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  • 1. CINE-CLUB CHAPLIN CUENCA TEMPORADA XL: 2010-2011 PROGRAMACIÓN 2º TRIMESTRE 2011
  • 2. Sesiones del Cine-Club Las sesiones del Cine-Club Chaplin se celebran en Multici-nes Cuenca (Sala Cuatro) todos los miércoles de la temporada. Estasproyecciones están reservadas a socios del Cine-Club Chaplin, exclu-sivamente. Es imprescindible presentar el carnet de socio y la tarjetaanual correspondiente. Rogamos la máxima colaboración de todos lossocios para evitar situaciones molestas. Cada miércoles habrá tres sesiones, que comenzarán pun-tualmente a las 17, 19.30 y 22 horas. No habrá sesión el miércoles santo, día 20 de abril. A cau-sa de la festividad de la Virgen de la Luz, la sesión correspondien-te al miércoles, 1 de junio, se traslada al jueves, día 2. Como es ha-bitual en nuestra programación, la última sesión de la temporada, el15 de junio, está formada por un programa doble, con una película ac-tual y otra clásica.Socios del Cine-Club Para ingresar en el Cine-Club Chaplin se requiere ser mayorde edad (18 años) y cumplir las obligaciones sociales. La inscripción quedará formalizada mediante el abono deuna cuota de ingreso de 12 euros. La cuota anual es de 50 euros, pagaderos por adelantado,bien mediante la domiciliación bancaria o mediante cobro a domicilio.Una vez abonada la cuota, el socio obtendrá la tarjeta numerada conla que podrá acceder a las sesiones semanales. El impago de la cuota durante los primeros 15 días de la tem-porada presupone la renuncia del socio a continuar ejerciendo susderechos y, por tanto, se producirá la baja inmediata en el Cine-Club.Recomendaciones Las sesiones del Cine-Club deberían tener un carácter espe-cial en el cuidado de algunos detalles, tales como el silencio que debemantenerse durante las proyecciones, el respeto a la proyección ínte-gra (incluyendo los títulos de crédito finales, la audición total de la ban-da sonora, etc.), evitar en lo posible comer palomitas, no hacer en vozalta ruidos o comentarios que puedan molestar al resto de socios, etc. Igualmente se ruega la máxima puntualidad y una total cola-boración para evitar molestias a los socios que sí ocupan su butacaantes de que se apaguen las luces. Teniendo en cuenta la capacidad de la sala y la afluencia me-dia de socios a las sesiones, rogamos que se ocupen todas las buta-cas, no dejando algunas vacías y menos aún ocupándolas para de-jar bolsos, abrigos, etc.
  • 3. 6 de abril 2011 Sesión número 1349 NOTHING PERSONALDirectora: Urszula Antoniak Actores: Stephen(2009). Nacionalidad: Rea (Martin), LotteHolanda, Irlanda. Verbeek (Anne)Producción: Reinier Seleny Edwin Van Meurs. Duración: 85 minutosGuión: Urszula Antoniak. Versión original conFotografía: Daniel Bouquet. subtítulos en españolDiseño de producción: JaneEnglish. Música: Ethan Rose. Premios en el festival deMontaje: Nathalie Alonso Locarno: mejor ópera prima,Casable mejor actriz (Lotte Verbeek); premios en Marruecos, Sevilla, Holanda.Una joven y rebelde holandesa recorre los caminos de Irlanda,convirtiéndose en vagabunda por elección y disfrutando de lasoledad que buscaba en el austero paisaje de Connemara. Ensu camino se encuentra con un hombre maduro que vive soloen una casa apartada en una isla maravillosa y le ofrece traba-jo. Ella acepta con una condición: no habrá nada personal, sólotrabajo.
  • 4. Toda ópera prima tiene siempre un componente añadidoen el que se combinan varios ingredientes; para muchos,posiblemente, una esperaza; para algunos, quizá, algo dedesconfianza; para todos (o casi todos), curiosidad. Ocurreen todos los sistemas creativos y el cine no es ajeno a estarealidad. Sabemos muy bien que, en bastantes ocasiones,esa primera película a la que asistimos (con curiosidad,interés o desconfianza) no tiene continuidad y el nombreque la firma está condenado a desaparecer en el futuro,pero también es cierto que todo artista consagrado tuvosiempre una primera vez. Sirvan estas someras observa-ciones para introducir a Urszula Antoniak, polaca de naci-miento, con una eficaz trayectoria previa en el mundo dela televisión, en el que trabajó tras graduarse y especiali-zarse en las Escuelas de Cine de Polonia y Holanda. De suocupación profesional en TV quedan, aparte programasgeneralistas, dos telefilms, Nederlands voor Beginners (2007)y Bijlmer Odysee (2004), ambos realizados en Holanda, dedonde procede también su primera película para cine, laque hoy nos visita, aunque ambientada en el otro país co-productor, Irlanda. El esquema argumental es bastante ex-plícito y también nos aporta otra pista la lectura del repar-to, en el que solo aparecen dos nombres, el de un actor yaconocido, Stephen Rea junto a una totalmente desconoci-da actriz, Lotte Verbeek que, sin embargo, es uno de losgrandes hallazgos de esta película, por su muy convincen-te interpretación, que se ha reflejado en varios premios in-ternacionales. Sobre ellos dos recae por completo el desa-rrollo de la acción, que contrapone en una situación hastacierto punto límite a dos personajes casualmente encon-trados y cuyos esquemas vitales resultan contrapuestos, almenos en unas posiciones de partida. Como es lógico, laevolución de ideas, pensamientos y sentimientos forma elsustrato sobre el que estos dos seres van a desenvolver surelación. Un aspecto interesante, que la crítica ha señala-do de manera coincidente, es que encontramos a estas dospersonas ya en la situación actual, sin que se nos propor-cionan demasiados datos (en realidad, casi ninguno) sobresu vida anterior; ni siquiera sabemos por qué Anne aban-donó su país natal, Holanda, para estar deambulando porIrlanda; tampoco sabemos por qué Martin vive igualmen-te solo, en medio del campo; de ambas soledades vividasde manera consciente y voluntaria apenas si recibiremosunas levísimas sugerencias (ella está herida por una rela-ción anterior, él está enfermo), algo buscado por la directo-ra que confiesa: “No me gustan las películas que intentan des-cribir complejas motivaciones humanas a través de la psicologíade los personajes. En la vida real, más que saber, adivinamos quées lo que mueve a la gente. ¿Cuánto necesitamos saber de la gen-te para fiarnos de ellos o entenderlos? Esta es la cuestión básicade la película, que trata sobre las relaciones humanas a un nivelmuy básico”. Y que se desenvuelven, añadimos nosotros,de una manera pausada, acariciando el paisaje circundan-te, prestando atención a los detalles mínimos del entorno,mientras una música agradable y sosegada acompaña eldesarrollo de esta peculiar relación humana.
  • 5. 13 de abril 2011 Sesión número 1350 TENGO ALGO QUE DECIROSTítulo original: Mine vaganti. Interpretación: RiccardoDirección: Ferzan Ozpetek Scamarcio (Tommaso), Nicole(2010). Nacionalidad: Italia. Grimaudo (Alba), AlessandroGuion: Ivan Cotroneo y Preziosi (Antonio), EnnioFerzan Ozpetek. Producción: Fantastichini (Vincenzo),Domenico Procacci. Lunetta Savino (Stefania),Música: Pasquale Catalano. Ilaria Occhini (abuela),Fotografía: Maurizio Calvesi. Daniele Pecci (Andrea), ElenaMontaje: Patrizio Marone. Sofia Ricci (Luciana), BiancaDiseño de producción: Nappi (Elena).Andrea Crisanti Duración: 116 minutos Versión original con subtítulos en españolTommaso es el miembro más joven de la extensa y excéntrica fa-milia Cantone, dueños de una fábrica de pasta en Puglia.. Tom-maso, aspirante a escritor, vuelve de Roma a casa para una im-portante cena familiar en la que su padre entregará la direcciónde la fábrica a su hermano y a él pero el joven planea anunciaren la cena que es gay, pero cuando se dispone a pedir silencio,se le adelanta su hermano, quien para sorpresa de todos desve-la su propio secreto.
  • 6. Ferzan Ozpetek (Estambul, 1959) es un viejo conocido delCineclub, porque en nuestra sala acogimos sus prime-ros películas: Haman, el baño turco (1997) y El último harén(1999) con las que abría una carrera cinematográfica mar-cada por unas expectativas muy favorables. Se había tras-ladado a Italia cuando era joven, para estudiar arte y espe-cialmente cine. En 1982 empezó a trabajar como ayudantede dirección, participando con esa dedicación en una vein-tena de largometrajes con realizadores como MassimoTroisi, Ricky Tognazzi, Sergio Citti, Lamberto Bava, MarcoRisi y otros, de los que recibió no sólo la adecuada prepa-ración profesional sino también una influencia multicul-tural que tuvo una primera ocasión de ponerse de mani-fiesto en Hamam, el baño turco. Luego su carrera empezó adecaer y de hecho sus películas dejaron de llegar a Espa-ña, hasta La ventana de enfrente (2003), también proyecta-da en nuestro cineclub. Por ello, la llegada de este nuevotítulo, bien acogido por la crítica europea aún dentro dela consideración de ser una película menor, sin grandesambiciones, tiene en buena medida el sentido de recupe-ración o reencuentro con un antiguo amigo de quien nosgustaría recibir buenas noticias en forma de películas inte-resantes. Tengo algo que deciros (nefasta traducción del ori-ginal Mine vaganti (Minas errantes) se acerca a esa conside-ración no exenta de atractivos. Globalmente consideradapodemos decir que pertenece a varios géneros muy pro-líficos en el ámbito del cine. Es una película coral, por laacumulación de personajes, cada uno de ellos caracteriza-do por una personalidad muy acusada: el reaccionario jefede la familia, potente y autoritario; la excéntrica Luciana;la ruda y firme abuela; el bromista, el tímido y, en fin, parallegar pronto a la figura que ha de marcar el estallido fa-miliar, el homosexual. Es una película que se integra tam-bién en la larga serie de relatos con secretos familiares queunos mantienen a costa de otros. Y es, por supuesto, unaanécdota más acerca de cómo salir del armario, cuestiónque tanto juego ha dado en películas durante los últimosveinte años. Con todo ello, la de Ozpetek no es en maneraalguna una historia rutinaria, repetición de otras anterio-res. En la originalidad de su planteamiento está su princi-pal encanto, pero también en la riqueza de matices de lospersonajes y las situaciones que van engarzando un rela-to que ofrece momentos hilarantes, otros ridículos y unaenvoltura general levemente melancólica, nada estridenteen su conjunto, para dejarnos un amable sabor agridulcemuy de agradecer en los tiempos que corren. Los persona-jes, casi todos miembros de la misma familia, van descu-briendo sus pensamientos y deseos -no solo la orientaciónsexual de uno de ellos- manteniendo siempre una ciertatensión en espera de intentar adivinar cuál será el desen-lace de los variados conflictos interiores planteados. Y quenos recuerdan el buen pulso de quien fue muy promete-dor director turco-italiano.
  • 7. 27 de abril 2011 Sesión número 1351 MIELTítulo original: Bal. Actores: Bora Altas (Yusuf),Dirección: Semih Kaplanoğlu Erdal Besikçioğlu (Yakup, el(2010). Nacionalidad: Turquía padre), Tülin Özen (Zehra, lay Alemania. madre).Guion: Semih Kaplanoğlu yOrçun Köksal. Producción: Duración: 103 minutosSemih Kaplanoğlu. Versión original conFotografía: Baris Özbiçer. subtítulos en españolMontaje: Ayhan Ergürsel,Semih Kaplanoğlu y S. Hande Oso de Oro en el festivalGüneri. Dirección artística: de Berlín 2010 y premio delNaz Erayda. Vestuario: Ozge jurado ecuménico.OzturkYusuf tiene seis años y acaba de empezar el colegio. Su padreYakup es apicultor, y Yusuf disfruta acompañándole. Un día,las abejas desaparecen, poniendo en peligro el sustento de la fa-milia. Yakup decide adentrarse en la montaña para descubrirqué ha ocurrido, pero pasa el tiempo y no regresa. Yusuf y sumadre buscan pistas para saber dónde está Yakup, pero en vano.
  • 8. Llega el momento de recibir en nuestro Cineclub a uno de los di-rectores que más éxito e interés viene cosechando durante losúltimos años en Europa, aunque hasta ahora ha sido completa-mente desconocido en España, situación que puede modificarseen un futuro inmediato al haberse estrenado seguidas las tres pe-lículas que forman la Trilogía de Yusuf, a la que pertenece el títu-lo de hoy, último de la serie. Semih Kaplanoglu (Izmir, Turquía,1963) se graduó en la sección de Cine y TV de la facultad de Be-llas Artes de su ciudad natal. Cuando obtuvo el título, se tras-ladó en 1984 a Estambul, iniciando su actividad profesional enempresas de publicidad, de las que pasó al cine, como asisten-te de cámara en dos documentales que obtuvieron varios pre-mios internacionales. Más tarde escribió el guión y dirigió unaserie de TV de 52 episodios, que alcanzó un enorme éxito popu-lar en los canales que la emitieron. Con ese soporte y prepara-ción, Kaplanoglu dirigió su primera película, Herkes kendi evinde(2001), que desarrolló un prolífico recorrido por festivales inter-nacional es en los que obtuvo una abundante cosecha de pre-mios, situación que se repitió con su segunda película, MeleginDüçüçü (2006), proyectada con muy buena acogida en el festivalde Berlín. Mientras había desarrollado otras actividades, comoescribir entre 1987 y 2003 artículos sobre artes plásticas y cine,publicados en revistas especializadas, además de colaborar en-tre 1996 y 2000 con una columna de opinión en el diario Radikal.Para entonces, ya había fundado su propia productora, Kaplan,con la que inició el desarrollo de la trilogía, Huevo (2007), Leche(2008) y Miel (2010), con la que obtuvo finalmente el Oso de Oroen el festival de Berlín. Sobre la génesis de la trilogía, el directorcomenta que “empezó a tomar forma cuando revisaba un guión quehabía escrito hacía tiempo y que contaba a grandes rasgos la historia deYusuf hacia el fin de su adolescencia. Mientras trabajaba en el persona-je empecé a pensar en cómo podría ser su futuro y así nació la trilogía,que puede verse como un largo flashback, pero en ningún momento sonpelículas de época. Todas transcurren en el tiempo actual y en diferen-tes lugares; las relaciones y niveles económicos difieren. En ocasionesme han preguntando si los tres Yusuf son el mismo. Prefiero no contes-tar para no revelar sus secretos, la relación directa e indirecta entre lastres películas, y sus misterios”. Kaplanoglu asegura que se basó ensus propias experiencias personales y vitales para dar forma alpersonaje de Yusuf, reconociendo que en su interior hay partesde él mismo, como referencias a su niñez: “Los problemas en la es-cuela cuando intentaba aprender a leer y a escribir, las preguntas quehacía y que nadie contestaba, la intensa crueldad y riqueza de la natu-raleza. En muchos aspectos, el niño da forma a su personalidad mien-tras descubre el mundo con curiosidad”. Para los amigos de conocerotras culturas, otras formas de vida, Miel resultará una películadel máximo interés, porque se desarrolla en un pueblo montaño-so de Turquía, en un paraje donde vive y reina la abeja negra, enun ambiente aislado del resto del mundo, lo que fomenta la vidanatural, la soledad, el silencio y la dureza del trabajo, circunstan-cias que marcan el carácter del niño Yusuf y su ciega devociónhacia el padre, Yakup, los ejes de esta historia rural y naturalista.
  • 9. 4 de mayo 2011 Sesión número 1352 LA OTRA HIJATítulo original: The new Actores: Kevin Costnerdaughter. Director: Luis (John James), Ivana BaqueroBerdejo (2009). Nacionalidad: (Louisa James), GattlinEstados Unidos. Producción: Griffith (Sam James),Paul Brooks. Guión: John Samantha Mathis (CassandraTravis; basado en un relato de Parker), Noah TaylorJohn Connolly. Música: Javier (profesor Evan White), ErikNavarrete. Fotografía: Checco Palladino (oficial Ed Lowry),Varese. Montaje: Tom Elkins Sandra Ellis Lafferty (sra.y Robb Sullivan. Diseño de Amworth)producción: Chris Shri Duración: 108 minutos Versión original con subtítulos en españolJohn James, un novelista de éxito recientemente divorciado, de-cide trasladarse a una apartada casa de Carolina del Sur con susdos hijos, Sam y Louisa. Pronto, la familia comienza a escucharunos extraños sonidos durante la noche que parecen estar rela-cionados con un antiguo túmulo funerario ubicado en los lími-tes de su propiedad y que cada vez más atrae a Louisa.
  • 10. Todo es posible en América, podríamos decir tomando el casode Luís Berdejo (San Sebastián, 1975), quien un día decidió hacerel petate, aterrizó en Hollywood, pidió una oportunidad y se ladieron, nada menos que con Kevin Costner de protagonista y asípudo filmar su primera película larga como director. Dicho y he-cho, como aquí se cuenta. Berdejo estudió en la Escuela de Cinede la Comunidad de Madrid (ECAM) y dirigió varios cortome-trajes, entre ellos La guerra (2005) y For(r)est in the Des(s)ert (2006),premiado en el festival de Sitges. También ha firmado los guio-nes de REC (2007) y Quarentine (2008) y con ese bagaje a sus espal-das se presentó animosamente en la meca del Cine para pedir unaoportunidad. De la lectura de esta somera biografía se puede de-ducir inmediatamente un dato muy claro: Berdejo tiene una ten-dencia natural hacia el género de terror o, como gustan decir algu-nos comentaristas, de profundidades psicológicos y patológicas. Aese género pertenecen los trabajos que hemos mencionado y tam-bién la película que llega hoy a nuestra programación, el primerlargometraje firmado por el director, quien cuenta, entre divertidoy asombrado, cómo llegó a Los Ángeles un día de 2006 para par-ticipar en un casting con destino a una película que finalmente nose hizo. Llevaba con él sus cuatro cortos rodados en España y de-sarrolló una muy activa campaña de autopromoción, enseñándo-selos a todo el mundo; conectó con un manager de la industria yasí fue desarrollándose el proceso, hasta encontrar la oportunidadde rodar La otra hija, un relato de John Connolly. “Había oído ha-blar de él, pero no conocía ni sus novelas ni sus relatos. La histo-ria toca temas que había tratado en mis cortos, como elementos so-brenaturales, criaturas fantásticas, niños, un bosque… Tenía mu-cho que ver conmigo. Luego todo eso lo personalicé; no se puedehablar de una reescritura, pero sí intervine en el guión. Los últi-mos quince minutos son míos, porque cambié el final y la época enque se desarrolla. Dentro de los parámetros que me había marca-do, me dejaron bastante libertad para trabajar”. Así nació esta pe-lícula que para Berdejo fue un auténtico sueño, más aún cuandosupo que podía contar con Kevin Costner, porque le habían anun-ciado la participación de un grande del cine, pero no llegó a pen-sar que pudiera ser tan grande hasta que vio a Costner a su lado.“Fue muy generoso. Lo primero que me dijo fue que él tambiénera director, pero que en esta película mandaba yo y que todo loque yo quisiera sucedería. Por eso he intentado sacar a un KevinCostner que no se hubiera visto antes, de acuerdo con el conteni-do de la historia”. Una historia que deambula entre la realidad ylo sobrerreal, mediante giros que van oscureciendo la trama en lamedida que aparecen cuestiones menos comprensibles, acompa-sadas a los cambios de humor de la joven Louisa, que el padre ini-cialmente atribuye a motivaciones relacionadas con la pubertad ya su propio reciente divorcio que, como es natural, ha influido demanera decisiva en el concepto de familia, criterio que empieza acambiar cuando advierte qué tipo de cosas es capaz de realizar lajoven. Berdejo sigue comentando que “esta es una película sobregente corriente y sobre cómo se enfrentan a cosas en aparienciacorrientes pero que resultan sobrenaturales; por ello las presentocomo si estuviéramos ante un drama familiar”.
  • 11. 11 de mayo 2011 Sesión número 1353 ANIMAL KINGDOMTítulo original: Animal Actores: Jameskingdom. Dirección y Frecheville (Joshua “J” Cody),guion: David Michôd (2010). Ben Mendelsohn (Pope),Nacionalidad: Australia. Joel Edgerton (BarryProducción: Liz Watts. “Baz” Brown), GuyMúsica: Antony Partos. Pearce (Nathan Leckie), LukeFotografía: Adam Arkapaw. Ford (Darren Cody), SullivanMontaje: Luke Doolan. Stapleton (Craig Cody),Diseño de producción: Jacki Weaver (JanineJo Ford. Vestuario: Cappi “Smurf” Cody), LauraIreland. Wheelwright (Nicky Henry). Duración: 112 minutos Versión original con subtítulos en español Primer premio en el festival de Sundance 2010Tras morir su madre, Joshua “J” Cody se va a vivir a Melbour-ne con sus tíos, con los que hasta ahora no ha tenido ningúntipo de contacto. Allí estará bajo la custodia de su abuela. Aun-que se adaptará rápidamente a su nueva vida, no tarda en des-cubrir que este mundo es mucho más peligroso de lo que an-tes había imaginado. Para sobrevivir, “J” deberá elegir qué lu-gar quiere ocupar dentro de este duro juego: estar con la familiao con la ley.
  • 12. El título de la historia con la que David Michöd debuta en ellargometraje (Animal Kingdon: Reino animal) insinúa cuálesson los ingredientes que va a manejar a lo largo de la histo-ria: un mundo muy lejos de la plácida bondad y amistosas re-laciones entre sus habitantes y más cerca de la implacable leyde la selva, donde sólo aciertan a sobrevivir quienes tienen po-der y habilidad para imponerse a los más débiles. Michöd es-tudió en la Sidney Grammar Schol antes de ingresar en la Uni-versidad de Melbourne, de donde salió licenciado para incor-porarse al departamento de Educación alternando el trabajocon nuevos estudios en la Escuela de Cine. Editor entre 2003y 2006 de la revista Inside Film, por esa época empezó a reali-zar sus primeros cortometrajes: Esdras Blanco, licenciado en De-recho (2006), Ballesta (2007), Netherland enano (2008), así comola serie de TV Peligrosas (2007), camino de preparación que fi-nalmente habría de llevarle a rodar su primer largometraje,Animal Kingdomn, presentada con todo éxito en el último festi-val Sundance, de cine independiente, que patrocina Robert Re-dford. El elemento central de una historia marcada por no po-cos tintes dramáticos es el joven actor James Frecheville, de 17años, debutante en esta película, situado emocionalmente en-tre dos puntos de atracción contraria y conflictiva: su tío Popey el detective Leckie, que van a representar dos puntos de vis-ta inicialmente no llamados a ser contrarios pero que termi-narán convirtiéndose en eso, al escenificar de un lado la fami-lia y sus condicionantes afectivos y de dependencia; de otro,la ley y el orden, que pueden ser amenazados si así conviene.Para encontrar al joven Cody fue preciso desarrollar un enor-me casting, en el que participaron más de 500 aspirantes has-ta elegir la figura adecuada, cercana a la imagen de alguienque acaba de salir de la niñez pero con suficiente aparienciafísica y madurez como para ser incorporado por sus tíos a lasactividades delictivas que están desarrollando. De esa mane-ra se va estructurando este amplio panorama fílmico por elque circulan cualificados “animales depredadores” (calificati-vo usado por el propio Michôd para definir su película) paraincorporarse manera muy notable al amplio repertorio de his-torias de cine negro que vienen formando un género definidoy cualificado. Una historia que tiene mucho de investigaciónsociológica, que no queda sólo en la epidermis de unos suce-sos criminales, pues los comportamientos de sus integrantesson analizados de manera minuciosa, estableciendo con rigorlas relaciones que van marcando las actitudes de unos y otros,cuando la marrullería puede dejar paso a comportamientospróximos a la grandeza, aunque sabemos de entrada que di-fícilmente encontraremos al final la grandeza que se supone alos héroes. Por ello la crítica ha señalado que esta película esuna de las más agradables sorpresas encontradas en la carte-lera de los últimos meses, adornada por una extraña bellezaformal que ofrece algunos instantes llamados a formar partede nuestros recuerdos permanentes y contando siempre con eleficacísimo soporte de un cuadro de actores realmente impre-sionante. Una nueva y brillante aportación del cine australianoy un magnífico descubrimiento de un nuevo director.
  • 13. 18 de mayo 2011 Sesión número 1354 WOMEN WHITHOUT MENTítulo original: Zanan-e Actores: Pegah Ferydonibedoon-e mardan. (Faezeh), Arita ShahrzadDirectora: Shirin Neshat (Fakhri), Shabnam Tolouei(2009). Nacionalidad: (Munis), Orsi Tóth (Zarin).Alemania, Austria y Francia.Productores: Susanne Duración: 95 minutosMarian, Martin Gschlacht Versión original cony Philippe Bober. Guion: subtítulos en españolShirin Neshat y Shoja Azari;inspirado en la novela León de plata al mejorde Shahrnush Parsipur. director en el festival deMúsica: Ryuichi Sakamoto. VeneciaFotografía: Martin Gschlacht.Montaje: George Cragg, JayRabinowitz, Julia Wiedwald,Patrick Lambertz, ChristofSchertenleib y Sam Neave.Diseño de producción:Katharina WöppermannCuenta la historia de cuatro mujeres durante los días del golpede estado en Irán de 1953, cuyas vidas se cruzan en el caos polí-tico del momento y encuentran refugio en el jardín de una casade campo. De este encuentro surge una historia de compañeris-mo, consuelo y amistad con el retrato del papel de la mujer en lasociedad iraní de aquella y explora el valor simbólico del jardínen la tradición islámica.
  • 14. Casi todo el mundo tiene una idea bastante aproximada delo sucedido en Irán en los últimos años, a partir de la revolu-ción islámica que llevó al poder a los integristas, dando lu-gar al régimen político hoy vigente, una peculiar repúblicacon aparentes comportamientos democráticos (hay partidospolíticos, se celebran elecciones, existe un presidente elegi-do) pero siempre bajo la vigilancia de los ayatollah, repre-sentados por el guía supremo de la revolución. Antes de esosucedieron otras cosas, y estas ya se encuentran más olvida-das o difuminadas en la conciencia de los occidentales, comoel elemento central de esta película, el intento revoluciona-rio del año 1953 que, por resumir los hechos, no fue sino unantecedente de lo que habría de suceder décadas más tarde.En aquella ocasión, el golpe fue brutalmente superado gra-cias entre otros motivos a la intervención de las potencias oc-cidentales en apoyo del gobierno y el sha obtuvo plenos po-deres para, en adelante, gobernar el país de una manera ab-solutamente despótica. A esa etapa histórica se acerca ShirinNeshat, una artista iranía residente en Nueva York, con unalarga experiencia en el terreno de la fotografía, el vídeo y lasinstalaciones multimedia. Neshat comenzó a darse a conocerinternacionalmente por sus series de retratos femeninos en laserie Women of Allah (1993-1997); ha creado diferentes seriesde videoinstalaciones, entre ellas dos muy reconocidas, Tur-bulent (1998) y Rupture (1999), por las que recibió premios enla Bienale de Venecia del último año citado. Su obra ha sidoexpuesta en varios museos de Nueva York, Londres y Ams-terdam. Todo ello antes de acometer el paso a la realizacióncinematográfica con esta película, galardonada en el festivalde Venecia con el premio a la mejor dirección. Muestra de suosadía personal es la decisión de afrontar la realización deuna historia sobre una etapa de la historia de su país siste-máticamente ignorada o silenciada, como ella misma recuer-da: “Desde el momento en que nací, se convirtió en un tabúhablar abiertamente del golpe de 1953, así que casi no tengoningún recuerdo, ni siquiera recuerdo oír a mi propia fami-lia discutir sus puntos de vista o experiencias”. Estaba laten-te, como suele ocurrir, el miedo implantado por la dictadu-ra del sha, apoyado en una terrible policía secreta de carác-ter político, que vigilaba y controlaba las actitudes y hasta lospensamientos de los ciudadanos, impidiendo cualquier tipode manifestación libre de las ideas. Todo ello está contado aldetalle en el libro de Shahrnush Parsipur, exiliada en el nortede California, que prestó el material narrativo adecuado parauna película que, además, ofrece un bellísimo planteamientoformal, resultado de su amplia experiencia en el mundo de laimagen, sin olvidar el poético mensaje derivado del peculiartratamiento del jardín, ese factor, junto con el agua, tan vin-culado a la cultura islámica.
  • 15. 25 de mayo 2011 Sesión número 1355 CARTAS AL PADRE JACOBTítulo original: Postia Actores: Kaarina Hazardpappi Jaakobille. Dirección: (Leila), Heikki NousiainenKlaus Härö (2009). (padre Jacob), JukkaNacionalidad: Finlandia y Keinonen (cartero), EskoSuecia. Producción: Lasse Roine (Vankilan).Saarinen y Ristro Salomaaa.Guion: Klaus Härö y Jaana Duración: 74 minutosMakkonen. Fotografía: Versión original conTuomo Hutri. Música: Dani subtítulos en españolStrömback. Montaje: SamuHeikkilä.Dirección artística: KaisaMäkinen.Leila es una asesina condenada a cadena perpetua que, tras doceaños de cárcel, recibe el indulto. Antes de dejar la prisión, unfuncionario le explica que Jacob, un cura rural anciano y ciego,ha solicitado su ayuda como asistente. Leila acepta esta labor.Así, dos mundos radicalmente opuestos se entrelazan en unaconvivencia que inicialmente parece imposible.
  • 16. Mientras nos agobian las historias superespectaculares que nosllegan de Hollywood, envueltas en poderosos mecanismos digi-tales que ocultan cada vez más la presencia de actores reales y di-fuminan la comisión de hechos no menos auténticos, de vez encuando llegan hasta nosotros historias mínimas, argumentos di-rectos, personajes tan cercanos que casi los podemos imaginarsentados a nuestro lado en la butaca aunque, como sucede en estecaso, pertenezcan a culturas frías, cerebrales, muy distancias denuestros sentimientos mediterráneos, tan cálidos y apasionados.El cine nórdico, aunque llega hasta el sur con cuentagotas, tieneen los últimos años un sólido prestigio amparado en varios títu-los de éxito. A ese cine, aunque sin tener el apoyo de las multitu-des de espectadores que hacen cola para ver las películas basadasen las fantasías de Stieg Larrson (ya saben: la serie Millennium ysus secuelas). pertenece esta historia sencilla, austera, intimista,basada apenas en las relaciones entre dos personas inicialmentedotadas de un atractivo escaso por no decir intrascendente, peroen ese juego radica precisamente la grandeza de este relato que nonecesita de llamativos alardes para mostrarse cercano a nuestrointerés. El director, Kalus Härö, era completamente desconocidoen España, salvo en los círculos minoritarios que va de festival enfestival, como de hecho se nos muestra muy lejano el cine finlan-dés, arrinconado ya el recuerdo fecundo de Aki Kaurismäki. Härönació en Porvoo en 1971 y además de varios cortometrajes, teníaya acreditados tres títulos largos antes del que hoy vamos a cono-cer: Elina. Som om jag inte fanns (Elina. El caso de quien nunca es-tuvo allí, 2002); Äideïsta parhain (Madre de las minas, 2005) y Dennya människan (La nueva humanidad, 2007). Es muy conocido enlos países septentrionales europeos y en el año 2004 recibió el pre-mio nacional finlandés a las Artes. No es, por tanto, un novato de-butante, sino que se encuentra avalado ya por una respetable ex-periencia, que ahora se desarrolla a través de un argumento muyapropiado para el carácter nórdico, tan aficionado a cuestiones re-lacionadas con la espiritualidad, el alma y los sentimientos ínti-mos. Hay que considerar, y la crítica así lo ha observado, un cier-to esquematismo simplista en los planteamientos de partida, untanto ingenuos en origen, pero que no estorban para nada en lasolidez posterior de la evolución de los hechos. Tenemos, en eseinicio, dos personajes absolutamente contrapuestos: un sacerdo-te que muestra evidentes signos de ser un iluminado o un místi-co, convencido de que la bondad todo lo puede y, en el otro lado,una mujer áspera, ruda, marcada por una dura existencia y, des-de luego, por un crimen. En la oposición, incluso distanciamien-to, de estas personalidades, se encuentra el eje en torno al que vaa desarrollarse una relación que, imaginamos, alcanzará un finalfeliz, aunque no podamos adivinar con precisión cuáles serán losacontecimientos que el director irá desarrollando para alcanzar-lo. El mensaje es claro: la esperanza siempre es posible, en cual-quier situación, por complicada que sea y por mucho que unas si-tuaciones adversas nos parezcan insalvables. Todo ello contadoen un tono de seriedad austera, en el que apenas queda algún leveresquicio para un toque de humor, como si Härö quisieran decir-nos que, de haberlo querido, podría haber habido más simpatía.
  • 17. 2 de junio 2011 Sesión número 1356 CINCO MINUTOS DE GLORIATítulo original: Five minutes Actores: Liam Neesonof Heaven. Director: (Alistair Little), James NesbittOliver Hirschbiegel (2009). (Joe Griffin), AnamariaNacionalidad: Reino Unido Marinca (Vika), Juliete Irlanda. Producción: Eoin Crawford (Cathy), MarkO’Callaghan. Guión: Guy David (Alistair de joven),Hibbert.. Música: David Richard Dormer (Michael),Holmes y Leo Abrahams. Kevin O’Neill (Joe de joven),Fotografía: Ruairi O’Brien. Pauline Hutton (Sharon),Montaje: Hans Funck. Andrea Irvine (Sarah)Diseño de producción: MarkLowry. Vestuario: Maggie Duración: 90 minutosDonnel Versión original con subtítulos en españolLurgan, Irlanda del Norte, 1975. Alistair Little, de 16 años, esel líder de una célula UVF (Fuerza Voluntaria del Ulster) im-paciente por derramar sangre. Él y su cuadrilla reciben el vis-to bueno para matar a un joven católico, James Griffin, crimenque contempla Joe Griffin, el hermano pequeño. Treinta añosmás tarde, Joe Griffin y Alistair deben encontrarse, ante las cá-maras, de cara a una reconciliación. La paz se ha establecido enIrlanda del Norte, pero Joe Griffin tiene otros planes en mente.
  • 18. Oliver Hirschbiegel (Hamburgo, 1957) se educó en la escuelaWaldorf, famosa por sus principios antiautoritarios y a la queno se supo adaptar, abandonando los estudios para embarcar-se como cocinero. Más tarde se matriculó en Pintura y DiseñoGráfico, en la Academia de Arte de Hamburgo, donde bajo la in-fluencia de Sigmar Polke empezó a mostrar interés por la foto-grafía, el cine y el vídeo. Realizó una serie de montajes artísticosy perfomances basados en la imagen y junto a Gabor Body llevóa cabo un vídeo-magazine, “Infermental”. En 1986 vendió su pri-mer guión a la cadena ZDF que le encargó la dirección. Así na-ció “Das Go! Project”, su primer trabajo serio para TV, que obtu-vo unas excelentes críticas y nuevas ofertas para dirigir. En losaños siguientes hizo numerosos thrillers e historias de crímenespara TV, con las que consiguió algunos premios, figurando en-tre esos trabajos catorce episodios de la serie “Komissar Rex” ydos de la serie “Tatort”. Con ese bagaje acometió la realizaciónde su primer largometraje cinematográfico, El experimento (2001),a la que siguieron El hundimiento (2004) e Invasión (2007). En estaocasión, Hirschbiegel abandona el habitual escenario de sus pe-lículas, Alemania, para trasladarse a Irlanda, territorio en el quesiempre hay un tema muy propicio, el de la larguísima revuel-ta criminal protagonizada por el IRA, sin que debamos olvidaralgunos otros desmanes también realizados por el sector contra-rio, todo ello al parecer felizmente diluido en una situación muypróxima a la paz, aunque como suele suceder tras cualquier pe-riodo de conflicto civil, alcance o no la categoría de guerra abier-ta, pero sí el de enfrentamiento, los problemas realmente surgencuando llega la hora de la reconciliación. Que es, precisamente,el dilema moral que el director aborda en esta película: los res-ponsables, los dirigentes, firman la paz y formalmente una situa-ción pacífica se impone en el conjunto de la sociedad. Pero ¿quépasa con las conciencias individuales? ¿Todo el mundo está dis-puesto a olvidar agravios, atentados, incluso crímenes mortales,para abrazar o al menos tolerar la presencia de quien fue su ene-migo? ¿Nadie tiene ansias de venganza? El tema tiene, natural-mente, fuerza y tensión, elementos que el director desarrolla através de una serie de cuestiones subyacentes en el progreso delrelato. Está el tema del arrepentimiento, el concepto de culpa queel asesino arrastra toda su vida, convencido de haber cometidouna monstruosidad;; culpa también en el joven hermano, ago-biado por la idea de no haber hecho todo lo posible para evitarel crimen. Ambos son, pues, dos seres atormentados que necesi-tan adaptarse a la nueva situación creada con el film de la vio-lencia. El programa de televisión al que son invitados puede re-presentar la catarsis de esa situación, la salida mediante la explo-sión de sus sentimientos más íntimos (y aislándose del hecho deque, realmente, lo que se pretende es cultivar el morbo de la au-diencia). Una interesantísima cuestión de índole moral, que inte-resa mucho en una sociedad como la española donde parece queal fin y tras años de amarguras, podemos llegar a alcanzar tam-bién, en un tiempo quizá razonable, una situación similar en laque el crimen organizado por el terror pueda llegar a desapare-cer, para que nos preguntemos: Y ahora, ¿qué?.
  • 19. 8 de junio 2011 Sesión número 1357 WHEN YOU’RE STRANGETítulo original: When Duración: 86 minutosyou’re strange, Dirección y Versión original conguión: Tom DiCillo (2009). subtítulos en españolNacionalidad: EstadosUnidos. Producción: Peter Documental sobre el grupoJankowski, John Beug, Dick norteamericano The DoorsWolf y Jeff Jampol. Música:The Doors. Fotografía: PaulFerrara. Montaje: MickeyBlythe y Kevin Krasny.Narrador: Johnny Depp
  • 20. Esta es la primera película documental rodada sobre el míticogrupo The Doors pero, a la vez, es también un documento fílmi-co de considerable importancia sobre la América de los años 60.Recoge material rodado sobre el famoso grupo musical formadoen Los Ángeles (California), acercándose al lado más desconoci-do de la banda y en especial a su carismático líder: Jim Morrison.Tom DiCillo ha contado con el apoyo de Ray Manzarek, RobbyKrieger y John Densmore, teclista, guitarrista y batería respec-tivamente de The Doors, que formaron la banda junto a Morri-son. Utilizando exclusivamente material original, en su mayo-ría inédito y rodado en buena parte por el propio Morrison en-tre 1966 y 1971 —período de existencia del grupo—,Tom DiCillopresenta a la banda y su contexto en el seno de un país (una so-ciedad) que vivió en esa época una auténtica evolución (quizáincluso una revolución) interna desde el acentuado conservadu-rismo que la marcaba hasta posiciones abiertamente liberales yprogresistas. Tom DiCillo (Camp LeJeune, Carolina del Norte,Estados Unidos, 1953), hijo de madre italiana y padre estadouni-dense, estudió Escritura creativa en la Universidad de Virginia ycine en la de Nueva York, donde conoció a Jim Jarmush para elque trabajó en la fotografía de Permanent Vacation y Extraños enel paraíso. También hizo este trabajo en el film independiente Theend of the Night, de Keith McNally. Tom DiCillo es uno de los per-sonajes más interesantes surgidos en los últimos años en las nó-minas de directores estadounidenses. Obtuvo el master de Artesen Dirección en la universidad de Nueva York en 1979, periododurante el que tuvo que realizar seis cortos, con uno de los cualesganó el premio Paulette Goddard. Entre 1980 y 1987 trabajó ennumerosas producciones teatrales y de cine independiente y en1991 hizo acto de presencia en el festival de Sundance con su pri-mera película, Johnny Suede que luego ganó el primer premio enel festival de Locarno. Con Vivir rodando ganó el premio al mejorguión en Sundance (1995), además de varios galardones en otrosfestivales. Luego ha rodado Caja de luz de luna (1996), Una rubiaauténtica (1997), Doble contratiempo (2001) y Delirious (2006) antesde llegar a When you’re strange, presentada como un documentalaunque, realmente, es un film de ficción organizado a partir deescenas documentales extraídas de los archivos y de varias otraspelículas, como la que sirve de arranque, cuando un silenciosoJim Morrison recorre taciturno y solitario el desierto, haciendoautostop, imágenes que corresponde al film experimental HWY:an american pastoral (Paul Ferrara, 1969). La película está hecha,naturalmente, a la mayor gloria de The Doors pero ellos ocupa-ron de manera intensa una época de los Estados Unidos (y, porextensión natural, del mundo occidental) y eso está muy presen-te en el desarrollo del film, que no es -ya lo hemos señalado- undocumental en estricto estado puro, que hubiera podido resol-verse a partir de otros planteamientos similares, en una sucesiónde conciertos, grabaciones, palabras de los protagonistas. Aquí,en realidad, está presente toda una época, que se nos transmite através de la música interpretada por un grupo que alcanzó nive-les de leyenda pero también de los sonidos emitidos desde otrasfuentes (gritos, bombas, ruidos) y que forman el entramado cre-puscular sobre el que toma forma la música de un grupo inolvi-dable. Y que, por supuesto, está aquí muy presente, ocupandotodo el metraje de la película para hacer rejuvenecer a quienes yano lo son y para ayudar a comprender algo de aquella época a losque sí lo son ahora. Y así hasta llegar a The End, la mítica cancióncon la que el grupo cerraba su primer disco, publicado en 1967, yconvertida ya en toda una leyenda musical.
  • 21. 15 de junio 2011 Sesión número 1358 Horario: 17 y 22,30 horas EN EL CENTRO DE LA TORMENTATítulo original: In the Actores: Tommy Leeelectric mist. Dirección: Jones (Dave Robicheaux),Bertrand Tavernier (2009). John Goodman (JulieNacionalidad: Estados Balboni), Peter SarsgaardUnidos, Francia. Producción: (Elrod T. Sykes), MaryMichael Fitzgerald y Frédéric Steenburgen (Bootsie), KellyBourboulon. Guion: Jerzy Macdonald (Kelly), JustinaKromolowski y Mary Olson- Machado (Rosie Gomez), NedKromolowski; basado en Beatty (Twinky Lemoyne),la novela de James Lee James Gammon (Ben Hebert),Burke. Fotografía: Bruno Pruitt Taylor Vince (Loude Keyzer. Música: Marco Girard)Beltrami.. Montaje: ThierryDerocles, Roberto Silvi y Duración: 117 minutosLarry Madaras. Diseño Versión original conde producción: Merideth subtítulos en españolBoswell.New Iberia, Louisiana. El detective Dave Robicheaux anda trasla pista de un asesino en serie responsable de la muerte de variasjóvenes. Tras reconocer la escena de un nuevo crimen, Dave co-noce a la estrella de Hollywood Elrod T. Sykes, que se encuentrarodando en el lugar su última película. Dave tiene la sensaciónde que a medida que se va acercando al asesino, éste también seacerca a él y a su familia
  • 22. Bertrand Tavernier (Lyon, 1941) es el más americano de losdirectores franceses, lo cual no es mucho decir porque los ci-neastas galos, desde Jean Renoir a François Truffaut, han sen-tido siempre una irrefrenable vocación hacia Hollywood, laforma de trabajar allí y el tipo de películas que se producen enlas playas de California, aunque no siempre resulte fácil imi-tar esos métodos. Tavernier sí se acerca bastante y hoy tene-mos a la vista un buen ejemplo. Hijo del escritor René Taver-nier, empezó su relación con el cine como agente de prensa,lo que le permitió conocer a una buena cantidad de directo-res que acudían a París a presentar sus películas. Después fueperiodista informativo y crítico, publicando artículos y ensa-yos en “Cahiers de Cinema” y “Positif”. Fue ayudante de JeanPierre Melville. Debutó en la dirección haciendo uno de losepisodios de Les baisers (1963), y un par de cortos a continua-ción, realizando diez años después el primer largometraje, .Alterna su trabajo con films de ficción con la dirección de do-cumentales. Es autor del libro “50 ans de cinéma américain”,un brillante análisis de los nombres más importantes del cineamericano y de otros sobre el western y Humphrey Bogar. En1974 ganó el Prix Delluc por El relojero de Saint Paul y a par-tir de ahí desarrolló una carrera abundante en títulos, muchosde ellos valiosos: El juez y el asesino 1976), La muerte en direc-to (1980), Alrededor de la medianoche (1986), La vida y nada más(1993), Capitán Conan (1996), Hoy empieza todo (1999), La peque-ña Lola (2003), ¿Cuánto me amas? (2005), entre otros muchos.Como puede apreciarse por esa lista, bastantes de los títulosindicados encajan perfectamente en el llamado “cine negro”que es uno de los componentes más característicos del cineamericano, sobre todo en las fecundas décadas de los 50 y60 en que se produjeron películas memorables y definitorias.Y en el que perfectamente se puede encuadrar, sin demasia-dos problemas, En el centro de la tormenta, pues cuenta con to-dos los ingredientes necesarios y que un buen discípulo de losmaestros, como Tavernier, ejecuta con redonda madurez. Deun modo simplista un observador distraído podría decir queel argumento no es nada original; llevaría razón, aunque lue-go vendrían los matices para introducir elementos correcto-res. Pero, naturalmente, hay mucho más: la excelente realiza-ción, el trepidante avanzar de la historia, el planteamiento delos ingredientes dramáticos que acentúan la acción, la riquezade detalles ambientales. En definitiva, lo que se llama talentoaplicado a la realización de una película. Y que encuentra eladecuado apoyo en un prodigioso cuadro de intérpretes, algoque en bastantes ocasiones salva películas mediocres. Esta nolo es, sino cine de muy alta calidad, pero es claro que la pre-sencia poderosa de Tommy Lee Jones, John Goodman, MarySteenburgen y Kelly MacDonald ayuda notablemente a quetodo sea aún mejor de lo que, de todas formas, lo hubiera sidosin ellos. Habilidad que añadir a la que Tavernier tiene acre-ditada por tantos otros conceptos.
  • 23. 15 de junio 2011 Horario: 19,30 horas RÍO ROJOTítulo original: Red River. Actores: John WayneDirector: Howard Hawks (Thomas Dunson),(1948). Nacionalidad: Montgomery Clift (MatthewEstados Unidos. Producción: Garth), Walter BrennanMonterey Productions, para (Grot), Joanne Dru (TessUnited Artists. Argumento: Millay), John IrelandBorden Chase, por su novela (Cherry), Hank Worden“The Chrislom Trail”. Guión: (Kenneally), Coleen GrayBorden Chase, Charles (Fen), Noah Beery jr (Buster;Schnee. Fotografía: Russell en España: Maravilla), JefeHarlan, en blanco y negro. Yowlachie (Quo), HarryDecorados: John Datu Carey sr (Melville), HarryArenema. Música: Dimitri Carey jr (Don Latimer),Tiomkin. Montaje: Christian Mickey (Sims), Ivan ParryNyby. (Bunk Kuhn), Paul Fix (Teeler) Duración: 126 miunutos Versión original con subtítulos en españolTom Dunson, acompañado de su hijo adoptivo Matthew Garthy su amigo Groot, debe conducir un importante rebaño de ga-nado hasta Abilene. Su violento carácter, marcado por la dure-za y el rigor, provoca el amotinamiento de los hombres, a los quese une Matthew
  • 24. Muchos detalles, en apariencia pequeños, hacen grande, incon-mesurable, a Río Rojo, uno de los títulos emblemáticos del wes-tern clásico, ese que ya no se hace (sólo Clint Eastwood se haatrevido a tocarlo en los últimos años) pero que sigue forman-do parte de la mitología inconmovible del cine de todos los tiem-pos. Este es el primer western dirigido por Howard Hawks, es laprimera aparición en la pantalla de un jovencísimo MontgomeryClift, tiene la firma argumental de Borden Chase (y eso obliga ahacer una reverencia ceremonial), está el inmenso Russell Harlantras la cámara, cuenta con la música de Dimitri Tiomkin para de-jar el ánimo en suspenso. En su desarrollo figura la que casi todoel mundo considera como la más clamorosa pelea entre dos va-queros jamás filmada. Y está, en fin, John Wayne, enorme, gigan-tesco, en la que pasa por ser (y aquí lo ratificamos) su mejor in-terpretación, la que contribuye a encumbrarle como uno de losmayores actores jamás salidos de Hollywood, por más que unacierta generación de críticos necios pretendieran enmascarar esehecho real con adjetivaciones políticas. Todo es maravillosamen-te cercano, directo, en Río Rojo, cuya acción va desarrollándosecon ese pausado, sistemático devenir que sólo los grandes direc-tores de la buena época son capaces de desarrollar, apoyándosesiempre en un relato tan sobrio como medido. Todo ello, además,en un maravilloso blanco y negro cuyos matices y contrastes nosconsuelan de tantas memeces infumables en sosos colorines. De-trás y al frente de esta genialidad cinematográfica está HowardHawks (1896-1977), inicialmente licenciado como ingeniero in-dustrial, pero pronto empezó a trabajar como piloto de carrerasy aviador. Al término de la I guerra mundial continuó diseñandoy construyendo bólidos de carreras, pero parece que en 1917 yaestaba rodando algunas escenas de películas mudas. Desde 1923colabora de manera asidua en tareas vinculadas al cine (ayudan-te de dirección, guionista), hasta dirigir su primer largometra-je en 1926, emprendiendo así una carrera prolífica, en la que fi-guran títulos memorables, de todos los géneros, como -por citaralgunos- Scarface, el terror del hampa (1932), La comedia de la vida(1934), La ciudad sin ley (1935), La fiera de mi niña (1938), Luna nue-va (1940), El sargento York (1941), Tener y no tener (1944), El sueñoeterno (1946), Nace una canción (1948), La novia era él (1949), Río desangre (1952), Me siento rejuvenecer (1952), Los caballeros las prefie-ren rubias (1953), Tierra de faraones (1955), Río Bravo (1959), Hatari(1962), El Dorado (1967), Río Lobo (1970). Como se ve por esa apre-tada relación, la obra de Hawks podría quedar estructura sobreun trípode genial: el thriller, la comedia y el western. Por todoello recibió un Oscar honorífico en reconocimiento al conjuntode su carrera. En el centro de esa obra inmensa está Río Rojo, unahistoria de vaqueros en la que se encierra toda la esencia del gé-nero mediante la síntesis de elementos complejos que se van en-garzando como las piezas de un delicado collar de piedras pre-ciosas, cada una con sus matices, brillos y tonalidades, para darcomo resultado un ejemplar de tan delicados componentes comoespectacular resultado conjunto. Si alguien se queda sólo con lasvacas y las praderas es que ha entendido poco. Hay que captarla dureza de los seres humanos implicados, las emociones quetransmiten sus sentimientos, la luminosidad del paisaje, las fra-ses que transmiten ideas complejas (“¿Por qué los hombres tie-nen miedo de noche y no por el día?”, las que deslizan sutiles iro-nías (por ejemplo, sobre “el tamaño” de las pistolas), las relacio-nes humanas que van de la ira al afecto, de la dureza a la ternura.Hay en toda la película una sutil belleza que no se rinde ante lasminucias sino que alcanza niveles telúricos, con una planifica-ción tan efectiva (los encuadres siempre a la altura del ser huma-no) como conmovedora en sus resultados.
  • 25. ESTA PROGRAMACIÓN DELCINE–CLUB CHAPLIN ES POSIBLEGRACIAS A LA COLABORACIÓN DE Depósito Legal: CU-131-2011

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