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Historia del  cine de animación
 

Historia del cine de animación

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Recorrido por la Historia y Desarrollo de la Animación

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    Historia del  cine de animación Historia del cine de animación Document Transcript

    • El cine de animación La animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computarizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capte el proceso como un movimiento real. Según el animador norteamericano Gene Deitch, «animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.» Mientras en el cine de imagen real se analiza ydescompone un movimiento real (24 imágenes porsegundo), en el cine de animación se construye unmovimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8imágenes por segundo). Con la invención del paso de manivela, Chomónestableció los principios fundamentales de la animación.Mas tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció lasbases de lo que con los años se convertiría en la poderosaindustria de los dibujos animados. McCay dio al dibujoanimado la técnica básica con la que se ha mantenido hastael presente, pues los principios de la animación en papel,en acetato o por ordenador, la forma técnicamente másavanzada del género, son exactamente los mismos; sólocambian las apariencias.En el caso del ordenador, el truco del paso de manivela esllevado al extremo: la unidad elemental manejada, el píxel,es mucho más pequeña que el fotograma, el resultado esque el animador tiene el control total tanto del espacio -elobjeto filmado- como del tiempo -el movimiento de lasimágenes. En el futuro, el abaratamiento de costespermitirá una aplicación generalizada en investigacionescientíficas, en la generación de gráficos y recursos para laeducación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en
    • los que, como suele suceder, las aplicaciones aún están porllegar. Diversos tipos de animación Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen. Dibujo animado Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, al técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios. Stop motion Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion, en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su llamado «paso de manivela». Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama Animación de recortes (cutout animation). En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. es un proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser
    • animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, losordenadores facilitan la tarea. Recambio de piezas La técnica de «recambio de piezas», «replacementanimation» (animación por reemplazamiento, o porsustitución). El sistema de captura es básicamente el mismoque el del stop-motion convencional, pero los muñecosempleados aquí, normalmente tallados en madera, noposeen partes móviles, sino piezas intercambiables.Consiste en crear tantas piezas como movimientos oexpresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácilde comprender es diseñar diferentes cabezas –con unasonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza quecorresponda en el momento adecuado del plano. Las piezasse elaboran previamente siguiendo la animación esbozadaen papel, y luego en vez de mover los miembros de losmuñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esaforma un sencillo movimiento podría requerir un grancantidad de piezas, en torno a las 20. Puppertoons El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y susocio Dave Bader, se compone de los términos puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que setrataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásicade animación de los dibujos, o sea, una figura del personajediferente para cada fotograma. Film directo Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, sepinta o se compone sobre el mismo celuloide. Len Lye,neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en elcaso de Norman Mclaren, dibujaba también la bandasonora. Pixilación Se denomina pixilación a una variante del stop-motion,en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ellose fotografía repetidas veces desplazando ligeramente elobjeto. En el caso de personas se suprimen secciones deuna filmación con el fin de crear una sensación diferente.
    • Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada conanterioridad por Emile Cohl), empleada en su cortoanimado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla osu cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dospersonas realizan movimientos muy complicados. NormanMcLaren también experimentó con el dibujo directamentesobre le celuloide, tanto de las imágenes como la realizaciónde la misma banda sonora. Rotoscopía Disney animó a Blancanieves en momentos de ciertacomplicación, bajada de escaleras, bailes, y a otrospersonajes sobre la filmación de personas reales. Elequivalente en infografía es la técnica llamada motioncapture. Animación limitada Es un proceso de creación de dibujos animados quedisminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez derealizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchosde esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto,simbolismo, repetición de fondos y de movimientos paracrear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace másimperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplocaracterístico son los Picapiedra. Animación flash Flash es un programa de edición multimedia con variasfinalidades crear animaciones, contenido multimedia,juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y dehecho muchas productoras están en la actualidad realizandotrabajos de animación en 2-D con este sistema para páginasweb y sitios web multimedia. Animación en 3D Hace referencia a un tipo de animación que simula lastres dimensiones. se realiza mediante un procesodenominado renderización, que generar una imagen de 2Ddesde un modelo de 3D. Así podría decirse que en elproceso de renderización, la computadora «interpreta» laescena en tres dimensiones y la plasma en una imagenbidimensional.
    • Foto-realidad Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro. Animación motion capture y performance capture La «Performance Capture» es un avance recientes de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador. Ver cine siglo XXI. La prehistoria de la animación. La animación antesdel cine En las manifestaciones artísticas, desde que se conocen,la especie humana ha intentado representar la ilusión delmovimiento, en las pinturas rupestres, o en el arte egipcio ygriego, o las sombras chinescas. Sin embargo, fueAnthonasius Kircher el que en 1640 inventó la Linternamágica, con la que proyectaba diversas fases de unmovimiento mediante grabados en cristales, que cambiabade forma mecánica. En 1824, Peter Mark Roget descubrió el «Principio dePersistencia de la Visión», fundamento en el que se basantodas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día.Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que vedurante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, yasí sucesivamente, hasta realizar un movimiento completoy el Dr. John Ayrton Paris puso a la venta en Londres el
    • taumatropo. Primer juguete óptico que explota lapersistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de undisco y de hilos vinculados a las extremidades de sudiámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girarsobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos. En 1828, Joseph Plateau (Belgica, 1801-1883) establecióque una impresión luminosa recibida sobre la retinapersiste 1 de segundo después de la desaparición de laimagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10por segundo dan la ilusión del movimiento (eldescubrimiento del principio de persistencia de lasimpresiones retinianas se remonta al siglo II.). Dos personas, no se sabe quien lo hizo antes que el otro,inventaron las primeras ruedas de este tipo en 1832. SimonRitter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamóStroboscopio, y el mismo Joseph Plateau, que le llamóPhenakistoscopio. Estos fueron los primerosinstrumentos capaces de crear la impresión de una imagenque se movía realmente. Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiríael cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir alos dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. Amedida que la velocidad de las emulsiones fotográficasaumentó, fue posible fotografiar un movimiento real envez de poses fijas de ese movimiento. En 1877, el francés Émile Reynaud, logró mayorflexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con elPraxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo deespejos colocado en el centro y los dibujos colocados en lapared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida.Lo aplicó al «teatro praxinoscópico» en el a través de unacombinación de espejos se movían tenues figurasluminosas. Permitía proyectar películas animadas dotadasde argumento en una pantalla para un público, y,acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo unespectáculo de dibujos animados desde 1892, tres añosantes de la primera sesión pública de cine, hasta finales delsiglo XIX. Las representaciones se hacían en el MuseoGrévin de París con películas que duraban unos 10 min. yen las que empleaba ya las bases de la moderna animación,
    • dibujando los personajes sobre papeles transparentes paraevitar la repetición de fondos. Los pioneros de la animación cinematográfica El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico, 1905, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y James Stuart Blackton franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada, The haunted house, 1907, del inglés afincado en los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907, Chomón realizó para los hermanos Pathé, Los Ki ri ki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio Chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas Stuart Blackton, norteamericano, Segundo de Chomón, español, y Emile Cohl, francés. James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y periodista, rodó en 1900 The enchanted drawing, una de las primeras producciones de animación, muy imitada por sus contemporáneos, en la que realizaba dibujos de rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes cambiaban de expresión por medio de trucos de sustitución. En 1906 realizó Humorous Phases of Funny Segundo de Chomón Faces, por algunos considerado el primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la sucesión rápida de los fotogramas. En un cortometraje Haunted Hotel, 1907, puede verse una mesa bien servida en la que los cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó la técnica del stop motion e se introdujo la animación de objetos en tres dimensiones. A ese film le siguió otro, The Magic Fountain Pen ,1909, en el que una pluma animada con
    • vida propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton tenía grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph. Segundo de Chomón (1871-1929). El gran invento de Chomón fue el mecanismo de control del paso de la manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes. Fue el punto de partida de todo el cine de animación y en el que se sustenta hasta la actualidad. A partir de este Emile Cohl descubrimiento (stop-motion), desarrolló un aparato la «cámara 16», que filmaba imagen por imagen con la que realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo El hotel eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, tal vez inspirada en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo más significativo de la obra de Chomón en cuanto a la animación está La poule aux oeufs dor (1905), basado en la fábula de La Fontaine, en los que figura un cuadro de gallinas que se convierten en bailarinas gracias al paso de manivela, un huevo transfigurado en murciélago y otro que alberga la cabeza de un demonio. En La maison hanteeGeorge Méliès (1906) narra una pesadilla mediante transparencias y sombras chinescas, en Le Theatre du Bob (1906) utiliza muñecos articulados que luchas a esgrima, boxean, y hacen gimnasia. En muchos otros film Chomón utilizó su creatividad para trucar utilizando sus sistemas de paso de manivela, coloreado y otros. Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre todo La casa encantada de este último, e imaginó nuevasCecil Hopworth posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma, realizó Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo y que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran
    • la mayor fuente de inspiración estética. Combinó personajes de carne y hueso con animados en Clair de lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de los Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-1911), La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos, Las cerillas animadas, y una versión de Fausto con muñecos. Billy Bitzer, (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta fumando, en The Sculptor’s Nightmare. Pero su popularidad se debe a dos grandes cualidades: sus continuos experimentos durante las filmaciones o toma de fotografías que marcaron el camino de futuros directores y directores de arte y su asociación con Griffith. A Bitzer, conmsiderado el primer director de fotografía de la historia del cine, se deben numerosos inventosCharles Bowers, y los dibujos de técnicos y procedimientos de filmación que hicieron Harry Fisher avanzar el lenguaje cinematográfico. George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación. Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron popular en los escenarios. Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas fotograma a fotograma. Cecil Hopworth (1874-1953), en el RU. dirigió The Electricity Cure, primera de una serie cuyos títulos son Wladislaw Starewicz suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel (1906), The Electric Belt (1907), Liquid Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric Vitaliser (1910), plagados de efectos de animación. Pionero indiscutible de los dibujos animados fue Winsor McCay que era caricaturista y autor de cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a experimentar con los dibujos animados. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911), que el llevaron Pat Sullivan y Otto Messmer cuatro años. inspirado en su historieta Little Nemo in Slumberland. Hizo también Gertie the dinosaur (1914), que
    • realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diezmil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar losmovimientos intermedios entre dos posiciones extremas.Jersey Skeeters (1916), El hundimiento del Lusitania (1918) -Ver documental animado- y The dream of a rarebit friend(1921), títulos esenciales en la historia de estas técnicas. John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero endarse cuenta de las posibilidades industriales del dibujoanimado. En 1903 creó la serie Little Johnny and His TeddyBears. Fundó unos estudios y produjo varias películas,entre las que destaca Colonel Heeza liars african hunt(1914). Fue quien desarrolló la técnica de acetatotrasparentes superpuestas (Cel-Systems), que fue unarevolución en la realización de dibujos animados y que seha mantenido hasta la era de la informática. El celsystems es atribuido a Bray y también a Earl Hurd.Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd ProcessCompany. En 1919 dirigió el primer animadobicromático The Debut of Thomas Cat, pero elprocedimiento se juzgó demasiado caro para usocomercial. El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creadoen 1910 por George Herriman para una de lasprincipales cabeceras de Hearst, el New York Journal,pasó a formar parte del mundo del cine en 1916, en quese realizaron varios cortos, de unos tres minutos deduración, acerca del personaje. Poco después, influidospor el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañíaParamount Pictures, John King, contrató a dosdibujantes de cómics, Pat Sullivan y Otto Messmerpara que realizaran una película protagonizada por unpersonaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Suprimera película fue Feline Follies (1918). Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna, 1890-1982,pintor, escultor y director de cine italiano, que creó latécnica de pintar directamente sobre celuloide, que luegoadoptarán Len Lye y Norman McLaren. Opinaba que elcolor y las formas podían mostrarse igual que losmotivos musicales de una pieza. Wladislaw Starewicz,en La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra
    • del stop motion con figuras en tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas Starewitch, realizó en Francia en 1927 La cigale et la fourmi y La reine des papillons. El canadiense Raoul Barre fundó su propio estudio y desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen. Charles Bowers, llevó a la pantalla las historietas creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, en Mutt and Jeff (en español Benitín y Eneas), que se mantuvo como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó unos 500 animados, y finalizó en 1928. En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón, la primera película íntegramente animada española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco, cinta que podría haber sido la primera de una prometedora serie que nunca se produjo dadas las dificultades de explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor. Félix el gato El Gato Félix y los dibujos animados que incluían alpersonaje disfrutaron de un enorme éxito en los años1920 y se mantuvieron hasta 1930 con una breveresurrección en 1936. Félix el gato no superó los avataresque en el cine se sucedieron con la revolución del color yel sonido y fue superado por la factura de otros estudios,como Disney , pues no pudo competir con MickeyMouse. Los orígenes de Félix son cuestionados. Pat Sullivan,caricaturista y empresario de cine de origen australiano yel animador estadounidense Otto Messmer han afirmado Felix el gato, la primera imagen que fueser los creadores, y la evidencia parece sostener ambas difundida por una emisora de televisión
    • demandas. Muchos historiadores, sin embargo,incluyendo John Canemaker, afirman que fue Sullivanquien plagió a Messmer. Lo que es seguro es que el gatosalió del estudio de Sullivan, y los dibujos animados queincluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito enlos años 1920. Paramount Pictures distribuyó lasprimeras películas entre 1919 y 1921. Margaret J. Winklerdistribuyó los cortos entre 1922 y 1925, el año en queEducational Pictures asumió el control de la distribuciónde los cortos. En 1928, Education dejó de sacar losdibujos animados de Félix y muchos fueron reemitidospor First National Pictures. Copley Pictures lo distribuyódesde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejostiempos desapareció durante el breve paso del gato porel color y el sonido. La consolidación del cine de animación en todo el mundo El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani, convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos, como Rhythmus 21 (1921). La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial. Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923). Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió
    • poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenesfotográficas. En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entreformas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y laintensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para losojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde unode los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguiríanotros cineastas. En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o delas artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunosexperimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primercorto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero). También e 1917, JunichiKouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), ySeitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajóen animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa conMomotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papelsemitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodóremake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreóun mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikarato onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en elque utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935,Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujantepara Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación,a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disneyy Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujosanimados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa víacinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva ainvestigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinarpersonajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que iniciaAlice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar lacámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de lasinnovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener unaprofundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujosanimados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películasde dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidaddel dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película. En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallascon Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y
    • Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por elpayaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, GulliversTravels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, conel que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizadoposteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir dereferencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntospersonas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los sieteenanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital.Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) yDarwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer ledieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el textosubtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismoque animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad theSailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensionessobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941).A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeronabstracciones y una serie de elementos realistas. Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su seriemás famosa: Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount:Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929),The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animadoshasta 1955, entre ellos los Terrytoons. Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray yposteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para elcine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos deWalter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con laUniversal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sidocreado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización. En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla,con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, lamás famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la granpantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B.Schoedsack. El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935),una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajesexperimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetasflexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).
    • Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento TheBrave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasóa la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934),Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba(1936), The Frog Pond (1938) y otros. Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en variasocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in theBathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por LeonSchlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de laWarner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta,los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitabanespacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las LooneyTunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer filmfue Lady Play Your Mandolin. En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó LIdée, La idea, un corto eminentementepolítico, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede serdestruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas ysombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partiturade Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de esetiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, quetambién utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, ypegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad.Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Suobra se ha perdido casi por completo, excepto el corto LIdée, pues los nazis destruyeron todasu obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial. Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominóanimación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en coloresMuratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, deDisney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta,realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica. En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a ClaireParker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animabanuna serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luzalumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz,negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si losalfileres se metían, la pantalla quedaba blanca. En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética.El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia».La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de lapoesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en
    • Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Lostres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figurasreales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó elfilme de marionetas La llave dorada. En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, unade las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sinnecesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa deexpertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diezobras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría NormanMcLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) yTrade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaríadibujos sobre la emulsión. En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo tambiénel personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con elpersonaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con TheNight Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, unratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, BobClampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Averyrealizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hastaque los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión delcuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final,fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949). En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturistaRicardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatalde 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dosinteresantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito. En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado alas vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamadocine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizadoVariations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitneyconsiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador. George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg yGeorge Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, querevolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas(ver arriba). En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disneyconstituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosasdiferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo,creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.
    • Len Lye. El film directo «El neozelandés Len Lye es un artista que escapa ala catalogación dentro de las vanguardias decomienzos del siglo pasado y que sin embargoparticipó en ellas con su obra pictórica, escultórica ycinematográfica. Pintura, esculturas cinéticas ypelículas animadas fueron los soportes elegidos poreste "nuevo salvaje" (fascinado por el arte primitivo yaborigen) para plasmar la esencia del movimiento.». (De la Web del Centre de Cultura Contemporàniade Barcelona) Su película de 1935, A colour box, un anuncio deembalaje barato, fue el primer filme directoproyectado ante una audiencia. En Free Radicals Lyeutilizó película negra sobre la que rascaría dibujossobre la emulsión. El resultado es un danzante patrónde líneas y marcas, tan dramático como el rayo en elcielo nocturno. En 2008, esta película fue incluída enel United States National Film Registry. Lye experimentó con las posibilidades del cinedirecto hasta el final de su vida. En varios filmesutilizó un diverso rango de tintes, plantillas,aerógrafos, rotuladores, sellos, peines e instrumentosde cirugía, para crear imágenes y texturas sobre elceluloide. En Color Cry, emplearía el método delfotograma combinado con varias plantillas ymateriales para crear patrones abstractos.
    • El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros. Estados Unidos Pinocho Wal Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. En momentos de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos deBlancanieves dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Peter Pan Las restantes están llenas de momentos inolvidables. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban y convivían personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas. United Productions of America (UPA). Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que Fantasía
    • funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo fieles. Durante la II GuerraLa dama y el vagabundo Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo El libro de la selva de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado When Magoo Flew. En el mismo año hicieron The Tell-Tale Heart, una adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos de los personajes. LaUnicorn in the Garden UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001 Arabian Knights, que cerró ese año las puertas. Chuck Jones y Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. 1001 Arabian Knights Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje The Dot and the Line, El punto y la línea (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería
    • posteriormente conocido como «estilo UPA», que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos (Road Runner). En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la coordinación de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para United Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en un cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filmeCorrecaminos de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después. Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Cuando cerró Cierra el departamento de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo Mr. Magoo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men (1955) y One Droopy Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100 películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se Piolin hicieron famosos en todo el mundo.
    • Charles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito mundial para el animador , quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras. James Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término yantra proviene del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como; Catalog (1961) de John Whitney o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes fotograma a fotograma. El gato silvestre En 1961, Jordan Belson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney. CanadáEl punto y la línea El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips. Francia En 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, La pantera rosa consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannot l’intrepide (1949), Las fabulosas
    • aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les abeilles (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau. En 1963 el ruso Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el polaco Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges. Huckleberry Hound Checoslovaquia En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró,Charlie Brown Christmas con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó «estilo checo» de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del Yantra Este. En 1950, Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol. Karel Zeman, realizó Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio Verne. En 1959, Baron Munchausen, imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de Allures brujo, en 1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988). Rusia Iván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras
    • maestras de la animación. Los negativos del filme se Samadhi extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos: Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros. En más de 50 años de dirección de cine animado, realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es The Petit Soldat Battle of Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov. La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que Les Jeux de anges pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki. Yugoslavia La escuela de Zagreb. «La característica esencial de laThe Battle of Kerzhenets Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando» (Dusan Vukotic). En 1956, con El robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb Surogat donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar. Polonia Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas.
    • En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cineJan Lenica y Walerian Borowczyk de animación en Érase una vez., mediante una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (cut-out stop-motion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada en la repartición del guión en escenas. En 1958 realizaron la obra surrealista La casa (1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de Daniel Szczechura movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante tres años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia. Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Nino Pagot Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997). Italia Astro Boy Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los La familia Telerín principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964) y Pulcinella (1973). En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y
    • La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.(Información de Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas) Japón En 1947, Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres. En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue elLa calabaza Ruperta creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de fuego y muchas otras. En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, The Chair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977). Información de Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas) España En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay. En la animación española nació La familia Telerín, de Juan Luis El estilo checo Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.
    • Norman McLaren y el National Film Board of Canada Norman McLaren (1914-1987) fue un animador escocés ydirector de cine reconocido por sus trabajos en el NationalFilm Board of Canada. Fue un gran admirador del cine deEisenstein. Pronto se dio cuenta de la importancia del séptimoarte como medio de expresión y comenzó a innovar. Su trabajo como camarógrafo en 1936 durante la guerra civilespañola fue tan duro que, en los momentos anteriores a laSegunda Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos y en1941 a Canadá, donde se incorporó al National Film Board,para abrir un estudio de animación y enseñar a animadorescanadienses. Es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, Neighboursal dibujar directamente sobre la película, incluso la bandasonora, o raspando el celuloide para provocar nuevos sonidosópticos, explorando aspectos que posteriormente fueron desuma importancia para la industria cinematográfica. Muchostrucos, efectos y estilos de animación que hoy estamoshabituados a ver, tanto en el cine como en la televisión, fueronel resultado de los experimentos que realizó a lo largo de todasu vida: pintar sobre celuloide, la pixilación, animación confoto fija de seres humanos, la slow motion, el filmeestereoscópico, etc. Muchas de ellas, dedicadas a mostrar lasmetamorfosis de una figura en el tiempo. Pas de deux En 1933, dio forma a las primeras animacionesvanguardistas dentro de la unidad de dibujos animadosformada por Grierson, en Londres: Hand. Painted Abstraction(1933), Camera Makes Whoopee (1935), Colour Cocktail (1936). En1939 realizó el abstracto Love on the Wing, anuncio para elcorreo aéreo, y en 1939, Allegro. Los técnicos del Film Board of Canada le construyeron unsistema especial de cámara y proyector para que él pudieraexperimentar sin limitaciones. Dollar Dance y Hen Hop (1943).En 1951, realizó los primeros films tridimensionales: Around isaround (1952) y Now is the time (1952). Animaba todo lo que leera posible, una silla en A chairy tale (1958) y a seres humanosanimados, en su célebre técnica que llamó Pixillation, enNeighbours (ganadora del Oscar en animación en 1953) y en
    • Canon, 1965, así como realizo películas completas raspando ypintando sobre el celuloide como Blinkity Blank (1955) yCaprice en couleurs. Investigó sobre los movimientos de la danzay dejó obras maestras con la participación de destacadosbailarines, Adagio (1972), Pas de deux (1968) y Narciso (1983), suúltima película, en las que manipuló el tiempo dando comoresultado imágenes de increíble belleza y una dimensióndesconocida del ballet. En 1969, Caroline Leaf, norteamericana, asentada en seasentó en el National Film Board se convirtió en maestra de laanimación en arena con Sand- Or Peter and the Wolf. Jiri Trnka y el estilo checo Jiri Trnka, (1912-1969) fue ilustrador, escenógrafo ydirector de películas de animación checo. Además de por suextensa carrera como ilustrador, especialmente de librosinfantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en laanimación con marionetas, que inició en 1946. Aunque él no animaba directamente las marionetas (hacíalos guiones y las diseñaba y en ocasiones fabricaba ydisponía de un equipo técnico de altura), su obra en estecampo ejerció una innegable influencia sobre otroscineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas alpúblico adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de
    • obras literarias, de autores checos o extranjeros. A lo largo de su carrera experimentó con diferentestécnicas de animación, desde los dibujos animadostradicionales, en sus primeros cortos, hasta la animacióncon sombras chinescas. Sin embargo, su procedimientopreferido, y el que le dio fama mundial, fue la animaciónllamada stop-motion con marionetas. Trnka no alteraba lafisonomía de sus muñecos sino que prefería plasmar susemociones y sentimientos mediante cambios de encuadre yla iluminación. Formó su propio teatro de marionetas en 1936, y despuésde la guerra fundó un estudio de animación, donde realizóalgunos cortometrajes de dibujos animados en celuloide:Zasadil dedek repu (El abuelo plantó una remolacha, 1945) yZvírátka a petrovstí (Los animales y los bandidos, 1946), ambasde dibujos animados. Por la última fue premiado en elprimer Festival de Cannes. Pronto pasó a la animación con marionetas, que empezóa experimentar en 1946. Su primer largometraje fue Spalicek(El año checo, 1947) basado en un libro ilustrado por MikolášAleš. Fue premiada en numerosos festivales internacionales,incluyendo el de Venecia. A partir de ahí comenzó a recibirsubvenciones estatales. Siguieron otros largometrajes, como Cisaruv slavík (Elruiseñor del emperador, 1949), basado en un cuento de HansChristian Andersen, en la que intervienen también actoresreales y algunos cortometrajes en 1949, con muñecosanimados, como Román s basou (Historia de un contrabajo),adaptación de un cuento de Antón Chéjov, Certuv mlýn (Elmolino del diablo) y Arie prerie (Canción de la pradera). En 1950 hizo su tercer largometraje de animación conmarionetas, Bajaja (El príncipe Bayaya), basado en doscuentos de la escritora Bozena Nemcová, Viejas leyendaschecas (1953), El bravo soldado Schweik (1954), Sueño de unanoche de verano (1959, ficción realizada con títeres), y La mano(1965). Regresó a los dibujos animados con O zlaté rybce (El pezdorado, 1951), y animó sombras chinescas en Dva mrazíci(1953). En Veselý Circus (El alegre circo, 1951) empleó la
    • técnica stop-motion con recortes de papel bidimensionales. En 1953 estrenó Staré povesti ceské (Antiguas leyendas checas),su cuarta película de larga duración, que narra la historia delpueblo checo. En 1955 adaptó para la animación con marionetas lasátira antibelicista Dobrý voják Svejk (El buen soldado Švejk), deJaroslav Hašek, por la que recibió varios premios enfestivales. Su último largometraje los rodó en 1959, Sen nocisvatojanske (El sueño de una noche de verano), adaptación de unade las obras de William Shakespeare, al que dio un aire deballet. Las marionetas las fabricó de un plástico más flexibley es reconocida como una de las obras maestras de Trnka. Se considera su testamento artístico el cortometraje Ruka(La mano, 1965), el último rodado por el cineasta, unaespecie de himno rabioso a la libertad creativa. 1950: Jiri Trnka, el maestro checo de la animación contíteres, marionetas y muñecos tridimensionales, realizó Elpríncipe Bayaya (1950). Garbancito de la Mancha. Cine español de laposguerra Dirigida por Arturo Moreno y producida en losestudios barceloneses de Balet y Blay, en 1945, es elprimer largometraje de animación netamente español,realizado en plena posguerra y periodo de penuria yescasez, de manera artesanal, por lo que significó todoun acontecimiento para los niños de todo el país (es laprimera película que vi en mi vida). El guión está basadoen el cuento de un falangista muy conocido, JaimeParera, y la historia posee un mensaje subliminal notablefavorable al franquismo (las arengas contra los malvadosse hacen siempre en nombre de Dios, en un lenguajemuy parecido al del régimen). Sin embargo, el hecho de su realización supone unhito en el dibujo de animación y en el equilibrio con el
    • sonido, impensable con los medios que se tenían en laEspaña de la posguerra. Entre dibujantes, animadores ytécnicos, hubo varios represaliados por el franquismopor sus sospechas de republicanismo. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra lasfuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el giganteCaramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a susamigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en1948 con Alegres Vacaciones, realizada por ArturoMoreno y dirigida por José María Blay. Dalí con Disney en Destino, 1946 En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y firmó uncontrato para un cortometraje de animación de pocosminutos de duración que debía combinar ballet y dibujosanimados. El proyecto, titulado Destino, quedó entoncestruncado por diversos problemas, entre ellos la crisiseconómica que siguió al final de la II Guerra Mundial. Seha rescatado y completado recientemente con el centenarlargo de escenas, dibujos y pinturas conservadas ysiguiendo las instrucciones y los esbozos del artista. Es, básicamente, una historia de amor entre Dahlia yChronos, que se sirve de las imágenes y del simbolismo deDalí para indagar en la naturaleza de las relacioneshumanas. Dalí adaptó la técnica de escritura automática a lapintura, una forma de creación particularmente apropiadapara la animación, ya que permite mezclar y ensamblarlibremente imágenes salidas directamente del inconsciente.En el filme se mezclan bailarinas, jugadores de béisbol,hormigas convertidas en bicicletas, tortugas gigantes y laTorre de Babel, no sigue una trama lógica, y deja granparte del argumento en manos de la imaginación delespectador. Dalí siempre decía: «Si lo entendéis, hefracasado».
    • La animación hasta 1980 La vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de lainfluencia de la televisión, trasladándose a otros canales dedistribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de loscines, salvo los grandes largometrajes de Disney, que hasta laúltima década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines porotros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD.Sin embargo, al cine de animación prosperó, se tecnificó y seespecializó, fundamentalmente en los festivales de cine y el la Los Picapiedratelevisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó laanimación para televisión y Disney la animación para cine. Hanna-Barbera. William Hanna y Joseph Barbera, amboshijos de inmigrantes libaneses, trabajaron juntos por primera vezen el estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer en 1939,cuando aparecieron Tom y Jerry. La productora Hanna-Barberaintrodujo la animación limitada, popularizada por UPA (UnitedProductions of America), como un método para reducir el costode producción. Esto contrajo una reducción en la calidad de laanimación. Se especializaron en la animación para televisión por Ralph Bakshi, El Señor de los anillosla que ganaron ocho premios Óscar. Sus series animadas máscaracterísticas son Loopy De Loop, The Huckleberry Hound Show, TheYogi Bear Show, Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, LosSupersónicos, y especialmente Los Picapiedra. En 1969, estrenaronuno de sus personajes más populares: Scooby Doo, que setransformaría en uno de los programas de televisión (ABC) másvistos de toda la historia. Filmation, una empresa norteamericana, produjo teleseriesbasadas protagonizadas por personajes famosos del cómic y de laliteratura: Flash Gordon, Tarzán, el Zorro, Batman y Robin, entreotros. Ralph Bakshi. A través de sátira y comentarios políticosRalph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes almovimiento underground, abrió el camino a la animación paraadultos, en la que fue pionero, en ocasiones con la técnica de larotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo.Realizó la primera adaptación de El Señor de los Anillos (1978), con
    • técnicas de rotoscopia, y películas como Cool World (1993) quemezcla imagen real con dibujos animados. También creóanimaciones para adultos como Fritz el gato (1972) basado en elpersonaje de Robert Crumb. Las industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron enlas más potentes del mundo: la producción fue enorme envolumen y variedad, desde las series de televisión para niñoshasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales.En 1965, el dibujante de historietas Nedeljko Dragic dirigió suprimer corto, Elegía, exploración en un mundo absurdo, lleno dehumor, dentro de la llamada Escuela de Zagreb. Dragiccontinuó con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-tease (1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo unanominación al Oscar. De entre los muchos artistas importantes,el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que trabaja conmuñecos, utilizando la técnica de stop-motion. No obstante, haempleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla,muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas.Consigue crear un clima de pesadilla. Algunos de suslargometrajes son Neco z Alenky (Alice, 1988, basado en «Alicia enel país de las maravillas», de Lewis Carroll, Faust (Fausto, 1994) yen los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení (2005). Ha influidomucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry Yellow SubmarineGilliam. En Japón es de destacar Osamu Tezuka, pionero del cómicactual japonés (manga) y de los dibujos animados nipones(anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ellala primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom(Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), querodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon noKishi (La princesa caballero). En Europa occidental se hicieron películas los logros fueronmás puntuales: películas como Yellow Submarine (El submarino Bruno Bozzettoamarillo, 1968), de George Dunning, un largometraje deanimación cuyos personajes principales representan a The Beatles.La original estética de los dibujos, con colorido y estética entrenaïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de HeinzEdelmann, un conocido ilustrador y diseñador alemán. Haceuna panoplia de homenajes a pintores como los relojes blandosde Dalí, los bombines y las manzanas de Magritte, y a personajes
    • del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En Franciacontinuó el ruso Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No sepuede, seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), Ave María(1972), El lago mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), quecierra su filmografía. René Goscinny se inspiró en la famosahistorieta francesa de Asterix El Galo para concebir series detelevisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video yDVD. Bruno Bozzetto es un famoso animador de nacionalidaditaliana creador de muchos cortometrajes, principalmente denaturaleza política o satírica. En 1965 realizó su primerlargometraje animado, West and Soda, parodia de los westernamericanos. En 1968 hizo VIP, mio fratello superuomo, en dondeparodiaba el género de superhombres. Su personaje más famoso,es el Signor Rossi, protagonista de siete cortometrajes animados,y del que se llegaron a realizar tres películas: El Sr. Rossi busca lafelicidad (1976), Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las vacaciones del Sr.Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non troppo, 1976, La planète sauvageun montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la músicaclásica a la manera de la Fantasía de Disney. En 2002 hizoMammuk, un filme animado sobre el cine en épocas prehistóricas.En la actualidad está haciendo cortometrajes satíricos con latécnica del flash. René Laloux ejercitó de manera conjunta la direccion depelículas de animación y la pintura, en un desbordante universoen el que cualquier fantasía era posible. En 1960, hizo su primerapelícula de animación, en el estudio de Paul Grimault, Les dentsdu singe (Los dientes del mono), un cortometraje escrito y dibujado Cracpor un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de CourCheverny, de la que era director. Con el grafista Roland Toporhizo tres películas: Les temps morts (Tiempo muerto, 1964), Lesescargots (Los caracoles, 1965), y La planète sauvage (Planeta salvaje,1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de Cannes. Conel dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps (Los amosdel tiempo, 1982), y con Philippe Caza, el cortometraje CommentWang Fo fut sauvé (Cómo fue salvado Wan-Fo, 1988) y el largometrajeGandahar (Caza para Gandahar, 1988). En 1979, El rey y el pájaro,Paul Grimault, realizó uno de los mejores animados de todoslos tiempos, inspirado en Andersen. El mago de los sueños En el cine de animación canadiense, además dentro de la
    • continuación de las actividades del National Film Board ofCanada y de Norman Mclaren, en 1970, Frederic Back, unade las leyendas del cine de animación canadiense, consiguió suprimer gran éxito internacional con Abracadabra (1970), seguidode Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973),Illusion (1974), Tout Rien (1979, nominado al Oscar y Crac, 1983,que fue seleccionada como una de las seis obras maestras de laanimación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en LosAngeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con The Street,en pintura sobre cristal. Dirigió más tarde The Metamorphosis of Mr.Samsa (1977) y Le tigre et le renard (1986). (Obtenida en Miradasaudiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas) En 1975, Garri Bardin, ruso, que fue director del teatro demarionetas, realizó El fin del cielo. En la década de los 80 realizóanimación tridimensional de objetos, títeres y marionetas dediversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja (1990). En 1980,Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos, considerada una delas mejores película de animación jamás realizada. En España, se realizó en 1965 El mago de los sueños,protagonizada por la familia Telerín, de Francisco Maciá, quienjunto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en lospuntales de la animación española, junto a Maite Ruiz deAustri, la autora de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda delunicornio (2001). John Whitney, los inicios de la animación por ordenador John Whitney (1917- 1995/USA). Es uno de los pioneros más destacados de la animación con ordenador y el padre del arte generativo. Su obra recorrió desde los
    • dominios de lo óptico,lo análogo a lo digital..Su interés por la técnicay su talento artístico locondujeron a utilizarcon una finalidadcreativa algunosmecanismos decomputadoras análogascreadas con finalidadbélica y construir supropia máquina, a partirde un cañón antiaéreode la segunda guerramundial, precursora dela motion control, paradesarrollar sus gráficosy animaciones, tanto enel ámbito experimentalcomo en el comercial.Tanto en sus primerosexperimentos,realizados a mano porJohn y su hermanoJames, que era pintor,como en losposteriores, quellevaron a cabo porseparado, sirviéndosedel optical printer y delos primigeniosordenadores, el color,las formas geométricasy la música componenalgunos de los mejoresfilms abstractospsicodélicos. Su trabajo,recordando sus propias
    • palabras, consiste en«evocar las emociones másexplícitas de una formadirecta, mediante sencillasconfiguraciones formales detonos de tiempo» En los años 60 delsiglo XX fundó laMotion Graphics Inc.,dedicada a realizarproduccionesaudiovisuales a partir deun computadoranalógico, y en ladécada de los 80,trabajaba ya en formatodigital, creando elWhitney-Reed RDTD,un software quecombinaba gráficoshechos por computadora través de una entradade audio. Realizó la secuenciainicial de Vértigo (Deentre los muertos), paraAlfred Hitchcock, juntoal diseñador Saul Bass. Whitney sostenía que«la innovacióntecnológica nosproveerá de los mediospara desarrollar unnuevo arte para el ojo yel oído. Lascomputadoras son elúnico instrumento quenos permite crear
    • música relacionada concolores en movimientoy gráficas, y aunque sucomplementariedad esaún experimental, sepuede prever grandes ypromisoriasconsecuencias.» El cine de animación en occidente en lasúltimas décadas El cine de animación ha conocido un desarrollo sinprecedentes. La caída del telón de acero logró ademásque muchos animadores de los países del este pasaranpor todo el mundo aportando su experiencia. Disney continuó en EEUU con sus momentos deesplendor, con películas como La Sirenita, (The littlemermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y Labella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) , deTrousdale y Wise, y y su decadencia, al mismo tiempoque crecía una pequeña entidad, Pixar, de JohnLasseter que de ser una desconocida empresainfográfica experimental en los años 80 pasó a ser lamás importante productora de animación del mundo,con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos,Monstruos S.A., etc. En 1991 Pixar y Disney unieronfuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En2004 Pixar y los estudios Disney rompieron susrelaciones, hasta que en enero de 2006 Disneyadquirió Pixar Animation Studios y cedió el controlde su estudio de animación a los directores creativosde Pixar. Frederic Back, canadiense, en 1988, realizóL´Homme qui plantait des arbres, con el que ganóabundantes internacionales y el Oscar al mejor
    • cortometraje de animación del año; después hizo LeFleuve aux grandes eaux (1993), que recibió el granpremio en el Festival de Annecy y también fuenominado al Oscar. Brad Bird, un animador educado en la serie LosSimpson, realizó en 1999 El gigante de hierro (The irongiant), película que está a la altura de las mejorespelículas de dibujos animados. Está ambientada en enplena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta la historiade un niño que hace amistad con un robot venido delespacio, un relato lleno de ternura basado en un relatoque que el poeta Ted Hughes escribió para consolar asus hijos de la muerte de su madre. es una películaindependiente hecha con pocos medios para lo que elcine de animación suele utilizar. Pesadilla antes de Navidad (Tim Burtons The NightmareBefore Christmas, 1993) de Henry Selick, está basadaen un poema de Tim Burton, que había trabajadocon Disney . Fue producida por él mismo, estárealizada con muñecos de látex y tiene todos loselementos característicos del cine de Burton. El guióny los derechos estaban desde hacía años en manos dela Disney, por lo que Burton volvió a la compañíapara poder realizarlo. Aunque tuvo mala recaudacióny fue muy criticada en su momento, actualmente esuna película de culto. Mástarde hizo, en 2005 y con elmismo sistema, La novia cadáver, Tim Burtons CorpseBride. El estilo de Burton es de influencias góticas,llenas de romance y fantasía. En ocasiones relatan lasvivencias de personajes lisiados, fenómenos, seresexcluidos de la sociedad o personajes populares queno se logran sentir en concordia con su estatus social.Actualmente está trabajando en Alicia en el País de lasMaravillas, adaptación de la novela infantil y contarácon la técnica «3-D» y «Performance Capture» en surodaje, y su siguiente proyecto será un remake de sucortometraje, Frankenweenie, el cual habrá de adaptaren un filme «3-D» acompañado de la técnica «stop-motion». Bill Plympton realizó varios cortometrajes y dos
    • largometrajes de cierto interés, Me casé con un extraño (Imarried a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001).Bill Plympton es un frenético humorista, que realizasus dibujos de forma muy artesanal, de granexpresividad y tintes surrealistas y bastante duros ygamberros, con escenas fuertes de sexo y violencia. En Francia, Michel Ocelot ha abierto el caminopara un número creciente de películas de ambicionesy calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no lesedujo, probó diversos estilos. Los tres inventores (1980)es un largometraje realizado con papel blancorecortado y blondas de pasteles. Su infancia enGuinea, Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, yKirikou et les bêtes sauvages (2005), que le llevaron a lafama. Realizó también Princes et princesses (1999) y Azur& Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre lainmigración y la integración entre culturas. Sylvain Chomet es un animador francésinfluenciado por el surrealismo de Svankmajer y losdibujos de Walt Disney, conoció a Didier Brunner, elproductor de Las Trillizas de Belleville, con los quetrabajó desde Canadá. En 1995 dirigió La Vieille Dameet les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibióvarios premios y estuvo nominado al Oscar y al César.En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde continuócon la producción de Las trillizas de Belleville. Su estilotiene mayor influencia de la cámara que de laanimación, y está basado sobre el mimo y lainterpretación de los personajes. Pascal Morelli, aunque nació en parís, trabajómuchos años como animador en Los Ángeles y Tokioy trabajó en storyboards para largometrajes. En 1994,dirigió las series de dibujos animados The busy world ofRichard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin paraFrance Animation, y Calamity Jane para Warner Bros-Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en 2002Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes. En el Reino Unido, la productora AardmanAnimations (dedicada principalmente a animación
    • con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick Park, británico, creo los personajes animados en plastilina de Wallace y Gromit, por ejemplo Wallace y Gromit: la maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios proyectos ganadores del Óscar de Hollywood. En 2000 dirigió Evasión en la granja, Chicken Run . Siguiendo la tradición de la animación con marionetas, el checo Jan Werich, realizó el largometraje titulado Fimfárum, 2002, una moraleja humorística acerca de la vida de los hombres, que reúne cinco cuentos de varios libros conocidos, divertidas parodias sobre el destino del ser humano. Werich influyó en varios animadores checos, Petr Poš y Martin Velíšek. Como animador cubano hay que destacar a Juan Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industrias Cinematográficas) en 1974 como director de dibujos animados. Creó las series de animados Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración con el humorista argentino Quino, creador de Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio Valdés y el segundo, Vampiros en La Habana, en 1985. La animación japonesa en los últimos tiempos Tras Osamu Tezuka, el anime japonés se ha convertido en laindustria más prolífica del planeta, popularizándose en todo elmundo. Las series de televisión son innumerables, y siempre vanunidos el cine, la televisión y el cómic, en cualquiera de sus dosfacetas, el «shojo manga», o relato romántico para el públicofemenino, y el «mecha», o historia de robots, por lo generalrepleta de escenas de lucha y devastación. Es frecuente quecuando una compañía desarrolla una nueva línea de cómics (losllamados manga), tenga presente su adaptación a dibujosanimados (anime), que se emitirán en forma de teleserie, serán
    • vendidos en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje. ysiguen siendo la atracción principal para millones de aficionados.La fuerza, tras unos años de inactividad del cine japonés, llegóde la mano de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki yAkira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animadorindependiente Koji Yamamura, que combina la escultura enbarro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola ymultimedia, mezclando técnicas y tendencias como elpuntillismo y minimalismo, y que ha logrado un granreconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama elresponsable de la moda del manga y el anime con la producciónDragonball (1986-1989). Para llevar a dibujo animado la historietade Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores,Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de cienciaficción, donde no falta el barroquismo urbanístico high-tech. El anime se caracteriza en general, aunque hay obras de mayorcomplejidad, por la sencillez de su trazo, la estructura narrativalineal y una tecnología basada en la economía de imágenes, loque hace el proceso de elaboración relativamente rápido, que losconvierte en productos baratos en los mercados internacionales.Se han dado así coproducciones importantes para televisión conlos países occidentales, como Heidi (1974), Vickie el vikingo(1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), con laempresa alemana Bastei Verlag, Ulises 31 (1988) con el estudiofrancés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock Holmes (1984-1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI). Hayao Miyazaki Hayao Miyazaki (1941) es un ilustrador, dibujante y animador japonés. En sus primeros años como animador colaboró con Isao Takahata en los anime Heidi y Marco y
    • participó en la obraAna de Las Tejas Verdes.En 1978 dirigió suprimera serie Conan elniño del futuro y en 1979su primera película Elcastillo de Cagliostro. La mayor parte de suobra ha estadoenfocada a los niños.Su obra trata temas decontenido, conmensajes antibélicos, oabordando temascomplejos como elhombre y la naturaleza,el individualismo o laresponsabilidad, lo quele ha valido elreconocimientopúblico de Occidente yde los especialistas. Seconfesó ecologista,pacifista y feminista. El viaje de Chihiro (Sento Chihiro noKamikakushi, 2001),recibió el Oso de Orode la Berlinale 2002, elOscar a la mejor cintaanimada en 2002 y elreconocimiento a sutrayectoria en elFestival Internacionalde Cine de Venecia.Howl´s Moving Castle(El Castillo Ambulante)postuló al Óscar 2005
    • como mejor películaanimada. Otras obrascaracteríticas sonNausicaä del Valle delViento (Kaze no tani noNaushika, 1984), y Laprincesa Mononoke(Mononoke Hime, 1997).Su última obra, Ponyo en elacantilado (2008), es unade las más apasionanteshistorias de amor delreciente cinecontemporáneo. El camino del cine digital actual de animación Desde la última década del siglo XX, el gran cambio que ha sufrido el cine de animación se debe a la inclusión de ordenadores en el proceso técnico y creativo de las películas. La primera secuencia en la que se utilizó el ordenador para su crear un diseño y ambiente que diera la idea de que la cámara se movía en todas las direcciones, fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia. desde entonces, la tecnología digital ha entrado de lleno en la realización de películas animadas, facilitando la tarea de diseñadores y creativos y finalizando casi por completo la animación tradicional. Toy Story, la primera película realizada totalmente por ordenador, en 1995, la produjo Disney y la realizó la compañía especializada Pixar, con un rotundo éxito comercial que dio vía libre a todo un mundo de posibilidades creativas. Hormigaz, Antz, (1998), la segunda película por ordenador, se realizó en los estudios Dreamworks, fundados por Steven Spielberg y el antiguo jefe de animación de Disney Jeffrey Katzenberg. Esta película compitió con el predominio de Disney y creó las bases para unos nuevos contenidos en el
    • cine de animación. Los dibujos animados, compiten en las últimas décadasentre esos grandes estudios, por una parte Disney-Pixar (quese unen y se desunen), con películas como Toy Story 2, Bichos,Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, que ganó el Oscar a lamejor película de animación en marzo de este año yDreamworks, con grandes éxitos de taquilla como Shrek yShrek 2, que se ha convertido en la cinta animada mástaquillera de la historia. Mientras tanto otros estudio han iniciado su carrera porlos dibujos animados: Fox, La edad del hielo y sus secuelas,Columbia, con Final Fantasy, Paramount, Jimmy Neutron yWarner, The Polar Express, de Robert Zemeckis. En España, la empresa gallega Dygra Films, hizo suprimera película El bosque animado, largometraje basado en lanovela de Wenceslao Fernández Flores. Tras ellas, como seve en otra parte de está página, otras productoras han hechoapuestas por un cine animado de calidad, realizados porexcelentes profesionales, que compiten claramente encalidad y tecnología con productos de otros países. Dreamworks. DreamWorks Pictures (SKG) SKG, por las iniciales de sus promotores, Dreamworks. DreamWorks Pictures, traducido al español como «La Fábrica de los Sueños», es un estudio cinematográfico fundado en 1994 por Steven
    • Spielberg, DavidGeffen y JeffreyKatzenberg. Elsueño de Spielbergfracasó y vendió suempresa aParamount, que harealizadonumerosaspelículas de ficción,algunas de ellas deun gran éxito,como Gladiator,Salvar al soldadoRyan y AmericanBeauty. En octubre de2008 DreamWorksacordó el fin de suvinculación conParamountPictures y volvió aestablecerse comoempresaindependiente conel apoyo financierode un grupo indio,RBE, continuandocon sus películasde animación. Antz (1998), Elpríncipe de Egipto,Chicken Run:Evasion en la Granja,Joseph: King ofDreams y La rutahacia El Dorado (TheRoad to El Dorado)
    • en el 2000. Shrek(2001), Spirit:Stallion of theCimarron (2002),Simbad: Legend of theSeven Seas (2003),Shrek 2, Ghost in theShell 2: Innocence, Elespantatiburones en2004, Madagascar yWallace y Gromit: Lamaldición de lasverduras en 2005,Vecinos invasores,Ratonpolis en 2006,Shrek III y BeeMovie en 2007,Madagascar 2:Escape de África yKung Fu Panda en2008, Monstruos vs.Aliens y CroodAwakening en 2009y están en proyectopara estrenar en2010 How to TrainYour Dragon, ShrekGoes Fourth, y para2011 Kung Fu Panda2: Pandamonium,Puss in Boots: TheStory of an OgreKiller, Madagascar 3y para 2013, Shrek5
    • Pixar/Disney Pixar AnimationStudios es unacompañía deanimación porordenadorespecializada en3D, ubicada enCalifornia. Haganado 7 premiosÓscar de laAcademia por suscortometrajes,largometrajes ylogros técnicos. Tras Toy Story,1995, la primerapelícula comercialtotalmenterealizada porordenador en 3D,ha alcanzado porsu propio sistemade renderización(RenderMan), unaalta calidad. Fuedirigida por JohnLasseter antiguotrabajador de WaltDisney, y recibió,además de otrosÓscar, un Oscarhonorífico especialpor ser la primerapelícula animadapor ordenador dela historia.
    • Con Monsters,Inc.(consideradapor muchos elmejor film de Pixarhasta la fecha)transformó enimágenes laperfección. En2004 Pixar y losestudios Disneyrompieronrelaciones querestituyeron en2006 cuando laDisney compróPixar, haciendo aPixar un subsidiariacompletamente deDisney. Loslargometrajes queha realizado: 1995,Toy Story, 1998,Bichos (A BugsLife), 1999, ToyStory 2, 2001,Monsters, Inc., 2003,Buscando a Nemo(Finding Nemo),2004, Los Increíbles(The Incredibles),2006, Cars, 2007,Ratatouille, 2008,WALL·E, 2009,Up. Es de destacarFor The Birds(2000), Óscar almejor corto de
    • animación. La industria española del dibujo animado He hablado más arriba sobre la película Garbancito deLa Mancha (1945), realizada en época de estrecheceseconómicas. En el cine español de la posguerra siemprehubo excelentes animadores, José Luís Moro, porejemplo, que creó personajes para la publicidad y latelevisión, responsable junto a su hermano Santiago, delrenacimiento de los dibujos animados en España afinales de los años 40; y desde que fundó Estudios Moroen 1955, junto a Movierecord, también de la publicidadanimada para cine y televisión. Los Estudios Moroganaron cinco años consecutivos tres Palmas de Oro deCannes, dos copas en Venecia y más de cien premiosinternacionales de publicidad. Pero su inmensapopularidad se la deben a La familia Telerín y su míticoseparador publicitario Vamos a la cama, reconocidocomo uno de los mayores hitos de televisión española. Cruz Delgado fue ilustrador de historietas infantiles yrealizó experimentos por su cuenta en el campo deldibujo animado. Trabajó en Estudios Moro y Belvisionde Bruselas. En España fundó en 1963 una productoradedicada exclusivamente a la producción de películas dedibujos animados, siendo la primera de ellas elcortometraje titulado El gato con botas, premiada en elCertamen Internacional de Cine de Gijón en 1964 y enGottwaldov (Checoslovaquia) en 1965. En 1968, paraTelevisión Española, realizó una serie de trece episodiossobre su personajes «Molécula». Realizó varioslargometrajes, Mágica aventura, 1973, El desván de laFantasía,1978, con el ilustrador José Ramón Sánchez,Los viajes de Gulliver, 1983, Los cuatro músicos de Bremen,1988. Sin embargo, su aportación principal al cine deanimación está en la serie que para televisión en 1978,
    • coprodujo con José Javier Romagosa, 39 episodiossobre la obra de Miguel de Cervantes Don Quijote de LaMancha. Se pueden añadir a la lista dos filmes rodados enCataluña, Peraustrinia 2004 (1989), de Ángel García, unaingeniosa película sobre lo tranquila pero a la vezaburrida que puede ser una vida sin el toque mágico delazar, y Despertaferro, el grito del fuego (1990), de JordiAmorós, en torno a la odisea de Llúria, un niño de doceaños fascinado con la historia de los almogávares, yotros dos rodados en el País Vasco, La leyenda del vientodel norte (1992), de Carlos Varela y Maite Ruiz de Austri,las aventuras de dos gemelos que viven en el puebloballenero de San Juan, y El regreso del viento del norte(1993), de Maite Ruiz de Austri, con los mismospersonajes que la anterior y similares aventuras. Es esperanzador el futuro para los creadores quetrabajan e investigan el cine digital, que cuentan con unademanda creciente. Son film de muy buena calidadtécnica, realizados por una nueva generación deanimadores. Desde El bosque animado, 2001, de Ángel dela Cruz y Manolo Gómez, hasta Pérez, el ratoncito de tussueños (2006), una coproducción hispanoargentina deJuan Pablo Buscarini, Nocturna (2007), de Adrià García;y El Cid, la leyenda (2003) y Donkey Xote (2007), ambas deJosé Pozo. Dygra Films es un estudio de animación porordenador fundado en 1987, situado en La Coruña,España, como un estudio de diseño gráfico. Su primerlargometraje por ordenador fue El bosque animado, 2001,El sueño de una noche de San Juan, 2005, Espíritu del bosque,secuela de El bosque animado, 2008, Noche de paz, estimadapara diciembre de 2009, El asno de oro, para 2011 y Enbusca de Oniria, estimada para 2012. Jose Pozo, tras trabajar durante años en series deanimación para televisión, se incorporó en 2000 al grupoFilmax para el diseño y desarrollo artístico de variosproyectos. Asumió en 2003 el guión y dirección de ElCid, La Leyenda y dirigió Donkey Xote, en 2007. Filmax
    • hizo Nocturna y Donkey Xote (2007) y Pérez, el ratoncito detus sueños (2008). Dygra, hizo en 2008 la segunda partede El bosque animado, que lleva por título El espíritu delbosque (2008), La crisis carnívora (2008), Forma Animada conMisión en Mocland, una aventura superespacial (2008), de Juanmanuel Suárez. Kandor Moon realizó El lince perdido(2008), y La dama y la muerte, seleccionada para losOscars 2010 en la categoría de mejor cortometraje deanimación. Dibujos animados con personajes para niños que sedifunden por todo el mundo son Pocoyó (Zinkia),Bernard y Sally McKay. Un éxito en todo el mundo hasido Planet 51, 2009, de Jorge Blanco, en coproduccióncon RU, un éxito internacional que puede competir conPixar. Tiene como protagonista a un astronautaestadounidense que aterriza en un planeta plagado dealienígenas con un estilo de vida semejante al de ladécada de los años cincuenta del siglo pasado. Fernando Trueba y Javier Mariscal se unieron pararealizar Chico y Rita, en 2010, dibujos animados paraadultos, ganadora del premio Goya al mejor filme deanimación, que narra la historia del pianista Chico y lacantante Rita, dos personalidades volcánicas queprotagonizan una destructiva relación sentimental. Lamúsica juega un papel decisivo en el desarrollo de latrama. y forma parte de la historia de un modo muyíntimo, con Bebo, y piezas de Cole Porter, CharlieParker, Dizzy Gillespie o Chano Pozo. Animación para televisión Aunque la animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que desatacar dos productos occidentales que han ocupado una gran parte del mercado. Los Simpsom, realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo creador es Matt Groening, que comenzaron como un breve espacio de 2 en el programa televisivo "The Tracey Ullman Show" en 1987. Se consolidó como serie
    • autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no empezaron hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace una crítica de toda la cultura occidental y sus valores. South Park es una serie distribuida por Warner Bros. y transmitida por Comedy Central desde el año 1997 en Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. Es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un lenguaje desenfadado. El documental animado Sheila M. Sofian define el documental de animacióncomo «toda película animada que parte de materiales deno ficción». Los historiadores sitúan el origen del documentalanimado en 1918, año en que el pionero Winsor McCayrealizó El hundimiento del Lusitania, The sinking ofLusitania, recreación del episodio ocurrido en 1915, que El hundimiento del Lusitania (1918)recrea el ataque de un submarino alemán a un lujosocrucero Británico con 2000 pasajeros, que marcó laentrada de Estados Unidos en la Primera GuerraMundial y del que no se habían registrado imágenesdocumentales. Siguiendo esta tradición en la animación ycoincidiendo con el éxito de Nanook el esquimal, Nanookof the North, de Flaherty, considerado el primerdocumental de la historia, los hermanos Fleischers Persépolis (2007)(Max, Dave, Joe, y Lou), inventores, animadores yhábiles comerciantes que rivalizaban con el poderosoDisney, produjeron el primer largometraje deanimación, el cual fue precisamente de no ficción:Einstein´s Theory of Relativity, en 1923. En el terreno de la animación experimental, John yFaith Hubley realizaron diversos cortos entre 1959 y1973 que partían de la grabación de las voces de sus
    • hijos. Wallace y Gromit, ha dedicado buena parte de su Vals con Bashir (2008)filmografía a encontrar una expresión animada paraesas derivas del habla cotidiana que no suelenencontrarse en los estudios de doblaje: en sus series decortos Animated conversations (BBC, 1978) y Conversationpieces (Channel 4, 1982), las voces grabadas detaquilleras de cine, pensionistas y presos inspiraban unasucesión de registros animados. Algunos ejemplos cercanos en el tiempo son LateEdition (Peter Lord y David Sproxton, 1983) sobre unhombre que trabaja en la última edición de una revista yque utiliza grabaciones de gente y locaciones realescomo bases. Grave of the fireflies (Isao Takahata, 1988)basada en la novela del japonés Akiyuki Nosaka y quenarra, su experiencia infantil en los bombardeos de lasegunda guerra, basado en hechos reales y personales.El corto Abductees (1995), de Paul Vester, que recreabatestimonios de supuestos abducidos por extraterrestres. Otros documentales animados son Waking life (2001),de Richard Linklater, con sus diálogos filosóficos, o laautobiográfica Persépolis (2007), de Marjane Satrapi yVincent Paronnaud. Vals con Bashir, 2008, de Goldman, recupera en claveautobiográfica, la matanza sucedida en los campos derefugiados palestinos de Sabra y Chatila durante laguerra del Líbano. Chicago 10, de Brett Morgen, sobreel juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexiónen la historia de la contracultura americana. Ver cinesiglo XXI En Truth has fallen (Sheila Sofian, 2009), se combinaanimación e imagen real, para denunciar los casos depersonas que han sido erróneamente encarcelados,mediante los recuerdos de esos falsos culpables, enclave de pesadilla.Cine artesanal animado en el siglo XXI
    • Arrugas España. 2011. 80 min. DIRECTOR. Ignacio Ferreras GUIÓN. Ángel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras,Rosanna Cecchini (Cómic: Paco Roca) MÚSICA: Nani García PREMIOS 2011: 2 Premios Goya: Mejor película de animación y mejorguión adaptado 2011: Premios Annie: Nominada a Mejor película 2012: Festival de Annecy: Distinción especial (2º mejorlargometraje) 2012: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor películade animación 2012: Festival de Ottawa: Gran Premio al Mejor largometrajede animación SINOPSIS. Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en ungeriátrico se hacen amigos. Emilio, que padece un principio deAlzheimer, cuenta inmediatamente con la ayuda de Miguel y otroscompañeros que tratarán de evitar que vaya a parar a la planta delos desahuciados. Su disparatado plan tiñe de humor y ternura eltedioso día a día de la residencia, pues para ellos acaba deempezar una nueva vida. Largometraje de animación 2D paraadultos, basado en el cómic homónimo de Paco Roca (PremioNacional de Cómic 2008). Un gato en París. Une vie de chat (A Cat in Paris) Francia-Holanda-Suiza-Bélgica. 2010. 70 min. DIRECTOR. Jean-Loup Felicioli, Alain Gagnol GUIÓN. Alain Gagnol, Jacques-Rémy Girerd MÚSICA. Serge Besset PREMIOS 2011: Oscar: Nominada a Mejor largometraje de animación 2011: Premios del Cine Europeo: Nominado a Mejor
    • largometraje de animación 2011: Premios Annie: Nominada a Mejor película SINOPSIS. Dino es un gato que lleva una doble vida. De día,vive con Zoé, la única hija de Jeanne, una comisaria de policía. Denoche, en cambio, se pasea por los tejados de París con Nico, unavezado ladrón. Jeanne no puede más: no sólo tiene que perseguiral intrépido compañero de Dino, autor de varios robos de joyas;sino que además debe vigilar el Coloso de Nairobi, una gigantescaestatua codiciada por Víctor Costa, el culpable de la muerte de unpolicía, marido de Jeanne y padre de Zoé, encerrada desdeentonces en un mutismo total. Los sucesos se precipitan la nocheen que Zoé sorprende a Costa y su banda. Se inicia entonces unapersecución hasta los tejados de la catedral de Nôtre-Dame. Nuevas técnicas mixtas en el cine de animación Disney, Pixar y DreamWorks, se encargaron de hacer realidad las mismas fantasías de siempre para las nuevas generaciones, aunque con distintas técnicas; todavía se precisaba de la mano del animador, aunque los ordenadores desplazaron muchas veces a los lápices. Hubo intentos de recuperar el viejo encanto como Tiana y el sapo (2009), que no dieron los resultados de taquilla deseados. Los dibujos parecía que terminaban para dar paso al ordenador. Sin embargo, llega a finales de 2012 Rompe Ralph, última película de los estudios Disney, que puede ser el comienzo de una nueva era para la animación. El filme es tan digital como sus predecesoras (está producido en CGI o animación por ordenador e inspirado en un mundo tan sintético como el de los videojuegos), pero representa la simbiosis más perfecta que haya conocido la industria entre las dos y las tres dimensiones. Una comunión que no solo se da en el largometraje, sino también en el cortometraje Paperman, que acompaña al estreno. Ambos mundos, aparentemente antagónicos, se dan al fin la mano en un nuevo estilo en el que el personaje creado por ordenador se beneficia de esa sutileza que solo la línea creada a mano es capaz de dar a la animación. Los creadores de Rompe Ralphanto provienen del campo de la animación informática, pero se han unido a otros, como Mark Henn y Eric Goldberg, enamorados del trazo del lápiz, que han creado un híbrido con lo mejor de los dos mundos, en una
    • película que mantiene vivo ese trazo, esa armonía y agilidad,pero dándole el volumen de la animación por ordenador. Conello, puede ser que se esté creando una nueva técnica. En 2014, DreamWorks, eterno rival de Pixar, proyecta su propioproducto híbrido, Me and my shadow, en donde se mezclaráanimación tradicional y por ordenador. La idea es animar deforma tradicional las sombras de unos personajes creados porordenador en una historia donde el mundo de las sombras serebela contra el de los humanos.