Histoire Des Courants Artistiques Complet

Histoire des courants artistiques

De la renaissance au 18e

Renaissance
L’homme devient la mesure de toute chose. L’époque est marquée par une recherche de l’idéal fondé sur le culte du beau.
En peinture, la recherche de la perspective et la notion de vérité psychologique deviennent essentielles. Les évolutions techniques permettent de nouveaux développements: les peintres se livrent des recherches sur la matière et la couleur (ex: recours au sfumato). La représentation du nu témoigne des préoccupations centrées sur l’humain.
En sculpture la recherche de naturalisme est omniprésente.

David DONATELLO Les 3 grâces RAPHAEL

Naissance de Vénus BOTICELLI

Renaissance
Le nu est peint pour lui-même, il devient sujet à part entière et expression esthétique. Le nu féminin est à la fois érotique et l'expression d'un idéal de beauté.
Les paysages prennent également de l'importance et sont réalisés pour leur valeur intrinsèque, surtout par les peintres des Flandres qui inaugurent une longue tradition.
Les allégories et les sujets mythologiques permettent à l'iconographie profane de se développer.
Le portrait existait déjà au Moyen Âge, de profil ; il se diffuse dans les milieux bourgeois de la Renaissance. Les portraits viennent agrémenter les galeries de palais et des châteaux de plaisance. Ils prennent de l'importance en taille et immortalisent les rois à cheval.
Cependant, l'art de la Renaissance continue aussi, comme au Moyen Âge, de représenter des thèmes catholiques. Jésus et sa mère, Marie, apparaissent dans les œuvres de Léonard de Vinci ou de Raphaël. Dans le domaine de la sculpture, les pietas sont des sujets privilégiés.

La Joconde de L. De Vinci Athènes de Platon de Raphaël

Maniérisme 1520-fin de siècle
Le maniérisme se caractérise par une grande recherche de la personnalité. Le goût de la déformation, de l’excès, de l’inquiétude , s’accompagne d’une véritable obsession du mouvement . On parle de « belle manière». Le maniérisme est indissociable d’expériences individuelles d’artistes possédant leur propre originalité . En ce sens, il s’agit d’un mouvement d’une grande modernité.
En peinture, un même mouvement antagoniste apparaît dans l’art pictural. Certains artistes privilégient les excès de raffinement ou l’exaltation des scènes pendant que d’autres aspirent à la simplicité .

Maniérisme 1520-fin de siècle
En réaction à la perfection atteinte durant la Haute Renaissance dans la représentation du corps humain et dans la maîtrise de l'art de la perspective, certains artistes, autour de Jules Romain et des élèves d'Andrea del Sarto, ont cherché à rompre délibérément avec l'exactitude des proportions, l'harmonie des couleurs ou la réalité de l'espace, de manière à atteindre un nouvel effet émotionnel et artistique.
C'est ainsi que l'on voit les œuvres maniéristes présenter :
un espace désuni,
une image trouble et obscure,
une déformation et une torsion des corps,
des tons acides et crus,
une recherche du mouvement.

Chapelle sixtine MICHEL ANGE La pieta MICHEL ANGE

Judith LE CORREGE Babel PIETER BRUEGEL

Arcimboldo

Baroque et classicisme 1563-1760
Le terme baroque vient du portugais « barroco » qui désigne les perles orientales de formes irrégulières (et par extension bizarre). Un sens nouveau du théâtre et de la fête se développe à l’époque. La volonté de persuasion passe désormais par la séduction des sens. L’art privilégie une accentuation des volumes et travaille les effets de dynamiques. La prolifération des formes et des lignes obliques accompagne l’exubérance des courbes et des contre-courbes .
En peinture, Le Caravage impose une révolution: les épisodes religieux sont racontés comme des évènements du quotidien avec un grand réalisme (force du clair obscur). Le goût du drame, la gravité et la majesté s’imposent.
En littérature, c'est le thème du double, du faux semblant qui prend sa place. Le thème de la chute est souvent évoqué, le goût du bizarre développé avec des fantômes, une obsession de la mort que l'on doit à la fin récente des guerres de religion en Europe.

Baroque
Ce mouvement se caractérise par les prédominances du thème du déséquilibre en sculpture, en peinture, en littérature et en musique.
Ceci s'explique par les récentes découvertes de Copernic et de Galilée, qui contestent le fait que la Terre soit le centre de l'univers et qui affirment qu'elle est ronde et qu'elle tourne autour du Soleil ; ces thèses contredisant l'idée couramment admise depuis des millénaires, une panique générale s'installe. On ne peut en effet avoir confiance en rien, tous les points de repères étant abolis.
Les guerres de religion ayant tout dévasté, de grands investissements sont faits pour reconstruire les bâtiments où s'exprime avec puissance l'incertitude baroque au travers d'une surcharge décorative et d'un goût prononcé pour le gigantisme .
Les thèmes récurrents sont : la peur de la mort , le thème de l'eau courante signifiant le temps qui passe , mais aussi en lien avec la mort symbolisée par l'eau chez les Grecs, Romains et Celtes, la chute qui entraîne la mort, la métaphore des sables mouvants, les sabliers et le temps qui passe, les formes rondes en référence aux perles de forme irrégulière, les reflets et la référence au mythe antique de Narcisse, les mises en abyme .

Magdalena DE LA TOUR

Conversion de St Paul CARAVAGE

Vieil homme REMBRANDT

Classicisme 1563-1760
Le classicisme c'est l'art des proportions , de la perspective, des mathématiques, du modelé par les ombres et des effets de raccourci qui complètent l'enseignement. Le style classicisme reflète une conception de l'"honnête homme", qui brille par son esprit et domine ses passions.
La peinture classique développe des sujets nobles à la gloire de l'action humaine . Les peintures d'histoire s'inspire de l'Antiquité, de la Bible, de la mythologie , de la poésie et de la littérature de l'époque. Les dessins domine la couleur, les formes sont précises et donnent un modelé ferme , parfois sculptural aux personnages. La technique du pinceau donne un rendu lisse à la surface. La peinture modérée et harmonieuse porte à la méditation et étudie les maîtres anciens pour exprimer la morale et par ailleurs le drame.

Classicisme
La raison et les règles
L'idéal classique est fondé sur deux valeurs universelles et fondamentales: l'ordre et la raison (synonyme de bon sens), qui définissent des codifications précises. La pensée doit être ordonnée et rigoureuse et ne doit pas s'écarter de ce qui est raisonnable et vraisemblable , et ce, au détriment du réalisme.
L'honnête homme
A cet idéal de beauté correspond un idéal humain : celui de l'honnête homme.
Homme de cour et homme du monde , il se doit de se montrer humble, courtois et cultivé mais aussi pouvoir s'adapter à son entourage.
Il possède des qualités sociales et excelle dans l'art de plaire.
Au nom de la nature, il refuse tout excès et sait dominer ses émotions.

Vue de Dleft VERMEER

Jeune fille à la perle VERMEER

Le géographe VERMEER

Versailles

Rococo
Le terme évoque les rocailles et les concrétions calcaires. Le style véhicule un goût affirmé pour l’intimité et l’intimité galante. L’élégance est privilégiée en même temps que l’idée de joie et bonheur. Le style se fait léger et raffiné , loin de la théâtralité propre au braque. Le rococo s’impose en France où les artistes sont fatigués de l’austérité du classicisme.
En peinture, le thème des fêtes galantes est particulièrement prisé. La joie de vivre représentée par Fragonard semble parfois factice. La peinture de Watteau compose une œuvre marquée par le mystère et la délicatesse.

Les bergers WATTEAU

Rococo
Caractéristiques
Art du plaisir
Reflet d'une société préservée cultivant les loisirs
Art ostentatoire
Inspiré de l'empirisme Instantanéité (tout est esquissé)
Condensé de sensations fugitives
Symbole de la jouissance et du luxe
Surenchère dans la décoration
Aucune dimension spirituelle (art gratuit)
Inspiration exotique (Chine, Turquie)
Pas de règles
Éclatement de toutes formes de structures
Art érotique
Souvent thèmes champêtres

FRAGONARD

19e siècle

Néoclassicisme
Après le Rococo et sa sensualité exacerbée, le néoclassicisme exalte la grandeur et la force. La beauté rencontre la vertu. Les artistes puisent leur inspiration dans l’Antiquité qu’ils réinterprètent selon leurs canons. L’archéologie connaît un mouvement sans précédent. Des valeurs telles que l’héroïsme, la raison sont célébrés à travers des sujets moraux.
En peinture, le rejet des scènes galantes et futiles est manifeste. L’art pictural se veut sobre, éloquente et exemplative. Jacques Louis David fait office de précurseur dans cette nouvelle approche. La palette chromatique est volontairement limitée pour affirmer la volonté de précision et de grandeur des figures représentées.
Artistes: David, Gros, Ingres, Gérome…

Néoclassicisme
Les principales caractéristiques
Orthogonalité générale du tableau
Thème moralisateur, souvent propagandiste (particulièrement sous Napoléon)
Mise en avant des valeurs civiques
Thèmes inspirés par l'antiquité grecque et romaine
Couleur locale destinée à séparer les groupes de personnages
Compositions souvent dichotomiques
Utilisation de la lumière en coup de phare
Perte du superflu

Le serment des Horaces DAVID

Napoléon à Eylau GROS

Romantisme
Le romantisme (apogée en 1824, fin vers 1850) se caractérise par la prédominance de la sensibilité et de l’imagination sur la raison . La passion et l’intuition guide la démarche artistique. La vérité prime sur l’aspect collectif. La sensibilité tourmentée s’exprime de manière lyrique . Le trait est rejeté au profit du pictural.
En peinture, l’exaltation du moi est un trait essentiel du romantisme. Le courant se distingue par une homogénéité de l’œuvre contrairement au néoclassicisme. La couleur devient expression à part entière tandis que l’image de l’homme se fait solitaire et tragique .
Le romantisme se caractérise par une volonté d'explorer toutes les possibilités de l'art afin d'exprimer les extases et les tourments du cœur et de l'âme : il est ainsi une réaction du sentiment contre la raison, exaltant le mystère et le fantastique et cherchant l'évasion et le ravissement dans le rêve, le morbide et le sublime, l'exotisme et le passé.
Artistes: Delacroix, Géricault, Turner, Goya, Burnes Jones…

Romantisme
L'homme devient une âme ; le corps perd son importance. La souffrance physique n'est plus un sujet de tragédie : Philoctète, Prométhée font place aux damnés de Dante, qui souffrent dans une chair indestructible et mystique. L'amour se dépouille si bien des sens qu'il devient parfois chimérique : c'est l'union et l'aspiration mutuelle de deux âmes à travers le temps, à travers l'espace, à travers la mort.
La nature extérieure change d'aspect : elle est, comme l'homme, plus troublée, plus inquiète ; il y voit un reflet de son âme ; il la peuple, non plus de divinités occupées chacune de leur petit domaine, mais de puissances amies ou malfaisantes, de génies bons ou mauvais, fées, elfes, sylphes, gnomes, etc., personnifications variées du bon et du mauvais principe qui se disputent le monde.
Ainsi, partout l'âme au lieu des sens, donnant aux choses leur prix , et partout des agents libres, substitués à la fatalité : tel est le grand sens de cette révolution intellectuelle issue du christianisme et du génie des peuples celto-romans et germaniques.

Friedrich, Le voyageur au-dessus de la mer de nuages ,

La liberté guidant le peuple DELACROIX

Le Radeau de la Méduse GERICAULT

BURN JONES

TURNER

Réalisme
Le réalisme (1850-fin du siècle) se place sous le signe de la réalité immédiate. Dès lors, les artistes partent du postulat que le vrai correspond au beau. La vie laborieuse devient un sujet de prédilection. L’apparition de la photographie n’est pas sans conséquence sur le travail des peintres. En même temps, la science et le positivisme influencent le monde artistique. Le réalisme démocratique possède également une portée politique. Cette fascination pour le réel passe aussi par le témoignage social.
En peinture, pour la 1ere fois, le format de la peinture d’histoire est utilisée pour les scènes de la vie quotidienne. La peinture de paysage se développe avec l’école de Barbizon. La fascination pour le réel constitue une marque de modernité. Le déjeuner sur l’herbe de Manet fait scandale.
Artistes: Rodin, Manet, Courbet, Degas…

Déjeuner sur l’herbe MANET

Un enterrement à Ornans COURBET

COURBET

Impressionnisme
Le courant impressionniste naît de la rencontre de peintres à Paris vers 1860.
L' impressionnisme est une école picturale française qui marqua la rupture de l'art moderne avec l'académisme. Tendance générale, en art, à noter les impressions fugitives , la mobilité des phénomènes plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses .
Le style impressionniste repose sur la vérité optique. Pour mieux appréhender cette sensation, les peintres brisent le carcan du travail en atelier et plantent aussi leur chevalet en plein air. Dès lors, la liberté de l’émotion naît de l’observation de la nature. A ce titre, l’influence d’un Turner est manifeste.
L’attrait pour le fugace s’accompagne de l’intérêt pour la lumière qui devient le véritable sujet du tableau et offre une palette de variations infinies. Par conséquent le sujet se fait évanescent et impalpable. L’influence des estampes japonaises est nette. Le nu féminin est un sujet de prédilection qui exalte la sensualité.
Artistes: Renoir, Monet, Sisley, Pissaro…

Le moulin de la galette RENOIR

Néo-impressionnisme
Le néo-impressionnisme s’inscrit dans le prolongement de l’impressionnisme. Le divisionnisme se fait démarche scientifique rigoureuse et va jusqu’au pointillisme.
La sensation spontanée fait place à une démarche intellectuelle qui s’attache à rendre le mélange optique des couleurs. Dès lors, l’art rencontre la science et développe une approche quasi-mathématique de la technique picturale.
Artistes: Seurat, Signac…

SEURAT

Peintres « hors courants »
Il existe un certain nombre de peintres inclassables:
Van Gogh s’inscrit dans le mouvement impressionniste avant de développer une création personnelle qui annonce l’expressionnisme.
Gauguin expose chez les impressionnistes également mais se distingue par sa technique du cloisonnisme. Une fois installé à Tahiti, il se fait le peintre des peuples primitifs à travers des œuvres tout en sensualité et en douceur artistique.
Cézanne intègre :les données impressionnistes pour construire une œuvre à partir des formes.
Munch annonce l’expressionnisme par l’exploitation des thèmes de l’angoisse et la solitude.

Les Soleils VAN GOGH

Gauguin

CEZANNE

Le cri MUNSCH

Symbolisme
Le symbolisme est un art d’évanescence né en France en 1880. Son ancrage littéraire est fort mais il touche aussi la musique, la peinture ou la sculpture. Il privilégie les scènes mythologiques et recourt à l’utilisation de l’or pour exprimer le mystère et le mysticisme . L’onirisme est à la base d’un art qui explore le moi.
En peinture, c’est la transcription formelle d’un courant intellectuel et littéraire, qui explore le rêve, l’imaginaire, la magie ou la mort .
Les préraphaelites ambitionnent de revenir à la première Renaissance italienne: le style est minutieux et les couleurs se font plus éclatantes.
Artistes: Moreau, Khnopff, Burn-Jones, Baudelaire, Mallarmé, Debussy…

Symbolisme
Critères
L’ attente d'on ne sait quoi.
Le thème funéraire est présent, mais jamais présenté comme une solution immédiate.
L’ endormissement , la princesse endormie. Mais aussi la nature endormie, il y a très peu de célébrations printanières.
Les demi-tons, les demi-teintes.
Le silence , le mutisme. Le silence est une vertu en soi, il porte en lui la promesse de retour de l’ange, du messager.
La mélancolie .
Il ne faut pas s’arrêter à l’apparence, simple relais vers l’au-delà.
Désir d’ altérité , d’autre chose.
Allusions à la religiosité.

L’apparition MOREAU BURN JONES

KHNOPFF

Fauvisme
Le courant fauvisme (fin 19e début 20e) se fait nommer ainsi par un critique qui compare leurs tableaux à ceux de bêtes sauvages . Les artistes refusent l’imitation servile de la réalité et privilégient le processus de création et l’expression de leurs sentiments .
La peinture fauviste favorise une simplification des moyens et abandonne la perspective illusionniste . Elle emploie des couleurs fortes et pures . L’expression du moi et au cœur de la démarche et favorise au contraire de l’expressionnisme, la joie et la volupté à travers une palette chromatique chaude.
Artistes: Matisse, Dufy, Derain…

MATISSE

Musique MATISSE

Expressionnisme
Le courant apparu à la fin du 19e siècle, privilégie la révélation des émotions personnelles. Son influence sur le cinéma est déterminante.
Les figures représentées sont soumises à des déformations formelles qui expriment leurs émotions. La couleur s’impose pour sa force évocatrice alors que le trait bascule parfois dans la caricature. L’expression du mal-être personnel rencontre les angoisses d’une époque.
Artistes: Schiele, Kirchner, De Vlaminck…

L'expressionnisme
L'expressionnisme est la projection d'une subjectivité qui tend à déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle . Les représentations sont souvent basées sur des visions angoissantes, déformant et stylisant la réalité pour atteindre la plus grande intensité expressive. Celles-ci sont le reflet de la vision pessimiste que les expressionnistes ont de leur époque, hantée par la menace de la Première Guerre mondiale. Les œuvres expressionnistes mettent souvent en scène des symboles , influencées par la psychanalyse naissante et les recherches du symbolisme.
Au début du XXe, ce mouvement profondément ancré dans l'Europe du Nord (en particulier l'Allemagne) est une réaction à l'impressionnisme français . Alors que l'impressionnisme en est encore à décrire la réalité physique, l'expressionnisme lui ne s'attache plus à cette réalité et la soumet aux états d'âme de l'artiste.L'expressionnisme rompt aussi avec l'impressionnisme à travers une forme très agressive : des couleurs violentes, des lignes acérées . Il s'inscrit alors dans la continuité du fauvisme qui commence à s'épuiser. Pour autant l'expressionnisme n'est pas vraiment un mouvement ou une école mais davantage une réaction contre l'académisme et la société et les artistes expressionnistes resteront souvent isolés.

Autoportrait SCHIELE

KIRCHNER

Art nouveau
La fin du 19e s’accompagne d’une réaction contre le rationalisme. La courbe et la contre courbe s’imposent en rappelant les formes des végétaux. Selon les pays, le style de l’époque porte des noms différents: Art nouveau en France et en Belgique, Sezessionstil en Autriche, Modern Style en Angleterre, Liberty en Italie, Modernisto en Espagne.
C’est en architecture que se développe le plus le style: le fer s’impose en épousant la pierre, le bois ou la brique. Partout règne la courbe qui confère à l’architecture un modèle exubérant et dynamique.
Artistes: Klimt, Horta, Mucha…

L'Art nouveau
L'Art nouveau est le fait d'une génération d'artistes qui sortent de leur tour d'ivoire pour prendre en main le décor de la vie et couper avec l'exploitation des styles du passé afin de proposer une alternative à un historicisme officiel qui empêche le renouveau des formes .
C'est dans cette optique que les anciens matériaux comme le bois, la pierre ont été élégamment mariés avec les nouveaux comme l'acier, le verre . Pour chacun d'eux, des artistes ont poussé leurs recherches à l'extrême pour en tirer le meilleur. C'est ainsi que les pâtes de verres multicouches, les rampes d'escalier à entrelacs de ferronneries, les meubles aux ondulations de bois ont permis de mettre l'art à disposition de tous pour un coût abordable tout en gardant une volonté d'innovation formelle, inspirée de la nature.
En effet, les motifs habituellement représentés sont des fleurs, des plantes, des arbres, des insectes ou des animaux , ce qui permettait non seulement de faire entrer le beau dans les habitations mais aussi de faire prendre conscience de l'esthétique dans la nature .
L'utilisation de l'acier a aussi permis l'évolution architecturale des immeubles de plus en plus hauts pour réaliser enfin des gratte-ciel.

20e siècle Le 20e siècle accélère l’éclatement des genres et des styles. Désir de liberté, rejet des groupes, affirmation de l’individualisme, industrialisation et commercialisation… L’art se confronte à ses contradictions.

Cubisme
Il se développe à partir de 1908 sous l’impulsion de Braque et Picasso.
Le cubisme s’inspire des préceptes de Paul Cézanne qui voyait dans la nature un assemblage de formes. Les artistes cubistes s’attachent à rendre le point de vue en trois dimensions . La figure se fragmente jusqu’à définir une nouvelle création, reposant sur la démarche intellectuelle de l’artiste.
Les artistes brisent les carcans entre les différentes disciplines: collage, matérialité…
Artistes: Picasso, Braque, Gris…

Les demoiselles d’Avignon PICASSO

BRAQUE

Futurisme
Le manifeste est publié en 1909: les artistes se présentent tournés vers l’avenir . Ils exaltent le côté révolutionnaire . Certains développent des slogans nationalistes qui annoncent leur rapprochement avec le fascisme.
Les peintures recourent au divisionnisme et au couleurs fauves. Elles intègrent aussi les fragmentations cubistes. La ville est une préoccupation centrale . L’ambition des artistes est de développer une peinture complète qui s’adresserait à tous les sens.
Artistes: Balla, Boccioni, Severini…

BOCCIONI

Art abstrait & abstraction géométrique
L’art abstrait ne cherche pas à rendre une reproduction réaliste d’un modèle, mais à se libérer des objets extérieurs et ambitionne de rendre l’essence et l’esprit de création.
Artistes: Kandinsky, Arp…
L’abstraction géométrique se distingue par son approche rationnelle. Les artistes russes qualifiés de constructivistes visent la sensation et rejettent la représentation. Aux Pays bas, le groupe DE Stijl aspirent à l’universalité à travers des créations obéissant à des règles géomètriques très strictes.
Artistes: Malevitch, Von Doesburg, Mondrian…

KANDINSKY

Composition MONDRIAN MALEVITCH

Art déco & Bauhaus
Les années 20 marquent l’âge d’or des arts décoratifs et de l’architecture. Le style peut paraître confus mais véhicule des lignes forces: exostisme, féminité, opposition des courbes et des lignes droites, recherche de l’élégance.
Artistes: Cassandre (peinture), Van Alen (architecture)…
Le Bauhaus fondé en 1919, ambitionne de rétablir l’harmonie entre les différentes formes d’art. L’école du design entend abattre les cloisons qui séparent l’art de l’artisanat.
Artistes: Gropius, Muche…

CASSANDRE

GROPIUS

Surréalisme & Dadaisme
Le courant surréaliste apparaît après la 1ere Guerre mondiale. La foi en la raison chancelle du fait des horreurs engendrés par la guerre. Ce courant s’intéresse à la dimension du rêve et des sentiments refoulés.
En peinture, les techniques utilisées sont diverses: frottage, grattage, rythmique oniriques (Miro), technique académique (Dali, Magritte).Le parti de la distance et de la mise en scène des métamorphoses est important.
Artistes: Magritte, Dali, Miro, Delvaux…
Le premier groupe dadaïste est créé en 1914 et constitue une réponse à l’absurdité du monde. Il véhicule une volonté critique et recourt à la pauvreté des moyens. Les artistes posent la question de la nature et de la fonction de l’art. L’ironie fait souvent partie de la démarche.
Artistes: Arp, Duchamp, Tzara…

Surréalisme
Le surréalisme trouve son origine dans de multiples démarches artistiques de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Breton, auteur du manifeste du surréalisme, fut particulièrement influencé par son essai Le rêve et son interprétation , paru en 1900. Il en a retiré la conviction du lien profond unissant le monde réel et le monde sensible des rêves. L'analogie entre le rêveur et le poète, déjà présente chez Baudelaire, est dépassée : Breton considère le surréalisme comme une recherche de l'union de ces deux concepts si souvent opposés que sont le réel et l'imaginaire, comme le montre cette phrase tirée du Premier Manifeste du Surréalisme (1924) « Je crois à la résolution future de ces deux états, en apparence si contradictoires, que sont le rêve et la réalité, en une sorte de réalité absolue.
En outre, l'expérimentation surréaliste fait appel à des techniques de création (écriture automatique, sommeil hypnotique, « cadavre exquis », écriture collective, prise de drogues hallucinogènes) qui rendent inopérants les critères esthétiques traditionnels : la « poésie » est ici avant tout moyen de connaissance de la réalité et du psychisme, et si la « beauté » en résulte, c'est comme produit d'une activité inconsciente occultée par des siècles de rationalisme.

MAGRITTE

Pop art & Art cinétique
Né en Angleterre au milieu du 20e siècle, le Pop art se développe aux Etats-Unis et entreprend de magnifier l’objet commun. Le simple objet ou la figure médiatique est agrandi, répété en série ou bénéficie d’une mise en couleur variée. La bande dessinée entre dans la peinture par Lichtenstein.
Artistes: Hockney, Warhol, Lichtenstein…
Art cinétique (naissance dans les années 20): les artistes rejette l’idée que seule l’œuvre statique puisse être qualifié d’art. Au contraire, ils estiment que le rythme saisi dans l’instant fait partie intégrante de l’œuvre d’art.
Artistes: Calder, Tinguely…

WARHOL

Lichtenstein

CALDER

Land art et Hyperréalisme
L’artiste utilise dans le land art le paysage comme matériau pour créer son oeuvre. Dès lors, celle-ci est appelé à être éphémère. La photo constitue la trace pérenne de l’œuvre.
Artistes: Christo, Long…
L’Hyperréalisme constitue la forme la plus extrême du réalisme. Les créations de ce courant, ne sont pas exemptes de volonté critique.
Artistes: Hanson…

CHRISTO

HANSON

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Histoire Des Courants Artistiques Complet

by Signlighter on Dec 20, 2008

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