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  • 1. (Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor,pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura delRenacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativodel siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, querebasa ampliamente las convenciones ordinarias.Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, laescultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Suscoetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puedeatribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidademocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confierensu grandeza y su personalidad inimitables.La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras.Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunidouna excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos deGiotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y laPiedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de granbelleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el jovendesnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores delhumanismo renacentista.En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el PalazzoVecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obrahasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas deesclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permitenapreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar yacontenidas en ellos. La creación de Miguel Ángel (Capilla Sixtina)Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistióa aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en sucreación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, sedespliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por doscualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchosquebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dosobras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizacionesson en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera deacceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacioexistente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas queincluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en lacapilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente losplanos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización delPalacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.
  • 2. (La Plata, 1894 - París, 1971) Pintor argentino. Durante sus años de estancia en Europa (1913-1924), sepuso en contacto con las principales escuelas vanguardistas de los países que visitaba; a través delcubismo y del futurismo se acercó al arte abstracto, manteniendo un equilibrio inestable entreabstracción y representación. Es difícil, sin embargo, clasificar su obra, cuyas características másdestacadas son, junto a la presencia constante del cubismo, la humanización de los objetos y de losastros (el sol) y el fondo de equilibrio clásico de su pintura. El hombre de la flor amarilla (1932), de Emilio PettorutiTras estudiar bellas artes en su ciudad natal, Emilio Pettoruti inició su actividad como caricaturista.Becado por el gobierno de la provincia de Buenos Aires, se trasladó a Italia en 1913 y allí estudió pinturae historia del arte en Florencia; en Italia conoció y recibió el influyo de los futuristas, con los que organizóalgunas exposiciones, pero también recorrió los museos del país, estudiando a los maestrosrenacentistas. Con posterioridad trabó contacto con las más importantes tendencias vanguardistas de laépoca en Francia (especialmente el cubismo de Juan Gris), Austria y Alemania, países en los que realizónuevas exposiciones.De regreso a la Argentina, introdujo en los círculos pictóricos las premisas estéticas del futurismo y lasdel cubismo, no sin causar revuelo entre los críticos y artistas conservadores. Sería esta última corrientela que prevalecería en su creación en obras como Pájaro de luz, donde se aprecia una pulcrainterpretación del cubismo con tendencia a la nunca alcanzada abstracción. Aunque tardíamente,Pettoruti ofreció una singular interpretación del arte cubista y se convirtió en uno de los más notablesrepresentantes de esta tendencia en el ámbito hispanoamericano.En Argentina fundó y dirigió la revista Crónica de Arte y fue por dos veces director del Museo de BellasArtes de La Plata. En 1941 visitó los Estados Unidos, donde dio a conocer su creación en diversasexposiciones organizadas por el Museo de Arte de San Francisco. En 1953 se estableció definitivamenteen París.
  • 3. Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético,representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452 - Amboise,Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no le permitióconocer a su madre, una modesta campesina.Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea Verrochio; pero gran parte de sucarrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis).Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece queninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitectosólo quedan indicios en sus notas y bocetos personales. Leonardo da VinciEs, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como un personajecumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cualesdestacanLa Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen ySanta Ana, La Adoración de los Magos, el Retrato de Ginebra Benzi.Son composiciones muy estudiadas,basadas en la perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del colorcontribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato, que consistíaen prescindir de los contornos nítidos de la pintura del «Quattrocento» y difuminar los perfilesenvolviendo las figuras en una especie de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su concepcióndel arte pictórico como «imitación de la naturaleza» en unTratado de pintura que sólo sería publicado enel siglo XVII.Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes que dejóLeonardo (escritos de derecha a izquierda y salpicados de dibujos) contienen también incursiones enotros terrenos artísticos, como la música (en la que destacó tocando la lira) o la literatura. Según sucriterio no debía existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus investigaciones,dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía humana (avanzando en el conocimiento delos músculos, el ojo o la circulación de la sangre), la zoología (con especial atención a los mecanismos devuelo de aves e insectos), la geología (con certeras observaciones sobre el origen de los fósiles), laastronomía (terreno en el que se anticipó a Galileo al defender que la Tierra era sólo un planeta delSistema Solar), la física o la ingeniería.En este último terreno fue donde quedó más patente su talento de precursor a juicio de las generacionesposteriores, ya que Leonardo concibió multitud de máquinas que no dio a conocer entre suscontemporáneos y que la técnica ha acabado por convertir en realidad siglos más tarde: aparatos denavegación (como un submarino, una campana de buceo y un salvavidas), máquinas voladoras (como elparacaídas, una especie de helicóptero y unas alas inspiradas en las de las aves para hacer volar a unhombre), máquinas de guerra (como un puente portátil y un anticipo del carro de combate del siglo xx),obras de ingeniería civil (como canalizaciones de agua o casas prefabricadas), máquinas herramientas(como una hiladora, una laminadora, una draga o una cortadora de tornillos), fortificaciones, etcétera.Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de objetivos diferentes que apenas ejercióinfluencia sobre la marcha de los distintos campos que tocó (aunque sí obtuvo un gran prestigio personal,que ha perdurado hasta nuestros días): muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabadoscuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los inventos, se limitó a concebir ideas útiles,pero no se esforzó por plasmarlas en modelos viables que pudieran funcionar, por lo que la mayoría desus investigaciones fueron especulaciones teóricas sin consecuencias prácticas. En ellas se concentró apartir de 1516 cuando, con las manos afectadas por una parálisis, pasó a vivir en Francia bajo laprotección de Francisco I.
  • 4. Edgar Müller nació en Mülheim / Ruhr, el 10 de julio de 1968. Se crió en la ciudad de Straelen rural en elextremo occidental de Alemania. Su fascinación por la pintura comenzó en su infancia, con pinturas deescenas rurales de Straelen. Fue a la escuela secundaria en la vecina ciudad de Geldern, donde unconcurso internacional de pintores de la calle tuvo lugar. Inspirado por las obras de arte de que observoen su camino a la escuela, Edgar Müller decidió entrar en la competencia.Participó por primera vez en los 16 años de edad, va a ganar la competencia, de 19 años, con una copiade la famosa "Jesús en Emaús" (Caravaggio). En los años siguientes, entró en muchas otrascompeticiones internacionales. Desde 1998, Edgar Müller ha celebrado el título de "maestro madonnari(maestro pintor de la calle), recibido por sólo unos pocos artistas de todo el mundo. El título se concedeen el mundo de la pintura más grande festival de la calle, llamado Grazie El Festival, que se celebra en lapequeña ciudad de peregrino Grazie en Italia.Alrededor de la edad de 25 años, Müller decidió dedicarse completamente a la pintura de calle. Viajó portoda Europa, ganarse la vida con su arte transitorio. Dio talleres en las escuelas y fue co-organizador ymiembro del comité de la calle de pintura diversos festivales. Müller creó la primera (y única hasta ahora)de Internet a bordo de la calle pintores en Alemania - un foro destinado a promover la solidaridad entrelos pintores alemanes calle.Edgar Müller abrió un estudio en la calle. Presenta las personas con las grandes obras de antiguosmaestros, basándose en sus copias perfectas de los observadores de los pies. Müller pide a su público acompartir su fascinación con los antiguos maestros del arte, que les ayude a obtener una comprensiónprofunda de los viejos maestros de la visión del mundo.A pesar de que asisten a cursos con muchos artistas famosos y amplios estudios en el campo de lacomunicación del diseño, Edgar es en realidad un autodidacta. Él siempre está buscando nuevas formasde expresar a través de la cual él mismo. Inspirado por la ilusión tridimensional de pinturas (en particular,por las obras de Kurt Wenner y Julian Beever) se encuentra ahora con esta nueva forma de arte y lacreación de su propio estilo. Debido a su base en la pintura tradicional y moderna de comunicación,Müller utiliza un lenguaje simple y gráfico para su arte. Pinta en grandes áreas urbanas de la vida públicay les da una nueva apariencia, cuestionando así las percepciones de los transeúntes. El observador seconvierte en una parte del nuevo paisaje que ofrece. Mientras que sobre su vida cotidiana, la gentecambia la pintura por la declaración que acaba de pasar por la escena. Edgar Müller extraordinaria dearte ha sido objeto de una amplia cobertura en los medios de comunicación impresos y digitales.Dibuja en amplios terrenos urbanos a los que dota de una nueva apariencia, ante la vista de unosatónitos viandantes. Desde luego, no hay que tener vértigo para poder cruzar por una de las obras deEdgar, el cuál juega a la perfección con los escenarios naturales y salvajes, que dispone en plena calleurbana.
  • 5. (Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista JoséRuiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupode artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, conquienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras supintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En laprimavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio enlas riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas GuillaumeApollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nuevaevolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar aParís entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como losestadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-HenryKahnweiler.Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba acambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles dAvignon. En esta obra cumbre confluyeronnumerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementostomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro jovenpintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plásticavigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen:fue el inicio del cubismo.A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica.En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materialesdirectamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivocírculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcadopor una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo paraadentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y elcreciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con labailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por laescultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeronimportantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien PabloPicasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambasdebieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual esuna de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot,con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París parainstalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, quereinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con JacquelineRoque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en elepítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde elcreador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.
  • 6. Salvador Felipe Jacinto Dalí nace en Figueras (España) en 1904. Entre 1921 y 1925 estudia en laAcademia San Fernando de Madrid donde entabla amistad con el poeta Federico Garcia Lorca y elcineasta Buñuel. En 1925 la Galería Dalmau de Barcelona le organiza su primera exposición personal,exposición a partir de la cual Picasso y Mirò empiezan a interesarse por sus trabajos.Dalí se deja influir primero por el futurismo, por el cubismo después (1925). En abril de 1926 Dalí viajapor primera vez a Paris donde visita a Picasso. En su segundo viaje a París, en 1929, asiste al rodaje dela película de Buñuel “El perro Andaluz“ de la cual Dalí es coguionista, y Miró le presenta al grupo delos surrealistas. Dalí encuentra a André Breton y ……a Gala, su futura esposa y musa (casada en aquelentonces con Paul Eluard). Adhiere al movimiento surrealista en 1929. Dali se interesa por las teoríassicoanalíticas de Freud y define su método “paranóico-critico“. Pinta en aquel periodo espacios oníricos yfantasmagóricos poblados de elementos simbólicos : relojes blandos, muletas, animales fantásticos,personajes retorcidos. Dalí participa todavía a las manifestaciones y exposiciones surrealistas después desu exclusión en 1934. Dalí interpreta a su modo varias obras famosas, como el Ángelus de Millet, dandovarias versiones de ellas. Breton le apoda ¡ “Ávida Dólar” !Después de la guerra civil española se compromete políticamente a favor de Franco. A partir de los años40 declara que quiere acercarse a la realidad y retorna a una expresión pictórica más clásica, sin dejar deimprimir en sus obras su fantasía personal.Los temas recurrentes tanto en su obra pintada como en la obra grabada son la mujer, el sexo, lareligión, las batallas. Dalí se exhibe en espectáculos peculiares a lo largo de su carrera, mezclando el artey la vida, poniéndose en escena constantemente. Tras diez años de esfuerzos, Dalí abre su propiomuseo : en 1974, tiene lugar la inauguración del Teatro Museo Dalí. La última pasión de Dalí fue lapintura “estereoscópica” (1975) y presenta su primera obra “hiper estereoscópica” en Nueva York en1978.Dalí que se calificaba a sí mismo de “caníbal”, “megalomaníaco” y de “perverso polimorfo” muere enBarcelona (España) en 1989.