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Pintura contemporánea desde Picasso a nuestros días. Por Elisa Rodríguez.
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Trabajo académico de la tercera evaluación de la alumna Elisa Rodríguez. Se repasa la pintura de Picasso y de las vanguardias a partir de la segunda década del siglo XX. En otro capítulo se analizan …

Trabajo académico de la tercera evaluación de la alumna Elisa Rodríguez. Se repasa la pintura de Picasso y de las vanguardias a partir de la segunda década del siglo XX. En otro capítulo se analizan estilos y autores de la segunda mitad del siglo XX.

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  • 1. EL ARTE POR EL ARTE del CUBISMO a las TENDENCIAS ACTUALES PINTURA CONTEMPORÁNEA
  • 2. CONTEXTO HISTÓRICO <ul><li>Acontecimientos influyentes. </li></ul><ul><li>El imperialismo pone a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. </li></ul><ul><li>Así, Picasso conoce la escultura ibérica y la africana, que simplifican las formas y, además, ponen en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. </li></ul><ul><li>Fotografía: Impulsa a buscar otra visión a la pintura. </li></ul><ul><li>Psicoanálisis: Se relaciona con el cubismo al buscar las razones intrínsecas de las acciones y pensamientos. </li></ul><ul><li>Teoría de la relatividad: Cambia el modo de ver el mundo que hasta entonces se tenía abriendo más los horizontes. </li></ul><ul><li>Primera Guerra Mundial: Acaba con el ingenio de nuestros artistas. Los pintores franceses son llamados a la guerra, y tras ella, evolucionarán hacia otras tendencias. </li></ul>
  • 3. Eje cronológico comparativo movimientos, artistas, obras y acontecimientos. Exp. abstracto americano Informalismo Arte español cinético Exp. y op-art Figurativo Pop-Art Hiperrealismo Arte conceptual Cubismo a) Analítico b) Sintético Futurismo Exp. satírico Neoplasticismo Mondrian Suprematismo Málevich Kandinsky Abstracción Surrealismo Dalí Miró Magritte Marinetti Balla Boccioni Duchamp Dadaísmo Grosz Solana Pollock Rothko Picasso Braque Léger Gris Tapies Millares Saura Equipo Crónica Bacon Vassarely Duchamp Estes López En el período que abarca los años que atraviesan las dos guerras mundiales se suceden de manera vertiginosa una cascada de vanguardias (entre 1910 y 1970, pero sobre todo la primera década del XX y el comienzo de la 2ªGM) como resultado de los estragos de la guerra, pero también por el derrumbamiento del arte moderado anterior contra el que los nuevos artistas, rebeldes, polifacéticos y llenos de sentimientos contradictorios, se levantan. Surgen así personalidades brillantes que evolucionan a lo largo del tiempo, como la de Picasso o Duchamp, que instauran el arte moderno como lo conocemos hoy: libre y lleno de matices.
  • 4. Como todos los movimientos se influyen entre sí y se suceden unos muy cerca de otros, especificaré los años , así como su situación geográfica para que nos sea más fácil relacionarlos.
  • 5. Inicios: A caballo entre la tradición y la imitación de estilos de finales del XIX <ul><li>Causas </li></ul><ul><li>Su padre Blasco es un pintor del montón </li></ul><ul><li>Figura paterna autoritaria </li></ul><ul><li>Madrid </li></ul><ul><li>(Octubre de 1897-junio de 1898) </li></ul><ul><li>Els Quatre Gats </li></ul><ul><ul><li>Experimentación </li></ul></ul><ul><li>París </li></ul><ul><li>(cabarets y cafés) </li></ul><ul><ul><li>Primera exposición en 1901 </li></ul></ul><ul><li>Consecuencias </li></ul><ul><li>Precocidad artística </li></ul><ul><li>motivos taurinos y palomas </li></ul><ul><li>Tradicionalismo academicista </li></ul><ul><li>Museo del Prado. </li></ul><ul><li>Velázquez, Goya, El Greco y Tiziano. </li></ul><ul><li>Pintores modernistas. </li></ul><ul><ul><li>Asimila sin involucrarse </li></ul></ul><ul><li>Museo del Louvre y galerías </li></ul><ul><ul><li>Variedad cromática y temática (Margot). </li></ul></ul>Primera comunión, con 14 años Etapa de formación 1881-1901 Margot
  • 6. ETAPA AZUL <ul><li>CAUSAS </li></ul><ul><li>Suicidio de su amigo Casagemes </li></ul><ul><li>Huella del Greco </li></ul><ul><li>División terrenal/celestial </li></ul><ul><li>Moda de la burguesía </li></ul><ul><li>del momento (Munch) </li></ul><ul><li>Barcelona (hasta 1904). </li></ul><ul><li>París (Barrio de Montmartre) </li></ul><ul><li>CONSECUENCIAS </li></ul><ul><li>Tono azul decadente. </li></ul><ul><li>Temas lúgubres y alegóricos </li></ul><ul><li>Expresionismo: la imperfección/ distorsión </li></ul><ul><li>acentúa el dolor </li></ul><ul><li>Sordidez proletaria (mendigos, ciegos). </li></ul><ul><li>Anonimato humano. </li></ul><ul><li>Calamidades propias y ajenas </li></ul>Desemparats Celestina 1901-1904 Entierro de Casagemes, 1901 1ª Indagación personal
  • 7. EL GUITARRISTA CIEGO Comprobaremos las características mencionados en este ejemplo del período azul de Picasso. En primer lugar, destaca el tema, la pobreza, en este caso acompañada de la mendicidad y la miseria, que despierta en nosotros la compasión. Negando el fondo totalmente, o sumiéndolo en una masa de brumas a base de bandas de tonos uniformes en gradación, centra nuestra atención en la vejez. En la utilización del blanco, en el gigantismo de las figuras que veremos consolidado en la época clasicista posterior. Esta exaltación casi morbosa de la vejez toma cuerpo en la noche, ideal para ambientar el frío y la piel congelada del hombre anciano, cuyos reflejos blancos parecen ser los huesos famélicos y las piernas estar quebradas. Deja caer la cabeza en señal de fatiga doblándose en una postura retorcida, con el hombro descubierto, que nos recuerda a un escorzo de Miguel Ángel. Todo conduce a ese impacto, incluso repugnancia: el a largamiento de los miembros al estilo de El Greco, las manos huesudas… El segundo elemento a destacar es la guitarra, que le añade aún mayor melancolía y que lo termina de concretar como espectáculo.
  • 8. ETAPA ROSA <ul><li>La modelo Olivier y un grupo creciente de pintores amigos hacen evolucionar su estilo </li></ul><ul><li>RASGOS </li></ul><ul><li>Tonos rosados y ocres </li></ul><ul><li>Personajes circenses </li></ul><ul><ul><li>Relación más humana </li></ul></ul><ul><ul><li>Canon más geométrico </li></ul></ul><ul><ul><li>INFLUENCIAS </li></ul></ul><ul><li>Circo Medrano </li></ul><ul><li>Gósol (pueblo de los Pirineos). </li></ul>Desde finales de 1904 a 1906 Muchacho llevando un caballo Del gélido azul al acogedor ocre
  • 9. JOVEN ACRÓBATA Y NIÑO <ul><li>Esta obra nos servirá de ejemplo para retratar el período </li></ul><ul><li>rosa de este maestro. Observamos cómo delinea con </li></ul><ul><li>absoluta claridad las figuras haciendo un contraste entre </li></ul><ul><li>la clara elegancia de ella, con su consecuente </li></ul><ul><li>movimiento, fragilidad y equilibrio y la rudeza ocre de él, </li></ul><ul><li>con la pincelada tosca y mayor utilización del negro, su </li></ul><ul><li>gesto grave, sus piernas abiertas, su actitud pasiva. </li></ul><ul><li>Sin duda, domina un tono seco, aunque suave, casi un </li></ul><ul><li>desierto al que proporciona diferentes altibajos, incluso </li></ul><ul><li>vemos gente a lo lejos, pero no parece un espacio real. </li></ul><ul><li>Incluso podría atreverme a indicar el gusto de Picasso </li></ul><ul><li>por las figuras geométricas o básicas, como lo son la </li></ul><ul><li>pelota y el cuadrado sobre los que se posicionan los </li></ul><ul><li>personajes. En el tema circense, ella parece una niña </li></ul><ul><li>actuando ante la mirada de juez de el otro, un hombre </li></ul><ul><li>ya maduro que ya impone su presencia al ocupar toda la </li></ul><ul><li>inferior derecha a pesar de estar de espaldas. Lo cierto </li></ul><ul><li>es que a pesar de ello, la mirada se nos va primero a la </li></ul><ul><li>pureza de ella, pues ese tono solo es usado en su traje </li></ul><ul><li>que brilla con luz propia recordándonos que Picasso </li></ul><ul><li>tiene bases tradicionales y domina la figuración. </li></ul>
  • 10. INFLUENCIAS Paul Cézanne, con las Bañistas. Reduce la realidad a formas básicas. Georges Seurat y Signac Tendencia a la geometrización Exposiciones retrospectivas Se acerca al expresionismo Románico : sencillez, poca perspectiva Escultura ibérica : lo arcaico, figuras esquemáticas Arte tribal africano : máscaras planas, irreales Fauvismo : Colores estridentes Art Nouveau : Figuras curvilíneas Seurat Plaza barcelonesa Escultura de Gosol
  • 11. Importancia del cubismo <ul><li>La ruptura definitiva de esta primera vanguardia </li></ul><ul><li>radica en la sustitución de la perspectiva </li></ul><ul><li>renacentista, que aún se conservaba a comienzos </li></ul><ul><li>del XX, por una perspectiva múltiple. Desaparece </li></ul><ul><li>así la profundidad y el punto de vista único. Al </li></ul><ul><li>ser el cuadro por sí mismo independiente de lo </li></ul><ul><li>que recree se usarán en él técnicas como el </li></ul><ul><li>collage o el simbolismo de la tipografía textual. </li></ul>Son Picasso y Braque sus fundadores, pero se unen el español Gris y Léger una vez está consolidándose. Se trata de una visión humana móvil que se desarrolla en el tiempo. Lo hace desplegando diversas superficies, como son concebidas por la mente.
  • 12. GERMEN DEL CUBISMO <ul><li>Naturaleza: Su esencia por formas geométricas (Cézanne). </li></ul><ul><li>Preludia el cubismo en obras: </li></ul><ul><ul><li>Autorretrato de 1906 </li></ul></ul><ul><ul><li>Retrato de Gertrude Stein </li></ul></ul><ul><ul><li>Los moldea como esculturas ibéricas simplificando los rasgos con una línea. </li></ul></ul><ul><li>La ideas que lo obsesionan son: </li></ul><ul><ul><li>Dinamismo en grandes planos. </li></ul></ul><ul><ul><li>Descomponer para alcanzar la esencia. </li></ul></ul><ul><ul><li>Consecuencia: Obras planas. </li></ul></ul><ul><li>Ruptura: Las señoritas de Aviñón </li></ul>1906-1909
  • 13. LAS SEÑORITAS DE AVIGNON <ul><li>Bueno, estaba deseando analizar este cuadro. Siempre </li></ul><ul><li>me ha parecido grotesco, la verdad, porque hasta ahora </li></ul><ul><li>no lo había comprendido. Ni bien me fijo me doy cuenta </li></ul><ul><li>de que es un paso más en la transición al cubismo, al carecer de </li></ul><ul><li>profundidad, porque mientras que los dos rostros centrales, aunque </li></ul><ul><li>puntiagudos, conservan los rasgos acomodados, el resto ya </li></ul><ul><li>presetan oscuras tonalidades verdosas, los rasgos son </li></ul><ul><li>caricaturizados (las narices respingonas, los ojos almendrados </li></ul><ul><li>huecos, negros). Sin duda, es la mujer situada a un plano inferior </li></ul><ul><li>quien más llama su atención premeditadamente, pues es en la que </li></ul><ul><li>se distingue un gesto (las de las esquinas lo evaden y las </li></ul><ul><li>otras miran con languidez o al menos son muy anodinas) al </li></ul><ul><li>mirar de forma directa al espectador haciendo una mueca al situar a </li></ul><ul><li>su izquierda la boca pareciendo enfadada. Es destacable a su vez el </li></ul><ul><li>bodegón en la parte inferior de la obra, fruto de sus ensayos </li></ul><ul><li>anteriores, y ya muy triangular, como un pico que hiriese a las </li></ul><ul><li>mujeres. Aprovecha las curvas del cuerpo de las mujeres para </li></ul><ul><li>geometrizarlo al máximo (codos, pecho, nariz, rodillas) </li></ul><ul><li>combinando sus dos etapas anteriores, o haciendo una síntesis </li></ul><ul><li>entre el marrón anaranjado (un siena) y el azul grisáceo </li></ul><ul><li>separándolos con blanco, aunque delimita también con líneas </li></ul><ul><li>oscuras, pero mucho menos que lo visto en el cuadro de los </li></ul><ul><li>arlequines, por ejemplo. Ya se ve como moldea su estilo buscando </li></ul><ul><li>la expresión adecuada de sus ideas rompedoras. </li></ul><ul><li>El hecho de que estén desnudas puede ser significativo, pues por </li></ul><ul><li>sus posturas parecen estar exhibiéndose, esa limpieza de sus </li></ul><ul><li>cuerpos no es más que otro paso hacia la pureza y simplicidad con </li></ul><ul><li>la que Picasso quería reflejar la naturaleza así como la concebía en </li></ul><ul><li>su mente. También me rememoran las esculturas ibéricas y las </li></ul><ul><li>máscaras africanas los rostros de las mujeres de la derecha, </li></ul><ul><li>totalmente planos y con la nariz interminable que les hace adquirir </li></ul><ul><li>un matiz mistérico. </li></ul>
  • 14. Investigación: Metamorfosis a Vanguardia <ul><li>Indaga con naturalezas muertas y más cuerpos geométricos. Aún no sabe en qué desembocará esa nueva visión. </li></ul><ul><li>Primeros paisajes cubistas en Horta de Ebro, tras dos años de tanteos. </li></ul><ul><li>Es llamado período negro (1908-9) por la oscuridad predominante en su paleta. </li></ul><ul><li>Braque es el otro gran cubista que como Picasso, se deja fascinar por la </li></ul><ul><li>novedad, buscando en otros cauces de expresión una autenticidad </li></ul><ul><li>primitiva. Entre 1907-9 revolucionan con un arte propio, de validez en sí </li></ul><ul><li>mismo. Desgraciadamente, la llegada de la guerra corta el caudal pictórico y solo Picasso junto con el español Juan Gris lo perpetúan. </li></ul>
  • 15. ETAPAS <ul><li>0. Cezaniano Protocubismo, de formas identificables, reducidas a figuras geométricas. </li></ul><ul><li>1. Precubismo : 1906-1909 </li></ul>tras la época clásica del cubismo Temática sobria (bodegones, músicos), intrascendente al ser de carácter ensayístico. Evolución de ser reconocible al riesgo de ser abstracto. La segunda etapa es más simbólica pero comprensible. Especial significación tiene El cuadro “Violín Jolie Eva”, la nueva amante que colorea su vida. CUBISMO Color Formas Figuras Analítico Etapa pura 1909-1912 Monocromo (sin importancia, sordos: ocres, grises, verdes y marrones) Compactas y densas Descomposición por geometrización Simplificadas (a veces abstractas) Planos amplios Que disminuyen Sintético 1912-1915 La 1ªGM lo corta Poco a poco Cromatismo Brillantes Planos punteados con lisos Palabras y números Collage Papier collé Sintetizadas Materiales extrapictóricos Periódicos. Partes superpuestas (pegadas)
  • 16. <ul><li>Por fin hemos llegado al cubismo, que en su primera </li></ul><ul><li>etapa se muestra como un puzzle o un cristal fragmentado </li></ul><ul><li>que hubiera que recomponer. </li></ul><ul><li>Mediante una austera gama cromática (escala de grises, </li></ul><ul><li>negro, blanco y ocre) descubrimos a un personaje </li></ul><ul><li>entristecido, cuya vejez es llamativa en una calva que </li></ul><ul><li>casi se sale del cuadro enmarcada por estelas blancas </li></ul><ul><li>que dirigen nuestra vista hacia su rostro torturado. </li></ul><ul><li>Es cubismo porque las mismas piezas cobran vida por sí </li></ul><ul><li>mismas, tienen su propia forma aparte de adquirir </li></ul><ul><li>sentido en el conjunto. Concretamente en la parte </li></ul><ul><li>interior observamos lo que parecen flechas moviéndose, </li></ul><ul><li>o mejor, la realidad desplegándose ante nuestros ojos </li></ul><ul><li>en un proceso que concibe nuestra mente. Mientras que la </li></ul><ul><li>parte superior es más clara, a medida que baja las piezas se </li></ul><ul><li>agrandan, pero se revuelven más hasta ser irreconocibles. </li></ul><ul><li>Para dar la sensación de movimiento destaca las esquinas de </li></ul><ul><li>los elementos geométricos (trapecios estirados, rectángulos, </li></ul><ul><li>triángulos) haciéndolos así punzantes y dándoles vida propia. </li></ul><ul><li>En el elemento central, no fragmenta la cara, sino que deja </li></ul><ul><li>que los propios rasgos se afilen: los párpados hacia </li></ul><ul><li>abajo (que hacen caer nuestra mirada hacia la parte inferior, </li></ul><ul><li>que a su vez nos señala más abajo, donde no hay nada, con </li></ul><ul><li>lo que perdemos la conexión con la obra y volvemos hacia </li></ul><ul><li>arriba intrigados, queriendo saber qué más puede ocultar), la </li></ul><ul><li>nariz picuda o el bigote que completa el rectángulo con la </li></ul><ul><li>barbilla. </li></ul>Ambrosio Vollard, retrato
  • 17. TRES M Ú SICOS Este cuadro siempre me ha gustado porque me resulta extrañamente feliz. Sigue manteniendo en el medio el traje de arlequín, lo que aún le liga a lo anterior, aunque ahora lo resucita con un amarillo limón y un rojo anaranjado. La sencillez pueril de la composición (los ojos parecen hechos con punzón) la hace cercana al espectador. Contrasta el negro de la derecha con el blanco de la izquierda, dos de los personajes parecen tener barba (para lo que utiliza diferentes texturas que le dan un matiz preciosista a la obra, rayas muy juntas paralelas y un enrejado parecido al de las abejas en el otro). Me parece que recoge sus dos primeras etapas pero haciéndolas florecer: el azul cadavérico ahora es un azul eléctrico, intenso, lo que llamamos en óleo un ultramar. El rosa y ocre pálido son ahora vivos sienas o marrones opacos que realzan las figuras. La obra tiene vida propia, todo hay que decirlo: es crucial el hecho de que tenga su particular sonido, es decir, a mí se me contagia la silenciosa algarabía que parecen destilar estos tres estrambóticos personajes, cuyas manos minúsculas no llegan ni a sostener el Instrumento, lo que resulta cómico. Pertenece a la etapa decorativa porque aunque es totalmente ecléctico, como hemos explicado, y sigue utilizando formas geométricas, las figuras se alejan mucho de aquel cubismo sintético que desintegraba el cuadro por completo, aquí no hay que recomponerlo, sino que cumple además de una función decorativa, la de mantener un diálogo con el espectador, mediante contrastes de frío y calor consigue un efecto agradable. Vemos de nuevo cómo las figuras se posicionan sin profundidad ocupando como un gran templo griego, casi la totalidad de la composición.
  • 18. Y además de Picasso… <ul><ul><ul><li>Georges Braque es quien funda junto a Picasso el cubismo. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Ya había dado sus primeros pasos en el fauvismo, y </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>se adentra en una nueva técnica, en consonancia con las </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>nuevas teorías de la Física Moderna, al representar la </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Naturaleza mediante figuras geométricas, como su cerebro </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>la percibía. Braque no se alejó demasiado de la forma natural </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>en sus figuras, menos cubistas que las de Picasso. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Sin embargo, a partir de 1912, Braque utilizará la técnica del </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>collage (inventada por él) en la composición, con trozos </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>recortados en diversas formas geométricas, que dispone de </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>manera estratégica sobre el lienzo, buscando sensaciones y </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>reconstrucciones mentales, estableciendo un juego entre el </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>espectador y la obra, que adquiere personalidad propia. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Herido en la I Guerra Mundial, vuelve con otra mentalidad, </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>sigue con el cubismo, pero son los elementos del clacisimo </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>griego ( Canéforas , 1923), los que desvían o depuran su estilo </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>hasta tal punto que sus detractores le acusaron de hacer un </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>arte meramente decorativo y para nada rompedor. </li></ul></ul></ul>El portugués Georges Braque
  • 19. <ul><ul><ul><li>El madrileño Juan Gris es el </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>tercer gran cubista, que se </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>incorpora recién en la línea </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>sintética. Aprendió a través de </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Picasso el nuevo lenguaje, y lo </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>que eran ideas en Picasso, se </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>concretizaron en Gris. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>A partir de 1913 usa el collage. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Su obra está caracterizada por </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>una estructura fija y un ritmo </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>armonioso. </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>Vuelco de docilidad tras la </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>1ªGM, pues afectado como el </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>resto por el horror del conflicto, </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>lo expulsará dedicándose </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>exclusivamente a ilustrar y </li></ul></ul></ul><ul><ul><ul><li>grabar libros. </li></ul></ul></ul>Juan Gris
  • 20. JUAN GRIS <ul><li>BODEGÓN CON PERIÓDICO </li></ul><ul><li>En esta obra vemos uno de los rasgos del </li></ul><ul><li>cubismo sintético: la introducción de letras, en </li></ul><ul><li>este caso en el periódico, con una intención. </li></ul><ul><li>Comprobamos todos los rasgos del cubismo: </li></ul><ul><li>Colores sordos, poco expresivos, el marrón y el </li></ul><ul><li>negro juntos apagan el cuadro totalmente, la </li></ul><ul><li>guitarra también es un símbolo que le da </li></ul><ul><li>armonía a la composición, podría representar al </li></ul><ul><li>Artista solitario y melancólico. Además de </li></ul><ul><li>elementos geométricos vemos líneas </li></ul><ul><li>acompañada de colores más puros, pero </li></ul><ul><li>también sin vida, pálidos. </li></ul><ul><li>Como caracteriza a Gris, su composición no sólo </li></ul><ul><li>se entiende, sino que vuelca su manera de </li></ul><ul><li>entender la realidad regalándonos su punto de vista . </li></ul>
  • 21. Fernand Léger <ul><li>Sin duda, es el que aporta el toque metálico al movimiento, pues tras la guerra sufrió el período “mecánico”, expresado mediante el simbolismo, acentuado en su última etapa, en la que separó dibujo y color, donde sus figuras de formas robóticas se definían sólo por líneas negras. </li></ul><ul><li>Así nos ofrece, a través de tubos y cilindros, tremendas imágenes visionarias de la ciudad industrial en su fascinada obsesión por la maquinaria de extraña funcionalidad. </li></ul><ul><li>Conocedor de la arquitectura, Léger no sólo fue un pintor cubista, sino que trabajó el constructivismo y carteles comerciales, lo que explica que sus obras sean sencillas y variadas, gracias a su técnica próxima al Diseño Gráfico. </li></ul><ul><li>Desde 1910 expone con regularidad en el Salón de los Independientes. </li></ul><ul><li>Atraviesa una primera etapa cubista, contribuyendo así al desarrollo y difusión de esta vanguardia. </li></ul>Desnudos en el bosque, 1910 Los obreros Hombre en la ciudad
  • 22. El pintor polifacético <ul><li>CLASICISMO (1917-1924) </li></ul><ul><li>Al casarse con Olga, aristócrata de gustos </li></ul><ul><li>tradicionales, compagina el cubismo con una </li></ul><ul><li>figuración “correcta”: escenas cordiales de tonos </li></ul><ul><li>cálidos, introduciendo el gigantismo y el arrullo del </li></ul><ul><li>agua. En estas obras aparecerán sobre todo su </li></ul><ul><li>mujer y su hijo. </li></ul>1915-1935 <ul><li>CUBISMO DECORATIVO </li></ul><ul><li>Une el color posimpresionista con las conclusiones de </li></ul><ul><li>la etapa sintética, resultando una mezcla de diferentes </li></ul><ul><li>texturas en las que conjuga líneas y sensaciones. </li></ul><ul><li>SURREALISMO (1925-1935) </li></ul><ul><li>Relacionado de manera directa con su espíritu turbulento, Picasso deja pintar a su subconsciente, que concibe la realidad deformada por el sentimiento extremo, donde la mujer retratada tiene notas orgiásticas y su sexualidad se dilata. Las escenas son conjuntos dramáticos que expresan abiertamente su dolor. </li></ul><ul><li>EXPRESIONISMO (1936-1972) </li></ul><ul><li>Compromiso y denuncia (Guernica), admiración por otros (Manet), litografía y cerámica. </li></ul>Cráneo de cabra La crucifixión, 1930 Familia a orillas del mar 1 2 3 4 Retrato imaginario La danza, 1925 Cráneo de cabra
  • 23. Por lo visto, Picasso realizó muchísimas versiones de las Meninas de Velázquez, a quien admiraba terriblemente. Tenemos así la oportunidad de comparar ambos artistas: Velázquez, muy fiel a la realidad, pintor español clásico, también un maestro, pero que se conforma con pintar la realidad como es, mientras que Picasso quiere ir más allá, abre las puertas a la pintura de hoy con su obra que no sólo niega lo anterior, sino que aporta muchas cosas nuevas, eliminando convenciones y reglas, como la profundidad o el realismo. En estas obras comprobamos que las ha escogido con la intención de quitarle aquello que de lo antiguo no le gustaba afirmando además que puede expresarse lo mismo de mil maneras. Despoja la imagen de la izquierda de esos colores lúgubres que caracterizan los interiores aportándole otros muy vivos como el azul del pelo, modificando la realidad, pero de forma comprensible. La inferior derecha es muy interesante porque coloca los personajes en lo que podemos tomarnos la licencia de llamar planos, es decir, cada uno tiene un lugar dentro de un conjunto de líneas que forman confusos planos. Según lo que hemos aprendido, podríamos clasificarlas: la primera dentro del cubismo decorativo, por su colorido y sencillez, la inferior en el cubismo primero, por las acentuadas formas geométricas y la superior, la más fiel, creo, en su época última de tonos grises y negros que esconden el cansancio y madurez de un artista turbulento y cambiante. LAS MENINAS
  • 24. E L G U E R N I C A Ya he analizado este cuadro años atrás incluso lo he pintado, es uno de los celebérrimos picassianos. En primer lugar, me gustaría analizar a la mujer, me parece la más emblemática, quizá la más expresiva. La quebrada postura imposible en un retorcimiento de dolor, expresa con la más absoluta certeza el salvajismo de la naturaleza humana, así como la desesperación y el dolor más desgarrado, que Picasso explota utilizando un espectro apagado y pesimista. Es un símbolo más el hecho de que componga el cuadro un collage de periódico y diferentes materiales que dan la sensación de que la guerra ha descompuesto los cuerpos hasta tal punto que se caen a pedazos. Es genial cómo destroza las formas llevando al límite ese expresionismo. Observamos la expresividad enorme que adquieren pies y manos, alzadas al cielo, enormes, parecen vendadas, o las bocas abiertas en un mudo grito de horror. Es llamativa también la presencia del toro como símbolo de España, o del caballo encabritado por la guerra. Todo el cuadro destila un movimiento impresionante, una agitación conmovedora que horroriza, donde se presencian a partes iguales tanto la muerte como el intento inútil y ahíto de volver a la vida.
  • 25. El perspectivismo. Una pizca de la técnica de Picasso, maestro de la modernidad <ul><li>Nueve claves perspectivas del espacio de Picasso. </li></ul><ul><li>1. Línea de Horizonte: el mar </li></ul><ul><li>2. Líneas horizontales como pantallas de término hacia abajo. </li></ul><ul><li>3. Espacio cóncavo cúbico iniciado con base en la perspectiva cónica. </li></ul><ul><li>4. Los tres ejes cartesianos forma triedro de fondo o rincón. </li></ul><ul><li>5. Base de mesa como soporte con borde en primer término </li></ul><ul><li>6. La imbricación o solape </li></ul><ul><li>7. Volumetrías por modelado con claro-oscuro </li></ul><ul><li>8. Recortes con sombras arrojadas sobre los segundos planos </li></ul><ul><li>9. Concepto ambivalente de positivo-negativo, creando fondo figura </li></ul><ul><li>Referente a las claves perspectivas del cubismo podemos sintetizarlas en los siguientes puntos: </li></ul><ul><li>A.   Es fundamental la imbricación ; que también se usa como destrucción por transparencias. </li></ul><ul><li>B.   Las sombras propias para destacar volúmenes y aristas adheridas a las formas. </li></ul><ul><li>C.    Sombras arrojadas para destacar los bordes o límites de las superficies. </li></ul><ul><li>D.   El concepto fondo-figura, usado como positivo-negativo, creando ambivalencia espacial. </li></ul><ul><li>E.    Borde inferior del cuadro que produce equilibrio con su horizontal próxima. </li></ul><ul><li>F.    Anulación o destrucción del espacio, creando confusión con claves contradictorias, como es la introducción de objetos reales o “papier collage”, pertenecientes a otra realidad. </li></ul><ul><li>  </li></ul>
  • 26. CUBISMO <ul><li>LITERATURA: Apollinaire con el caligrama, en el que el mensaje realiza la forma a la que alude. </li></ul><ul><li>ESCULTURA: Con técnicas como el collage; con materiales residuales como base, mezcla piezas distintas con lo que aparece la “ausencia de masa” (huecos vacíos) </li></ul><ul><ul><li>Alexander Archipenko. Introduce el concepto de hueco en la escultura. Líneas curvas rotas y formas poligonales con el interior vaciado. </li></ul></ul><ul><ul><li>Julio González (español que incorpora el hierro). Trabaja con Picasso y le influye en un surrealismo abstracto. Alterna huecos con abultamientos. </li></ul></ul><ul><ul><li>Picasso se incluye entre estos últimos. </li></ul></ul>Mujer andando Fuera de la pintura
  • 27. ESCUELAS <ul><li>Sección de Oro </li></ul><ul><li>Orfismo </li></ul><ul><li>Purismo </li></ul>tras la época clásica del cubismo
  • 28. SECCIÓN AÚREA <ul><li>Intenta l levar las matemáticas a la </li></ul><ul><li>pintura, tanto en los ritmos como en </li></ul><ul><li>las proporciones de la descomposición </li></ul><ul><li>cubista. Representan la Sección Áurea: </li></ul><ul><li>A) Marcel Duchamp </li></ul><ul><li>B) Fernand Léger, que se caracteriza por dar volumen a los planos. </li></ul><ul><li>C) Kasimir Malevich </li></ul><ul><li>D) Piet Mondrian </li></ul>a) Jugadores de ajedrez b) Desnudos sobre rojo c) El leñador d) Manzano en flor
  • 29. ORFISMO <ul><li>Cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura. Representantes </li></ul><ul><li>A) Robert Delaunay es su representante más destacado </li></ul><ul><li>Francis Picabia </li></ul><ul><li>Frantisek Kupka </li></ul>Ville nº2
  • 30. PURISMO <ul><li>Vuelta a las formas simples y analíticas (reaccionó contra los excesos del cubismo). </li></ul><ul><li>A) Amédée Ozenfant , representante más destacado. </li></ul><ul><li>B) Le Corbusier </li></ul>de la Bauhaus a) Naturaleza muerta b) Guitarra vertical
  • 31. LAS VANGUARDIAS ANTES DE LA 2º GUERRA MUNDIAL: FIGURACIÓN Y ABSTRACCIÓN
  • 32. Futurismo italiano, adoración por el movimiento <ul><li>De forma paralela al cubismo en Francia, en Italia surge el </li></ul><ul><li>futurismo. El poeta Marinetti aúna un conjunto de artistas </li></ul><ul><li>que rompen con lo estático del pasado con vistas a crear un </li></ul><ul><li>arte “del futuro”. Principalmente son Carrá, Balla, Severini, </li></ul><ul><li>Duchamp, Sironi y Russolo. Tiene los siguientes rasgos: </li></ul><ul><li>Contra el pasado y sus convenciones, se representa la fe </li></ul><ul><li>en el futuro, por ello aparecen escenas de la vida moderna. </li></ul><ul><li>Intentan retener imágenes fugaces, como una fotografía </li></ul><ul><li>de exposición prolongada. </li></ul><ul><li>Boccioni, de hecho, crea una “cuarta dimensión”, el </li></ul><ul><li>desarrollo de una acción dentro de un espacio de tiempo. </li></ul><ul><li>También publica en 1910 el “Manifiesto de pintores futuristas”. </li></ul><ul><li>Ante el poder de la tecnología, reaccionan idolatrando la </li></ul><ul><li>velocidad y el dinamismo. </li></ul><ul><li>En la técnica, fragmentan el movimiento como secuencias </li></ul><ul><li>congeladas, repetitivas y caleidoscópicas, de marcado ritmo. </li></ul><ul><li>Balla, tras ahondar en la tendencia abstracta (como veremos en Velocidad abstracta ) tuvo una fase metafísica, en la que la realidad ya se desmenuzaba de manera totalmente inorgánica. </li></ul>Severini Duchamp Carrá Ciclista de Boccioni
  • 33. BALLA VELOCIDAD ABSTRACTA <ul><li>El futurismo es sugerir un sentimiento sin figuración alguna. De nuevo vemos aquí los ángulos como forma punzante </li></ul><ul><li>de pintar el aire, el viento, el tiempo. Se suceden mezclándose en un ritmo obsesivo gran cantidad de líneas que </li></ul><ul><li>provocan un efecto de confusión al ver tanta imbricación. Sin embargo, podemos afirmar que predominan los </li></ul><ul><li>triángulos desiguales, en concreto dos muy grandes que ocupan el centro de la obra. Con tonos marrones </li></ul><ul><li>sangrientos y ocres anaranjados plasma sus experiencias personales. Fuerza y dinamismo se fusionan, jugando con </li></ul><ul><li>conceptos físico-matemáticos abstractos. </li></ul>
  • 34. Dadaísmo .  <ul><li>Se da simultáneamente en Nueva York y Zurich </li></ul><ul><li>en 1916, y poco después se extiende a Berlín. </li></ul><ul><li>Huyendo de toda dependencia o condicionamiento, el </li></ul><ul><li>dadaísmo es la única vanguardia negativa, la que más </li></ul><ul><li>sufre el desengaño causado por la primera guerra </li></ul><ul><li>mundial, al representar la fractura más extrema entre </li></ul><ul><li>arte y vida. Polemizó todos los valores establecidos, </li></ul><ul><li>partiendo del hecho de que nada tiene sentido, mediante </li></ul><ul><li>una practica artística antiartística, con presentaciones </li></ul><ul><li>escandalosas y dejándose guiar por el azar. Por lo tanto, </li></ul><ul><li>es un movimiento nihilista, que expresa la frustración del </li></ul><ul><li>hombre al poner en cuestión incluso al arte. No tiene </li></ul><ul><li>funcionalidad, y por ello desmitifica el arte como pieza de </li></ul><ul><li>museo al haber una ausencia de valores. Sólo puede ser </li></ul><ul><li>considerada un signo de existencia, por ello sirve </li></ul><ul><li>cualquier instrumento o material, aunque sean célebres </li></ul><ul><li>las tijeras y el periódico, como afirmaba Tzara, su creador. </li></ul>
  • 35. DUCHAMP <ul><li>GIOCONDA </li></ul><ul><li>Como ejemplo de este arte corrosivo y desencantado de la vida, encontramos a Duchamp, artista partícipe de los más diversos estilos y por ello insaciable. </li></ul><ul><li>Están en esta idolatrada figura de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci presentes la crítica y la burla a partes iguales: La crítica porque derrumba todo el arte anterior mediante la negación de lo que se admiraba del pasado, la perfección y la armonía. La burla porque demuestra así que no creen en nada, que han dejado de sentir, que eso no es arte, que nada es arte porque el hombre es preso de sí mismo. Puede incluso afirmarse que esta Gioconda va de luto o representa a la muerte, o puede que a la nueva etapa que marca la trasgresión dadaísta. Con la cabeza cubierta, tiene, además bigote y perilla, en una satirización matizada por el desprecio. </li></ul>
  • 36. Expresionismo satírico <ul><li>Aunque ya se puede considerar a El </li></ul><ul><li>Greco como precursor, las influencias </li></ul><ul><li>más directas vienen de Van Gogh, </li></ul><ul><li>Gauguin y sobre todo de Munch. </li></ul><ul><li>La primera fase se extiende hasta </li></ul><ul><li>la ruptura del grupo Die Brucke, en 1913. </li></ul><ul><li>La siguiente fase del expresionismo se </li></ul><ul><li>llamó Nueva objetividad y surgió de la </li></ul><ul><li>desilusión que siguió a la I Guerra Mundial. </li></ul><ul><li>Fundado por Otto Dix y George Grosz, </li></ul><ul><li>se caracterizó a la vez por su pesimismo </li></ul><ul><li>existencial y por una actitud ante la </li></ul><ul><li>sociedad sumamente satírica y cínica. </li></ul><ul><li>En España el expresionismo se volvió </li></ul><ul><li>hacia las representaciones de significado </li></ul><ul><li>social. Destaca sobre todo José Gutiérrez </li></ul><ul><li>Solana además de otros como Palencia, </li></ul><ul><li>Cossío o Zabaleta. </li></ul>El hoyo, Grosz El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.
  • 37. GEORGE GROSZ ESCENA CALLEJERA <ul><li>En esta obra es palpable la crítica social, en la que sufre una calle las consecuencias nefastas de la inmediata posguerra. </li></ul><ul><li>Vemos una calle perfilada de tonos grises verdosos, en primer plano aparece el rostro de un hombre caricaturizado con la nariz como rasgo predominante, que porta un bastón bajo en brazo y un cigarro en la mano. En su rostro se vuelca la desidia y el cansancio mientras que detrás un soldado que parece enfermo, con los ojos entrecerrados, espera con melancolía. Visten todos la ropa de la época (bombín, traje, pipa). Vemos también más alejados una mujer de perfil y un hombre mayor, que caminan ajenos a la miseria de los demás, es decir, sin verla siquiera. Destaca la ausencia de empatía. Creo que podría querer decir que la guerra ha enfriado todos los corazones, para lo que reduce su espectro cromático al color verde del uniforme de los soldados, de la lucha y la indiferencia. </li></ul>
  • 38. G. SOLANA <ul><li>LA VISITA </li></ul><ul><li>DEL OBISPO </li></ul><ul><li>Totalmente perceptible es aquí </li></ul><ul><li>La influencia de Goya y las </li></ul><ul><li>Pinturas negras de Regoyos. </li></ul><ul><li>Primero, por tratarse de una </li></ul><ul><li>Escena costumbrista, de </li></ul><ul><li>Tono melancólico con </li></ul><ul><li>Predilección por la crítica social </li></ul><ul><li>(atención al rostro de la anciana </li></ul><ul><li>Y la autoridad del obispo) </li></ul><ul><li>Que resalta la pobreza frente </li></ul><ul><li>A la falsa piedad. Además Solana introduce dos paisajes en los cuadros de la casa. Esta visión sombría desvela su </li></ul><ul><li>pesimismo por la vida y la sociedad española que retrata de forma cercana. También se perciben rastros del expresionismo </li></ul><ul><li>de Ensor y por supuesto de Grosz, por la distorsión y el todopoderoso negro. La luz espectral, artificial, que ilumina el </li></ul><ul><li>entorno, no hace más que aumentar el desasosiego ya causado por el ambiente claustrofóbico que corroboran los trajes </li></ul><ul><li>negros y las miradas perdidas. </li></ul>
  • 39. Neoplasticismo <ul><li>Podemos afirmar que se trata de lo contrario a la estética futurista, </li></ul><ul><li>nacido de la admiración holandesa por la abstracción pero basada </li></ul><ul><li>en pautas y con límites, por lo que será sobria, lógica y estará </li></ul><ul><li>estáticamente organizada. Desde 1917 hasta 1932 un conjunto de </li></ul><ul><li>arquitectos neerlandeses publican la revista De Stijl, el estilo, donde </li></ul><ul><li>aparecen las normas de este nuevo estilo de vida. Aunque fundador </li></ul><ul><li>es Theo van Doesburg, será Mondrian quien lo bautice como neoplasticismo, además de representar la mayor parte de las propuestas del grupo, consolidándolo. Limitado por sus creencias teosóficas, Mondrian creía tener que plasmar las constantes inmutables del lenguaje </li></ul><ul><li>plástico equivalentes a las de la realidad. Por ello el objetivo es conseguir </li></ul><ul><li>formas de armonía visual reduciendo las formas a sus elementos más básicos. Los medios de armonía son la línea recta y las relaciones ortogonales entre líneas. Para ello se hace una subdivisión calculada del plano a partir de líneas horizontales y verticales, el ángulo recto. Carecerá de profundidad, distinguiéndose un fondo blanco sobre el que van figuras geométricas rellenadas con colores primarios, uniformes, aislados, vistosos y planos: rojo, azul y amarillo, blanco, gris y negro. Se produce así la abstracción intelectual. Se fundamenta en los diferentes tamaños de las parcelas rectangulares, en la separación por líneas que, según los variados tonos de los rectángulos, producen sensaciones visuales de mayor o menor distancia al espectador. La superposición de las formas conducen a esa percepción perspectiva del espacio “neoplástico”. </li></ul>
  • 40. PIET MONDRIAN <ul><li>El color que predomina es el rojo, al </li></ul><ul><li>ser el cuadrado más grande y el </li></ul><ul><li>color más intenso. En parcelas se </li></ul><ul><li>Distribuyen rectángulos dentro de </li></ul><ul><li>cuadrados en una jerarquía calculada. </li></ul><ul><li>El azul es el menos notable mientras </li></ul><ul><li>que el negro se repite además de ser </li></ul><ul><li>Utilizado como perfilador. </li></ul><ul><li>Esta sencillez abrumadora me evoca </li></ul><ul><li>lo más simple: un conjunto de </li></ul><ul><li>baldosas, o un juego de niños. </li></ul><ul><li>Se sostiene en armonía pero el color </li></ul><ul><li>rojo no deja de tener connotaciones </li></ul><ul><li>Agresivas dentro de ella. </li></ul>
  • 41. Suprematismo Amsterdam Cruz negra <ul><li>Kasimir Malévich, pintor vanguardista ruso, crea la corriente artística del suprematismo, que quiere llegar a &amp;quot;la supremacía de la nada&amp;quot; (en palabras del propio artista) o a la representación del mundo sin objetos. </li></ul><ul><li>Malevich experimentó con todos los ismos franceses e incluso inventó algunos movimientos propios como el algoismo (el collage cubofuturista) hasta alcanzar la abstracción absoluta del suprematismo, su apuesta más arriesgada de la búsqueda de la nada. </li></ul><ul><li>Con su célebre &amp;quot;Cuadro negro&amp;quot; (1915) consiguió erradicar la figuración, la forma, el color, la perspectiva y cualquier otro recurso de la representación. </li></ul>Continuará en la senda del suprematismo hasta el 1927, ya que bajo la represión estalinista, Malevich volvió a representar figuras: Campesinos sin rostro y cuerpos mutilados. El dramatismo jugaba un papel muy importante en la política de la época.
  • 42. MALEVICH <ul><li>CUADRADO ROJO Y CUADRADO NEGRO </li></ul>Encontramos dos cuadrados, uno negro y otro rojo. El negro, mucho más grande, se mantiene estático y recto sobre el fondo blanco, mientras que el rojo, de menor tamaño, se inclina hacia su Superior de forma que establecen una relación entre ambos rompiéndose la frialdad de la composición, como si le añadiera un toque alegre. La sencillez extrema y la pasión por lo equilibrado triunfan en esta austera obra.
  • 43. ABSTRACCIÓN <ul><li>A través de la abstracción se desprenden </li></ul><ul><li>los pintores de cualquier límite o forma para </li></ul><ul><li>sus impresiones, que plasman en el cuadro </li></ul><ul><li>con total libertad, creando espacios </li></ul><ul><li>imposibles y comenzando a instalar los </li></ul><ul><li>sueños y la imaginación en un plano muy </li></ul><ul><li>personal con una concepción muy original de </li></ul><ul><li>una nueva vanguardia, tan amplia, que </li></ul><ul><li>crecerán en ella múltiples tendencias. N o fue </li></ul><ul><li>una tendencia, sino una opción de la pintura </li></ul><ul><li>que se manifestará a través de corrientes </li></ul><ul><li>diferentes, incluso contradictorias entre sí, </li></ul><ul><li>hasta ese momento. </li></ul><ul><li>Puedo destacar algunos rasgos como </li></ul><ul><li>característicos: Una nueva v aloración de las </li></ul><ul><li>formas, líneas y colores en estado puro, </li></ul><ul><li>desvinculadas de sus connotaciones temáticas </li></ul><ul><li>y sobre todo figurativas; o el hecho de que </li></ul><ul><li>tengan como objetivo la unidad interna de la </li></ul><ul><li>imagen sobre una base de acordes formales y </li></ul><ul><li>cromáticos. </li></ul>
  • 44. KANDINSKY <ul><li>MANCHA ROJA </li></ul><ul><li>En lo que parece ser un </li></ul><ul><li>collage compuesto por una </li></ul><ul><li>explosión de vivos colores, se </li></ul><ul><li>distribuyen desiguales </li></ul><ul><li>recortes que forman varias </li></ul><ul><li>pipas en torno a un corazón </li></ul><ul><li>rojo sobre las cuales se </li></ul><ul><li>pegan más líneas y formas </li></ul><ul><li>libres. A mi interpretación, </li></ul><ul><li>dos son los tubos que salen </li></ul><ul><li>del corazón queriendo </li></ul><ul><li>manifestarse mientras que </li></ul><ul><li>los dos restantes se dirigen a </li></ul><ul><li>él conteniendo recortes </li></ul><ul><li>menores. </li></ul>
  • 45. Surrealismo <ul><li>Podemos diferenciar dos tipos de surrealismo, en función de su perspectiva y </li></ul><ul><li>estética: </li></ul><ul><li>Los más notables como Dalí, Magritte, Chagall, Delvaux o De Chirico, alteran los tamaños y violentan las formas para conseguir efectos sorprendentes e insólitos. Como una burla del espacio absurdo, incluso como evocación de espacios oníricos, emplean claves contradictorias creando espacios imposibles. </li></ul><ul><li>En cambio, otros surrealistas como Miró, Matta, Lam, Masson o Max Ernst no hacen una pintura con base figurativa. Aparece en sus obras la perspectiva intuitiva que reproduce distancias desiguales y ajenas al lienzo, como si flotasen en un espacio con fondo más homogéneo.  </li></ul>El odio, Dalí La condición humana, Magritte Maternidad, Miró La tentación de San Antonio Su duración es ciertamente muy extensa, desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Además su capacidad de promoción fue excepcional, se celebraron exposiciones en todo el mundo. Comienza en París con el escritor André Breton, a través de Manifiestos, que lo define como automatismo psíquico puro para expresar el funcionamiento real del pensamiento. Había precedentes artísticos: El Bosco, Brueghel, Goya. Sin embargo, el arte surrealista investigó nuevas técnicas, como el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito o la pintura automática. También se interesó por la expresión de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado: El arte de los pueblos primitivos, el arte infantil, de los dementes o de los aculturizados sería revalorizado desde entonces. <ul><li>Podemos señalar una serie de características generales: </li></ul><ul><li>Animación de lo inanimado </li></ul><ul><li>Metamorfosis </li></ul><ul><li>Aislamiento de fragmentos anatómicos </li></ul><ul><li>Máquinas fantásticas </li></ul><ul><li>Elementos incongruentes </li></ul><ul><li>Perspectivas vacías </li></ul><ul><li>Evocación del caos </li></ul><ul><li>El sexo y lo erótico se trata de modo lúbrico </li></ul><ul><li>Autómatas </li></ul><ul><li>Espasmos </li></ul><ul><li>Líbido del inconsciente </li></ul><ul><li>Relaciones entre desnudos y maquinaria </li></ul>
  • 46. M A G R I T T E <ul><li>Este cuadro es maravilloso: el misterio, la tela que </li></ul><ul><li>tiene vida propia. Me conquistó desde un primer </li></ul><ul><li>momento. Lo culmina el título, como guinda. Al decir </li></ul><ul><li>los amantes, no implica que estén enamorados, el </li></ul><ul><li>famoso “tener una venda en los ojos” o “no poder </li></ul><ul><li>despegarse de las sábanas” cobran aquí un intenso </li></ul><ul><li>significado. Es rompedor porque el hecho de que </li></ul><ul><li>estamos presenciando un beso sin rostro. Puede tener </li></ul><ul><li>múltiples interpretaciones, porque comer un trozo de </li></ul><ul><li>tela no es agradable para nadie, porque da ese juego, </li></ul><ul><li>como lo hace todo el surrealismo, ya que es su </li></ul><ul><li>esencia: pueden tratarse de dos extraños que se </li></ul><ul><li>aman sin conocerse o porque no se conocen, o </li></ul><ul><li>cubriendo sus cabezas dar a entender que andan en la </li></ul><ul><li>oscuridad. Lo claro es su originalidad y nueva </li></ul><ul><li>visión del amor, incluso como burla. </li></ul><ul><li>Se desarrolla así toda una historia en nuestra </li></ul><ul><li>cabeza, como es la intención de Magritte, no te </li></ul><ul><li>deja indiferente, te hace pensar, te mantiene en vilo. </li></ul>LOS AMANTES
  • 47. DALÍ <ul><li>PERSISTENCIA </li></ul><ul><li>DE LA MEMORIA </li></ul><ul><li>Dalí es a mi parecer el mejor de los surrealistas. Esa visión onírica, esas llanuras interminables, ese infinito que despierta la más alta angustia, ese lenguaje secreto indescifrable, esos objetos misteriosos…La llanura trasmite, en este caso, soledad, la sensación de abandono es latente. La presencia del tiempo, de varios relojes además, concreta más el hecho de que no sólo no tenemos cómo escapar, sino que las agujas están siempre en el mismo lugar. Parece además que se derritieran los relojes, como si fueran un espejismo, o una falsa descripción de un momento eterno. La muerte se acerca con el aburrimiento escoltándola. Unas rocas se dibujan a lo lejos, una rama famélica sostiene una de las pieles vacías carentes de significado que son los relojes. Es una sensación sobrecogedora, pero apasionante. </li></ul>
  • 48. <ul><li>CARNAVAL DEL ARLEQUÍN </li></ul><ul><li>Enigmático y por ello adictivo como casi cualquier obra del surrealismo, me da la impresión general de </li></ul><ul><li>una gigante máquina extravagante en la que no veo utilidad alguna, compuesta por mil objetos de </li></ul><ul><li>pequeño tamaño que actúan por su cuenta, en una confusión particular pero dándole un sentido </li></ul><ul><li>General al conjunto. Predomina el azul intenso, añil, acompañado de objetos curvos y geométricos: el </li></ul><ul><li>cono en el suelo, la esfera de la tierra, la mesa. Son de nuevo los colores puros los predilectos, por su </li></ul><ul><li>intensidad y claridad: el rojo, el amarillo, el blanco y el negro. Observamos muchos objetos reconocibles </li></ul><ul><li>que guardan una conexión: un perro siendo llevado por un humano, la guitarra que es sostenida, el </li></ul><ul><li>pintor con dos paletas, el dado del que sale una mariposa, la ventana que nos abre otro pozo azul…Todos parecen formar parte de una danza sinuosa en un carnaval lleno de movimiento. </li></ul>MIRÓ
  • 49. ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN TRAS LA 2º Guerra Mundial
  • 50. EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO <ul><li>Con el final de la segunda guerra mundial se extendió la pintura abstracta por </li></ul><ul><li>diversos países de todo el mundo, desarrollándose con caracteres </li></ul><ul><li>diferenciados propios de cada país. Paris y la vieja Europa ceden la capitalidad </li></ul><ul><li>del arte a Nueva York. </li></ul><ul><li>Surge esta pintura con un cierto carácter figurativo de tipo gestualista. La </li></ul><ul><li>propia materia pictórica cobra protagonismo produciendo un efecto espacial, </li></ul><ul><li>fruto del orden cronológico con que se fueron depositando las </li></ul><ul><li>sucesivas capas pictóricas. </li></ul><ul><li>Predomina una característica respecto al espacio propia de la personalidad </li></ul><ul><li>de cada autor, violenta expresión sobre el lienzo que siempre parece agredido – </li></ul><ul><li>como campo de batalla - más que acariciado por los pinceles. Hay casos </li></ul><ul><li>extremos donde la propia superficie del lienzo es destruida, perforada, rejada y </li></ul><ul><li>arañada, como buscando una realidad, la profundidad tras el fondo. </li></ul><ul><li>Para expresar las emociones básicas utilizaron colores vivos, formas </li></ul><ul><li>atrevidas y métodos de trabajo espontáneos como el dripping (chorreado de </li></ul><ul><li>pintura sobre la tela puesta en el suelo). </li></ul>
  • 51. POLLOCK <ul><li>MARRÓN Y PLATA </li></ul><ul><li>Representa el expresionismo abstracto. </li></ul><ul><li>Sus primeras obras son escenas estadounidenses </li></ul><ul><li>realistas. </li></ul><ul><li>Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el </li></ul><ul><li>surrealismo, adopta un estilo más libre yabstracto. </li></ul><ul><li>A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el </li></ul><ul><li>expresionismo abstracto, desarrollando la técnica </li></ul><ul><li>de la action-painting o dripping, consistente en </li></ul><ul><li>derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre </li></ul><ul><li>lienzos sin tensar. Mediante este método Pollock </li></ul><ul><li>realizó esquemas de obras entrelazadas. </li></ul><ul><li>También pertenece a esta época Marrón y plata I, </li></ul><ul><li>la obra que vemos a la derecha, donde el </li></ul><ul><li>sentimiento aparece derramado de una forma </li></ul><ul><li>espesa y oscura, enérgica y ondulante. </li></ul><ul><li>A partir de 1950 su estilo cambia de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro. </li></ul>
  • 52. M. Rothko <ul><li>Prácticamente autodidacta, el </li></ul><ul><li>estadounidense Rothko se adhiere en </li></ul><ul><li>1930 al movimiento del realismo social. </li></ul><ul><li>En la década de 1940, influenciado </li></ul><ul><li>por el Surrealismo, desarrolló un </li></ul><ul><li>planteamiento más imaginativo que </li></ul><ul><li>se inspira en la religión primitiva. </li></ul><ul><li>Poco a poco, su trabajo se fue </li></ul><ul><li>haciendo más abstracto, basado en </li></ul><ul><li>grandes rectángulos, confusamente </li></ul><ul><li>definidos, de colores oscuros, </li></ul><ul><li>suaves o vivos, empleados para </li></ul><ul><li>sugerir emoción. Pertenecen a la </li></ul><ul><li>esfera de las grandes superficies de </li></ul><ul><li>colores planos del expresionismo </li></ul><ul><li>abstracto. </li></ul><ul><li>Aquí vemos que lo sitúa en franjas de </li></ul><ul><li>colores, en la primera cálidos, donde </li></ul><ul><li>interpone una pequeña línea negra como </li></ul><ul><li>contraste con el blanco. En la siguiente, en cambio, </li></ul><ul><li>se ve una disminución de tamaño progresiva de </li></ul><ul><li>arriba abajo, escoge colores más fríos pero justo al </li></ul><ul><li>final introduce una franja anaranjada. </li></ul>
  • 53. INFORMALISMO ESPAÑOL <ul><li>Se desarrolla entre los 40 y 50 con diversas tendencias en su seno, </li></ul><ul><li>como la matérica. Podemos indicar como rasgos básicos estos: </li></ul><ul><li>- Preocupación por el aspecto físico y técnico. </li></ul><ul><li>- Creación de efectos matéricos muy expresivos, mediante estratificación de colores mezclados con materias diversas como arena, serrín, vidrios rotos.- Inserción en la pintura de arpilleras, maderas, harapos. - Utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras. </li></ul><ul><li>- Desde tonos suaves y evanescentes (ocres, rosas, verdes y azules pastel) hasta colores planos y fondos monocromos, como los colores sangrientos y dramáticos de Millares o Saura. </li></ul><ul><li>- La obra se organiza con oposiciones de materia y no materia. </li></ul><ul><li>- Ausencia de perspectiva y de forma. </li></ul><ul><li>Tapies, representante fundamental, le da un sentido espiritual en el </li></ul><ul><li>análisis de la condición humana mientras que a Saura lo caracteriza </li></ul><ul><li>su conflicto por la forma, pues sus obras suelen ser figurativas </li></ul><ul><li>(considerándolo, claro, de lo abstracto). Por último, la riqueza cosmopolita de Millares le permite evolucionar su obra con diferentes matices. </li></ul>Claro-oscuro Espiral
  • 54. TAPIES <ul><li>MARRÓN Y OCRE </li></ul><ul><li>Principal exponente del informalismo, es pintor, </li></ul><ul><li>escultor y teórico del arte. En su obra predomina </li></ul><ul><li>el collage y el assemblage, con una textura </li></ul><ul><li>cercana al bajo relieve. Es célebre por sus </li></ul><ul><li>añadidos de arena y por acumular la pintura de </li></ul><ul><li>forma pastosa, haciendo rayas y hendiduras en </li></ul><ul><li>el propio cuadro, como se observa en ambas </li></ul><ul><li>imágenes, en la mayor advertimos el tono </li></ul><ul><li>simbolista en la cruz, en el segundo en las </li></ul><ul><li>lágrimas y la mano que tapa una invisible boca. </li></ul><ul><li>En la superior también apreciamos múltiples </li></ul><ul><li>signos que aluden a realidades más subjetivas </li></ul><ul><li>que matemáticas, entre los que destaca el de la </li></ul><ul><li>izquierda por su tamaño y llamativo color negro. </li></ul>
  • 55. B) MILLARES <ul><li>Surrealismo, en sus comienzos, sobre 1949, cuando realiza sus primeros Pictogramas. </li></ul><ul><li>Después experimenta con la idiosincrasia canaria, que aparece como temática de sus obras. </li></ul><ul><li>Investiga las superficies, la materia y las texturas. A partir de ahí elaborará sus arpilleras, donde combina arena y madera. En el año 1955 realiza sus Perforaciones. </li></ul><ul><li>Participa en la creación del grupo El Paso, que influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. </li></ul><ul><li>Viaja al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, donde destacará ahora un predominio del blanco de la arena. </li></ul><ul><li>La siguiente fase es llamada Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados convertidos en fantásticos donde Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos. </li></ul>Aborigen nº1
  • 56. C) SAURA <ul><li>Empieza, como acabamos de ver en Millares, siendo un pintor surrealista. Hacia 1950 sin embargo, se deshace de la figuración, para crear una pintura gesticulante a base de amplias pinceladas gruesas. </li></ul><ul><li>Sus obras se caracterizan por el conflicto por la forma. Sus cuadros son terriblemente expresivos y obsesivos en su franqueza pictórica. Nos transmite su sinvivir en un mundo lleno de contradicciones donde su inseguridad es palpable y donde impera el pesimismo. </li></ul><ul><li>Confluyen las influencias de las corrientes tenebristas y trágicas de la tradición pictórica española (Barroca, pinturas negras de Goya...) y la concepción propia del expresionismo abstracto norteamericano. </li></ul><ul><li>La paleta cromática de sus obras se fue reduciendo hasta convertirse en negros y grises combinados en grandes trazos sobre una superficie blanca. Vemos el mismo proceso de Picasso (a escala menor, por supuesto) al escoger un mundo sin color para exprimir al máximo las posibilidades de las formas. </li></ul>
  • 57. S A U R A <ul><li>E L G R I T O </li></ul><ul><li>La expresividad de esta obra es </li></ul><ul><li>brutal. La enérgica pincelada </li></ul><ul><li>rayada, pastosa, los radicales </li></ul><ul><li>blanco y negro, dramáticos ya de por </li></ul><ul><li>sí, oscuros, misteriosos. La locura </li></ul><ul><li>caracteriza los movimientos de este </li></ul><ul><li>personaje en el que distinguimos una </li></ul><ul><li>persona que con los brazos en alto, </li></ul><ul><li>parece gritar. Todo un conflicto </li></ul><ul><li>interior se transporta al cuadro, </li></ul><ul><li>donde los pies son gigantescos, como </li></ul><ul><li>la figura perfilada en una gruesa </li></ul><ul><li>pincelada negra, a base de rayajos, </li></ul><ul><li>chorreante de dolor y de rabia, que </li></ul><ul><li>parece sangrar a pesar de la </li></ul><ul><li>ausencia del rojo. Sublime. </li></ul>
  • 58. ARTE CINÉTICO Y OP-ART <ul><li>Habría que explicar nuestra </li></ul><ul><li>perspectiva para entenderlo. Al </li></ul><ul><li>estar basada en estímulos </li></ul><ul><li>luminosos que provocan el efecto </li></ul><ul><li>volumétrico e ilusorio del espacio, </li></ul><ul><li>estos artistas juegan con ello, con </li></ul><ul><li>un sistema provocativo de </li></ul><ul><li>sensaciones ópticas. </li></ul><ul><li>Por lo tanto, las obras pictóricas </li></ul><ul><li>son resultados técnicos </li></ul><ul><li>convertidos en efectos estéticos. </li></ul><ul><li>El generador de esta tendencia es </li></ul><ul><li>Vasarely, que crea una escuela que continuará su hijo . </li></ul>
  • 59. VÍCTOR VASARELY <ul><li>VONAL SSZ </li></ul><ul><li>Observamos cómo mediante el color y un juego geométrico de un cuadrado, nos despierta la sensación de imbricación, acompañada de la de profundidad, mediante líneas oscuras alternadas con chillonas (gama naranja) y otras sordas (marrones y verdes). Así, nos parece un túnel en el que al fondo se ve la luz. Consigue este efecto con diferentes grosores de las líneas y cómo se van tapando unas con otras para que parezca que está detrás, es decir, se va achicando, como si estuviéramos situados en la entrada. </li></ul><ul><li>Como perspectiva nos presenta espacios cambiantes, incluso de efectos dinámicos por saturación o &amp;quot;efecto moaré&amp;quot; </li></ul>
  • 60. EXPRESIONISMO FIGURATIVO <ul><li>Reaccionando contra el expresionismo abstracto, esta nueva manera de entender el arte recupera el lenguaje figurativo, manteniendo aspectos ya presentes en el anterior, como el idioma rico en interpretaciones que incita al espectador a involucrarse o el conflicto interior al que el pintor enfrenta al realizar la obra. </li></ul><ul><li>Analizando la vida apasionante de Bacon, su máximo exponente, nos adentraremos en este movimiento: Tanto su carácter enfermizo como una sexualidad reprimida, condicionaron su vida desde que era un niño. Todo ello auguraba la presencia de lo retorcido en sus obras, o los ambientes claustrofóbicos que las caracterizan. Expulsado de su casa por ser homosexual, se marchará a vivir a Francia. </li></ul><ul><li>Es recién en 1944 cuando cosecha algún éxito, con Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión, cuando ya llevaba tiempo intentándolo. </li></ul><ul><li>Recibe claras influencias de los expresionistas alemanes, El Greco, Goya (en el granulado de color para lograr un impacto visual) o Van Gogh (como se aprecia en el ondulamiento de las pinceladas). Podemos indicar alguna de sus características: </li></ul><ul><li>Desintegra las formas para hacer una reconstrucción deformada, lo rehace a su manera, con las sensaciones, temblores y temores contorsionados en su mente. De esta manera, la obra se convierte en algo irracional e ilógico, algo rompedor: ya no es reflejo de la realidad, sino del alma. </li></ul><ul><li>El terror es otro aspecto fundamental en Bacon: espacios atemporales de un solo color despiertan una inquietud que va en aumento con el dinamismo que puedan adquirir las realidades presentes en el cuadro. </li></ul><ul><li>Repite, además, una serie de elementos: Las formas cúbicas, para encuadrar lo más relevante; estructuras metálicas, que sostienen la figura; o cortinas de color (azul o verde) que le aportan más misterio aún a sus vivencias. </li></ul><ul><li>La mutilación es otro aspecto obsesivo de Bacon, como podemos comprobar en Pintura 1946 , al ver los trozos de carne descuartizada, a través de la cual no sólo refleja el dolor, sino la sensación de que la obra se compone de partes de sí mismo gangrenadas y extendidas sobre la obra. </li></ul>Pintura 1946
  • 61. BACON <ul><li>AUTORRETRATO </li></ul><ul><li>Sólo con mirar la obra ya buscamos la verdadera cara, en lo que </li></ul><ul><li>podría tratarse de la exploración e incluso explotación de uno mismo. </li></ul><ul><li>Tendemos a mejorar la realidad o a intentar que se parezca a lo conocido. </li></ul><ul><li>Como hemos señalado antes, vemos las líneas curvas de Van Gogh o el uso </li></ul><ul><li>del negro de Goya. En un rostro que sabemos que es el suyo, encontramos </li></ul><ul><li>los elementos trastocados, en un estado turbulento: los ojos hundidos, el pelo </li></ul><ul><li>revuelto, la mueca imposible de la boca que parece fundirse en el medio </li></ul><ul><li>como si la primera mitad fuera un perfil que besara al otro que le escupe. La </li></ul><ul><li>misma barbilla partida en dos nos da el presentimiento de que quiere salir, o </li></ul><ul><li>al menos desintegrarse. Es llamativo el uso del blanco, y no uno cualquiera, </li></ul><ul><li>sino uno pálido sudoroso en el rostro, como si se tratase de una máscara de </li></ul><ul><li>cera o maquillaje. Sólo humaniza con carne las partes más intensas de la </li></ul><ul><li>cara, como lo es la mirada o la boca, que por la derecha parece reír a </li></ul><ul><li>mandíbula batiente. También los azules se asemejan a zonas amoratadas o al </li></ul><ul><li>menos, frías.Resulta grotesco y fascinante a un tiempo, la figura y el no poder </li></ul><ul><li>dejar de mirar el tormento. Desvía la mirada y posee los rasgos simplificados, </li></ul><ul><li>afilados, cortantes, de aquel primer arte de Picasso, basado en la escultura </li></ul><ul><li>ibérica y las máscaras africanas. </li></ul>
  • 62. P OP - A R T <ul><li>Las dos corrientes más sólidas del Pop Art, la británica y la </li></ul><ul><li>norteamericana, nacieron y se desarrollaron de manera </li></ul><ul><li>simultánea. Ambas tenían un carácter urbano y sus </li></ul><ul><li>manifestaciones plásticas eran el reflejo de un nuevo estilo de </li></ul><ul><li>vida rendido ante las nuevas tecnologías, la moda y el </li></ul><ul><li>consumo, tres realidades que llegaron a lo más alto gracias a </li></ul><ul><li>este movimiento artístico. </li></ul><ul><li>El ‘Star Sistem’ de Hollywood, la moda y la </li></ul><ul><li>publicidad se convirtieron enseguida en las </li></ul><ul><li>principales fuentes de inspiración de unos </li></ul><ul><li>artistas que lo miraban todo con la más </li></ul><ul><li>corrosiva de las ironías. Los escultores </li></ul><ul><li>comenzaron a utilizar materiales de desecho </li></ul><ul><li>para construir sus obras y el cine y la </li></ul><ul><li>fotografía se consagraron definitivamente </li></ul><ul><li>como lenguajes del Arte visual. </li></ul><ul><li>Dirigido al gran público, consigue divulgar como iconos </li></ul><ul><li>imágenes conocidas por todos. Se sacan del contexto marcas </li></ul><ul><li>y formas del arte (por ejemplo, del cómic) manteniendo una </li></ul><ul><li>perspectiva fotográfica, con pequeños cambios: Para llegar al </li></ul><ul><li>público, se toman licencias, utilizando materiales no pictóricos, </li></ul><ul><li>adquiriendo así el estilo povera. En ocasiones la técnica, de </li></ul><ul><li>perfección litográfica, lo convierte en un arte hiperrealista, por </li></ul><ul><li>su excesiva pulcritud. Al mismo tiempo que hace una labor </li></ul><ul><li>crítica y desmitificadora, el Equipo Crónica pone en cuestión </li></ul><ul><li>el papel del arte, sobre todo de la vanguardia, en relación </li></ul><ul><li>con la situación política y cultural española. </li></ul><ul><li>Es también una reacción contra el lirismo y la expresión </li></ul><ul><li>personal de los diversos estilos informales </li></ul><ul><li>que dominaron la posguerra. </li></ul>
  • 63. WARHOL <ul><li>MARILYN MONROE </li></ul><ul><li>Aquí se parte del hecho de la fama </li></ul><ul><li>mundial ya adquirida de Marilyn, a </li></ul><ul><li>partir de lo que se hace un mosaico </li></ul><ul><li>llamativo de su rostro tomando </li></ul><ul><li>diferentes colores como la opacidad </li></ul><ul><li>de los rollos de cámara antigua, </li></ul><ul><li>donde se investiga las posibilidades </li></ul><ul><li>de las sombras litográficas, donde </li></ul><ul><li>comprobamos aparte del verismo, lo </li></ul><ul><li>mucho que cambia su gesto y nuestra </li></ul><ul><li>sensación según el fondo que se le </li></ul><ul><li>coloque y la gama que se utilice. </li></ul><ul><li>Son por lo general, colores fuertes y </li></ul><ul><li>bastante primarios (atención al </li></ul><ul><li>amarillo limón, al rojo puro o al magenta). </li></ul>
  • 64. EQUIPO CRÓNICA <ul><li>Además queda por </li></ul><ul><li>añadir la relevancia del </li></ul><ul><li>único objeto que se sitúa </li></ul><ul><li>en el escritorio, una </li></ul><ul><li>especie de pieza con </li></ul><ul><li>pinchos y un agujero. </li></ul><ul><li>Además, el escritorio </li></ul><ul><li>está de cara a nosotros, </li></ul><ul><li>su público, como si fuera </li></ul><ul><li>el caballero el juzgado, </li></ul><ul><li>en su mundo muerto, y </li></ul><ul><li>que estuviera en ese </li></ul><ul><li>gesto tan sentido a punto </li></ul><ul><li>de dar una explicación. </li></ul><ul><li>Así nos posicionamos </li></ul><ul><li>como jueces de otra </li></ul><ul><li>época y de la nuestra </li></ul><ul><li>propia. </li></ul>LA ANTESALA El caballero de la mano en el pecho, de El Grecoo, es aquí algo Ridiculizado: En primer lugar, por los dedos de la mano exageradamente estirados, hasta el punto de que esta parece ser la de un esqueleto. Con perfección litográfica se nos muestra un escritorio tras el cual se posiciona el caballero. Con diversos cajones y las vetas de la madera, en absoluto encaja con el traje del XVI. Este desequilibrio entre la presentación de la actualidad (los avances de la ciencia en una gran pantalla en la que se repiten en forma de mosaico formas parecidas a una calavera) y la de la época del Greco. La solemnidad del personaje resulta patética en el contexto, juntando los dedos en el símbolo tan famoso que el Greco transfería a sus obras.
  • 65. HIPERREALISMO AMERICANO Y ESPAÑOL <ul><li>Conocido como realismo fotográfico </li></ul><ul><li>o radical, nace en la West-Coast de Estados </li></ul><ul><li>Unidos a finales de los 60 y principios de los </li></ul><ul><li>70 del siglo XX, difundido por Europa </li></ul><ul><li>gracias a Kassel. </li></ul><ul><li>Usando medios técnicos y fotográficos, </li></ul><ul><li>consiguen en óleo o escultura el mismo </li></ul><ul><li>detallismo y encuadre de la fotografía. </li></ul><ul><li>Mientras que en Estados Unidos está muy </li></ul><ul><li>influenciado por el Pop Art (como he </li></ul><ul><li>comentado ya), en el resto de Europa no. </li></ul><ul><li>Aquí tiene un lirismo que roza lo surrealista. </li></ul><ul><li>Podemos mencionar como llamativos a </li></ul><ul><li>Hanson, Salt y Estes en EEUU y a López en </li></ul><ul><li>España. </li></ul>Ciudades por Estes
  • 66. ESTES <ul><li>Mediante diversas tomas fotográficas y </li></ul><ul><li>ayudándose del dibujo, la perspectiva y </li></ul><ul><li>el estudio de la luz, Estes es el pintor </li></ul><ul><li>de ciudades hiperrealista por </li></ul><ul><li>excelencia. Su predilecta es Manhattan </li></ul><ul><li>y su obra destila una estructura </li></ul><ul><li>cristalina, una ondulación parecida a la </li></ul><ul><li>del agua, con infinitas facetas, </li></ul><ul><li>cambiante e idéntica a un tiempo. </li></ul><ul><li>Así, aprovecha lugares como el metro, </li></ul><ul><li>el escaparate (diapositiva anterior), o </li></ul><ul><li>una puerta vidriada para ofrecer ese </li></ul><ul><li>reflejo de lo que hay en frente que </li></ul><ul><li>podemos adivinar fijando con </li></ul><ul><li>atención la vista. Me recuerda a la pintura </li></ul><ul><li>flamenca pero en versión moderna, me </li></ul><ul><li>resulta impactante que se haya podido </li></ul><ul><li>explotar hasta este extremo la fotografía </li></ul><ul><li>sacando sensaciones tan maravillosas como </li></ul><ul><li>la del espejo que realiza Estes mediante una </li></ul><ul><li>base gris sobre la que mezcla colores suaves. </li></ul>
  • 67. ESTES <ul><li>CANADIAN CLUB </li></ul><ul><li>Aquí por ejemplo ya no observamos </li></ul><ul><li>el asombroso efecto del cristal de </li></ul><ul><li>Las obras que he comentado antes. </li></ul><ul><li>Casi podría contratarse a Estes para </li></ul><ul><li>hacer publicidad de la ciudad: </li></ul><ul><li>Sus cuadros son fotografías comerciales que pintan la ciudad en </li></ul><ul><li>movimiento: la gente, las vitrinas, en este caso la modernidad: La </li></ul><ul><li>carretera interminable, los carteles de Coca Cola y los rascacielos </li></ul><ul><li>componen la increíble composición. Además no es una fotografía </li></ul><ul><li>cualquiera, sino que está específicamente pensada, para explotar una </li></ul><ul><li>serie de aspectos atrayentes para el pintor, como lo pueden ser los </li></ul><ul><li>reflejos sobre la carretera en movimiento o el reto de hacer que miles </li></ul><ul><li>de manchas se conviertan en una vidriera. También se muestra el </li></ul><ul><li>genio del pintor en la perspectiva escogida y la manera en que se </li></ul><ul><li>presenta la imagen, en este caso desde una cierta altura. </li></ul>
  • 68. ANTONIO LÓPEZ <ul><li>Antonio López fue pintor español </li></ul><ul><li>instruido por su tío Antonio López </li></ul><ul><li>Torres, también pintor. </li></ul><ul><li>Influenciado por Dalí, adquiere su </li></ul><ul><li>gusto acusado por la realidad y el </li></ul><ul><li>predominio del dibujo sobre la pintura. </li></ul><ul><li>Su obra, ha sido adaptada al cine </li></ul><ul><li>por el director cinematográfico </li></ul><ul><li>Víctor Erice en el film titulado El sol del </li></ul><ul><li>membrillo (1992). </li></ul><ul><li>La temporalidad y el deterioro de lo </li></ul><ul><li>material son notas que definen su estilo </li></ul><ul><li>hiperrealista. Busca dentro de la </li></ul><ul><li>realidad que le rodea los aspectos más </li></ul><ul><li>cotidianos. Los objetos y los sucesos </li></ul><ul><li>de la vida ordinaria son los que </li></ul><ul><li>destacan como los protagonistas de </li></ul><ul><li>sus cuadros </li></ul><ul><li>Su obra abarca desde las vistas </li></ul><ul><li>Madrileñas, hasta retratos de sus </li></ul><ul><li>propios familiares (Los novios) objetos </li></ul><ul><li>de uso cotidiano (Taza de water y </li></ul><ul><li>ventana), o simplemente elementos de </li></ul><ul><li>la naturaleza, (Membrillos y granados). </li></ul>
  • 69. A. LÓPEZ <ul><li>LA GRAN VÍA MADRILEÑA </li></ul><ul><li>Así como Estes retrata las ciudades </li></ul><ul><li>de América lo hace López con la de </li></ul><ul><li>Madrid. De nuevo vemos la paciencia </li></ul><ul><li>flamenca ahora patriótica, triunfar en un </li></ul><ul><li>cuadro tan vívido que reproduce mejor </li></ul><ul><li>incluso la realidad que nuestros propios </li></ul><ul><li>ojos. Además, los pintores hiperrealistas le </li></ul><ul><li>aportan un toque sentimental, de </li></ul><ul><li>óxido a la realidad fotografiada, una </li></ul><ul><li>especie de melancolía indescriptible, de </li></ul><ul><li>apego por sus raíces, a la vez que saben </li></ul><ul><li>añadirle un poco de ellos mismos. </li></ul>
  • 70. ARTE CONCEPTUAL <ul><li>Se desarrolla en el término de la década de los 60 y resurge a finales de los 80, cuando importa más el contenido que la obra. </li></ul><ul><li>Por ello, el concepto importa más que el objeto artístico, como afirmaba el francés Michael Duchamp, quien originó este movimiento. De esta manera, se pretende encontrar la identidad del objeto. Como resultado, al basarse en una idea, puede no ser real, pero ser concepto de algo. </li></ul><ul><li>Para ello, predominan los elementos conceptuales sobre los formales, se evita el estímulo óptico. Se buscan así ambientes cromáticos, luminosos y variaciones en la naturaleza. </li></ul><ul><li>El movimiento es de ideología opuesta a la burguesía y al consumismo preponderante. </li></ul><ul><li>Para llamar la atención usan métodos inusuales: vídeos, documentales escritos. </li></ul>
  • 71. Realizado por Elisa Rodríguez Zulliger 2ºD

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