ARTE BARROCO EUROPEO

CARACTERÍSTICAS
• El nombre procede de una palabra portuguesa: barrueco (perla irregular)
• Es un arte de propaganda, al servicio de los monarcas y Papas en los países
católicos y de los burgueses en los países protestantes
• Se dirige a los sentidos, no a la razón
• El artista barroco aspira a la obra de arte total en la que se fusionan
arquitectura, escultura y pintura
• Se extiende desde 1600 a 1750 aproximadamente y podemos distinguir tres
etapas:
– 1600-1630 barroco inicial
– 1630-1680 barroco pleno o maduro
– 1680-1750 barroco tardío o rococó
• El barroco, además de ser un estilo, es también para algunos críticos la
última fase que se da en todos los estilos (en el arte griego la fase barroca
sería el arte helenístico)
• Hoy en día el barroco goza de gran prestigio, pero hasta principios del
siglo XX tuvo un sentido peyorativo

ARQUITECTURA BARROCA

• Los edificios se caracterizan por el dinamismo de sus plantas y alzados
generando claroscuros en muchas ocasiones
• Al ser un arte de propaganda para Papas y Reyes abundan las cúpulas y el
orden gigante o colosal
• Los elementos sustentantes son más variados: columnas, cariátides,
atlantes, columnas salomónicas
• La ornamentación suele ser rica y abundante


• En muchas ocasiones encontramos soportes y entablamentos atectónicos
(sin función arquitectónica y por lo tanto con valor decorativo)
• Las fachadas de algunos edificios están diseñadas para ser vistas en
escorzo (de lado)
• Las paredes se vuelven alabeadas (se curvan)
• La luz oculta en ocasiones su fuente para generar sorpresa


• Aparecen los transparentes
• El urbanismo se desarrolla en las ciudades y se concibe con
grandes perspectivas: surgen plazas colosales, jardines con
diseño urbanístico
• El templo católico se diseña en ocasiones según el modelo
contrarreformista

Gian Lorenzo BERNINI
Plaza de San Pedro (1656-1667)
• El diseño curvo de las
columnatas origina un
efecto de movimiento e
ilusión espacial
• La forma de brazos abiertos
le otorga un significado
ideológico: acoger a la
cristiandad
• El tramo de la columnata
próxima a la basílica es
recto y divergente respecto a
la fachada para que ésta
aparezca más desahogada

BERNINI
Plaza de San Pedro (1656-1667)

BERNINI
San Andrés del Quirinal (1658-1670)
• Es un perfecto ejemplo de
una planta dinámica en la
que alterna el muro convexo
y el pórtico cóncavo
• La planta es ovalada con
capillas
• Alterna el orden gigante y el
normal
• El uso en la portada de un
frontón triangular y una
cornisa curva sirve para
crear el dinamismo

BERNINI
San Andrés del Quirinal (1658-1670)

Francesco BORROMINI
Sant’Ivo alla Sapienza (1642-1650)
• Hay una disposición novedosa del
atrio y la iglesia.
• No hay una fachada tradicional,
es cóncava, generando sorpresa
• La planta de la iglesia es
mixtilínea
• La cúpula es convexa al exterior y
el interior es mixtilíneo y sin
pechinas
• El exterior de la cúpula toma la
forma de una espiral (ascensión)

Francesco BORROMINI

BOROMINI
Sant’Ivo alla sapienza (1642-1650)

BORROMINI

BORROMINI
San Ivo alla Sapienza (1642-1650)

BORROMINI
San Carlos de las cuatro fuentes (1638-1667)
• Realizada en una esquina
achaflanada con una fuente
• La fachada está alabeada en una
calle estrecha
• Alterna el orden gigante y el
normal
• La fachada debe ser vista en
escorzo, porque de frente no hay
suficiente espacio
• La planta de la iglesia tiene forma
de abeja
• La cúpula es elíptica
• Algunas columnas y cornisas
tienen una función decorativa

BORROMINI

BORROMINI
San Carlos de las Cuatro Fuentes (1637)

BORROMINI
San Carlos de las Cuatro Fuentes (1638-1641)

BORROMINI
San Carlos de las Cuatro Fuentes (1664-1667)

BORROMINI

BORROMINI
San Carlos de las Cuatro fuentes (1664-1667)

Giacomo DELLA PORTA
Portada del Gesú (1584)

Luis LEVAU
Vaux-le-Vicomte (1657-1661)
• La fachada de la mansión
mira hacia el jardín
• Se ha cuidado el paisajismo
(jardines bellamente
decorados con parterres,
estanques, fuentes…)
• El edificio consta de un
cuerpo central y dos alas
orientadas hacia el jardín
• Utiliza techumbres elevadas
con buhardillas
• Versalles se inspirará en
este bello conjunto

Luis LEVAU
Vaux-le-Vicomte (1657-1661)

MANSART Y LE NÔTRE
Versalles (1678-1703)
• Representa la culminación del arte
cortesano francés
• En su trazado predomina la
horizontalidad y el “clasicismo”
(fachada estática)
• El edificio se cubre mediante una
terraza (influencia italiana)
• La fachada principal da a los jardines
y no a la entrada
• Es tan conocido por su arquitectura
como por sus jardines, donde recurre
a parterres, fuentes, estanques…
• El espacio principal del edificio es el
Salón de los espejos: El uso de
espejos “diluye” la pared y aumenta
la sensación de profundidad

Jules-Hardouin MANSART y André LE
NÔTRE
Palacio de Versalles(1678-1703)

J-H MANSART y Charles LE BRUN
Salón de los Espejos (Versalles)
(1678-1682)

MANSART y LE BRUN (1678-1682) Salón de
los Espejos (Versalles)

MANSART y LE BRUN (1678-1682)
Salón de los Espejos (Versalles)

André LE NÔTRE (1678-1703)
Jardines (Versalles)

LE NÔTRE
Palacio de Versalles (1678-1703)

LE NÔTRE
Jardines de Versalles (1678-1703)

J. B. FISCHER VON EARLACH
San Carlos Borromeo
• La iglesia parece un pastiche,
mostrando la incapacidad de crear
una nueva tipología de iglesia,
aunque la conjunción de
elementos clásicos conserva
cierto encanto
• Utiliza elementos de la
arquitectura romana, las dos
columnas de la fachada remiten a
la columna trajana
• La influencia de San Pedro del
Vaticano y el Hospital de los
Inválidos se percibe en la cúpula
y el tambor, este último
demasiado elevado
• La portada clásica remite al
Panteón ( frontón triangular y
hexástilo)

J. B. FISCHER VON EARLACH
San Carlos Borromeo

Características de la escultura
• El artista barroco busca el
naturalismo
• En muchas ocasiones domina el
pathos (dramatismo)
• El ascetismo y la mística están
presentes en muchas ocasiones
• Es un arte dirigido a los sentidos, no a
la razón
• La muerte adquiere gran importancia,
como se constata por la abundancia
de sepulcros
• Muchas obras generan movimiento
hacia fuera
• Son frecuentes los escorzos y la
tensión dinámica
• Se presta gran atención al
movimiento de los ropajes, generando
claroscuros

BERNINI
Rapto de Proserpina (1621-1622)
• Composición inspirada en el
manierismo, concretamente en El
rapto de las sabinas de Juan de
Bolonia
• Se basa en el mito de la primavera:
Plutón, que ha raptado a Proserpina,
dejará que ésta viva con su madre
Ceres, diosa de la Tierra, seis meses y
llenará de vida a la Tierra durante ese
tiempo (primavera y verano)
• Crea la tipología de figuras luchando
con movimientos opuestos
• Establece un contraste psicológico
entre la fuerza de Plutón y el pudor de
Proserpina
• La composición tiene múltiples
puntos de vista

BERNINI
Rapto de Proserpina (1621-1622)

BERNINI
Apolo y Dafne (1622-1625)
• Capta un momento fugaz,
cuando Apolo toca a Dafne
y ésta comienza a
convertirse en laurel
• Vuelve a presentar un
contraste psicológico entre
los dos personajes
• Sigue la tipología del Rapto
de Proserpina
• La composición tiene
múltiples puntos de vista

BERNINI
Apolo y Dafne (1622-1625)

BERNINI
David (1623-1624)
• Frente a las versiones del
Renacimiento (El David de
Miguel Ángel piensa), a
Bernini le interesa la acción
• Manifiesta una tensión
interna y externa
• El movimiento circular
genera una ruptura del
contorno. La obra se
“expande” por el espacio
circundante
• Dado el movimiento de la
imagen, surgen múltiples
puntos de vista

BERNINI
Baldaquino (1624-1633)
• Diseñado para llenar el espacio
bajo la cúpula de San Pedro del
Vaticano
• Es un ejemplo de fusión de
escultura y arquitectura.
Realmente no sabemos si
estudiarlo como escultura o
arquitectura
• Su ubicación consigue dirigir la
mirada hacia la cátedra de San
Pedro
• Utiliza la columna salomónica
• Como elemento decorativo utiliza
la abeja, símbolo de la familia
Barberini, a la que pertenece el
Papa Urbano VIII

Gian Lorenzo BERNINI

BERNINI

BERNINI
Tumba Papa Urbano VIII (1627-1647)
• Recurre a la tipología de
Della Porta, que hizo el
sepulcro de Paulo III
• Las alegorías que
aparecen son
intermediarias entre el
Papa y el espectador
• El esqueleto es un
personaje activo más

BERNINI
Tumba del Papa Urbano VIII (1627-1647)

BERNINI
Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652)
• La obra se inserta en una obra de
arte total: se encuentra dentro de
la capilla Cornaro y hay pintura
en el techo
• Hay un evidente efecto teatral. Se
consigue fusionar las artes porque
el conjunto escultórico se
completa con dos palcos desde los
cuales ciertas personas asisten al
éxtasis
• Es la primera vez que se esculpen
nubes
• La obra muestra el éxtasis de la
santa, pero para algunos tiene una
fuerte dosis erótica
• El tratamiento de los ropajes es
muy acertado

BERNINI
Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652)

BERNINI
Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652) ea

BERNINI
Francisco D’Este (1650-1651)

BERNINI
Cátedra de San Pedro (1657-1666)
• Está relacionada con el
baldaquino, que dirige la
mirada hacia la cátedra
• Glorifica las reliquias de
San Pedro
• Afirma la infalibilidad del
Papado
• La vidriera que ilumina el
espacio influye en el
transparente de la catedral
de Toledo

BERNINI
Cátedra de San Pedro (1657-1666)

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

• La pintura barroca se basa en lo
efímero, lo transitorio y lo
cambiante
• El naturalismo lleva a pintar lo
que se ve
• Hay mayor libertad de trabajo y
no siempre se pinta por encargo,
de ahí la proliferación de
autorretratos
• Los bodegones y paisajes, temas
secundarios en el Renacimiento,
se convierten en temas
importantes

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA
• Las composiciones tienden
a la monumentalidad y
recurren a elementos
asimétricos, diagonales,
escorzos, y personas de
espalda
• Se representan vidas de
santos, temas mitológicos y
desnudos
• Conquistas de la pintura
barroca: la luz, el
movimiento y el color
• Difuminado de las formas
frente al dibujo

Aníbal CARACCI
Galería Farnese (1597-1600)
• El fresco narra los Amores
de los Dioses de Ovidio y
Teócrito
• La composición se organiza
en esquemas regulares
• Es una pintura ecléctica
(recoge influencias de
varios pintores)
• Es la vía del “clasicismo” y
del “Arte noble”
• Toma como modelo de la
Capilla Sixtina

Aníbal CARACCI
Galería Farnese (1597-1600)

MICHELANGELO MERISI (1571-1610)
(CARAVAGGIO)
• Utiliza la luz de claraboya, un foco de luz
alto y fuera del cuadro que ilumina de
forma intensa parte de la composición. Es
lo que se llama el tenebrismo
• El color siempre a parece subordinado a la
luz
• Sus composiciones tienen el fondo neutro,
no le interesa el espacio ni la perspectiva
• Los personajes representados son
humildes, extraídos de la calle, resultando
de un realismo extremo
• Evita lo sensual, el desnudo y lo apócrifo
• Su obra tiene muchos defensores, aunque
sufre el rechazo eclesiástico de ciertos
sectores por irreverente, se le llega a
calificar de “Anticristo”
• Sus cuadros se basan en las Sagradas
Escrituras

CARAVAGIO
La buenaventura (1596-97)

CARAVAGGIO
La buenaventura (1596-97) Detalle

CARAVAGGIO
Santa Catalina de Alejandría (1597)

CARAVAGGIO
David y Goliath (1597-98)

CARAVAGGIO
La vocación de San Mateo (1599-1600)
• En 1599 le encargan tres cuadros sobre la vida de
San Mateo para la capilla Contarelli en la iglesia
romana de San Luis de los franceses: La
Vocación, el martirio y la inspiración divina para
escribir del evangelio
• El mensaje a transmitir es contrarreformista:
– La relación entre la voluntad divina y la
elección del destino propio
– La revelación de la verdad a través de la
inspiración divina frente al razonamiento
humano
– La eficacia doctrinal del martirio en defensa
de la fe
– La vinculación de San Mateo con San Pedro
como garante de la tradición y magisterio de
Cristo
• Caravaggio daba una solución estética e
iconográfica a los nuevos tiempos vividos
• El pueblo siente cercana su pintura a la vez que es
monumental
• La escena parece sacada de una taberna romana
• La Vocación de San Mateo utiliza sus recursos
característicos: tenebrismo, personajes de la calle,
fondo neutro sin perspectiva

CARAVAGGIO
La vocación de San Mateo (1599-1600)

CARAVAGGIO
El martirio de San Mateo (1599-1600)

CARAVAGGIO
La inspiración de San Mateo (1599-1600)

CARAVAGGIO
La crucifixión de San Pedro (1600-01)

CARAVAGGIO
La incredulidad de Santo Tomás (1601)

CARAVAGGIO
El sacrificio de Isaac (1603-04)

CARAVAGGIO
El sacrificio de Isaac (1603-1604)

CARAVAGGIO
La Virgen de los peregrinos (1603-04)
• Caravaggio cambia la iconografía
tradicional, que era el traslado de la
casa de la Virgen en Nazaret a
Loreto, una ciudad italiana
• El nuevo modelo iconográfico
representado es dos peregrinos
adorando a la Virgen y el Niño
• La obra causó un gran escándalo por
dos motivos:
– Los pies sucios del peregrino,
considerado como irreverente
– Usar a una prostituta y amante del
pintor llamada Lena como modelo de
la Virgen
• La Virgen de los peregrinos utiliza
sus recursos característicos:
tenebrismo, personajes de la calle,

CARAVAGGIO
La dormición de la Virgen (1604)
• La obra fue censurada y
rechazada por el comitente por
falta de decoro
• El modelo de la Virgen era para
algunos la prostituta Lena o una
ahogada en el Tíber
• Para muchos contemporáneos era
inadmisible que la virgen
apareciera con los pies descalzos
y el vientre hinchado
• La dormición de la Virgen utiliza
sus recursos característicos:
tenebrismo, personajes de la calle,

CARAVAGGIO
La dormición de la Virgen (1604)

CARAVAGGIO
David y Goliath (1605-06)

PINTURA HOLANDESA
• Holanda es un país rico, donde la
burguesía ha prosperado
• Dentro del contexto europeo Holanda
era una “democracia política”, una
sociedad igualitaria que tendrá su
reflejo en los retratos colectivos
• Es una sociedad protestante, en la que
la temática religiosa se trata poco,
(salvo Rembrandt)
• Las características de la pintura
holandesa se pueden resumir en:
– Paleta sobria en colores
– Preferencia por los interiores
– Bodegones
– Paisajes naturales
– Retratos colectivos

VERMEER DE DELFT (1632-1675)

• Es el pintor de interiores
por excelencia
• Concede gran
importancia a la luz y a
los brillos de los objetos
• Sus escenas están
dominadas por el
silencio y la reflexión

VERMEER
Muchacha leyendo una carta junto a la ventana
(1657)

VERMEER
Joven dama con collar de perlas (Hacia 1664)

VERMEER
Mujer de pie tocando el virginal (1673-75)

VERMEER
El arte de la pintura (Hacia 1666-73)

VERMEER
La carta de amor (Hacia 1669-70)

VERMEER
Joven mujer con jarra de agua junto a la
ventana (1664-65)

VERMEER
La muchacha con el vaso de vino (1659-60)

Frans HALS (1580-1666)

• Se especializó en los
retratos colectivos
• Tiene una técnica casi
impresionista, con una
pincelada muy suelta
• Sus cuadros están llenos
de color, imprimiendo a
las composiciones un
aire casual y un cierto
dinamismo

FRANS HALS
Oficiales de la compañía de San Adrián

FRANS HALS
Retrato de familia con criado negro

FRANS HALS
Las regentes del asilo de ancianos

REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669)
• Abarcó todos los géneros
(autorretrato, retratos colectivos,
mitología, histórico, bodegón,
religioso…)
• El claroscuro aparece en la mayoría
de sus creaciones
• Es el pintor del espíritu (sus
personajes reflejan valores
universales)
• Alterna cuadros con poca variedad
cromática con otros de intenso brillo
• Los temas religiosos los trata con
fuerte emotividad y están teñidos de
dramatismo y/o pesimismo
• Realiza retratos individuales y
colectivos

REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669)

• En sus retratos se preocupa por el
estudio de la luz y la psicología
humana
• Sus primeros años están marcados
por una vida opulenta, por un
afán coleccionista y éxito social y
profesional
• A partir de 1642 su vida cambia
radicalmente y su obra refleja una
persona cada vez más pesimista
– En 1642 fallece Saskia, su esposa
– En 1657 se declara en bancarrota
y lo pierde todo
– En 1663 fallece Hendricke, su
compañera en los últimos años
– En 1668 fallece su único hijo,
Titus

REMBRANDT
Lección de anatomía del profesor Tulp (1632)
• Es el primer retrato colectivo que le
encargaron
• Construye la escena a través de una
estructura piramidal que aporta
naturalismo a la escena
• Representa al doctor Tulp explicando
la musculatura de un fallecido
• La luz parece surgir del cadáver, una
luz entre blanca y amarillenta que
ilumina manos y caras y deja el resto
a oscuras
• La iluminación recuerda al
tenebrismo de Caravaggio

REMBRANDT
Lección de anatomía del profesor Tulp (1632)

REMBRANDT
El festín de Baltasar (1636)

REMBRANDT
La ronda de noche (1642)
• Es un retrato colectivo que representa a la
milicia del capitán Frans Banning Cocq en
el momento de dar la orden de formar
• La milicia es una institución ciudadana
que protege el bienestar y la libertad de los
ciudadanos holandeses
• El realismo de la escena se manifiesta en
los rostros y actividades de los personajes,
que transmiten una sensación de vida y
movimiento muy naturales
• Los juegos de luz y sombra remiten al
tenebrismo de Caravaggio. Aunque en el
caso de Rembrandt los brillos metálicos
son más fuertes
• Una restauración en 1947 demostró que se
trataba de una escena diurna y no de noche

REMBRANDT
La ronda de noche (1642)

REMBRANDT
Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653)

REMBRANDT
El buey desollado (1655)
• Es un gran bodegón, típico de la
pintura holandesa, que ha sido
interpretado como un memento mori ,
un recuerdo de la muerte, de la
fugacidad de la vida terrenal
• La obra tiene un carácter realista al
que ayuda las pinceladas violentas
que hacen de esta obra un precedente
del expresionismo
• El colorido, con diversas tonalidades
ocres, crea un clima dramático fuerte,
que refleja los reveses sufridos por el
pintor

REMBRANDT
Autorretrato (1660)
• Los autorretratos de Rembrandt son
un ejemplo de análisis psicológico,
des estado vital y anímico por el que
pasa el pintor
• También muestran un nuevo período
artístico en el que el pintor proclama
su autonomía, su independencia al no
pintar por encargo
• Rembrandt aparece aquí ya mayor
con su rostro de una persona que ha
vivido y sufrido muchos sinsabores.
Es un cuadro que tiene casi el valor
de una confesión
• La pincelada es pastosa, amplia, casi
podríamos calificarla de expresionista

REMBRANDT
Los síndicos del gremio de pañeros (1662)
•Otra de las obras maestras de Rembrandt
realizada en 1662 para la Corporación de
Fabricantes de Paños, en la que aparecen
representados cinco de los síndicos y un
empleado de la Corporación.
•Rembrandt recurre a una perspectiva baja y el
espectador aparece sentado a un nivel inferior
• Rembrandt utiliza la luz para crear contrastes
entre zonas más iluminadas y otras casi en
penumbra, a esto ayuda los contrastes entre el
colorido oscuro de los trajes y el blanco de los
cuellos.
•La pincelada utilizada por el pintor es bastante
suelta, a base de manchas de color. Es una
técnica que podemos calificar casi de
expresionista
•Es el último de los retratos de grupo pintados
por Rembrandt y para la mayoría de los
críticos el mejor de todos

REMBRANDT
Los síndicos del gremio de pañeros (1662)

PINTURA FLAMENCA
Pedro Pablo RUBENS

Pedro Pablo RUBENS (1577-1640)
• Para su formación artística será muy importante
su viaje a Italia durante tres años (1600-1603) y
sus dos estancias en Madrid, donde se impregnó
de la pintura de Ticiano (luces y colores)
• Es uno de los máximos intérpretes de la imagen
visual de la Contrarreforma y un cristiano
sincero
• Sin embargo, no hay diferencia entre una escena
mitológica y otra religiosa desde el punto de
vista de las formas y sus intereses plásticos
• Abarca todos los géneros pictóricos: pintura
mitológica, retratos, naturalezas, temas
religiosos
• Fue pintor de reyes (recibió encargos de los
reyes de España, Francia e Inglaterra)
• Fue un importante diplomático (participó en las
negociaciones de paz entre España e Inglaterra)
• Consiguió una elevada posición social en una
época en que los pintores no estaban bien vistos
por desempeñar un trabajo manual

Pedro Pablo RUBENS (1577-1640)

• Se convirtió en un hombre rico con
un taller lleno de ayudantes
• Su obra se caracteriza por una gama
cromática, colorista y variada, y
composiciones originales e
innovadoras llenas de ritmo,
movimiento y dinamismo
• Para muchos es el pintor barroco por
excelencia
• Nadie trató en el Barroco el desnudo
femenino con tanta sensualidad como
él
• Si hay que ponerle un pero a su
producción tal vez sea que no ha
sabido o querido captar la psicología
del retratado

Pedro Pablo RUBENS
Duque de Lerma (1603)

Pedro Pablo RUBENS
Autorretrato con su esposa Isabel Brandt (1609)
• Rubens y su esposa aparecen recién
casados en un jardín junto a una
madreselva, símbolo del amor
• Las manos derechas unidas se interpretan
como símbolo de armonía y concordia
• A pesar del amor que sentía por su mujer,
él aparece en una posición dominante (más
elevada)
• El cuadro transmite la comodidad y el
bienestar de la burguesía acomodada a la
que pertenecía
• Es el único testimonio pictórico de su
intimidad

RUBENS
El rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y
Pólux (1618)
• El tema representado es el rapto por parte de
Cástor y Pólux de las hijas de Leucipo ya que
habían sido comprometidas con otros hombres y
ellos no lo soportaban. Así, se pinta el momento
justo del secuestro, lleno de dinamismo y
dramatismo contenido.
• Rubens tomó como referencia para su pintura
diversas esculturas y pinturas. Así, el propio
conjunto está inspirado en el rapto de las
Sabinas de Juan de Bolonia. El espectacular
movimiento de los caballos marca dos
diagonales en la pintura, ayudado por los
cuerpos en escorzo de las mujeres. Así, el
cuadro desborda dramatismo que está contenido
ya que no hay patetismo, sino caras de
concentración.
• Los colores tienen tonalidades terrosas pero
contrastan con colores vivos que hacen ver una
influencia de la escuela veneciana, así como en
los desnudos.
• Aunque su simbolismo no esté muy claro, se ha
querido ver como una representación del
matrimonio pero también otros teóricos le ven
alusión política, o incluso religiosa.

RUBENS
El rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y
Pólux (1618)

RUBENS
Enrique IV de Francia recibiendo el retrato de
María de Medici (1621-1624)

RUBENS
El triunfo de la Iglesia sobre la Furia, la
Discordia y el Odio (1628)

RUBENS
Diana y sus ninfas sorprendidas por los sátiros
(1630)
• Los sátiros o faunos, identificables por sus cuernos, orejas y patas de cabra, se caracterizan por
su obsesión sexual.
• Aprovechan una cacería de Diana y sus ninfas para sorprenderlas y acosarlas
• El movimiento, el dinamismo de la escena es uno de los mayores aciertos de la obra, aunque
en ocasiones parece una danza
• El cuadro no deja de ser una excusa para pintar desnudos femeninos
• A pesar de lo truculento de la escenas (diversos intentos de violación), no transmite todo lo
dramático y trágico del suceso

RUBENS
Las tres Gracias (1638)
• Las Gracias eran tres: Aglaya, Eufrosine y Talía.
Eran vírgenes al servicio de Afrodita, la diosa
del amor y nunca conocían el aburrimiento
• La composición sigue el modelo clásico, que ya
utiliza Rafael, pero sitúa a una de espaldas
• Rubens utiliza el tema clásico como excusa para
pintar tres desnudos femeninos. No busca la
belleza ideal sino la sensual
• La composición destaca por la elegancia con que
están agrupadas las tres figuras y por el gran
conocimiento del moldeado de las carnes,
mezcla de morbidez y frescura
• El ritmo circular y la elegante ondulación son
características habituales en el artista, aspectos
que se unen a las formas grandilocuentes y los
colores cálidos que incorpora el pintor en las
obras de sus últimos años.
• La figura de la izquierda está directamente
inspirada en la segunda esposa del artista,
Helène Fourment.

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