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Catalogue of the exhibition WAV Party Madrid 2014 at Centro Cultural la Vaguada, Avenida Monforte de Lemos 38 Madrid

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  • 15 - 01 | 24 - 02 2014 Exposición de arte contemporáneo Contemporary art exhibition 22 - 02 2014 WAV Party Par ty Centro Cultural La Vaguada Avenida Monforte de Lemos, 38 28029 Madrid España www.world-art-vision-news.com
  • www.world-art-vision-news.com Exhibition organisation Studio Abba Catalogue editing Carlotta Marzaioli Text translation Lara Cox www.traduzioni-firenze.com Veronica Echevarria Ponce © 2013 Studio Abba www.studioabba.com Reproduction and diffusion of this catalogue or any part of it by electronic storage, hard copies, or any other means, are prohibited unless a written consent is obtained from the copyright holders.
  • WAV Party Madrid Trás el éxito de la primera edición de WAV Party Madrid en 2012, una selección de artistas del grupo World Art Vision (WAV) vuelve a exponer su trabajo en Madrid, en esta ocasión en el Centro Cultural La Vaguada. Del 15 de enero al 24 de febrero de 2014, 22 artistas de 11 países diferentes expondrán 40 obras de distintas disciplinas artísticas, desde la pintura a la fotografía pasando por escultura. En particular, durante la Semana del Arte de Madrid, que incluye la mundialmente famosa ARCO entre otras ferias y eventos, la WAV Party tendrá lugar el 22 de febrero a las 18:00 en el Centro Cultural La Vaguada bajo la dirección de Manoli Ruíz Berrio. Al evento no solo están invitados los artistas del grupo World Art Vision, también contará con la asistencia de galeristas, periodistas, críticos y gente del mundo del arte que se darán cita en Madrid en esta semana para ver las nuevas y excitantes tendencias artísticas en exposición. La exposición se llevará a cabo en conjunto y con la colaboración de Llei d'Art Madrid 2014. WAV se organiza por el Studio Abba de Florencia, que comisaria exposiciones colectivas de arte contemporáneo internacional, como OpenArtCode (París, Londres, Monaco y Shanghai), el Chianti Star Festival en Toscana y otras tantas exposiciones personales y eventos en prestigiosas locations alrededor del mundo. La primera edición del World Art Vision tuvo lugar en Cancún, México, en el Cancún Center en diciembre de 2008 donde se rindió homenaje a Frida Kahlo y Diego Rivera dando la bienvenida a "Los Fridos" Arturo García Bustos y Arturo Estrada, discípulos de Frida Kahlo y artistas de talento, y la artista Rina Lazo, discípula de Diego Rivera. La segunda edición, que también gozó de gran éxito, tuvo lugar en el Real Círculo Artístico, en el Palacio Pignatelli situado en el Barrio Gótico de Barcelona, en el año 2011. Las exposiciones y eventos WAV son considerados una oportunidad única para conocer a los artistas de forma directa. Agradecemos a Llei d’Art Magazine y Art & Artworks que son dos de nuestros media partners.
  • Eric Blanc Francia Fotógrafo atípico, tomó otra dimensión de la vida debido a su diferente ángulo. Dotado de una gran sensibilidad, le gusta jugar con las emociones y los sentidos. Capaz de trabajar diferentes temas, sin embargo, su favorito es la mujer. Su obra ha sido expuesta en diferentes lugares de sur de Francia, galerías, hoteles, castillos, teatros, gabinetes de arquitectura, librerías. Ha participado en diferentes festivales de arte contemporáneo, destacando el Salon Élan d’Art en Corum, Montpellier. Su última exposición en 2013, tuvo lugar en Venecia, en el Ca Zanardi, coincidiendo con la Bienal de Arte Contemporáneo de la ciudad. Forma parte del colectivo artístico de Montpellier Des Hommes & Des Elles y expone en toda Francia. An atypical photographer, Eric Blanc looks at life from a different angle. Endowed with a great sensitivity, he enjoys revealing emotions and senses and he photographs different themes, the female figure being his favourite genre. His work has been exhibited widely in the South of France from galleries, hotels, castles to theatres. He has participated in a variety of contemporary art festivals, including the Élan Salon d'Art in Corum, Montpellier. His latest exhibition was held in Venice at the Ca Zanardi to coincide with the Venice Biennale 2013. He is part of the artistic collective group in Montpellier, Des Hommes & Des Elles that exhibits throughout France. www.eric-blanc.fr
  • Cascade Fotografía sobre Dilite | 120x80cm
  • Emmanuel De Brito Francia Emmanuel De Brito es un fotógrafo nacido en Domont (Francia) en 1972. Se graduó en ingeniería civil por la universidad de Lyon, más tarde estudió química y física en París. Trabajó como ingeniero de construcción y diseñó el Théâtre des Sablons en Neuilly-sus-Seine, barrio de París donde actualmente reside. Hace apenas cinco años, De Brito se apasionó por la fotografía y ahora trabaja como fotógrafo freelance. Disfruta enormemente redescubriendo paisajes urbanos a través de su lente con toque minimalista. Muchas de las fotografías de De Brito están tomadas en ciudades como Nueva York, París o Venecia y nos muestran por ejemplo sus horizontes o sus graffiti. Otro tema recurrente es la naturaleza que rodea al ser humano. El detalle juega un papel fundamental en su fotografía y es a través del mismo que el espectador se da cuenta de su ceguera pues dichos detalles formaban parte de su rutina diaria y su valor no era, hasta entonces, apreciado. De Brito ha participado en exposiciones colectivas en 2011 y 2012 en Francia e Italia, en 2013 ganó el segundo premio en el Chianti Star Festival, Italia. Emmanuel De Brito is a photographer born in Domont (France) in 1972. He graduated in Civil Engineering from Lyon University and subsequently studied chemistry and physics in Paris and successively worked as a building engineer when he designed the Sablons Theatre in Neuilly-sur-Seine, a suburb of Paris where he currently lives. Just over five years ago, De Brito became extremely passionate about photography and he now works as a freelance photographer. He takes great pleasure in rediscovering urban landscapes, through his lens with his minimalist touch. Many of Emmanuel De Brito's photos are taken in cities such New York, Paris, and Venice, showing for example, their skylines or graffiti walls. Another recurring subject is nature that surrounds human beings. Detail plays an important role in his photography and through this detail the viewer sees what he had become blind to as it had become part of daily routine and its value was no longer be appreciated. De Brito has participated in group exhibitions in 2011 and 2012 in France and Italy and in 2013 he won second prize at the Chianti Star Festival, Italy. http://astonmanudb7.darqroom.com/
  • Isla Patria Fotografía sobre aluminio | 100x150cm
  • de Hansi Dinamarca De Hansi creció en el oeste de Jutlandia, Dinamarca. La importancia de haber vivido en las proximidades de un río y estar fuertemente ligado a la corriente de agua influencia su obra y fue importante, así mismo, en la elección de su carrera como ingeniero civil, especializado en hidrología e hidráulica, para posteriormente ejercer como hidrólogo. Recientemente, el desafío de integrar sociedad, medio ambiente y economía se ha convertido en su nuevo campo de investigación lo que le ha empujado hacia un creciente interés en el factor humano como parte de la gestión de os recursos naturales. El aspecto importante de la obra de de Hansi es la organización pictórica mediante el uso de siluetas neocubistas, gradación cromática y variaciones en las pinceladas que unifican la entera composición, se trata de un proceso continuo mediante el que se busca reconciliar la multiplicidad bajo una unidad de conjunto. De Hansi grew up in west Jutland, Denmark. The importance of having lived near a river and being closely linked to the water cycle influences his painting and was also important when he chose to become a civil engineer, specializing in hydrology and hydraulics, and subsequently in his career as a hydrologist. Recently, the challenge of integrating society, the environment and economy has become a new research field for de Hansi and this has led him towards a growing interest in the human factor as part of the management of natural resources. The important aspect of de Hansi's art work is the pictorial organisation by virtue of neo-cubistic shapes, chromatic modulations and variations in brush strokes which unify the entire composition in a continuous process of reconciling multiplicity with an overall unity. www.zonering.dk
  • Orange Óleo sobre tela | 60x80cm
  • Maria Giannikou Grecia Nacida en Mitilene, Lesbos, Grecia. Estudió pintura en la Thessaloniki School of Fine Arts en la Aristotle University de Tesalónica del 1993 al 1998 en el estudio de pintura de A. Theophylaktopoulos. En 1998 comenzó a estudiar grabado en la Athens School of Fine Arts bajo la supervisión de G. Milios. Su trabajo se caracteriza por ser un punto de encuentro entre los abstracto y lo figurativo con un fuerte uso del color, que emplea para crear perspectiva, profundidad y emociones. Entre los años 1996 y 2010 ha participado en más de 25 exposiciones en grupo y 4 personales en Grecia y en el extranjero. Su obra se encuentra tanto en colecciones públicas como privadas. Entre sus últimas exposiciones destaca su participación en 2013 en Art en Capital que tuvo lugar en el Grand Palais de París, Francia. Born in Mytilene, Lesbos, Greece, Maria Giannikou studied painting at the Thessaloniki School of Fine Arts in Aristotle University, Thessaloniki from 1993 to 1998 in the painting studio of A. Theophylaktopoulos. In 1998 she began to study engraving at the Athens School of Fine Arts under the supervision of G. Milios. Her work is characterised as a meeting point between the abstract and figurative with a strong use of colour, which uses perspective to create depth and emotions. Between 1996 and 2010, she participated in over twenty-five group exhibitions and four solo shows in Greece and abroad. Her artworks can be admired in both public and private collections. Among her recent exhibitions, she has also participated in Art en Capital held at the Grand Palais in Paris, France in 2013. www.mariagiannikou.blogspot.it
  • La Pedrera Técnica mixta sobre tela | 70x90cm
  • Sharina Gumbs Aruba | Holanda Sharina Gumbs, también conocida como Peepsqueek, nació en Aruba. Emigró a los Países Bajos a la edad de siete años y creció en lo consideró un país extranjero sintiéndose una visitante, deseando siempre volver a casa. Su padre permaneció en Aruba con su mujer y familia, pasarían treinta años más hasta que Sharina volviera a verle. Crecer sin padre le convirtió en una persona pensadora, reflexiva, en exploración continua del sentido del amor, la familia, la identidad y las relaciones. Incapaz de expresar sus emociones con palabras desde niña, encontró su vía de escape en dibujar y escribir. Su propósito principal como artista es ver y mostrar a la gente tal y como son, desde el corazón y sin juzgarles. Busca un lenguaje universal a través del arte, un lenguaje capaz de unir a las personas. Su interés por el carácter humano le guió a estudiar las ciencias del comportamiento así como a su profesión inicial como trabajadora social. No fue hasta sus cuarenta años que se permitió dar rienda suelta a la artista que llevaba dentro, como resultado, su arte abstracto es una reflexión muy dinámica e intuitiva sobre su propia identidad. Sharina Gumbs, also known as Peepsqueek, was born in Aruba. She emigrated to the Netherlands at the age of seven and grew up in what always seemed like a foreign country to her and where she felt like a visitor. She always longed to return home. Her father had remained in Aruba with his wife and family and it would take thirteen more years before she saw him again. Growing up without a father made her into a thinker and a wonderer and she has always explored the meaning of love, family, identity and relationships. Unable to express her emotions in spoken words as a child, she found an escape in drawing and writing. Her main purpose as an artist is to see and show people as they are, from the heart but without judgement. She searches for a universal language through art, a language which is able to unite people. Sharina’s interest in the human character led to her study behavioural science and to her initial profession as a social worker. It was not until her early forties that she allowed herself to unleash the artist within and as a result, her abstract art is a very dynamic and intuitive reflection on her own being. www.sharinagumbs.com
  • Warrior I Acrílico sobre tabla | 70x100cm
  • Evelyne Huet Francia Nacida en 1955 en París, Evelyne Huet es matemática de formación. También estudió antropología. Fuertemente influenciada por la cultura y el arte de las sociedades consideradas primitivas, sus pinturas han buscado durante mucho tiempo representar mujeres y niñas pero en particular, el coraje de estas en situaciones de violencia y condiciones de vida muy difíciles, muy propensas a sufrirse en todo el mundo, en diversos grados. Las mujeres de sus pinturas nunca se habían considerado a si mismas como víctimas y nunca se rindieron. Cuentan con una gran fortaleza mental. Huet se esfuerza en simplificar su representación de estas mujeres al extremo, su deseo es facilitar la interpretación de sus obras y, lo que es más importante, evitar el patetismo y las explicaciones, tratando de mostrar lo que la artista considera esencial. Miembro del grupo de artistas internacionales OpenArtCode, vive en París y expone con regularidad tanto el solitario como de forma colectiva en Francia y en el extranjero (Italia, España, Israel, China). Forma parte, asimismo, del grupo de artistas de la Galerie Teodora de París. Born in 1955 in Paris, Evelyne Huet is a mathematician by training. She also studied anthropology. Strongly influenced by the cultures and arts of societies that are seen as primitive, her paintings have long sought to depict women and girls and in particular, the courage they display in the face of violent situations and extremely difficult living conditions many of them have had to confront to varying degrees. The women she paints do not see themselves as victims and never resign themselves to their fate, on the contrary many actively challenge their circumstances from within. She endeavours to simplify her representations to the extreme to provide a “lighter” reading of her paintings and most importantly to avoid evoking pathos and having to ‘explain’ her work, whilst aiming to show only what she believes to be essential. A member of the OpenArtCode group of international artists, Evelyne lives in Paris and her paintings are regularly displayed in solo and group shows in France and abroad (Italy, Spain, Israel and China). She is also one of the artists of the Galerie Teodora, Paris. www.evelynehuet.com
  • The Damnation of Faust, Doctor Faust Arte digital | 84x119cm
  • Hv Francia Hervé Bindefeld, nacido en 1985 en París, fue ya en su adolescencia un apasionado de la fotografía. Sin embargo, en aquel momento decidió no tomarlo como carrera profesional ya que consideró que la fotografía se basaba en una toma instantánea y no era posible jugar con transparencias, sobreimpresiones y otras formas de alejarse de la realidad. Más tarde, se hizo doctor y fue años después cuando tomó su cámara de nuevo, dadas las amplias posibilidades que ofrece la tecnología de hoy aplicada a la fotografía. Su vena creativa inspira sus composiciones fotográficas que miran a las esculturas callejeras basándose en la animación y en la vida. En aquella etapa de su carrera artística tomó el nombre de “Hv”, fotógrafo de bellas artes con su propio lenguaje y estilo reconocible. Su versión contemporánea de las esculturas antiguas es tanto emotiva como ciertamente sorprendente. Tras su éxito en varias exposiciones internacionales como París, Bruselas, Florencia o Miami, la fotografía artística de Hv está disponible de manera permanente en una galería de París así como en Nueva York. En 2013, obtuvo el primer premio en el Chianti Star Festival, Italia. Hervé Bindefeld, born in 1965 in Paris, was already passionate about photography as an adolescent. However at that time he decided not to take it up as a professional career as he felt that photography was based on an instant shot and it was not possible to play with transparencies, overprints and other ways of moving away from reality. He subsequently became a doctor but it was years later, that he picked up his camera again, given the vast expressive possibilities that are now offered by today’s technology when applied to photography. His creative streak inspired his photographic compositions that looked at street sculptures with the themes of animation and life. At that stage of his artistic career he took on the artistic name of “Hv,” a fine-art photographer with his own vocabulary and recognisable style. His contemporary take on antique sculptures is emotionally moving and certainly surprising. After the success of several exhibitions worldwide including Paris, Brussels, Florence, Miami, Hv’s artistic photography is available permanently in a gallery in Paris as well as one in New York. In 2013, he won first prize at the Chianti Star Festival, Italy. www.art-transfiguration.com
  • Jet d’eau Fotografía | 180x120cm
  • Sumio Inoue Japón Sumio Inoue nació en 1948 en Tokyo, Japón. Estudió técnicas fotográficas en la Academia de Diseño de Tokyo del 1968 al 1970 y en el Centro de Diseños de Japón del 1970 al 1974. Comenzó su carrera trabajando en fotografía comercial y en 1990 cambió a la fotografía artística. Trabaja y vive en Nueva York, pero también pasa parte del año en Tokyo. Inoue ha pasado los últimos años desarrollando cuidadosamente una serie llamada Silenzioso: imágenes impresas en papel de arroz hecho a mano, un proceso que le lleva varios meses de ejecución. Interiores de iglesias, monumentos importantes, ciudades y paisajes urbanos se imprimen con un enfoque intensificado e infinidad de matices y sombras monocromáticas. Ver algo donde nada se puede ver, descubrir y evocar espacios desconocidos con un pathos antiguo, estimular la imaginación son los objetivos principales del arte de Sumio. Ha presentado con éxito su obra en Tokyo, Nueva York, Londres, París, Deauville, Florencia, Barcelona, Grecia y México. Es miembro de el grupo OpenArtCode y también ha participado en WorldArtVision en Cancún y Barcelona. En 2007, Sumio obtuvo el primer premio en Fotografía en la Bienal de Florencia y ganó el Prix du Jury en GemlucArt, en Monaco 2009. Sumio Inoue was born in 1948 in Tokyo, Japan. He studied photographic techniques at Tokyo Design Academy from 1968 to 1970 and at the Japan Design Center from 1970 to 1974. He began his career working in commercial photography and in 1990 changed to artistic photography. He lives and works in New York but still divides his time between there and Tokyo. Inoue has spent the past years carefully developing a series called Silenzioso: images printed on handmade rice paper, a process that takes several months. Church interiors, important monuments, town and cityscapes are printed with intensified focus and in infinitely monochromatic shades and shadows. To see something where nothing can be seen, uncovering and evoking unknown spaces with an antique pathos and to provoke one’s imagination, are the primary goals of Sumio’s art. He has had successful exhibitions in Tokyo, New York, London, Paris, Deauville, Florence, Barcelona, Greece and Mexico. He is a member of the OpenArtCode group and also participated in WorldArtVision Cancun and Barcelona. In 2007, Sumio won the first prize for Photography at the Florence Biennale and won the Prix du Jury at GemlucArt, Monaco 2009. www.sumioinoue.com
  • Silenzioso Fotografía sobre papel de arroz hecho a mano | 80x63cm
  • Roy Lawaetz Islas Vírgenes Americanas Roy Lawaetz nació en 1942 en St. Croix, Islas Vírgenes, Estados Unidos. Es el inventor/teórico del manifiesto de arte del Caribe o “MODI – Sistema Modular Triangular” originariamente inspirado en las profundas raíces culturales de la Diáspora. Ha desarrollado una amplia gama de prototipos de formatos muy especiales, esculturalmente orgánicos en sus formas pues emplea triángulos combinados cuya relación entre sí crea un dinamismo virtual. Mediante el empleo de estos originales formatos geométricos, se nos ofrece una alternativa a la hegemonía del rectángulo. La obra de Lawaetz ha sido expuesta en varios países, participando en más de 100 exposiciones, entre las que se encuentran algunas de las Bienales internacionales más importantes. Es miembro del grupo OpenArtCode y participó en la exposición de gran éxito WorldArtVision. Roy Lawaetz, born in 1942 in St. Croix, U.S. Virgin Islands, is the inventor/ theorist of a Caribbean Art Manifesto or “ODI - The Modular Triangular System,” originally inspired by deep cultural roots of the Diaspora. He has developed a wide range of particular prototype formats which are sculpturally organic in their form when using triangles in combined relationships to create a virtual dynamism. They activate canvas formats with geometric originality, offering an alternative to the hegemony of the rectangle. He has exhibited in many countries participating in over 100 exhibitions and some major international Biennials. He is member of OpenArtCode group, in 2011 participated in the successful exhibition, WorldArtVision and most recently in 2013 in the Chianti Star Festival. www.roylawaetz.com
  • Botanica Acrílico sobre tela | 125x138cm
  • Sinae Lee Canadá | Corea “Después de pintar durante muchos años lo que hay en el mundo exterior, me he dado cuenta de que tengo mucho más que pintar en el interior. Lo que está en el interior es muy parecido a lo que hay en el exterior, parece un caos, sin embargo se puede hallar un orden. Encontrar dicho orden es el objetivo de mi pintura. Cuando estoy delante de la tela, literalmente me enfrenta como lo hace el mundo caótico. Los ruidos, los colores, las formas y movimientos llegan a través de pensamientos y recuerdos que me retan a encontrar la forma de volver a recrearlos en colores y formas”. Nacida en Corea, Sinae vive en Toronto, Canadá, donde ha realizado sus estudios y trabaja como artista a tiempo completo. Utiliza acuarelas y acrílicos para pintar imágenes del mundo interior y exterior y que ambos se entrelazan en nuestras vidas. Sinae realiza exposiciones regularmente en Norte América, Europa y Asia y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas de todo el mundo. “After many years in painting what is on the outside world, I have come to realize I have more to paint within. What is within is so much like what is on the outside, they look chaotic, yet one can find order. Finding order is the subject of my painting. When I am standing in front of a canvas, it literally confronts me as the chaotic world confronts me. The noise, colours, shapes and movements come across as thoughts and memories. They challenge me to find the order to recreate them back into colours and shapes.” Born in Korea, Sinae now lives in Toronto, Canada where she was educated and where she works as a full time artist. She uses water colour and acrylics to paint images of these inner and outer worlds as they are intertwined in our lives. Sinae regularly exhibits in North America, Europe and Asia and her works are in private and corporate collections worldwide. www.sinaelee.com
  • Dreamscape Acrílico sobre tela | 61x61cm
  • Don Lisy Estados Unidos de América Don Lisy, que actualmente reside en Brooklyn, Nueva York, nació y se crió en Cleveland, Ohio, su arte surge como una revolución contra la sensibilidad del Medio Oeste que domina la mentalidad crítica y popular de su ciudad natal. Influenciado por Francis Bacon y Egon Schiele, cada obra del artista es creada en una sola sesión. Rindiéndose a la energía emocional que inspira su obra, Don siente que es capaz de representar esa emoción solo si completa la obra antes de que el sentimiento desaparezca. Cada obra resultante, más que una imagen preocupada por la estética, es un retrato emocional experimentado por el artista en un momento concreto. Don Lisy, currently living in Brooklyn, New York, was born and raised in Cleveland, Ohio. His art is a way of revolting against the Midwest sensibilities that dominate the critical and popular mind sets of his hometown. Influenced by Francis Bacon and Egon Schiele, each of Don's works is created in one session. By immediately succumbing to the emotional energy that inspires his work, Don feels he is best able to represent that emotion if he can complete that work before the feeling dissipates. Each resulting work is more of a self portrait of an emotional event rather than an image concerned with aesthetics. www.donlisy.net
  • Complicated Place Acuarela, Carbón sobre tela | 55x38cm
  • Giovanna Lysy Italia Para Giovanna Lysy su tierra natal en la Toscana, en el corazón de Val d'Orcia en La Foce, donde la belleza de la naturaleza aún no ha sido estropeada por la mano del hombre y el tiempo parece haberse detenido, es de fundamental importancia. La artista toma los materiales para sus esculturas de los instrumentos agrícolas del pasado, la mayoría realizadas en hierro y travertino de las canteras locales. En evidente contraste con el acelerado ritmo de la vida actual, las esculturas de Lysy se caracterizan por una larga línea esencial cuya verticalidad se debe al empleo del vidrio y a los efectos variados del papel jaspeado que juegan con transparencia y color. La geometría es el punto en común para combinar todos los elementos, la luz, esencial y vital para cada pieza, se convierte en el elemento variable que ofrece un punto de vista constantemente cambiante, el descubrimiento de un detalle antes invisible, tanto en la escultura como en el espacio circundante. Pese a que la gran mayoría de sus obras son de gran formato, estas se integran perfectamente en el espacio donde aparecen como silenciosos espectadores. Giovanna ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas en Italia, la más reciente, “The Naturalist” comisariada por Peter Miller en verano de 2013. For Giovanna Lysy her homeland in Tuscany, in the heart of the Val d’Orcia at La Foce, where natural beauty has not been spoilt by man and time appears suspended, is of fundamental importance. She chooses to use materials for her sculptures that are taken from the agricultural instruments of the past, mostly made of iron, as well as travertine from the local quarries. The contrast with today’s accelerated rhythm of life is accentuated in the verticality of her sculptures that derives mainly from the addition of glass and the varied effects of marbled paper, playing with transparency and colour. Geometry is the common element that blends these assembled elements and light, essential and vital to each piece, becomes the variable element that offers a constantly changeable view point, the discovery of a previously invisible detail, both in the sculpture itself and in the surrounding space. Though most of her sculptures are largesized they are never intrusive, as they are meant to integrate with the space in which they are set like silent spectators. Giovanna has participated in various solo and collective shows throughout Italy, most recently in “The Naturalists”, curated by Peter Miller in the summer of 2013. www.giovannalysy.com
  • Energia pura Instalación
  • Peny Manavi Grecia Peny Manavi nació en Sofía, Bulgaria en 1968. En 1992 se licenció en física por la Universidad de Atenas y en 1994 hizo un Master en radiación física en la University College de Londres. Entre 1996 y 2000 trabajó como física médica en el hospital KAT y en el centro de cardiocirugía Onasseion. En 1999 comenzó su formación artística en la Athens School of Fine Arts con el profesor Y. Psychopaidis, graduándose con honores en 2004. Como la misma artista afirma, “la naturaleza constituye, para mí, una fuente de inspiración, un estímulo y un objeto digno de admiración por su diversidad, su riqueza y belleza, sus rarezas y misterios”, “el elemento sueño y el factor imaginativo, transforma el realismo del proceso de representación. En mi obra hay un equilibrio entre realismo y abstracción. Se pueden reconocer los motivos y temas, sin embargo, el sujeto y el espacio a menudo se unifican como la luz y el color que se definen mutuamente”. Ha realizado exposiciones tanto en solitario como en grupo. En la actualidad vive y trabaja en Atenas. Peny Manavi was born in in Sofía, Bulgaria 1968. In 1992 she completed a degree in Physics at the University of Athens and in 1994 an MSc degree in Radiation Physics at University College, London. Between 1996 and 2000 she worked as a Medical Physicist in KAT Hospital and the Onasseion Cardiosurgery Center. In 1999, she began to study at the Athens School of Fine Arts under Professor Y. Psychopaidis and from where she graduated with distinction in 2004. As the artist herself says, "Nature for me constitutes a source of inspiration, a stimulus and an object of admiration with its diversity, its wealth and beauty, its oddities and mysteries"……"the dream element and the factor of imagination transform the realism of the representation process. In my artwork a balance between realism and abstraction can be found. One can recognize the motifs and themes, however, subject and space are often unified, as are light and colour, as one defines the other." She has exhibited in both solo and group shows. She lives and works in Athens. www.penymanavi.gr
  • Seduction Óleo y tinta sobre tela | 100x150cm
  • Marie Miramont Francia Marie Miramont nació en Toulouse en 1956. Comenzó su vida laboral como fisioterapeuta pero se vio obligada a detener su actividad debido a su perdida de visión. Como resultado comenzó a interesarse por la caligrafía y estudió en el atelier de Kitty Sabatier en Toulouse. Ahora es una experta en caligrafía en blanco y negro: “una pintura que combina la tradición de la escritura mientras que la reinterpreta dominando el espacio” afirma la artista. Su gran habilidad en el uso de las herramientas y tintas le permite crear únicas y poderosas obras de arte contemporáneo.“Marie derrama la tinta china en el lienzo y la mancha se convierte en el área donde juega con el inconsciente, donde es su espontaneidad la que gana el equilibrio” (Michel Picard). Obtuvo el premio UNESCO en 2011 y ha participado en varias exposiciones colectivas tanto en Italia como en Francia. Marie Miramont was born in Toulouse in 1956. She began her working life as a physiotherapist but was forced to stop due to failing eyesight. As a result, she became very interested in calligraphy and studied at the Kitty Sabatier Atelier in Toulouse. She is an expert in black and white calligraphy: “A painting that combines the tradition of writing while reinterpreting and controlling space” (Kitty Sabatier). Indeed, her great ability to use tools and inks allows her to create unique and powerful contemporary works of art. “Marie throws ink on the canvas and the stain becomes the area where she plays with the unconscious and where her spontaneity wins the equilibrium” (Michel Picard). She won the Artist of UNESCO prize in 2011 and has participated in various collective and solo exhibitions in both Italy and France. www.mariemiramont.fr
  • Sin título Tinta sobre papel | 81x120cm
  • Michele Ann Murtaugh Estados Unidos de América Michele Ann creció en un barrio de Phoenix, Arizona, en un clima verdaderamente poco artístico. Pese a ello, estudió cine y sus cortos obtuvieron varios premios. Durante este periodo, descubrió el mundo de la pintura que encontró muy similar al del cine, pues en ambas artes las formas se crean a través de áreas de luces y sombras, la composición es la clave. Su carrera como pintora y escultora esta comenzando y su estilo está en constante evolución. Ha expuesto en varias ciudades a lo largo de Estados Unidos y ha tenido éxito recientemente también en Europa. Michele Ann Murtaugh grew up in a suburb of Phoenix, Arizona in a very non-artistic climate. Despite this, she went on to study filmmaking where she earned several short film awards. During that time she discovered painting and found it was similar to cinematography in that forms are created from highlights and the areas of shadow and that composition was of key importance to her style. She is very young in her career as a painter and sculptor and her style is in constant progression. She has exhibited in various towns throughout the US and has found recent success in Europe. www.michelemurtaughart.com
  • Ricardo Óleo sobre tela | 90x120cm
  • George Oommen Estados Unidos de América George Oommen es un arquitecto y pintor con sede en Boston. Graduado en Harvard, su arte se inspira en recuerdos de su infancia pasada en la costa de Kerala, en la India. Sus paisajes transportan al espectador a lugares llenos de encanto, que reflejan un panorama de verdes, serenos canales navegables y cielos bañados por el sol de Kerala. Algunos de estos viajes son místicos, como la colección titulada “Sacred Spaces Within You”. Estas composiciones abstractas están inspiradas en templos de la India “donde los peregrinos se transportan de un espacio profano al santuario interior de su propia espiritualidad”como afirma el artista. El arte de Oommen es muy versátil. Es táctil, emocional, espiritual y tan sensual como los vivos colores de los saris de seda que han influido su serie Kanjeevaram. Su búsqueda artística ha creado un estilo estético único que refleja el monzón y efectos visuales azotados por la lluvia de su patria imaginaria. Oommen ha realizado exposiciones retrospectivas, colectivas y en solitario en Estados Unidos y Rusia, en febrero de 2014 el Centro de Arte Sunaparanta de Goa presenta una exposición en solitario del artista. George Oommen is a Boston-based, Harvard-educated architect and painter whose art is inspired by the memories of a childhood spent in the spice coast of Kerala in India. His landscapes take viewers on enchanted journeys, reflecting the verdant views, serene waterways and sun-drenched skies of Kerala. Some of these journeys are mystical, such as the collection entitled “Sacred Spaces Within You.” These abstract compositions are inspired by Indian temples “where pilgrims are conveyed from secular spaces to the inner sanctum of one’s spiritual self.” Oommen’s art is very versatile. It is tactile, emotional, spiritual and as sensual as the vivid colours of the silk saris that have influenced his Kanjeevaram series. His artistic explorations have created a unique aesthetic style that mirrors the monsoon and the rain-swept visuals of his imagined homeland. Oommen has had various retrospective, solo and collective shows in the USA and in Russia and in February 2014, the Sunaparanta Goa Centre of Art in India hosts Oommen in a solo show. www.goommen.com
  • Kanjeevaram Óleo sobre tela | 122x183m
  • Sara Palleria Italia La pintora Sara Palleria nació en Roma, donde vive y trabaja. Se licenció en ciencias de la educación y continua trabajando en este campo de forma paralela a su carrera artística, con especial atención al mundo del color relacionado a la psicología de las emociones. Colabora con varias instituciones en el sector del arte visual y organiza cursos de formación sobre la imagen y laboratorios de color. Le encanta pintar todo aquello “que el ojo cree ver”. “El cruce de color, alternando entre el cielo y la tierra, entre luz y oscuridad...la expresión de colores y materiales...todo lo que parece ser...y que en cambio se convierte en algo más, donde los colores y la tierra se confunden y aferran a límites inciertos en la naturaleza del viaje humano subyacente”. Su obra puede apreciarse tanto en colecciones privadas como públicas. Sara ha participado en exposiciones en solitario y en grupo en Italia, Turquía, España, Francia y China. The painter Sara Palleria was born in Rome, where she still lives and works. She received her degree in Education Sciences and she continues to work in this research field in parallel with her artistic career, with particular reference to the world of colour linked to the psychology of emotions. She collaborates with various institutions in the visual arts sector and runs education courses on images and colour laboratories. She loves to paint all that “the eye thinks it sees”. “The crossing of colour, alternating between heaven and earth, between light and dark ... the expression of colours and materials ... all that seems to be... and instead becomes something else, where colours and the earth slip away and cling to uncertain boundaries in the nature of the underlying human journey”. Her works can be seen in both private and public collections and Sara has participated in both group and solo exhibitions in Italy, Turkey, Spain, France and China. www.sarapalleria.com
  • Oltremare Acrílico sobre tela | 100x100cm
  • Lisbeth Sandvall Suecia Lisbeth Sandvall, artista sueca, usa el aceite como su principal medio de expresión, pero también trabaja grafíco, gouache y acuarela. La artista afirma, “mi trabajo creativo se basa en mi presencia durante el preceso. Una línea, una silueta o un color pueden ser el punto de partida. Lo que encuentro tan emocionante es el mismo proceso de construcción la imagen: hallar una reacción en la pintura, establecer el equilibrio y la paleta justa. Para mi el color es extremadamente importante. Es a menudo, una cuestión de capturar algo que termina siendo un paisaje o una figura semiabstracta o completamente abstracta”. Son pinturas que hacen pensar al espectador a cerca de la vida y la interacción entre las personas. “La inspiración de estas pinturas deriva de situaciones y eventos de la vida cotidiana, a pesar de que no son estrictamente representativas. Los paisajes no consisten en tierra y cielo sino en colores que interactuan en el lienzo formando un todo que mis ojos perciben como un paisaje, un estado de ánimo en un espacio. De las misma manera, las figuras no representan sujetos individuales sino más bien símbolos de la humanidad”. (Revista de Smålandsposten). Lisbeth Sandvall, a Swedish artist, uses oil as her primary means of expression, but she also works with graphics, gouache and watercolours. She says, “my creative work is based on my presence in the process. A line, a silhouette or a colour may be the point of departure. What I find so exciting is the very process of building the image: finding a response in the picture, settling on the right balance and palette. To me, colour is extremely important. It is often a matter of trying to capture something that ends up as semi-abstract landscapes and figures or wholly abstract pictures”. They are pictures that make the viewer think about life and the interaction between people. “These paintings derive their inspiration from situations and events in daily life, even though they are not strictly representative. The landscapes do not consist of earth and sky but rather of colours which interact on the canvas to form a whole that my eyes perceive as a landscape, a mood in a space. In the same way, the figures do not portray individual human beings but are rather the symbols of human beings." (Review in Smålandsposten). www.lisbethsandvall.se
  • Le ballon rouge Óleo sobre tela | 130x100cm
  • Solveig M. Skogseide Noruega Pequeños eventos de la vida cotidiana son la fuente de inspiración de la artista noruega Solveig Marguerite Skogseide, para capturar emociones y sentimientos en su lienzo. Por consiguiente, las relaciones humanas son un tema frecuentemente investigado en su obra. Símbolos tales como el Circulo de la Vida, el Árbol de la Vida y la belleza de la esperanza en el futuro, la pertenencia y el amor nos llegan a través de sus obras. Los grandes conceptos y acontecimientos del mundo tienen también un impacto – en particular , símbolos relacionados con el cuidado del planeta están frecuentemente presentes. Creció en una familia muy creativa, donde la música era de gran importancia. Como resultado, a menudo crea una pintura de la misma manera que una composición musical. Usa estructuras y varias capas de plantillas, que ella misma crea a partir de sus propias fotografías o dibujos. Constantemente trabaja con la armonía y el contraste para hallar el justo equilibrio en la pintura – esta es la fuente de la sensación de calma que muchos encuentran en su obra. Expone su obra de forma regular, a nivel internacional. Minor events of daily life are the source of inspiration for the Norwegian artist, Solveig M. Skogseide, to capture emotions and feelings on the canvas. Hence, human relationships are often a theme that she investigates in her work. Symbols such as the Circle of Life, the Tree of Life and the beauty of hope for the future, belonging and love, come across in her canvases. The larger concepts and events of the world also have an impact – in particular, symbols related to caring for the planet are often present. She grew up in a very creative family, where music was of great importance. The result is that she often thinks of creating a painting in the same way as composing music. The artist uses structure and several layered stencils, which she creates from her own photographs or drawings. She constantly works with harmony and contrast to find the right balance in the painting – this is the source of the sense of calm that so many viewers find in her work. Solveig exhibits her work regularly on a worldwide basis. www.vintagepaintings.no
  • Hardanger Técnica mixta sobre tela | 150x100cm
  • Tiril Estados Unidos de América Tiril Benton nació en Londres en 1955 y reside actualmente en Alabama, en los Estados Unidos. Comenzó a dibujar a muy temprana edad y ahora trabaja todo tipo de formato, en lienzo, papel y cartón empleando aceites, acrílico, acuarela y gouache, así como lápiz, pastel, pluma y tinta. “Mi obra es puramente intuitiva. El concepto se manifiesta a medida que evoluciona la pintura. Para mi, cada pintura es el registro de un momento extraordinario de existencia, una confirmación de la realidad del viaje del espíritu. Siempre consciente del tenue equilibrio para la evolución de la pintura, me rindo a una fuerza mayor. Es precisamente a través de este estado de consciencia-inconsciencia que soy capaz de conectar a un nivel que no puedo verbalizar. Considero que a través del lenguaje del arte somos capaces de comunicar en un nivel de vibraciones más elevado”. Tiril ha realizado exposiciones en solitarios así como en grupo en Estados Unidos, Francia e Italia. Sus obra forma parte de colecciones privadas en varios países. Tiril Benton was born in London in 1955 and lives in Alabama in the US. She began to draw when she was very young and now works with all sizes of canvas, papers and boards using oils, acrylics, watercolours and gouache, as well as pencil, soft pastels, pen and ink. "My work is purely intuitive. The concept will manifest as the painting evolves. Each painting to me is a record of an extraordinary moment of existence, a confirmation in the reality of the journey of the spirit. Always cognizant of the tenuous balance necessary for the painting’s evolution, I yield to a greater force. It is within this state of thoughtless awareness that I am able to connect on a level that I cannot verbalize. I believe that through the language of art, we are able to communicate on the highest vibrational level." Tiril has had solo and collective shows in the USA, France and Italy. Her works belong to private collections in numerous countries. www.artbytiril.com
  • Atha Acrílico sobre tela | 107x107cm
  • Max Werner Bélgica Max Werner nació en Gante, Bélgica, estudió en la Slade School of Art de Londres. Ensenó grabado en Reino Unido y trabajó en la Art House Gallery de Buenos Aires, Argentina. Actualmente reside en los Estados Unidos. A menudo desencadenado mediante una simple observación de su entorno más inmediato tales como paisajes, a Max Werner parece encantarle el desafío de una composición inusual así como capturar las diferentes luces en los muchos lugares a los que el artista ha viajado. Quizás para entender más en profundidad su obra, ayuda saber que Magritte es unos de los artistas favoritos de Werner. Werner generalmente pinta en su estudio unas semanas después de haber visto el motivo a representar, ayudándose de bocetos y fotos pero nunca confiando en la realidad registrada. El resultado final es una imagen que evoca un estado de animo, que nos transmite lo que sentía el artista en ese momento en lugar de tratarse de una representación fiel de un lugar . Este hecho invita al espectador a hacer su propia reflexión a cerca de lo que la obra quiere expresa. Max Werner was born in Ghent, Belgium and he studied at the Slade School of Art in London. He taught printmaking in the UK and worked in the Art House Gallery in Buenos Aires, Argentina and currently resides in the USA. Often triggered by a simple observation of his immediate environment such as landscapes, Max Werner loves the challenge of an unusual composition and the capturing of the diversity of light in the various places he travels to. Perhaps to get a deeper understanding of his work, it helps to know that Magritte is one of Werner’s favourite artists. Werner generally paints in his studio a few weeks after having seen his subject matter, using sketches and photos, but never relying on recorded reality. The end result is an image which evokes a mood, and which conveys what the artist felt at the time, rather than a faithful representation of the place described. This in turn invites the viewer to reflect on what it expresses. www.maxwernerart.com
  • Cruise Ship Acrílico sobre tela | 80x130cm
  • Candace Wilson Canadá Candace Wilson es una arista americana que estudió e Francia pero cuyos viajes por los desiertos de África y Oman, la Antártida y el Ártico fueron sus verdaderas fuentes de aprendizaje e inspiración. Su proceso creativo se alimenta del deseo de transferir la conciencia de sus espectadores a otro plano y la libertad de las formas abstractas le permite lograrlo. Sin el condicionante impuesto por el idioma o las etiquetas, la conciencia despierta y las pinturas existen por si mismas, ya no como imágenes o ideas preconcebidas. Mediante la incorporación de algunos de los últimos descubrimientos de la curación cuántica, Candance ha creado obras que afectan al cuerpo, la mente y el espíritu. Reconociendo el efecto positivo en sus pacientes, muchos centros de curación han adquirido los trabajos de la artista. Su obra es muy coleccionada tanto por corporaciones como por privados. Candace Wilson is an American artist who studied in France but her travels in the deserts of Africa and Oman, to the Antarctica and the Arctic, were her true source of learning and inspiration. Her creative process is fuelled by a desire to shift the consciousness of her viewers on to another plane and the freedom of the abstract forms allows her to achieve this. Without the conditioning imposed by language or labels, consciousness awakens and the paintings exist in themselves, not as preconceived images or ideas. By incorporating some of the newly understood quantum healing modalities, Candace has created works that affect body, mind, and spirit. Recognising the beneficial effect for their patients, many healing facilities are now acquiring Candace's work. She is widely collected internationally, both corporately and privately. www.ateliernorth.com
  • Homo luminux Óleo sobre tela | 76x112cm
  • Par ty