitectura de laderecha es aún algo arcaica pero sirve para obtener perspectiva. Esta obra será un referente para muchospintores renacentistas (Ucello, Piero della Francesca etc.) Es una pintura donde se hace presente elanacronismo: sitúa la escena en una arquitectura renacentista, siendo la vestimenta típica de esa época.-En la Trinidad que realizó para la iglesia de Sta. Maria Novella de Florencia, se aprecia el esfuerzo realizadopara lograr una perfecta composición en perspectiva, muy cerca del espíritu de Brunelleschi.SANDRO BOTTICELLI (1445-1510)-Pertenece a la última generación de pintores del Quattrocento.-Lorenzo el Magnífico, un miembro preeminente de la poderosa familia Medici, fue uno de sus principalesmecenas. Botticelli participó activamente en el círculo de humanistas de la corte de esta figura esencial delmecenazgo y coleccionismo renacentista.-Botticelli confiere más importancia al dibujo que al color. Usa y abusa de las formas sinuosas y fluidas, untanto planas. Realiza figuras elegantes, refinadas, casi etéreas, con rostros ovalados y tendencia hacia lamelancolía. Exalta a la mujer en sus obras. El paisaje es para él, algo secundario y da mucha importancia ala expresividad. Realizó temas religiosos y profanos. Desde un punto de vista formal, el pensamientoneoplatónico, de naturaleza mística, está en la base de la pintura de Botticelli. El neoplatonismo fue loopuesto a las tendencias naturalistas en auge en esta época.-Al final de su vida, su estilo resultaba algo arcaico y murió casi completamente olvidado, teniendo que pasarcerca de cuatro siglos para que, durante la segunda mitad del siglo XIX fuera reivindicado y se situara en elnivel de gran popularidad que hoy alcanza.-El nacimiento de Venus y la Primavera, dos de sus principales obras, han sido interpretadas en claveneoplatónica.-El nacimiento de Venus es una obra de su primera etapa. El tema deriva de la literatura homérica y latinaespecialmente de la Metamorfosis de Oviedo. Muestra un tema mitológico en un paisaje primaveral ybucólico, lleno de referencias clásicas. Esta obra sería el nacimiento de la Venus celeste, engendrada por lanaturaleza y por la unión del espíritu con la materia. Pero este nacimiento de Venus puede ser también,4
  • 5. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato      según Argan, el del alma cristiana surgiendo del agua del bautismo, produciéndose así una concordatio [8]entre pensamiento antiguo y religión cristiana. Prescinde Botticelli de la perspectiva, estiliza las figuras, trata ala naturaleza como decoración buscando ante todo la belleza: en La Primavera hace casi un inventariobotánico de especies de flores. La Venus tienen un aire ausente y nostálgico que nos habla de la belleza de laperdida Edad de Oro, rememorada con nostalgia por los neoplatónicos.-La Primavera: ha sido objeto de muchas interpretaciones. Aparece Mercurio lanzando su vaina al cielo,ahuyentando a la lluvia; la diosa Venus con Cupido, dios del Amor, y la Primavera cubierta de flores. La diosaFlora es perseguida por Céfiro (es un viento, mensajero de la primavera). El significado de esta obra ha sidointerpretado en que en el amor lo que llega a la tierra como pasión (Céfiro), regresa al cielo comocontemplación (Mercurio). Utiliza la técnica de las veladuras.[9] Fue un encargo para los Médicis y representaeste estilo de pintura decorativa clásica y de tema mitológico.3. SELECCIÓN DE PINTORES REPRESENTATIVOS DEL RENACIMIENTO ITALIANO ANALIZANDO SUSOBRAS MÁS RELEVANTES DEL CINQUECENTO: LEONARDO, RAFAEL, MIGUEL ÁNGEL, GIORGIONEY TIZIANOLEONARDO DA VINCI (1452-1519)-Leonardo da Vinci es un ejemplo universal de síntesis entre la personalidad del artista y del científico. Era elprototipo del humanista del Renacimiento: pintor, dibujante excepcional, estudioso de la anatomía humana,diseñador de máquinas para volar…. Fue principalmente un teórico, no nos ha dejado demasiadas pinturasaunque realizó muchos dibujos.-Nació en un pueblecito de la Toscana llamado Vinci. Su personalidad fue un tanto críptica y misteriosa.Durante gran parte de su vida pasó apuros económicos. Tuvo una vida artística errante (Florencia, Milán,Roma…), y empezó sus estudios artísticos en el taller de Verrochio. Fue reclamado por diferentes mecenasentre ellos Ludovico Sforza (Ludovico el Moro), César Borgia, o el rey francés Francisco I. Por su influenciaartística, doctrinal y práctica, es uno de los grandes talentos del Cinquecento, aunque generacionalmentepertenezca al Quattrocento. Podemos decir se convirtió en una especie de híbrido entre dos épocas.-Una parte muy importante de su obra es inacabada o se perdió por su precaria conservación.-Leonardo propondrá un nuevo sistema de perspectiva, la perspectiva aérea: consiste en representar laatmósfera que envuelve los objetos, esfumando las líneas (el sfumato de Leonardo es difuminar loscontornos), eliminando los límites de forma y color, dando una impresión muy real de la distancia. Es unapintura de aire misterioso, aparentemente inacabada. -Entre otras aportaciones de Leonardo destaca su uso extraordinario del claroscuro y una fantásticarepresentación de la naturaleza.-Sus dibujos son de una calidad excepcional y en gran parte se conservan en el Castillo de Windsor enInglaterra. Por lo que se refiere a sus pinturas destacamos: la dama del armiño, la Virgen de las Rocas, Laúltima cena y la Gioconda. 5
  • 6. Ana Galván Romarate-Zabala   Historia del Arte 2º Bachillerato        - La Virgen de las rocas muestra una ambientación muy innovadora: un paisaje irreal y ensoñador, muy misterioso, una especie de telón de fondo. Los contornos no están claramente definidos: es el célebre esfumato leonardesco. El esfumato propicia dar volumen a las figuras y suaviza los contornos. La perspectiva aérea está perfectamente conseguida. La composición es triangular, muy cerrada, todas las figuras están conectadas entre sí, siendo la Virgen el ángulo superi-or. La zona del triángulo recibe la iluminación principal. Las figuras están en reposo pero ciertos gestos de las manos otorgan dinamismo a la obra.-La última cena se conserva en Milán, en el Refectorio del Convento de Santa María de las Gracias. Es unmural, arruinado ya en vida del propio autor por atrevidas ocurrencias experimentales y objeto de infamesrepintes y restauraciones. Fue un encargo de la familia de los Sforza, sus mecenas de Milán. El tema querepresenta es de carácter religioso: la última cena de Jesús. Representa el momento en el que Jesús anunciaque uno de sus discípulos le va a traicionar. La disposición de las figuras responde a un esquema nuevo: nohay rigidez, busca el dinamismo, y distribuye las figuras en cuatro grupos de tres personas. Soncomposiciones triangulares. Las figuras se conectan a base de gestos y miradas. La escena se desarrolla enuna sala rectangular. La habitación se nos muestra en profundidad, en perspectiva, con una serie de líneasde fuga hacia el centro. Las líneas de fuga confluyen en la figura de Cristo, el cual está en el centro de lamesa. Al fondo, las tres ven-tanas dejan ver un paisaje que aumenta el espacio. –la composición estriangular- y le otorga sensación de reposo. Cada rostro es perfectamente distinto a los demás reflejando lapsicología de cada personaje.-La Gioconda es el retrato de una mujer real: Mona Lisa, terceraesposa de Giocondo de Florencia. Se conserva en el museo delLouvre de París y es una de las obras de arte más conocidas entodo el mundo. -Ha sido objeto de muchas versiones por otrosartistas, incluso del siglo XX (Marcel Duchamp, Botero, etc.). Esuna obra emblemática del estilo de Leonardo: este bellísimo retratofemenino se recorta –con el esfumato- sobre un paisaje idealizado yensoñador, envuelto en neblinas con rocas fan-tásticas. Todos loscolores están trabajados a base de blancos y grises que diluyen lasformas e integra a la figura dentro del paisaje.RAFAEL SANZIO (1483-1520) Rafael Sanzio, conocido como Rafael, poseyó una personalidad másequilibrada que la de Leonardo y Miguel Angel. Natural de Urbino, no maduró como artista hasta pasar porFlorencia, donde residió a inicios del siglo XVI. Se convirtió en el ejemplo más admirado del Clasicismo delCinquecento: armonía, belleza ideal, claridad compositiva definen sus obras. A pesar de su corta vida - murióa los 37 años en Roma-, realizó una obra es muy extensa.6
  • 7. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato       Detalle de la Madonna Sixtina, RafaelSus influencias principales eran Leonardo y Miguel Ángel. Dominaba el dibujo y el color. En su etapa finalmuestra rasgos manieristas.-Como retratista, Rafael fue un consumado maestro y destacó en las representaciones de la Virgen Maríacon el Niño Jesús, refinadas y dulces, en el extremo opuesto del espíritu atormentado de Miguel Ángel.-Entre sus obras destacan los frescos que pintó para diversas estancias vaticanas: “La escuela de Atenas”, “elincendio del Vorgo”, “el Parnaso” y “La disputa del Sacramento”.-La escuela de Atenas es una obra de madurez de su etapa romana, ejemplo del Clasicismo delCinquecento. Esta obra se conserva en el Vaticano ya que fue el propio Papa el que le encargó la realizaciónde este mural y de otros tres más en las estancias vaticanas. El marco arquitectónico, claramenterenacentista y con reminiscencias grecorromanas, es monumental. Muestra su gran dominio de la perspectiva.Representa un templo imaginario y simbólico de la sabiduría. Los personajes que aparecen son científicosdesde la Antigüedad hasta su época (aparece Platón. Aristóteles, etc.) pero pintados con rostroscontemporáneos e individualizados. Aristóteles y Platón están en el centro rodeados de otros filósofos. Rafaelquería representar las dos tendencias filosóficas opuestas: la platónica y la aristotélica. Hay otros gruposrodeando a los maestros. Los rostros son individualizados pero serenos, bellos en su senectud y muyclásicos. Los gestos son variados, el color armónico y el di-bujo y la anatomía perfecta. El canon para lasfiguras es también el clásico en sus proporciones.-Con el Incendio del Borgo, mural también de las estancias vaticanas, Rafael empieza a decantarse por uncierto Manierismo. Rompe el equilibrio armónico entre el fondo y la forma ya que emplea técnicas manieristas.Emplea ya cánones de un manierismo incipiente, cuerpos alargados y reduciendo el tamaño de la cabeza. 7
  • 8. Ana Galván Romarate-Zabala   Historia del Arte 2º Bachillerato         MIGUEL ANGEL BUONAROTTI (1475-1564) -La personalidad de Miguel Ángel no es menos sugerente y enigmática que la de Leonardo. No sólo logró destacar como arquitecto, escultor y pintor, sino que también fue un excelente poeta. –El se consideraba sobre todo escultor y su pintura –centrada en el ser humano- acusará esta condición. Desde el punto de vista pictórico, hay una marcada diferencia entre la obra juvenil, que desarrolla en Florencia, y la obra madura de Miguel Ángel que tiene lugar en Roma. Allí realizará los frescos de la Capilla Sixtina (Vaticano). La pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina la emprendió a disgusto[10] y en ella trabajó hasta la extenuación entre 1508 y 1512. Fue una labor titánica, un gran esfuerzo intelectual, que le supuso inventar un programa iconográfico y resolver las mil dificultades técnicas que requería. El tema del conjunto de las pinturas es una síntesis de la Historia Sagrada, según el relato del Antiguo Testamento, desde la creación del universo hasta algunos de los episodios más señalados de la Historia de Israel. Las distintas escenas están flanqueadas por una sucesión de monumentales figuras de profetas bíblicos y sibilas[11] de la mitología grecolatina, que a su vez, están acompañadas por impresionantes figuras de jóvenes desnudos. Miguel Angel dividió la bóveda en compartimentos, utilizandoarquitecturas fingidas de las que parecen flotar las figuras. No hay ni equilibrio ni serenidad. Los cuerpos sealejan del concepto de belleza clásica. No se trata de representar la belleza de las formas sino la fuerza queemana de las figuras. El lenguaje, es por tanto, más manierista que clásico. Su interés pictórico se centra enlas figuras, por lo tanto deja de lado el paisaje. El Juicio Final, también en la capilla Sixtina, lo llevó a cabounos veinte años más tarde, en torno a 1535, reflejando la inquietud espiritual y el pesimismo que agobiaronal artista en sus últimos años. [12]8
  • 9. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato      LA ESCUELA VENECIANA: GIORGIONE Y TIZIANO- El único centro artístico capaz de rivalizar con Roma en el siglo XVI fue Venecia. No se trata sólo delnúmero de pintores geniales que allí se sucedieron entre fines del siglo XV y durante todo el siglo XVI comoGiovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto, sino de su marcada personalidad como escuela.La pintura veneciana del Renacimiento se caracteriza por el predomino del color sobre el dibujo y por unanotable sensibilidad por el paisaje, que permitía sacar mucho partido a la luz y convertir el color en atmósfera.Las dos figuras clave que elevaron la pintura veneciana a su más alta expresión fueron: Giorgione y Tiziano.GIORGIONE (1476-1510)-Su vida y obra resultan misteriosas a partes iguales. Su obra ha sido discutida, arrebatada cuadro a cuadroa la autoría de Tiziano, a quien se consideró autor de muchos lienzos que más tarde se descubrieronrealizados por Giorgione. La mayor innovación de Giorgione estriba en que fue uno de los primeros pintoresde su época en dedicar su producción al coleccionista particular, en vez de a grandes instituciones omecenas. Así, casi toda su obra es de formato mediano y no quedan intactos grandes paneles o frescos.Además, el significado de su obra se nos escapa en la mayoría de los casos, estando probablementerelacionado al conocimiento cabalístico y religioso-La importante contribución de Giorgone, a pesar de su muerte prematura, fue la de haber configurado unrenovador marco del paisaje para la representación de las historias, ya que la naturaleza dejó de ser, a partir 9
  • 10. Ana Galván Romarate-Zabala   Historia del Arte 2º Bachillerato        de él, un mero decorado de fondo.-En La tempestad,-en la imagen- (1503-04) el tema en sí es un enigma. No se sabe lo querepresenta. Aparece una mujer amamantando a su niño y un caminante al otro lado. Lo que está claro esque el protagonista es el paisaje, más propiamente la tempestad, ella es la que da el tono cromático a todo elconjunto, una gama de verdes azu-lados en tonos oscuros. La tormenta es también la que crea esailuminación irreal producida por el rayo y el relámpago. Las figuras es-tán ajenas a la tempestad, iluminadascomo el resto del paisaje pero de una forma independiente. Recorta las casas y las siluetas de los árbolescon una luz imaginaria, casi tenebrosa.TIZIANO (1487-1576)-Su larga vida y una capacidad de producción asombrosa explican el papel crucial que ejerció Tiziano comomáximo representante de esta escuela veneciana. Así, desde el estilo refinado, sensual, y brillante de sujuventud, un poco a la manera de Giorgione, con el que llegó a colaborar en algunas obras, hasta sudramática e intensa producción final, la trayectoria de Tiziano resumen lo mejor del siglo XVI.-Tiziano supo destacar en todos los géneros: mitológicos, históricos, religiosos, paisajísticos, y comoretratista fue requerido por los mejores mecenas de Europa, ya que su prestigio alcanzó a Miguel Angel. Unejemplo de todo ello fue la estrechísima relación que mantuvo Tiziano con Carlos V y Felipe II, siendo ésteúltimo su mejor cliente. Esta es la razón por la cual el Museo del Prado posee una de las mejorescolecciones existentes hoy en el mundo de este extraordinario pintor. Su talento como retratista fueincomparable y estuvo jalonado de obras maestras como Carlos V en la batalla de Mühlberg, Dánae;Venus y Adonis; Diana y Acteón; Diana y Calisto; el Rapto de Europa y Perseo y Andrómeda, etc. Carlos V a caballo en Mühlberg: es posiblemente el retrato ecuestre más impactante. En este lienzo Tiziano le retrata momentos antes de la victoria de Mühlberg contra los príncipes protestantes de Alemania y los Países Bajos que se habían aliado contra el dominio imperial. El trasfondo era claramente político, pero la excusa fue la guerra religiosa entre católicos y protestantes. Tal vez por esto, Tiziano dota a la imagen del emperador de un aura casi sagrada, en su gesto determinado, impertérrito y ajeno a la fatiga. El colorido tizianesco se aprecia por lo demás en toda su plenitud: los rojos y ocres de la tela son inimitables. Además, inaugura un género que hasta el momento se había tratado muy tímidamente y que alcanza su esplendor en el Barroco: el retrato real a caballo. Como dato curioso, que habla en favor del rigor histórico del artista, la armadura que viste el monarca es una valiosísima pieza labrada en oro y plata que se conserva en la Real Armería de Madrid.-Venus y Adonis, es una obra de temática mitológica. Hoy se conserva en elMuseo del Prado. Forma parte de la delicada serie que Felipe II encargó aTiziano para decorar sus habitaciones privadas; se denominarongenéricamente las Poesías y tenían como objetivo mostrar a la mujerdesnuda desde diferentes perspectivas. Tiziano se inspiró en la"Metamorfosis" de Ovidio[13] para representar estas escenas mitológicas conun contenido claramente erótico. Felipe II se libera así de parte de esa famade ser oscuro y casi inhumano que le ha caracterizado. La sociedad españolade los siglos XVI y XVII sería muy propensa a la dualidad: se pregonaba unaactitud y se realizaba la contraria. Si Dánae aparece de frente, la figurafemenina en Venus y Adonis se encuentra de espaldas, intentando retener asu amado que, cuando se marche de caza, encontrará la muerte. Las figuras se insertan perfectamente en un10
  • 11. Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato      paisaje, abandonando Tiziano los estudios arquitectónicos empleados en el Quattrocento para obtenerefectos de perspectiva. Ahora las escenas son más naturales y verosímiles. La tensión existente entre ambasfiguras parece anticipar el Barroco, así como la diagonal que organiza la composición. El situar a Venus y aAdonis en primer plano hace recordar los altorrelieves romanos. La luz incide directamente sobre la pareja ydeja la zona de bosque en semipenumbra.[1] Flamencos: de Flandes, la actual Bélgica.[2] La perspectiva lineal o geométrica se utiliza para crear espacios tridimensionales, las líneas convergenen un punto de fuga. Da lugar a espacios construidos de una forma racional propia de la nueva mentalidadrenacentista. La perspectiva aérea, por su parte, perfecciona la anterior, representando a la atmósfera queenvuelve los objetos del cuadro, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites entre el dibujo, laforma y el color.[3] Ya decía Miguel Angel que pintar era “cosa mentale”.[4] Fresco: colores disueltos en agua. Se realiza siempre sobre muros que se preparan previamente con yesofino.[5] Temple: técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua templada engrosada con aglutinantescomo leche, huevo, goma arábiga. Se realiza sobre tabla o lienzo.[6] Óleo: esta técnica utilizada a partir del siglo XV consiste en diluir los colores en aceites (linaza) secantes yaplicarlos sobre tabla o lienzo previamente preparados. Es la técnica maestra, da más riqueza en el colorido.[7] El saco de Roma realizado por las tropas de Carlos V; el surgimiento de la Reforma protestante; las luchasde Francia y España por dominar Italia, etc.[8] Concordatio: procede del italiano, significa “concordancia”.[9] La técnica de veladuras consiste en ir aplicando una capa de pintura sobre otra de manera muy fina,semitraslúcida de forma que se aprecie parte del fondo anterior y gane tonalidades diferentes con las nuevascapas.[10] Tuvo enfrentamientos continuos con su mecenas, el Papa Julio II por la elaboración de estas pinturas.[11] Mujer sabia a quien los antiguos griegos y romanos atribuyeron espíritu profético.[12] En conclusión, la energía de cada una de las figuras, la belleza de su dibujo, claramente inspirado en lasesculturas antiguas, sus atrevidas posturas, la imponente expresividad de los rostros, el eficaz efecto teatraldel conjunto, y otros muchos aspectos extraordinarios, convierten los frescos de la Capilla Sextina en unaobra única, jamás superada.[13] Ovidio fue un poeta romano del siglo I a de C que en su obra Metamorfosis muestra la mitología de laépoca. 11

×