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Tema 11 resumen arte barroco
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Tema 11 resumen arte barroco

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  • 1. 1 TEMA 11 ARTE BARROCO RESUMEN 1.- INTRODUCCIÓN Etimología o Siglo XVI: Surge a finales del siglo XVI en el lenguaje técnico de los joyeros portugueses, que aplicaban el término barroco a la perla irregular, de contorno imperfecto. o Siglo XVIII En Francia, en la segunda mitad del siglo XVIII adquiere por vez primera un sentido estético, pero de valoración negativa. o Siglo XIX: Se mantiene este juicio peyorativo. La reivindicación del Barroco como un estilo propio, independiente y en oposición al Renacimiento se debe al historiador suizo Heinrich Wölfflin , quien en su tratado Renaissance und Barock (1888), aprecia la altísima categoría estética del movimiento. o Siglo XX Para Eugenio D’Ors el barroco es una constante histórica. Apoyándose en esto, Focillon afirma que el barroco es la tercera fase de todo estilo: Corrientes: o Barroco cortesano: El Barroco se pone al servicio de los príncipes absolutos cuyo afán de esplendor se traduce en la magnitud de los proyectos y en el fasto de la decoración. o Barroco de Iglesia El barroco representa fundamentalmente el arte posterior a la Contrarreforma. Roma renovará la iconografía católica e impondrá el gusto por las composiciones aparatosas de tono triunfal Pero también se manejaron símbolos, de suerte que fue la del barroco una “cultura simbólica”. o Barroco burgués: Simultáneamente Holanda y las regiones luteranas y calvinistas desarrollarán un arte burgués de vertiente laica. Etapas: o Barroco pleno o maduro: de 1630 a 1680 o Barroco tardío: pervivirá hasta 1750 Consigue su apoteosis en las cortes centroeuropeas de Viena y Praga. 2.- LA ARQUITECTURA EN ITALIA Y FRANCIA Características generales Los edificios no aparecen inertes, estables, sino llenos de movimiento. o Los edificios barrocos son manifestaciones polifacéticas. Nada de visión frontal. o La pared adquiere una significación dinámica. o La pared pierde su condición fronteriza: Comienza un juego de efectos ópticos que eliminan la pared real e ilusoriamente. El espacio interior y exterior tienden a hermanarse. o La pared se agujerea. El espejo hace aún más rotundo el ocaso del muro como frontera: Los elementos arquitectónicos adquieren gran potencia: o La potencia de las formas arquitectónicas se manifiesta en el uso del orden gigante. o Y por el uso de la columna salomónica, cuyas retorcidas formas sugieren fuerza y movimiento. o Desaparece el clásico encasillamiento de huecos, tendiendo a fundirse las formas. o Las techumbres adquieren gran personalidad. Decoración
  • 2. 2 o Son de uso ordinario las placas recortadas, pegadas a la pared y formando como decoración colgante. o Las formas se inspiran en los efectos de movimiento de la naturaleza. o La noción de lo grande se aumenta en ellas al pintarse al fresco vastas composiciones celestes. Urbanismo: o Con el Renacimiento se trató de buscar una lógica en el trazado urbano. Esta tendencia es heredada en el barroco. o La estética urbanística en el barroco busca el efecto perspectivo. Por esto se prefiere situar en el último término un edificio. Se aprovechan los desniveles paa construir monumentales escaleras. o Hay una extensión del jardín en la ciudad y en el campo. 2.1.- Las plantas alabeadas de Bernini y Borromini en Roma Ideas generales: o El barroco romano gira en torno a dos polos contradictorios, ejemplificados en dos arquitectos rivales: Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini. Ambos artistas construyen edificios de planta elíptica, con muros alabeados. Pero las posiciones artísticas de ambos fueron diametralmente opuestas. Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) o Estilo Bernini respetó las proporciones de los órdenes y las reglas de la composición. Utilizó preferentemente el mármol como material de construcción. Bernini plantea espacios naturales abiertos, con curvas y contracurvas diáfanas. En general, Bernini respeta la integridad y significación de los elementos arquitectónicos. Su barroquismo se expresa: • En el movimiento • En el ilusionismo espacial Iluminación: Bernini deja sus fachadas e interiores pulidos, con el propósito de que la luz y la sombra resbalen y los bañen por igual. o Obras Baldaquino de San Pedro Vaticano (1624-1633) • Movido palio de bronce, apeado sobre cuatro columnas salomónicas, que sitúa bajo la cúpula de la basílica para conmemorar que allí está la tumba del primer apóstol • En este baldaquino consagra Bernini la columna salomónica, que en pintura se había usado con anterioridad. Columnata de la Plaza de San Pedro (1656-57) • Funciones de la columnata: o Cierra ópticamente la Plaza del Vaticano o Sirve de deambulatorio cubierto a procesiones o Función alegórica: abraza ecuménicamente a la cristiandad. • Bernini hizo aquí efectos ilusionistas: Cátedra de San Pedro (1657-1666) • La cátedra está relacionada con la silla que, según la tradición, había usado San Pedro. • Bernini sitúa esta reliquia en un trono mayor, que mantienen en el aire los doctores de la Iglesia, abre en la zona superior una gloria que perfora el muro, convirtiéndose en el precedente de los transparentes hispanos. Iglesia de Sant’Andrea al Quirinale (1658-1670) • Iglesia de planta central, destinada a los novicios jesuitas, donde juega con la línea cóncava y la convexa. Francesco Borromini (1599-1667) o Estilo: La fantasía de Borromini rompió las normas clásicas e inventó nuevos elementos. Borromini fue un arquitecto barato, que empleó el ladrillo, el estuco y el revoque. Borromini plantea espacios artificiales y reducidos, al complicarlos mediante combinaciones de alabeos secundarios. Iluminación: Borromini afila los perfiles, añade resaltes y aplica aristas para que la luz se quiebre en un cortante efecto claroscurista. o Obras:
  • 3. 3 San Carlo alle Quattro Fontane (1637-67) • Se emplaza en una encrucijada. • El arquitecto chaflana la esquina para poder disfrutar de mejores visuales. • Impone Borromini la pared alabeada. • En el interior la pared también es alabeada. • Las columnas gigantes no son sino términos de referencia, requeridos por el afán de perspectiva. Oratorio de San Felipe Neri (1637) Sant’Ivo alla Sapienza (1642-50) • Iglesia universitaria. • Su dinámica planta está formada por dos triángulos equiláteros que, al cruzarse, crean un hexágono. Sant’Agnese (1653-55) • También posee planta articulada: o Se abre la fachada en forma cóncava, colocándose en los lados dos calados campaniles. Sant’Andreadelle Fratte (1655) 2.2.- EL PALACIO CLASICISTA FRANCES: VERSALLES Ideas generales: o Rasgo fundamental del arte francés del barroco es su carácter cortesano: Los artistas principales trabajan para los reyes, y éstos prefieren obras civiles. El edificio típico es el palacio. o Otra característica es la constitución de las Academias, con sus ventajas e inconvenientes. Consecuencia de ello es la codificación y reglamentación de las artes. Versalles es el prototipo de residencia áulica del príncipe absoluto. o Muy pronto, el palacio y la ciudad que surgirá a su alrededor se convirtieron en un signo suntuario de propaganda política. o Origen: Inicialmente Versalles había sido un pequeño castillo, fabricado en piedra y ladrillo, rodeado de fosos y cubierto de pizarra. En 1682 pasó a ser capital de Francia, en detrimento de París. • Versalles se transforma así en una ciudad, con mansiones para los cortesanos, ministerios para los empleados de la administración, cuarteles para la guardia y viviendas para los criados. o Artistas: El arquitecto Jules Jardouin Mansasrt (1647-1708) El pintor Charles Le Brun (1619-1690) El paisajista André Le Nôtre (1613-1700) o Evolución del edificio: En 1668 Luis XIV determinó engrandecer el palacio para fijar su residencia e incluso la de la misma Corte. • De aquí que para su alojamiento y el de sus ministros hubiera necesidad de disponer nuevos edificios. • Se le ocurrió la gran idea de conjuntarlos. • Eligió a Louis Le Vau para esta ampliación. o Aunque se sirve éste del plan francés en escuadra, el palacio toma orientación italiana, al servirse de cubierta en terraza. En 1678 Luis XIV proyecta una tercera ampliación: • Designa a Luis Hardouin Mansart. • Aunque Mansart tuvo que atenerse al plan italianizante de Le Vau, procuró hallar una mayor pureza clásica. • Mansart diseñó una fachada monumental, por cuyo interior corría la Galería de los Espejo. • Después Mansart añadió dos alas en escuadra y nuevas dependencias que han sido universalmente admiradas: o L’Orangerie: un invernadero
  • 4. 4 o El Grand Trianon: un pequeño palacete emboscado en los jardines para que Luis XIV pudiera goza de intimidad con su amante, la marquesa de Maintenon. o Las Grandes y Petites Écuries: dos caballerizas que debían albergar las bestias de tiro y los animales de montar, así como al personal encargado de su cuidado. Tenía capacidad para 2500 caballos y 200 carrozas. o Decoración: El interior de Versalles contiene un sinfín de habitaciones cuyo ornato fue dirigido por el pintor Charles Lebrun, verdadero dictador artístico cortesano. Dependencias: • Salón de la Paz y de la Guerra • Galería de los espejos. El gusto chino se va imponiendo en las formas ornamentales francesas. Durante el siglo XVIII se hará dominante. o Jardines: Versalles tiene en sus jardines el adecuado complemento. Proyectar la vida hacia el campo fue tendencia nacida con el Renacimiento, que ahora culmina. Surge de este modo un jardín que, en cierto modo, es también arquitectura, pues la espesura se corta, formándose paredes, avenidas y plazas, decoradas con estatuas y cascadas, lo mismo que si se tratara de una ciudad. El gran jardinero-arquitecto de Versalles fue André le Nôtre. • Diseñó las tres avenidas de jardines que confluyen en el palacio, y las calles radiales que se abren en la parte posterior en torno a un gran canal. o Consecuencias de Versalles: A partir de Versalles, tanto el palacio como el modelo de jardín francés se extendieron por las cortes europeas. 3.- LA ESCULTURA EN ITALIA: GIAN LORENZO BERNINI Valoración: o Es Bernini el más genuino representante de la escultura barroca en Europa. o Sustituye la superficie tersa del Renacimiento por la expresión de las calidades. o Cultivó todos los géneros. Estilo: etapas y obras o El material que utilizó fue el mármol, y tanto las figuras aisladas como los grupos tendrán un punto de vista frontal o Etapa juvenil (1618-1624) Corresponde a los encargos mitológicos y bíblicos del cardenal Scipione Borghese para decorar su villa. Son obras influidas por la línea serpentinata del manierismo, en las que da rienda suelta al virtuosismo técnico en el tratamiento de la textura de la piel, y al estado psicológico de los héroes griegos y judíos. Obras de esta etapa: • Eneas y Anquises (1618-19) • El Rapto de Proserpina (1621-22) • Apolo y Dafne (1622-25) • David (1623) o Etapa denominada Alto barroco En 1624 era elegido papa su amigo Urbano VIII. Características: • Se caracteriza por la importancia conferida al ropaje para apoyar el impacto emocional. o Las telas se revolotean y se arrebujan en grandes masas de efecto claroscurista. Obras: • San Longinos (1629-38) o Período medio (1640-54) Son los años del pontificado de Inocencio X Bernini consigue un puñado de logros:
  • 5. 5 • Unificó todas las artes, logrando el supremo espectáculo de teatralidad barroca en el interior de un templo con el Éxtasis de Santa Teresa, en Santa María de la Vittoria, de Roma. • Otra novedad es la aparición de la luz dirigida para subrayar el efecto pictórico de la escultura.. o Con ello logra fundir la escultura con el ambiente. o Este efecto será necesario cuando trate de expresar milagros. o Pues bien, este efecto lo consigue en la Capilla Raimondi, en San Pietro in Montorio. • Dio forma al monumento funerario papal en la Tumba parietal de Urbano VIII. • Erigió una fuente rústica monumental en el corazón del urbanismo romano, como acredita la Fontana dei Quattro Fiumini, en el centro de la Piazza Navona. • Resolvió el problema del pecho cortado en los retratos de busto mediante la colocación de ropajes flotantes que envuelven los hombros y cuya solución estaba pendiente desde la época imperial romana, según se observa en el Retrato del duque Francisco I d’Este. • Impuso con la imagen de Constantino el Grande, situado en el rellano principal de la Scala Regia del Vaticano, el nuevo tipo de monumento ecuestre, con el caballo en corveta y el personaje heroizado. • Obras: o Extasis de Santa Teresa (1645-52) o Tumba de Urbano VIII o Fontana dei Quattro Fiumini (1648-51) o Retrato de Francisco I d’Este o Constantino el Grande (1654) o Estilo tardío: Hacia 1655, durante el pontificado de Alejandro VII, Bernini busca el expresivismo y la espiritualidad, tan típica de los grandes maestros como Donatello o Miguel Ángel. Las figuras se alargan y los ropajes se retuercen , agitan Ángeles con los atributos de la pasión Beata Albertoni 4.-LA PINTURA EN ITALIA Caracteres del arte figurativo barroco: o El denominador común del Barroco es el naturalismo, la ruptura del arquetipo y de los cánones de belleza establecidos en el siglo XVI. Temas: Se pinta cuanto se ve. Y junto a lo real triunfa lo maravilloso. • Es sobre todo el misticismo. Los temas religiosos se multiplican hasta el infinito. Sin embargo la mitología y con ella el desnudo no pierden terreno. o Otra característica de este arte es la grandiosidad, ya que no sólo se pintan gigantescos frescos, sino monumentales cuadros al óleo. o Las grandes conquistas del barroco son la luz, el movimiento y el colorido. La luz: • La luz se condensa. Se crea una atmósfera para las figuras. El movimiento: • El movimiento es consecuencia del naturalismo. • Por igual razón predominan las composiciones asimétricas como más naturales. • Dentro de la asimetría la composición diagonal ocupa un lugar preeminente. El colorido: • Es fresco y natural, pero se emancipa del dibujo. Corrientes pictóricas: Los Carracci y Caravaggio reaccionaron frente al Manierismo desde posiciones distintas o Carracci: Se inspiraron en la escultura grecolatina:
  • 6. 6 • Copiaron a los dioses de la antigüedad pagana • Recuperaron las proporciones ideales del cuerpo humano • Dieron origen al clasicismo academicista. Procedimiento técnico: • Los Carracci pintaron grandes frescos para decorar los techos y las paredes de los palacios, que aparecen iluminados con tonos claros. • o Caravaggio: Retrata a la gente corriente, inaugurando el naturalismo Procedimiento técnico: • Caravaggio impone en sus lienzos de caballete el tenebrismo, buscando efectos claroscuristas, donde un foco de luz externo alumbra dramáticamente aquellas zonas que le interesa, dejando el resto en penumbra. o Ambas concepciones produjeron, desde Roma, la renovación artística de la pintura europea. 4.1.- EL CLASICISMO EN LOS FRESCOS DE LOS CARRACCI Ideas generales: o Los Carracci fueron una familia de pintores boloñeses, integrada por los hermanos Agostino (1557- 1602) y Annibale (1560-1609), y su primo Ludovico (1555-1609). o Recuperaron para el arte italiano la concepción poderosa y sensual del mundo mitológico. o En Bolonia abrieron una academia privada con el título de los “Bienencaminados”, cuya asignatura fuerte era el dibujo. Los aprendices de pintores tenían que cursar literatura, historia y otros conocimientos de cultura general y su estímulo era alimentado mediante concursos. Así salían de aquella Academia hombres ilustrados, pero rara vez artistas. o Los tres artistas formaron un taller común, que se deshizo con la marcha a Roma, en 1595 de Annibale, el más importante y el que ejerció mayor influencia del grupo. Annibale Carracci o Características: Annibale Carracci es el más capacitado de todos. Es el creador del paisaje histórico o Obras: Decoración del palacio Farnese, que acomete en dos fases: el Camerino (1595-97) y la Gran Galería (1597-1604) El Camerino: • En el despacho privado del cardenal o Camerino, desarrolló quince historias sobre Hércules y Ulises,que escondían una intención moralizante, justificando así el empleo de la mitología pagana en la Roma contrarreformista. La Gran Galería: • Su programa iconográfico también guardaba un propósito alegórico. o Ilustra la poderosa fuerza del amor, ante la que ceden los dioses y los héroes. • Annibale fingió en el techo una arquitectura ilusionista en la encuadró varias bodas, como si fueran cuadros de caballete. o Así pues Annibale concibió el conjunto como una gran “quadratura”, en la que colocó quadri riportati. • El cuadro central es el Triunfo de Baco y Ariadna, subidos a un cuadro tirado por leopardos y cabras. o Los frescos de la Gran Galería ejercieron una o Repercusiones: Tras la obra de los Carracci, esta escuela mantiene un gran prestigio durante el siglo XVII. poderosa influencia en la pintura barroca europea, convirtiéndose en punto de referencia de las exultantes mitologías de Rubens. La escuela de Bolonia, que estuvo reñida con espíritu caravaggiesco, acaba por aceptarlo
  • 7. 7 4.2.- EL NATURALISMO Y LOS PROBLEMAS DE LA LUZ: EL CARAVAGGIO Biografía o Michelangelo Merisi (1571-1610), llamado il Caravaggio, por la localidad bergamesca de la que era oriunda su familia, es el creador del naturalismo y del tenebrismo pictórico. o Su vida está marcada por la bohemia y su arte por la incomprensión. o Sus representaciones populares, dominadas por el áspero verismo, fueron rechazadas por el pueblo, que no quería ver en las historias evangélicas a los mismo pescadores y labriegos que habían tratado a Cristo, sino las decorosas imágenes que habían sido concebidas por el arte oficial de los Carracci. Estilo: evolución: o La breve carrera ha sido fragmentada por Friedlaender en tres etapas. o Fase inicial (1590-1599) Corresponde a sus primeros años en Roma. Características y obras: • Cuadros pequeños, de medias figuras, que el pintor vendía en los mercadillos ambulantes para subsistir, y en los que da vida al mundo callejero de la picaresca: jugadores de carta, hampones y gitanos. • Todos estos cuadros están construidos con figuras sólidas, recortadas sobre fondo neutro, que proclaman la conquista de la realidad en su vertiente cotidiana. • Nos revela a un Caravaggio distante aún de la fórmula del tenebrismo. o Pinta sobre fondos claros y la figura aparece toda luminosa. • En este período inventa el bodegón moderno con La cesta de frutas (Ambrosiana, Milán) • Representa a jóvenes andróginos, lánguidos, afeminados y ambiguos: o Baco (Uffizi, Florencia) o El tañedor de laúd (Ermitage, San Petersburgo) o Cena de Emaús ( National Gallery, Londres) o Estilo maduro (1600-1606) Características: • La fase de madurez se extiende hasta su marcha de Roma. • Funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco. o Sitúa un único foco luminoso fuera del lienzo. o Con ello concentra el interés en manos y caras. El efecto alcanzado sobrepasa a la mera realidad. Hay un aire de misterio. o El color queda subordinado a la luz y está impregnado de sombras. o El claroscuro es el verdadero armazón del cuadro. • El cambio se instaura también en los personajes: o Destierra de lo santo nimbos y toda retórica. o Predica la santidad de lo humilde. o Desaparecen los atributos. o Los personajes santos proceden de la misma calle. o Ello desencadena las protestas de las autoridades eclesiásticas y muchos cuadros son rechazados o Por otro lado el pintor está de acuerdo con las disposiciones de Trento en lo referente a evitar todo sensualismo. Ni un solo desnudo femenino puede señalarse en Caravaggio. • Los cuadros aumentan de tamaño. • En esta época se dan los grandes encargos para las iglesias romanas. Obras: • Lienzos para la Capilla Cerasi en la iglesia de Santa María del Popolo (1600-1601) o La crucifixión de San Pedro o La Conversión de San Pablo • Lienzos para la capilla Contarelli, en San Luis de los Franceses (1601-1602) o San Mateo y el ángel o La vocación de San Mateo o El martirio de San Mateo • La Virgen de Loreto (1603-1605), capilla Cavalleti, iglesia de San Agustín, Roma.
  • 8. 8 • La muerte de la Virgen (1606), Louvre, París. o Etapa final (1607-1609) Coincide con su exilio. Pinta cuadros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. Las siete obras de misericordia (1607) La decapitación del Bautista (1608) La resurrección de Lázaro (1609) 5.- LA PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA Ideas generales: o Fuera de Italia, la pintura barroca alcanza un amplísimo desarrollo en los antiguos Países Bajos, que en 1609 se fragmentan en dos estados irreconciliables. Flandes, al sur, ocupando los territorios de la actual Bélgica. Las Provincias Unidas Holandesas, al norte Diferencias entre Flandes y Holanda: o Sobre los temas religiosos: Mientras, en Flandes (católico, monárquico y sometido al gobierno español), la temática religiosa es evangélica, hagiográfica y sacramental, plasmándose en grandes cuadros de altar. Holanda (protestante, republicana, burguesa e independiente) cultiva asuntos bíblicos de formato pequeño para ser contemplados en la intimidad del dormitorio doméstico, ya que los luteranos y calvinistas han suprimido el culto a las imágenes, y éstas han desaparecido de las iglesias. o Sobre los temas para las viviendas tuvo también una particular decoración: En Flandes se conserva el género mitológico para enriquecer los palacios cortesanos En Holanda es sustituido por escenas costumbristas, que representan ocupaciones, se esconden alegorías moralizantes de carácter puritano: la pereza, la avaricia y la infidelidad. o El retrato y el bodegón son también testigos de esta oposición: Retratos: • En Flandes el retrato es individual y se concibe bajo paradigmas solemnes, con el propósito de mostrar el elevado rango social del personaje. • En Holanda el retrato tiene carácter corporativo, ofreciendo sus artistas una espléndida galería de grupos, por la que desfilan colectivamente, Bodegones: • En Flandes las opulentas cocinas y despensas que pintan los bodegonistas flamencos, atestadas de comestibles, donde la variada oferta de la producción agrícola se amontona con pescados, carnes y aves de corral. • En Holanda da paso a severas mesas de comedor, sencillamente ordenadas y apenas cubiertas con platos y bebidas frugales. • 5.1.- LA ESCUELA FLAMENCA: RUBENS (1577-1640) Valoraciones: o Dotado de un cerebro prodigioso para desenmarañar los problemas compositivos de un cuadro y fue un mago del color. o Considerado como el artista más culto de su tiempo o Considerado como un sagaz diplomático al servicio de la política exterior de España. o Creyó y sirvió al poder político, que le granjeó tantas amistades y éxistos. El poder político para él es sagrado y lo sirve con la opulencia de sus pinceles. Contribuyó como nadie a elevar a categoría divina seres humanos como los propios archiduques. Rubens constituye uno de los ejemplos más resonantes de arte para la propaganda. Vida: o Formación: Estudia Humanidades, entra como paje en casa de la condesa de Lalaing y cursa el aprendizaje artístico con Otto Venius. • De quien heredó los tipos humanos de formas corpulentas y grasientas.
  • 9. 9 En 1598 es ya un pintor independiente. Su formación la completa en Italia. • Hace escala en Roma, donde admira a Miguel Ángel, el Caravaggio y a los Carracci. • De Venecia adquiere el color, la pincelada amplia y sintética, el gusto por la mitología. o Producción: Casa con Isabel Brandt e inicia las gestiones inmobiliarias para edificar la casa-taller más emblemática del barroco europeo. • Un palacio con gabinete de antigüedades, amplio jardín y espacio suficiente para que viva su familia y trabajen sus colaboradores. Cerca de 3000 cuadros llevan actualmente el sello Rubens. Tal abundancia sólo es comprensible por la amplia cooperación de discípulos especializados, de modo que el lienzo pasaba, en cadena, por varias manos. Rubens firmaba los contratos, daba el boceto preparatorio, supervisaba el trabajo y cobraba. o Empresario: Empresario y gran organizador comercial, su participación en el cuadro dependía del dinero que le pagaban. De lo contrario, se limitaba a retocar el cuadro con su inimitable pincelada y ardiente colorido, o simplemente lo dejaba en el estado que lo habían dejado sus auxiliares. Más de cien aprendices llegó a tener a su cargo Estilo o Rubens dominó todos los procedimientos de la técnica pictórica, o Con idéntica maestría tocó todos los generos y temas, pero renovándolos o Su arte no ofrece variaciones. Formado tempranamente, mantiene las mismas características a lo largo de toda su existencia. o Su colorido es fogoso, caliente, muy veneciano. o Las composiciones se disponen orquestalmente. Un ritmo curvo, de torbellino, una composición diagonal da a los cuadros un dinamismo y grandiosidad sin límites. o Y allí reina el desnudo, el cuerpo de la mujer, pero de mujer madre, de carne blanda, esponjosa, grasienta y vibrante. o Pero si la rapidez y la grandilocuencia son el gran mérito de Rubens, al mismo tiempo son causa de su escasa dimensión espiritual. Obras: evolución: o Pintura religiosa Su trayectoria como pintor religioso se inicia con los trípticos de La elevación de la Cruz y El Descendimiento de Cristo Rubens representó los misterios evangélicos y exaltó los milagros de los santos modernos: • Ej.: San Ignacio y San Francisco Javier (1619) Su obra cumbre en el deseo de mostrar el poder del papado frente a la herejía protestante es El triunfo de la Eucaristía (1628) o Pintura áulica Otro tema importante en su producción ha sido el papel que tuvo como decorador de los grandes palacios europeos de la monarquía absoluta: • Galería de María de Medici en el Palacio de Luxemburgo o Rubens comienza por ilustrar en 21 cuadros la vida de la reina o El artista funde la historia con la mitología y convoca a la “Tres Parcas” que tejen el glorioso destino de la reina. • El salón de banquetes de Carlos I de Inglaterra, en su palacio de Whistehall • La Torre de la Parada de Felipe IV, en las cercanías de Madrid. o Pintura mitológica: En 1630. con 53 años se casa con Helena Fourment, de 16, que será la musa de sus composiciones mitológicas, probablemente los cuadros más conocidos de Rubens. Fruto de esta feliz etapa son los cuadros que se conserva en el museo del Prado, pintados entre 1638 y 1639, en los que aparece retratada su esposa: • El juicio de Paris • El Jardín del Amor • Las tres Gracias. Repercusiones: o La pintura de Rubens tuvo una gran difusión por toda Europa, gracias a la industrialización del taller.
  • 10. 10 o Igualmente divulgaron su arte los numerosísimos grabados que se hicieron de sus obras. o Tuvo infinidad de discípulos. o La influencia de Rubens no ha cesado. En el siglo XIX se hizo sentir en tendencias tan dispersas como el romanticismo o el Impresionismo. 5.2.- LA ESCUELA HOLANDESA: REMBRANDT Rembrand Herzoon van Rijn (1606-1669) Biografía o Es el gran intérprete de la sociedad burguesa holandesa. o Primer artista que no depende del mecenazgo de la corte o de la aristocracia, sino que vende sus productos en el mercado. o De orígenes modestos Su madre pertenece a una familia de panaderos y su padre explota un molino de malta a orillas del río Rijn. o Formación Cursa su formación pictórica con Pieter Lastman, que acababa de regresar de Roma y le enseña los secretos del tenebrismo caravaggiesco. Estilo: o Idealismo y subjetivismo Rembrandt supo dar a la poderosa intuición de la realidad propia de los holandeses, un delicado idealismo. Es un gran predicador de ideas generales. No es lo concreto lo que resalta en su obra, sino el sentido de lo universal. El método de Rembrandt no puede ser más cartesiano: del hecho analítico y positivo se eleva a lo general. • El buey desollado, la más genial naturaleza muerta que se haya pintado, evidencia este sentido idealista que logra infundir a una representación brutalmente realista. o Acuña un estilo propio en el que los contrastes de luz y sombra nunca serán tajantes, que envuelve sus figuras en penumbras graduadas, misteriosas y doradas. Por otra parte la imaginación poderosa de que estaba dotado, ofrece un gran contraste con el carácter realista holandés. Tiende Rembrandt a lo monócromo, pero hace brillar con todo fulgor los objetos metálicos en la oscuridad. Su soberbia condición de dibujante se aprecia en la abundante serie de grabados o Temas: La Biblia le ofreció toda clase de temas, pero los interpreta a su modo, con gran dosis de emotividad. • Para hacer más universal sus ideas viste a los personajes con trajes orientales, fantásticos las más de las veces. Retratos: • La serie principal de los cuadros de Rembrandt está integrada por retratos. • Los hizo individuales y colectivos • Ningún pintor ha pintado tantos autorretratos. o A través de ellos podemos apreciar el estudio de todos los problemas de la luz y las diversas expresiones del rostro de Rembrandt. Obras: evolución o Etapa de formación: Se realizó en Leyden, influyendo en él maestros muy italianizados, que le transmitieron el caravaggismo. o Segunda época: Amsterdam En 1632 se encuentra ya establecido en Ámsterdam, la ciudad más próspera de Holanda. • Casa con Saskia, hija del burgomaestre de Ámsterdam. La sociedad civil necesita grandes retratos colectivos para decorar las salas de sus respectivas corporaciones y Rembrandt realiza tres obras memorables: • La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp (1632)
  • 11. 11 • La Ronda de noche (1642) o Le habían encargado un doelenstukken, donde lo importante son los retratos. El compuso un cuadro de historia contemporánea, postergando el retrato en aras del conjunto. o Tercera época: ruina económica: Biografía: • En 1657: se arruina y se queda sin casa • A esto hay que añadir la muerte de Hendricke, la criada que gozara del amor de Rembrandt, y la de su hijo Titus. • Estas desgracias afectaron profundamente al pintor, cada vez más retraído. Estilo: • Su pintura se hacía progresivamente más profunda, espiritual y trascendente. • Y ante estas circunstancias busca la expresividad interior, la sustancia espiritual y moral e intenta retratar el alma de los personajes: • El claroscuro sigue siendo idéntico al de los años precedentes pero la pincelada se hace más suelta y el color es vibrante. Obras: • Los síndicos de los pañeros (1661) • Retratos: o El dominio y la evolución que Rembrandt alcanzó en este campo se sustancia en la cumplida galería de autorretratos que el artista realizó a lo largo de su vida y entre los que pintó a su hijo Tito y a sus dos mujeres, Saskia y Hendrickje. • Surgen entonces los cuadros melancólicos de sentida admiración por la época griega: o Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653) • Asuntos históricos de trágicas conmociones como La conspiración de Julius Civilis en la que éste incita a los bátavos a la rebelión. • Y escenas dramáticas como El buey abierto en canal en la puerta de una carnicería. o Repercusión de su obra: Rembrandt tuvo numerosos y valiosos discípulos que, fascinados por su manera de pintar, insistieron en los mismo temas, claroscuro y materia pictórica. 6.- LA ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA La arquitectura barroca española del siglo XVII Características generales de la arquitectura barroca española: o Durante el siglo XVII aún observamos una gran actividad artística a pesar de la quiebra económica. o Los impulsores de dicha actividad son la realeza y la Iglesia. Desde el último tercio del siglo XVII se percibe un gran impulso arquitectónico, que se acentuará en el siglo XVIII. o La arquitectura se distingue por una larguísima pervivencia del arte de la Contrarreforma, que llena los dos primeros tercios del siglo, detrás de los cuales viene una época en que el ornato no conoce límites. o Otra característica nacional es el escaso desarrollo del movimiento en plantas y alzados, prefiriéndose las líneas rectas a las curvas. o La fase ornamental se inicia en el último tercio del siglo XVII y dura todo el XVIII. o Materiales: Es evidente la pobreza de materiales. Salvo Galicia, que se distingue por su monumentales edificios de cantería, las demás regiones poseen una arquitectura de ladrillo, tapial y yeso. Las bóvedas son ordinariamente de yeso, compensándose su pobreza constructiva con la brillantez del ornamento. Urbanismo: o Las ciudades españolas del Barroco son esencialmente conventuales. o Transformaciones urbanas: Complemento de la arquitectura van a ser las transformaciones urbanísticas que experimentan las ciudades españolas.
  • 12. 12 Los ayuntamientos promulgan ordenanzas que velan por el ensanche y el alineamiento de las calles, la pavimentación del viario y el saneamiento del alcantarillado. El ennoblecimiento urbano sólo alcanzará su plenitud con la apertura, en el corazón del caserío, de la emblemática plaza mayor • Un espacio público de estructura rectangular, con soportales para resguardar de las inclemencias a comerciantes y compradores. • Los edificios de la Plaza Mayor son de tres plantas, con alzado uniforme y balcones de hierro, que los convierte en palcos para presenciar los espectáculos civiles y religiosos La primera plaza mayor que responde a estas características es la de Madrid, construida en 1619 por Juan Gómez de Mora. • A su imagen se levantarán otras en el territorio nacional y en los virreinatos americanos, cerrándose el ciclo barroco con la espléndida de Salamanca, encargada a Alberto de Churriguera en 1728 y terminada sesenta años después. Arquitectura eclesiástica: o Arquitectos frailes: Consecuentemente muchos de los arquitectos del siglo XVII van a ser frailes profesos de las órdenes o Plantas: Las plantas que conciben estos tracistas religiosos no son originales.Procedían del siglo anterior y se acomodan a los llamados modelos de salón y de cajón, por su estructura regular, carente del alabeo de muros que Bernini y Borromini habían impuesto a sus creaciones romanas. Iglesias de tipo “salón” • Propio de Castilla • Responde al templo cruciforme, con una única y amplia nave y capillas laterales entre contrafuertes interiores. Iglesias de tipo “cajón” • Se impone en Andalucía, consistente en un rectángulo perimetral. Ambas soluciones dejan paso a una descollante capilla mayor, visible desde todas las partes del templo. o Fachadas La sobriedad escurialense de estos edificios, de proporciones cúbicas y escasa altura, se proyecta también en las fachadas La del convento de San José de Ávila, realizada en 1608 por Francisco de Mora. La del monasterio de la Encarnación, de Madrid, diseñada en 1611 por fray Alberto de la Madre de Dios, van a servir de patrón universal para toda España. o Camarín: una habitación posterior al altar mayor, visible desde el interior del templo por medio de un vano, en el que se suele colocar la imagen que tenga la advocación del templo o la patrona de la ciudad. o Transparente: Otra particularidad es el transparente. Consiste en un vano que suministra luz al retablo o imagen principal directa o indirectamente. o Materiales: Utilización casi exclusiva del ladrillo y en las falsas cúpulas de la meseta castellana, denominadas “encamonadas”, que ofrecían la ventaja económica de fabricarse con madera y yeso. o Decoración: Ahora bien, la sencillez externa dejará paso durante el último tercio a una deslumbrante decoración interior, hasta el punto de convertirlas en espejeantes cuevas doradas. Esta corriente ornamentista recibirá el adjetivo de “castiza” frente a los palacios cortesanos borbónicos, de influencia francesa e italiana, que se construyen en Madrid, Aranjuez y la Granja. Arquitectura civil: o Arquitectos casticistas: Surge entonces una nómina excepcional de arquitectos y entalladores “casticistas” • Pedro de Ribera en Madrid. • Fernando de Casas Novoa en Santiago de Compostela • Jaime Bort en Murcia • Francisco Hurtado Izquierdo en Córdoba y Granada
  • 13. 13 • Las dinastías de los Churriguera en Salamanca, los Figueroa en Sevilla y los Tomé en Toledo. Todos fueron dueños de un exultante repertorio ornamental, traducido en las aparatosas portadas, que se conciben como retablos en piedra. • Esta “máscara” decorativa que velaba el rostro de la arquitectura, ha sido interpretada como una estrategia política para ocultar a las clases populares la postración política y económica en que se hallaba sumido el país. 7.- LA GRAN ÉPOCA DE LA IMAGINERÍA ESPAÑOLA Características generales: o Aislamiento: La escultura española del Barroco se nutrió de su propia sustancia, al vivir en un aislamiento voluntario, de espaldas a modelos y técnicas extranjeras. o Realismo: Ninguna nota caracteriza mejor a la escultura españolas que el realismo. Pero, para hacer más intensa esa realidad, se exacerban las acciones, de manera que la escultura se hace fundamentalmente expresivista. o Temas: La escultura barroca hispana es abrumadoramente religiosa. No hay prácticamente escultura civil. También es significativa la decadencia o casi desaparición de la escultura funeraria. o Materiales: Utilizó como material predilecto la madera, que reviste de fulgurante policromía. o Policromía: Casi todas las obras se hacen en madera policromada. Las esculturas se pintan por buenos artistas, que tratan de conseguir sobre la madera los mismos efectos que sobre el lienzo, es decir, las sombras, las matizaciones, etc. Todo ello con el fin de exaltar el naturalismo Se prefieren las encarnaciones mates, sin brillo, como más naturales. o Postizos: Se hacen ahora imágenes de vestir que, aunque conocidas anteriormente, tienen su gran época en los siglos XVII y XVIII. • Con ello el arte de los bordados encuentra un nuevo campo. • Se trabajan cuidadosamente las partes que quedan al descubierto (cabeza, manos y pies), se descuida lo demás, que viene a reducirse a un maniquí o armazón de carpintería La exaltación del realismo condujo al empleo de elementos postizos, ajenos a la auténtica escultura. • Ojos y lágrimas de pasta o cristal. • Coronas de espino o metálicas que pueden quitarse. • Espadas en torno al corazón de la Virgen que se hacen de plata, etc. Retablos o Características: Los retablos en el siglo XVII se hacen de gran monumentalidad, utilizándose en ellos figuras de bulto completo, lo que permite sacarlas en procesión. En estos retablos se ven las principales escenas de las vidas de Cristo y de la Virgen. En los retablos se propende a reducir los cuerpos, hasta finalizar en uno gigante. La columna salomónica es el soporte más socorrido por razón de su movimiento y la significación eucarística de su fronda. • Privó en la segunda mitad del siglo XVII. • En el siglo XVIII desaparece esta columna y se impone el estípite o Funciones: decoran como un gran telón escénico la mesa de altar. También tiene un valor como instrumento pedagógico de la liturgia • Dicha misión catequética tiene su complemento los días de la Semana Santa con los pasos de las diferentes cofradías. Pasos procesionales o Origen:
  • 14. 14 Los escultores trabajan ordinariamente para gremios y cofradías, entidades que rinden culto a la imágenes en el templo y en la calle. Fueron sobre todo las cofradías penitenciales las impulsoras de las procesiones y, por consiguiente, de las imágenes procesionales. Como en estas procesiones se exaltaban los distintos pasajes de la Pasión de Cristo, para hacerlo sentir más íntimamente se incorporaban al cortejo imágenes o grupos de ellas, componiendo alguna escena viviente, lo que se llama un paso (del latín passus, esto es, sufrimiento). Función • es el mejor vehículo para enseñar el drama del Calvario a una población iletrada. • Están persuadidos de que resulta mucho más fácil educar a través de la emoción y de los sentidos que por la vía de la razón. o Iconografía: Para ello exigieron a los imagineros un lenguaje claro, sencillo, fácilmente comprensible, y una interpretación realista La identificación llegó a ser tan grande que las imágenes sagradas adoptaron variantes regionales, condicionadas por el carácter de sus habitantes y el rigor del clima. Castilla: • La austeridad castellana forjó un tipo de crucificados patéticos y llagados, que exhiben en sus carnes el dramático suplicio de la pasión, y de Vírgenes transidas de dolor. Andalucía y Murcia: • Surgen Cristos apolíneos y Vírgenes adolescentes. • Se omite la sangre porque repugna a la sensibilidad mediterránea. o El gusto por lo aparente se traduce en el fastuoso aderezo que envuelve Nazarenos y Dolorosas, lo que explica la abundancia de maniquíes articulados de vestir, • Los murcianos añaden, además, los típicos productos de la huerta, servidos en vajilla y cristalería, componiendo un bodegón en el paso de La Cena de Salzillo. • A su vez, la escuela andaluza ofrece novedades en su vertiente occidental y oriental: o En Sevilla prima el carácter clásico y el amor por la belleza. Ejemplo: La cieguecita sevillana de Montañés, de tamaño natural. o En Granada gusto lo pequeño y preciosista. Ejemplo: La Concepción granadina de Alonso Cano 7.1.- LA ESCUELA CASTELLANA: GREGORIO FERNÁNDEZ Gregorio Fernández (1576-1636) Biografía o Es el maestro indiscutible del barroco castellano Formación: o Su educación artística se realizó en el taller de Francisco de Rincón. o También el influjo de Pompeyo Leoni, aunque acabará esfumándose ante el ímpetu arrollador de su patetismo místico. Estilo o Características: Caracteriza el estilo de Fernández el convencionalismo de los ropajes:. • Pero con ellos quería acentuar en la escultura el contraste lumínico (tenebrista) que distingue a la pintura en aquel momento. • Son telas pesadas, que se quiebran en plegados geométricos, recordando el arte hispanoflamenco Paños artificiosos que contrarresta con los postizos realistas que aplica a sus imágenes: ojo de cristal, dientes de marfil, uñas de asta y grumos de corcho para dar volumen a los coágulos de sangre. Estudia el cuerpo con gran atención. • El modelado aparece claramente expresado. o Sus obras están teñidas de patetismo, caracterizándose en su etapa de esplendor por el modelado blando del desnudo La excelente policromía de sus obras, donde predominan los tonos mates, robustece las huellas del dolor.
  • 15. 15 Es más, la pintura crea llagas, abre heridas y extiende regueros de sangre. o En su producción se advierten dos etapas: Una fase manierista, que alcanza hasta 1616 Un período de madurez, donde afianza el naturalismo. Producción: o Creador de tipos iconográficos: Modelo de Inmaculada y de la Piedad: • Dio forma definitiva en Castilla al modelo de la Inmaculada y al de la Virgen de la Piedad Modelo de Crucificado: • Los Crucificados se muestran serenos, sin contorsiones. • El paño de pureza vuela extensamente, formando arrugas como de papel. • Los dos Crucificados más descollantes son: o El Cristo de la Luz, o El Cristo de San Marcelo, de León, Modelo de flagelado • Atado a una columna baja y troncocónica. • Ej.: Cristo atado a la columna, de la cofradía del Azotamiento. Modelo de yacente: • Populariza el yacente exento, es decir, Cristo solo en el sepulcro, escena posterior a la del Entierro. • Reclina la cabeza encima de una almohada y reposa extendido sobre la sábana. • Cristo está como descansando, con los ojos entreabiertos. • El paño de pureza apenas cubre el cuerpo, demostrando Fernández el amor que profesaba al desnudo. • Este tipo iconográfico procede del siglo XVI. • Ej.: Yacente, de los Capuchinos de El Pardo. o Fue regalado por el rey en 1614 con el propósito de que los religiosos se convirtieran en directores espirituales del Real Sitio. o Pasos procesionales: Ninguno se conserva íntegro. El más alabado ha sido el del Descendimiento, de la iglesia de la Vera Cruz de Valladolid. • Constituye la más asombrosa composición escultórica de varias figuras en las tres dimensiones. o Retablos: El retablo de Fernández es de grandes dimensiones y horizontalista, teniendo estatuas dentro de hornacinas, modelo derivado del que proyectara Juan de Herrera para el monasterio de El Escorial. En ellos esculpió relieves, algunos gigantescos, que no consisten sino en figuras de bulto entero adheridas a un plano. Los retablos mayores de San Miguel de Vitoria y de la catedral de Plasencia son los más colosales del maestro. o Influencia: La actividad del taller y el prestigio de su estilo proyectó su influencia por el norte y el oeste español. De modo que puede decirse que ha sido el escultor español que mayor influjo haya suscitado jamás.
  • 16. 16 7.2.- LA ESCUELA ANDALUZA: JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS Y JUAN DE MESA EN SEVILLA; ALONSO CANO EN GRANADA La escuela sevillana: Juan Martínez Montañés y Juan de Mesa Juan Martínez Montañés (1568-1649) o Biografía: Es el imaginero español que gozó de mayor fama y respeto popular entre sus contemporáneos. Su amigo y policromador de sus obras fue el pintor, tratadista e influyente iconólogo Francisco Pacheco. Formación: • Durante sus primeros años permanece en Sevilla, • Más adelante pasó a Granada, continuando su formación en el taller de Pablo de Rojas. La influencia es incuestionable, pero sólo explica algunos caracteres del escultor. o Estilo: Su estilo es clásico e idealizado, propio del manierismo, a cuyos postulados jamás renunció. o Obras: Construyó retablos e imágenes para España y las Indias. Retablos: • Se muestra partidario de las estructuras arquitectónicas claras, gobernadas por el orden corintio y decoradas con ángeles y elementos vegetales. • Tipos: o Retablos mayores de composición rectangular, con grandes cajas para empotrar relieves e imágenes. Ej.: retablo de San Isidoro del Campo, en Santiponce. Retablo de San Miguel en Jerez de la Frontera. Retablo de Santa Clara de Sevilla: En el retablo mayor los relieves adquieren sencillez y grandeza, evitando lo accesorio. o Tabernáculos-hornacinas: Retablo de la cieguecita, en la catedral de Sevilla. Esculturas: • En la escultura definió los modelos del Niño Jesús y de la Inmaculada. • Niño Jesús (1606-1607) de la parroquia del Sagrario de la catedral de Sevilla o Montañés crea este tipo iconográfico, desnudo, bendiciendo, en actitud naturalista. o Se convertiría en su obra más repetida y universal, a juzgar por el gran número de copias en talla y vaciados en plomo que se hicieron para subvenir su demanda en España e Hispanoamérica. • La cieguecita (1629-31), catedral de Sevilla o A la inmaculada la concibe como una Virgen niña, que junta las manos en actitud de orar y descansa en una peana de querubines, guardando una composición trapezoidal. • El orgullo de Montañés llega a la cima en sus imágenes de la Pasión: o Cristo del Auxilio (1602), de la Merced de Lima. o Cristo de la Clemencia (1603), catedral de Sevilla La cara ofrece una serenidad admirable, muy clásica. Toda la talla emana emoción, sin recurrir a lo trágico. Las proporciones y el carácter escurridizo de la talla acercan esta pieza a los Cristos del Greco. o Nazareno de Jesús de la Pasión (1615) Es su única talla procesional. o Repercusión: A su muerte Montañés dejaba en marcha un gran taller y una extraordinaria fama. El mejor de sus discípulos fue Juan de Mesa. Juan de Mesa (1583-1627) o Biografía Mesa careció de notoriedad en su época y es un descubrimiento de la crítica posterior.
  • 17. 17 Se formó con Montañés, reflejando sus tipos y conceptos formales. Pero curiosamente influyó sobre su propio maestro. o Estilo Su gran aportación a la escultura andaluza es haber introducido el naturalismo en los ambientes clásicos donde se formó. Consultaba el natural y estudiaba los cadáveres, imprimiendo a sus crucificados los signos de la muerte. Este dramatismo suave en comparación con el castellano, pero agrio con respecto a Montañés, ha llevado a la crítica moderna a denominarlo “el imaginero del dolor”. • Concentra la emoción en la cabeza, tallada con virtuosismo, pero desatiende el resto del cuerpo. Mesa añade pocas exigencias económicas en el precio: 100 ducados cobraba por un Crucificado, frente a los 300 en que se cotizaba Montañés. Acuñó los tipos procesionales del Crucificado y Nazareno, que la Contrarreforma y el arte hispalense hicieron suyos, Sus grandes interpretaciones cristíferas aparecen firmadas con el detalle de una espina perforando la oreja y la ceja de Jesús. o Obras: Crucificados: • Cristo del Amor (1618) • Cristo de la conversión del Buen Ladrón (1619) • Cristo de la Buena Muerte (1620) • Cristo de la Agonía (1622). Parroquia de San Pedro de Vergara, Guipúzcoa. o Mesa no se adocena y en 1622 realiza su obra más personal y su crucificado más perfecto. o Un Cristo de grandes contrastes, entre la vida y la muerte, elevándose, está casi resucitado sin pasar por el sepulcro. Jesús del Gran poder (1620) de la basílica del gran poder. o Mesa aborda en 1620 su imagen devocional más famosa. o Un corpulento nazareno con la cruz al hombro, captado en el momento de dar una potente zancada y concebido para ser vestido con túnica de tela. o Aunque es imagen articulada de vestir, Mesa anatomizó el cuerpo, • Nuestra Señora de las Angustias. (1627) Iglesia de San Pablo, Córdoba La escuela granadina: Alonso Cano Granada o La escuela granadina tuvo en Alonso Cano su principal impulsor, pero antes del hay otros maestros entre los que sobresalen Pablo de Rojas.. Alonso Cano (1601-1667) o Biografía Hijo de un discreto retablista, que se desplaza de Granada a Sevilla en busca de mejores horizontes profesionales. Pasa su adolescencia en Sevilla donde curse el aprendizaje en el taller pictórico de Francisco Pacheco, siendo condiscípulo de Velázquez. Paralelamente desarrolla su formación escultórica en los círculos de Martínez Montañés. • Imita los tipos y técnica de éste en un principio, pero después huye del virtuosismo montañesino, prefiriendo los rasgos sintéticos. o Estilo Valoración: • Se aproximó al ideal polifacético del genio universal: fue arquitecto, escultor, pintor, dibujante excepcional. • Propende Cano a la creación de modelos geométricos, por lo común de perfil oval o de huso. Ojos, nariz y boca se someten a este mismo proceso de estilización idealista que prolonga los ideales del Renacimiento. Etapas: • Coinciden con sus estancias prolongadas en Sevilla, Madrid y Granada. • Etapa sevillana
  • 18. 18 o Retablo de Santa María, de Lebrija (1629), cuya imagen titular, la Virgen de la Oliva majestuosa e hierática. o Inicia la serie de creaciones marianas con silueta fusiforme, tan característica del maestro, y tan distintas en su composición de las trapezoidales de Montañés. • Etapa madrileña o En 1638 viaja a Madrid, y se incorpora al séquito del conde-duque de Olivares o Su actividad en la Corte fue esencialmente pictórica. o Realizó algunas piezas escultóricas: Niño Jesús de Pasión (1650) • Crea el tipo iconográfico del Niño Nazareno, con la cruz a cuestas en augurio de la Pasión. • Etapa granadina o En 1652 decide recibir órdenes sagradas y se traslada a Granada para ocupar una plaza de prebendado en el cabildo de su catedral. o Son sus años gloriosos como escultor. El último periodo de su vida es precisamente el más valioso de su producción escultórica. o El convento del Ángel Custodio le encarga las imágenes de tamaño mayor que el natural de San José con el Niño, San Antonio de Padua y San Diego de Alcalá o La catedral le encarga los bustos de Adán y Eva o Pero serán las figuras de pequeño tamaño donde lo bello se transforma en bonito, las que le dan fama posterior: La dulce Inmaculada realizada en 1656 para rematar el facistol del coro catedralicio, pero, al verla los canónigos la consideran tan preciosa que deciden trasladarla a la Sacristía. La Virgen de Belén, que reemplazó en el coro a la anterior. A esta escala pertenecen también : • San Diego de Alcalá • San Juan de Dios • San Antonio de Padua con el Niño Jesús (1666) 7.3.- LA ESCUELA MURCIANA: FRANCISCO SALZILLO La escuela murciana: o La escuela murciana del siglo XVII se inicia como una dependencia de la escuela de Granada. o Desde el Renacimiento estamos asistiendo a la presencia de artistas españoles en Italia, pero a la inversa no es asimismo infrecuente. o Así ocurrió con el napolitano Nicolás Salzillo, que se fijó en Murcia, donde fundó un taller escultórico. Su mérito principal es haber sido el maestro de su hijo Francisco Salzillo. Francisco Salzillo (1707-1783) o Valoración El mejor imaginero levantino Sus obras provocaron una sentida devoción popular..El arte de Salzillo era de un tierno naturalismo, gozando sus esculturas de enorme popularidad. Este artista introdujo en España el barroco italiano de las postrimerías del siglo. o Estilo Se forma con su padre, el escultor napolitano Nicolás Salzillo • De éste adquiere el encanto del sur de Italia, que funde en sus tallas con el naturalismo de los imagineros andaluces. • El resultado son figuras movidas y expresivas, dotadas de infinita gracia, con carnes aporcelanadas y brillantemente estofadas que pregonan la estética rococó Nadie le superó en virtuosismo técnico. o Obra: La producción de su taller fue cuantiosa casi dos mil piezas. Tocó todos los géneros, pero su éxito descansa en la espléndida serie de pasos procesionales y en su castizo Belén. Pasos procesionales:
  • 19. 19 • Aquí se muestra como un hábil escenógrafo en la composición, agrupando imágenes de talla con otras de vestir. • Salzillo creó los pasos de las procesiones murcianas, constituyendo grupos de varias figuras, escenas completas de la Pasión, al modo de la escuela de Valladolid y en oposición a los pasos andaluces de una sola imagen. • Ejemplos: o La Caída o La Oración en el Huerto o La Cena o El Prendimiento o Los Azotes • Los pueblos limítrofes reclaman su arte y Salzillo repetirá los modelos de la capital para las hermandades de Cartagena, Mula y Librillas. • La versatilidad del maestro en el campo de la imaginería procesional se manifiesta también en los pasos de una sola figura: o La Verónica o San Juan o La Dolorosa Pesebres: • La tradición del pesebre, portal o nacimiento se remonta a la Edad Media, pero en el siglo XVIII cobra en Nápoles un interés excepcional. • Cuando Carlos III viene de esta ciudad italiana a Madrid para ser nombrado rey de España se convierte en el principal agente de la introducción del belén en nuestro país. • Y Salzillo, hijo de un napolitano, en un reputado especialista • El Portal de Belén (1775-1783) o Salzillo modela 728 figuras en barro, de las que 456 son personajes y el resto animales, componiendo escenas evangélicas por las que desfilan sus vecinos murcianos, ataviados a la usanza de la época, atareados en sus faenas o divirtiéndose por la llegada de Dios recién nacido. 8.- LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA Características generales o Permeabilidad Frente a la escultura barroca, ensimismada en la tradición nacional, la pintura muestra una gran permeabilidad hacia la iluminación, el color, la técnica y los modelos extranjeros. o Modelos Italia y Flandes constituyen durante el siglo XVII el espejo donde el artista hispano se va a reflejar. o Corrientes: Dos corrientes van a imponerse en el llamado “Siglo de Oro” de la pintura española, que vienen a coincidir con las dos mitades de la centuria. En la primera mitad del XVII la moda viene marcada por el naturalismo tenebrista: • Los pintores imitan al Caravaggio. En la segunda mitad del siglo viene marcado por la síntesis que denominamos Realismo barroco: • el rico colorido y las composiciones teatrales flamencas se funden con la pincelada deshecha y suelta, que impuso Tiziano en su vejez, junto con los fulgurantes contraluces venecianos, que serán utilizadísimos en los rompimientos de gloria de la pintura religiosa. o Temática: Pintura religiosa: la Iglesia sigue siendo el principal cliente. • Dentro de los géneros religiosos destacan las monumentales series monásticas que encargan las órdenes religiosas para decorar los claustros de los conventos, los templos y las sacristías. • Continúa la tradición hispana del retablo casillero, con cajas para albergar lienzos que representan la vida de Cristo, la Virgen y los santos.
  • 20. 20 • Y surge en las capillas laterales el “gran cuadro de altar”, que ocupa todo el testero, en un intento por reducir a un episodio único la vida del héroe cristiano. Pintura mitológica: • En comparación con la religiosa, ésta apenas tuvo incidencia, salvo los encargos que hacen el rey y los aristócratas para decorar determinadas estancias de sus palacios, como pabellones de caza y bibliotecas. Otros géneros profanos: • Los géneros que gozan de mayor éxito serán el retrato y el bodegón. o Aunque el influjo flamenco domina, por lo común lo definen pocos objetos de un gran sentido plástico. o Hay razones para pensar que ciertos cuadros de bodegón expresan algo más sublime: una realidad simbólica, como en el caso de Zurbarán. • Paisajes: o No se da el paisaje puro, sino acompañando a figuras o un edificio, como la jardinería en los palacios reales. o Hay también escenas de caza o de picadero. o La vista de ciudades estaba de moda. o En cuanto al mar, falta la marina en sentido estricto, aunque hay combates navales. 8.1.- EL NATURALISMO TENEBRISTA: RIBERA Y ZURBARÁN José Ribera (1591-1652) o Valoración: Conocido en Italia con el apodo del “Spagnoleto”, debido a su pequeña estatura. Figura estelar de la pintura barroca europea. Contribuyó a forjar la escuela napolitana, que le reconoció como su maestro indiscutible. Sus obras alertaron en técnica y modelos iconográficos a los pintores locales. o Biografía Nació en Játiva (Valencia) Marchó tempranamente a Italia donde permaneció toda su vida, no deseando regresar. • Pese a ello su españolismo es patente. Añade a la firma de sus cuadros: spagnoleto, valenciano, español, hispanus, lo que prueba el orgulo con que mostraba su nacionalidad. Los principales clientes serán las instituciones religiosas napolitanas y los virreyes españoles, que le protegen. • Estos virreyes, para complacer al monarca, se esforzaron por remitir cuadros del pintor a España. • Gozó de la estima de los medios italianos. o Estilo: Variará desde el naturalismo tenebrista caravaggiesco hacia posiciones propias, donde sintetiza su idiosincrasia mediterránea con el color y la luz de Tiziano y de Rubens • Si Caravaggio alisa las superficies, Ribera las hace ásperas, se siente la piel y vibra la carne. Como buen tenebrista deja que sus figuras se recorten violentamente sobre un fondo oscuro. Pero donde da la luz, lucen brillantemente los colores, pues Ribera es un gran colorista. El dibujo acusa una gran maestría. Composición: • Para la composición siempre busca un motivo dominante, al que subordina todo. • Mostró escaso interés por el espacio en sus composiciones. • Compone austeramente, a la española, buscando un efecto de monumentalidad. Por eso no hallaremos en sus cuadros énfasis, sino la sencillez. o Temática: Predomina en él la pintura religiosa. • Ribera fue pintor de la Contrarreforma Su temática se enriquece con el tema mitológico, tan poco frecuente en España, y con la práctica del grabado, que dominó a la perfección. En la temática mitológica le interesaba la representación violenta.
  • 21. 21 Como buen español amó al naturalismo. Pobres y mendigos frecuentan los lienzos de Ribera. o Obras: evolución : En este pintor se halla una clara evolución: de la tenebrosidad y el plasticismo pasa a la luminosidad y a lo pintoresco, a la pincelada suelta y cargada de luz. Primera etapa: • Para el duque de Osuna pinta: o El martirio de San Bartolomé o San Jerónimo o San Pedro penitente o San Sebastián o Calvario • Para el sucesor del anterior, el duque de Alcalá: o La mujer barbuda o Sileno embriagado o Arquímedes Segunda etapa: • A partir de 1630 se inicia la disipación de tinieblas y el predominio de tonos plateados. • Pintura llena de luz, ejecutada con pincelada más suelta y menos pastosa. o Concepción, de las Agustinas de Salamanca (1635) • En 1635, bajo el virreinato del Conde de Monterrey Ribera abandona el tenebrismo, aclara la luz y se convierte en un colorista excepcional. o Inmaculada (1635) Esta imagen renovará el tema iconográfico de la Concepción en España e influirá sobre las imágenes de Murillo. • En 1637 firma un conjunto espectacular de lienzos, en los que simultanea los temas mitológicos y bíblicos: o Apolo desollando a Marsias o La bendición de Isaac a Jacob • Emprende la decoración de la cartuja napolitana de San Martino: • Entre tanto envía obras para las colecciones reales: o El sueño de Jacob (1639) o El martirio de San Felipe (1639) Francisco de Zurbarán (1598-1664) o Valoración Pintor de la misma generación que Velásquez, su programa coincide con el de este maestro en la pesquisa de la plástica escultórica y en el tenebrismo. Es el prototipo de pintor española que transmite a sus lienzos el mismo amor por los objetos cercanos e idéntica confianza en los seres celestiales. Por técnica y por estilo fue un “escultor de la pintura” Sus lienzos ilustran mejor que nada acerca de los ideales de la Contrarreforma y del intenso fervor de las órdenes religiosas o Formación: Aunque su arte vive y se desenvuelve en Sevilla, su arte flota aislado en aquella escuela. Se forma en Sevilla, trabajando regularmente desde 1626 a 1658, para la clientela hispalense y el mercado americano. Luego se refugia en Madrid hasta su muerte, empujado por el éxito arrollador del joven Murillo, que le roba prestigio y encargos. Con anterioridad Zurbarán ya había estado en la Corte, invitado por Velásquez, para participar en la decoración del Salón de Reinos, del palacio del Buen Retiro, donde pintó Los trabajos de Hércules (Prado) y Felipe IV lo nombró “pintor de su majestad. o Estilo: Siempre se movió dentro del naturalismo tenebrista del Caravaggio: • Con figuras muy plásticas de contorno dibujado y sombras robustas. Zurbarán ha usado los procedimientos ilusionistas de la pintura barroca: Pocas veces emplea el paisaje para escenario de sus lienzos. Por lo común la escena acontece en un ambiente cerrado, acotado por paredes que saben a papel. Composición:
  • 22. 22 • Diríase que ni siquiera compone, ya que las figuras se disponen en filas paralelas a la superficie del lienzo. • En cambio toda la atención se aplica a rostros y manos, que adquieren un enorme poder expresivo. No obstante, su primera estancia en Madrid le permite conocer las obras venecianas de la colección real, que aclaran su paleta. En la recta final esponjará también sus pinturas por infuencia de Murillo. Tuvo un gran taller, con numerosos aprendices y oficiales, sirviéndose para componer los cuadros de grabados alemanes, flamencos e italianos. o Obras: Zurbarán va a pasar a la historia como el pintor de los frailes, la vida monástica y la tela de los hábitos. • Realizó grandes ciclos para las órdenes religiosas En 1626 trabaja para los dominicos de San Pablo. • Realiza una serie de 21 lienzos, casi enteramente perdida. • Así inicia sus series monacales, que habían de constituir su especialidad. En 1628 Serie para la Merced Calzada. • Contiene diversos pasajes de la vida de San Pedro Nolasco. • Ejemplo: Visión de San Pedro Nolasco. En 1629 desarrolla cinco episodios de San Buenaventura para el Colegio franciscano del Santo. En 1630 pinta pinta para los jesuitas La visión del Beatro Alonso Rodríguez (Academia de San Fernando, Madrid) • Acierta a juntar, como hiciera antes el Greco, una doble escena de tierra y cielo. En 1631 firma la Apoteosis de Santo Tomás de Aquino, destinada al retablo mayor del colegio de la Orden de Predicadores. En 1634 fue llamado a la Corte, por medio de Velázquez, con objeto de formar parte en la ornamentación del Salón de Reinos. • Se sale de su temática habitual, para ofrecernos escenas de batallas y de mitología. • En el museo del Prado se conserva el lienzo que representa El Socorro de Cádiz: • En los lienzos que contienen Los trabajos de Hércules fue menos afortunado: o Este conjunto se destinó al Salón de Reinos del Buen Retiro y fue Velázquez el programador. No destacó Zurbarán en estos géneros y regresó a Sevilla, a seguir pintando monjes. • En 1638 contrata dos ciclos de absoluta madurez: o El de los Ciclo de los cartujos gaditanos de Jerez: También pertenecen a este conjunto La Virgen protectora de los cartujos (Museo de Posen) Son todos ellos de gran tamaño, donde la atención se dispersa o El Ciclo de los jerónimos de Guadalupe (1639): Guadalupe conserva íntegro en su emplazamiento original, el deslumbrante conjunto de la Capilla de San Jerónimo y los ocho lienzos de Venerables Jerónimos, que tapizan las paredes de su Sacristía. Se representan allí escenas místicas Ejemplos: • Visión de fray Pedro de Salamanca: • Milagro del padre Salmerón: A partir de 1640 el arte de Zurbarán decae. • Llega a dejarse influir por la pintura de Murillo, que trae una técnica blanda. • También le alcanza el influjo de Velázquez, de quien toma el ambiente vaporoso que envuelve a las figuras. • En estas obras finales menudean los temas de la Virgen, a la que representa como niña, ya sentada o en forma de Concepción. • En 1655 pinta para la Sacristía de la Cartuja sevillana: o La Virgen de Misericordia amparando a los Cartujos. o Enlmilagro de San Hugo en el refectorio. Este interés por los ciclos hará que Zurbarán cultive series evangélicas, bíblicas y profanas, integradas por doce y siete personajes, que habitualmente destinaba a su venta en las Indias:
  • 23. 23 • Son los doce apóstoles, las doce tribus de Israel, los doce trabajo de Hércules, los doce césares, los siete Infantes de Lara. • Quizás sus obras más conocidas en este campo iconográfico sean las santas-mártires, vestidas a la usanza de la época, que han sido interpretadas como “retratos a lo divino” de clientas con atributos religiosos. o Ejemplo Santa Casilda (Museo del Prado) 8.2.- EL REALISMO BARROCO: VELÁZQUEZ Y MURILLO Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) o Valoración: El genio más grande del arte español. Fue el supremo retratista, que abarcó todos los géneros pictóricos: el cuadro religioso, la fábula mitológica, el bodegón y el paisaje. En sus obras capta la naturaleza, la luz y el movimiento, interpretándolo con equilibrio y serenidad. El arte de Velázquez encaja perfectamente en el siglo XVII. • Agrupado en la misma generación de Zurbarán y Alonso Cano. • Esta generación tiene por pesquisa la plástica y la luz. • Pero Velázquez por su genio acaba rebasando las preocupaciones de esta generación, yendo más allá. o Biografía: El aprendizaje lo realiza en el taller de Francisco Pacheco, de quien se convertía en yerno al casarse en 1618 con su hija. En 1623 ocupa la plaza de pintor de cámara del rey Felipe IV. Realiza dos viajes a Italia: • El primero de estudios, en 1629, y cuyas experiencias reflejará en La fragua de Vulcano (Prado) • El segundo, veinte años después o Entonces retrata a su criado moro Juan de Pareja (Metropolitam Museum, Nueva York) y al pontífice Inocencio X, amigo de la política española, que supera a todos sus retratos anteriores en penetración psicológica. o Características generales del estilo: Angulo Iñiguez ha demostrado la paciente elaboración de sus cuadros, hechos sin prisa ni arrebatos. De otro lado la extraordinaria variedad, incluso dentro del mismo tema, demuestra la gran capacidad creadora del pintor. • Tocó todos los géneros Generalmente pintaba alla prima, sin dibujo previo. Pueden advertirse dos épocas: • Etapa sevillana de juventud y formación o Velázquez tuvo en Sevilla varios maestros. El principal de ellos Francisco Pacheco. • Etapa madrileña de absoluta madurez Etapa sevillana • Estilo: o Impregnado de tenebrismo caravaggiesco. o La imitación del natural la atestigua Francisco Pacheco o El color mate de madera de los cuadros sevillanos, así como algunas recetas de composición e iconografía es todo lo que Velázquez debe a Pacheco. o El color es terroso y las figuras presentan contornos muy precisos, que recuerdan en su plasticidad (dura plasticidad) las imágenes escultóricas labradas por Martínez Montañés. o También se caracteriza por las ricas calidades. • Temas: o Bodegones: En ellos cultiva Velázquez la pintura de interiores domésticos, con representaciones de almuerzos, conciertos musicales... Vieja friendo huevos El aguador de Sevilla
  • 24. 24 Algunas de estas obras tienen connotaciones religiosas, recibiendo el nombre de “bodegones a lo divino”: • Cristo en casa de Marta y María. • La Mulata • . • Aquí inicia Velázquez la tendencia de ligar en primer término con una escena de fondo. Hay en ellos un fondo melancólico, una triste y forzada sonrisa que revela el espíritu conmovido del pintor ante la pobreza. o Pintura sacra: Inmaculada • El tipo de Inmaculada deriva de Pacheco, aunque la faz está emparentada con modelos escultóricos de Montañés. San Juan en Patmos En sendas obras Velázquez abre la composición dejando intervenir al paisaje. Etapa madrileña: • En 1623 se establece en Madrid como retratista. • Cambios en el estilo. • Hacia 1630, tras familiarizarse con las pinturas venecianas de El Escorial y regresar de Italia, se advierte un cambio de rumbo en su estilo, o Velázquez ha descubierto que la luz, aparte de iluminar, le permite también captar el aire interpuesto entre las figuras y los objetos. Las formas pierden así precisión, pero los colores ganan en intensidad, comenzando a utilizar una gama de grises plateados en típica en su etapa madura. Por otro lado la pincelada va haciéndose fluida y espontánea, lo que lo convierte en un adelantado de la técnica impresionista, como se observa en la Villa Medici, pintados al aire libre. • Evolución de su estilo: o Durante estos años la fluidez de la pincelada se acreciente, lo mismo que la captación del aire, por lo cual busca Velázquez el paisaje con avidez o En su última etapa la paleta gana en profundidad y efectos pictóricos, haciéndose más impresionista. La paleta de Velázquez se hace completamente líquida, esfumándose la forma y logrando calidades insuperables. • Temas: o Retratos El retrato aislado será ocupación principal suya • Iniciará el cuadro de historia y la serie mitológica. • Los retratos responden a un tipo semejante, que no hace sino continuar el de Tiziano entre otros, con la particularidad de que la figura se destaca sobre un fondo más claro y se limita lo accesorio. • Aunque se mantiene la dureza del contorno de la fase sevillana, desaparece el tono madera bronceado y surgen pigmentaciones rosadas y blanquecinas. Retrató en varias ocasiones al rey, a la reina y al príncipe Baltasar Carlos. Hizo lo propio con el conde duque de Olivares Van a surgir ahora los retratos ecuestres: • Unas veces el caballo marcha al paso, pero otras se muestra más dinámico • Este tipo debe a Velázquez su imposición en España, aunque inspirándose en una serie de grabados. Retrato ecuestre de Felipe IV Retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos. La familia de Felipe IV (1656) • Conocida con el sobrenombre de Las meninas (palabra portuguesa por la que atendían las damas de palacio que acompañaban a las infantas), es un retrato múltiple, localizado
  • 25. 25 en el taller que los pintores de cámara tenían reservado en el Alcázar de Madrid. • Todos los personajes están dispuestos frontalmente. • Valoración: o Lafuente ha notado el efecto barroco de agrandar el lienzo con el artificio de mezclar lo que se ve con lo que no se ve, mediante el espejo. o En realidad lo que se ha pretendido es ejecutar un retrato colectivo de la familia real, pero sin caer en la vulgaridad. o Coloca a numerosas figuras sin que haya monotonía ni rigidez y sin pérdida de la unidad moral. o El nexo entre la realidad y la apariencia es el autorretrato de Velázquez. Efigió los bufones de la Corte con gran dignidad • Demócrito • El bufón calabacillas Y a artistas, políticos, militares, como el general Ambrosio de Spínola en La rendición de Breda (1634) • Con esta obra Velázquez supera a los demás pintores de batallas del Salón de Reinos. • El pintor desea escenificar la Concordia, efigiada mediante las dos figuras que se abrazan. • El ambiente alcanza gran profundidad y transparencia, equilibrándose las figuras y el medio. • Pintura mitológica o Los borrachos (1629, Prado). Aquí podemos observar cómo Velázquez aún estaba lejos de armonizar las figuras con el ambiente. o La fragua de Vulcano Significa una mayor aproximación al equilibrio entre figuras y ambiente. Representa el momento en que Apolo desciende del Olimpo a la mansión de Vulcano para informar a éste sobre la infidelidad de su esposa. Queda claro que lo que ha pretendido Velázquez es resaltar el choque psicológico. o Venus del Espejo Aborda el tema del desnudo femenino, tema prohibido en España. Expresa muy bien la reacción del espíritu moderno sobre el ideal clásico, ya que el modelo es la realidad. Sin embargo la pigmentación tiende a espiritualizar el desnudo. o Las hilanderas (1657) Desarrolla la fábula de Aracne, según la narración de Ovidio. Vuelve a tratar un asunto mitológico como si fuera una escena vulgar de género, desprovista de referencias heroicas y retóricas. En este cuadro se conjuntan dos escenas. En el fondo se representa el momento en que Palas levanta el brazo para castigar a Aracne, condenándola a convertirse en una araña. Es la obra más vaporosa y etérea de Velázquez. Pintura religiosa: • Cristo de San Plácido (1632) o Aquí se sirvió del Cristo de la Clemencia de Montañés, en lo referente al torso y la cabeza. Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) o Biografía Pertenece a la generación siguiente a Velázquez. Presenta diferencias biográficas: • Renunció a la Corte por vivir en Sevilla. • Tampoco visitó Italia, familiarizándose con el arte flamenco, genovés y veneciano a través de las pinturas colgadas en las iglesias y colecciones hipalenses.
  • 26. 26 • Hubo de ganarse la vida con la venta de sus obras. La sociedad le recompensó con la fama, aplaudiendo sus creaciones. Su celebridad traspasó fronteras, gracias a sus contactos con comerciantes flamencos que le encargaron para su exportación las amables representaciones de pilluelos callejeros: pintura profana hecha para burgueses. o Estilo: Los románticos extranjeros dividieron el estilo de Murillo en tres períodos: frío, cálido y vaporoso. Período frío (1646-1656) • Características: • Corresponde a su etapa juvenil. • Deriva de su admiración por Zurbarán. • Se caracteriza por: o Fuertes contrastes de luz o Precisión en el dibujo o Pincelada lisa. • Obras: o La serie del claustro chico del convento de la Casa Grande de San Francisco, de Sevilla, con milagros de la vida de San Diego de Alcalá es muy expresiva de esta etapa. o Virgen del Rosario con el Niño (Prado) o Sagrada Familia del pajarito (Prado) Período cálido: 1656-1668 • Se inicia con el San Antonio de la catedral de Sevilla. • Características: o Comienza a pintar gigantescos cuadros. o Incorpora efectos de contraluz venecianos que le inculca Herrera el Mozo, recién llegado de Italia. o El tenebrismo desaparece. o La pintura se hace suelta. o El colorido brillante. • Obras: o La serie de Santa María la Blanca y los lienzos del retablo mayor de los Capuchinos de Sevilla inician el tránsito hacia su final pictórico. Período vaporoso: 1669-1680 • Características: o El color se hace transparente y difuminado. • Obras: o Altares laterales del convento de los capuchinos (1669) (Bellas Artes de Sevilla) San Francisco abrazando al Crucificado. La Adoración de los pastores. Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna o Iglesia de la Caridad (1670-74) Pinta por encargo de don Miguel de Mañara las siete Obras de Misericordia, de cuya cofradía hospitalaria era hermano. o Inmaculadas: Hasta su fallecimiento, Murillo concentró su “gracia” pictórica en representaciones apoteósicas de la Inmaculada, vestida de celeste y blanco, con un trono de ángeles a los pies. Ejemplo. Inmaculada Soult (1678) • Fue encargado para uno de los altares laterales del Hospital sevillano de los Venerables, de donde requisa la pintura en 1813, el Mariscal Soult. o Representaciones infantiles: San Juanito y el Niño Jesús Los niños de la concha. San Juanito con el cordero. El Buen Pastor. o Representaciones profanas: El carácter afable de estos temas piadosos encuentra su correlato en el ámbito profano, con los lienzos de la Pinacoteca de Munich: Muchachos comiendo una empanada
  • 27. 27 Muchachos comiendo uvas Muchachos jugando a los dados Escenas callejeras, carentes de amargura, le convierten en un precursor del Rococó.
  • 28. 28